Creo que en sí el título de la canción lo dice todo. Sé que llevo un par de actualizaciones con música un poco lenta (pastelosa para algunos), pero tiempo al tiempo, a los que os gusten un poco más marchosas todo llegará.

Hoy una en una canción interpretada por Ben E. King y escrita, además del cantante, por Jerry Leiber and Mike Stoller (1961). “Stand by me” es una adaptación a una canción de un coro gospel ,The Staples Singers de 1955, pero con un toque un poco más moderno. En principio Ben E King no tenía pensado interpretar la canción, sino que la había elaborado para el grupo The Drifters, pero el cantante murió antes de poder cantarla. Según un reportaje “Historia del Rock’n'Roll”  Ben E KIng decidió interpretar la canción ya que cuando estaba grabando “Spannish Harlem” el productor musical preguntó por más material y éste junto a los dos compositores de la canción decidieron enseñársela. Durante dos años se publicó como un single, después se incluyó en el album de Ben E. King Don´t Play That Song. Se situa en el nº 151 de las 100 mejores canciones según la revista Rolling Stone.

Numerosos artistas han versionado esta canción:

John Lennon en 1975, antes de retirarse de la música  con motivo del nacimiento de su hijo Sean Lennon, la versionó incluyéndola en su album   Rock ´n´ Roll. El inicio de la canción es el inicio de una canción tocada por Ringo Starr.

Sean Kingston hizo una versión pero con un ritmo mucho más pop.

Versiones en español como la de Silvio Fernández Melgarejo “Rezaré”, o la de Bruno Lomas “Rogaré por ti”.

U2 entre 1987 y 1993 durante las giras de Joshua Tree Tour y Zoo TV. Además del concierto ofrecido en Philadelphia con la colaboración de Bruce Springsteen.  Esta versión aunque sea en directo la mezcla de las voces de Bono y Bruce hace que la canción coga un ritmo pegadizo y llevadero.

en 2009 Richie Sambora, Andranik Madadian, Jon Bon Jovi grabaron una versión juntos en solidaridad con el pueblo de Irán por las protestas electorales.

When the night has come
And the land is dark
And the moon is the only light we’ll see
No I won’t be afraid, no I won’t be afraid
Just as long as you stand, stand by me

Charlotte Pichon Muñoz

The Birds

Director: Alfred Hitchcock.

Guión: Evan Hunter, basado en una obra corta de Daphne Du Maurier.

Intérpretes: Tippi Hedren, Rod Taylor, Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright.

Música: Bernard Herrman (mezcla de sonido).

Fotografía: Robert Burkes.

EEUU. 1963. 119 minutos.

De Du Maurier a Hitchcock

Uno de los misterios más sobrecogedores de la historia de la crítica cinematográfica es, para mí, que existan detractores a esta obra maestra del Cine que Alfred Hitchcock se sacó de la manga en 1962-1963, tras Psycho y antes de Marnie. The Birds parte de un solvente guión de Evan Hunter que Hitch lleva a su terreno en cada uno de los planos de la película. Las modernas, estilizadas, tan genuínas estratagemas narrativas del brillante realizador británico parecen llevadas al extremo en esta obra cuya multiforme y atravesada tensión no da tregua al espectador desde el primer al último instante de la película. Sus bazas son la adaptación de una short story de Daphne Du Maurier (adaptación tan libre que hereda simplemente el título y la idea del ataque de unos pájaros a una comunidad aislada); el juego entre dos géneros tan opuestos como la comedia romántica y la ficción de terror; la renuncia a la utilización de fondo musical alguno –Bernard Herrman sirvió para asesorar al director en el uso de los elementos electrónicos que reproducen los graznidos de los pájaros (sic)-; y el desarrollo del filme en un pequeño microcosmos, Bodega Bay, concentración espacial que también se corresponde con la temporal (toda la acción acontece en un lapso de cuatro días, un fin de semana largo).

La derrota del hombre

Todos estos elementos se convierten en ejes del juego cinematográfico, tan inspirado como cruel, tan brillante como despiadado, que Hitchcock propone al espectador. Sirviéndose de largos planos silentes para absorber el sentido clásico de la narración (y construir texturas muy diversas de suspense, logrando sobredimensionar el tono, al principio casi cómico, progresivamente más ominoso, hasta lo trágico), Hitch, cual demiurgo del tiempo y el espacio, consigue enjaular a los personajes en la inexplicable hostilidad: no sólo literalmente en la dantesca secuencia en la que Melanie está encerrada en la cabina telefónica, o aquélla en casa de los Brennen –al final del filme, cuando Mitch está tapiando todas las entradas para protegerse del foribundo ataque y Melanie, en la cocina, observa los dos lovebirds en su jaula, sugiriendo la equiparación entre los dos animales y los cuatro humanos, también enjaulados-, sino también en el propio bar donde quedan recluidos, y, en definitiva, en toda la extensión de aquel diminuto pueblo, cuya geografía se delimita perfectamente para que conozcamos lo difícil que resulta entrar o salir de él… Describir secuencias sobresalientes de la película daría para una lista demasiado extensa, prefiero recomendar al espectador que se libre de sus prejuicios, que se meta en la historia, que se enamore del personaje que encarna Tippi Hedren a pesar de que –a priori- sea su irresistible belleza lo único que le llame la atención, que se convierta en ciudadano de Bahía Bodega y que, cuando la ira de los pájaros despierte, se limite a hacer lo que todos hacen: sufrir y desesperarse. Hitchcock les pondrá todas las facilidades para ello. Aunó su inmenso talento en el encuadre y la construcción de atmósferas con un esfuerzo sin parangón en los apartados técnicos para dar credibilidad visual a tan dantesca coyuntura. Y el resultado está a la vista. La liviana, casí pícara, historia de un romance se quiebra cuando una gaviota hace algo más que despeinar a la protagonista, y de ahí… al Apocalipsis, a la derrota del hombre y de su lógica.

De redención

A diferencia de lo que solía ser habitual, en esta película Hitchcock no quiso contar con grandes estrellas. Tippi Hedren no tenía experiencia previa en el cine, pero Hitch le arrancó una esplendorosa interpretación. Por su parte –y con idéntica premisa de la brillante dirección de actores-, Rod Taylor, Susanne Pleshette y Jessica Tandy no le fueron a la zaga. Y es así porque, en un análisis que se atreva un poco más allá de lo evidente, que se fije en los abundantes y primorosos primeros planos que enmarcan actitudes y sentimientos de los personajes, se descubre que el pathos que vertebra esta The Birds se halla fundamentalmente en el paradójico trayecto de redención emocional de esos personajes –paradójico por cuanto el sufrimiento inherente al mismo no procede tanto de la voluntad antes bien de la inexplicable amenaza exterior-: sin la intervención de los pájaros rábicos, la posh juguetona y descarriada en la que en definitiva se erige Melanie Daniels al principio del filme no hubiera cedido el punto de vulnerabilidad que el personaje de Mitch, cínico abogado, precisaba para que la atracción meramente física entre ambos se convirtiera en algo más profundo y alcanzara cierto punto de equilibrio sentimental; lo mismo puede predicarse del personaje que encarna Jessica Tandy, la madre posesiva que revelará un cambio de actitud, un inesperado instinto maternal y una capacidad de comprensión ante la vulnerabilidad de Melanie (una actitud que, nos apunta el filme en no pocas situaciones, no cedió en el caso de la anterior novia de Mitch, Susan); ésta, por su parte, ya no necesita redención, pues vive arrojada a un calvario existencial –vivir cerca del hombre al que ama aunque no pueda conseguirlo-, y quizá por ello ese sacrificio incondicional se verá parangonado con su trágico final.

http://www.imdb.com/title/tt0056869/

http://www.filmsite.org/bird.html

 http://www.hitchcockfans.com/gallery_thebirds.php

http://billsmovieemporium.wordpress.com/2009/03/21/review-the-birds-1963/

http://monsterhunter.coldfusionvideo.com/TheBirds.html

http://www.dvdverdict.com/reviews/birdsce.php

http://www.miradas.net/2005/n36/clasico.html

http://www.terrortrap.com/creaturefeatures/birds/

Todas las imágenes pertenecen a sus autores

1960 Best Picture, The Apartment

For the next movie in our Best Picture project, Lauren and I backtracked from 1964 to 1960 to watch The Apartment, which apparently just became available on Netflix. I am happy to say I managed to stay awake for the entire movie this time!

The Apartment stars Jack Lemmon as CC Baxter, a regular dude at a huge insurance firm in New York who lets four colleagues from upper management use his apartment for their extra-marital affairs. In exchange, he is given excellent reviews and is quickly promoted to an executive position. All the while, Baxter has his eye on the elevator lady, Miss Kubelik (Shirley MacLaine), who just so happens to be dating Baxter’s new boss, Mr. Sheldrake—who has now taken on the exclusive right to Baxter’s apartment for his mischievous behavior. In The Apartment, we see how Baxter juggles his own romance while dealing with his cheating boss.

At the time, this movie was thought to be very controversial with its adultery theme. Star Fred MacMurray was hit by a woman on the street with a purse for his role in such a filthy production. Despite some negative reviews, it quickly won over the critics on its way to ten Oscar nominations.

I very much enjoyed The Apartment. I thought it was a very unique story with suspense, drama, and comedy. Jack Lemmon, who I know best as one of the Grumpy Old Men, was excellent in his lead role. Shirely MacLaine was also good, and reminded me and Lauren of the waitress from It’s Always Sunny. (See my composite image below!)

Look-a-Likes: Shirley MacLaine and Mary Elizabeth Ellis

I found lead character Baxter to be a sympathetic fellow, trying hard to make a name for himself at his insurance company with 32,000 employees while being bullied by his superiors. Baxter takes the blame for all the commotion in his apartment, and as far as his neighbors are concerned, he’s quite the playboy with different women every night.

An unsung star in this movie is Jack Kruschen, who plays the neighbor, Dr. Dreyfus. I oftentimes find some of these smaller roles to be some of the most authentic displays of acting in a movie, much like I did yesterday with My Fair Lady co-star Stanley Holloway.

One of the stranger moments in this movie is a scene where Baxter gets punched in the face and falls down. I laughed and remarked how fake that punch scene looked, but upon further research discovered that the punch was, in fact, accidentally a real punch that knocked Lemmon out cold. If you’ve got a shot that authentic, might as well leave it in the movie!

I have nothing bad to say about The Apartment. It was one of the best overall movies we’ve seen so far. I’d give it a solid 9/10!

For a much better review of this movie, check out our friends Eitan and Shira who recently watched this as they too attempt to complete the Best Picture project.

Le Samouraï

Director: Jean-Pierre Melville.

Guión: Jean-Pierre Melville y Georges Pellegrin

Intérpretes: Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, Cathy Rosier, Jacques Leroy, Catherine Jourdan.

Música: François de Roubaix.

Fotografía: Henri Decae.

Francia. 1967. 103 minutos.

Inmensa soledad

Plano fijo a una habitación en penumbra. Frank Costello (Alain Delon) está tumbado en su cama, inmóvil, una lánguida luz captura el ambiente. Un pájaro enjaulado pía, diríase que sincopadamente, y rompe el silencio. Se sobreimpresionan los títulos de créditos, con una referencia al bushido, el milenario código de la tradición guerrera japonesa: “la soledad de un samurai es la misma que la de un tigre en la inmensidad de la jungla”. Podríamos decir que está todo dicho, en el mejor de los sentidos: ese largo plano inicial ya ha dejado la impronta del narrador, del tono y hasta el sentido de la película.

Opresión

La trama, concentrada en un mínimo espacio de tiempo y marcada por la constante opresión de su tono, avanza desde un largo inicio que nos muestra la secuencia de preparación y comisión de un asesinato por parte de Costello, y sigue con una investigación triple: de la policía en busca del asesino, de los mafiosos a la caza del asesino que habían contratado (pues temen que sea capturado y pueda hablar) y del asesino contra todos, contra los elementos. Una fuga pírrica en su contexto pero no en el texto: no hay titubeo o miedo en los actos y ese porte carente de sentimientos o energía que le vemos a Delon (magnífica composición actoral, y no menos meticulosos los esfuerzos de la cámara en su retrato).

Entre sombras

A lo largo de esa trama de investigaciones cruzadas, a Melville lo que le interesa es el perfil de la soledad, lacónica y abrumadora soledad que atrapa a un hombre en la inmensidad de una gran ciudad, de su anonimato, de su existencia. El libreto coescrito por el propio Melville se limita a decirnos que Costello es un asesino a sueldo –profesión que sirve a la perfección para dibujar la parábola lírica de la película-, pero no se esfuerza en explicaciones a las razones del personaje ni a sus antecedentes, se concentra únicamente en esa mirada, de tan poderosa sugerencia y fascinación, del devenir del personaje que encarna el más hierático Delon. Efectúa y somete al espectador a un severo ejercicio de introspección, de subjetivismo, marcado por las constantes idas y venidas del personaje por las calles y metros de París –siempre cumpliendo objetivos inmediatos, nunca enunciados, sólo algunas veces predecibles por el espectador..-, marcado por los silencios, por las sombras (en ese particular hay que sacar a colación la antológica tarea de Henri Decae, que con su tarea lumínica coadyuba con mucho a la esencia estética y narrativa de la película, siempre atento al hermetismo del personaje en los tonos de indefinida grisura, mustios, decolorados).

Ronin

En la última secuencia del filme Costello parece ir a asesinar a la pianista mulata que había sido testigo del asesinato (y que, hemos sabido, estaba conchabada con los mafiosos –lo sabemos merced de un hábil recurso de la cámara, el énfasis sobre un escenario concreto, distinto al grueso de los que aparecen constante el metraje, un pasillo de blanco inmaculado con las paredes llenas de cuadros, en el que primero la vemos a ella y después vemos a Costello acudir a asesinar a quien le contrató-), la policía le abate, y después sabemos que Costello había quitado las balas del cargador de su revolver. En este suicidio la crítica ha visto la culminación de la carestía de valores y sentido de lo moral que incumben al personaje y su universo. Es una aseveración atinada, que a pesar de ello, en la gramática parda de Melville, admite otras acepciones más concretas, y que deben enmarcarse en la condición de ronin –samurai sin amo- en que en definitiva se erige Costello: que castigue su propia debilidad, por haber perdido el asidero de su señor (al que ha asesinado), o por haberse enamorado de la pianista; o, sencillamente, por haber fracasado en su trabajo: la última mirada entre Costello y la chica reproduce la misma secuencia en la que ella le ve salir del escenario del crimen, el momento, por tanto, en que se consuma el error de Costello; la respuesta a los interrogantes se halla sin duda en la circularidad que se sigue de las semejanzas entre uno y otro planos del filme…

En busca del Melville

Termino. El Cine pide a gritos reivindicar cuanto antes el nombre de Jean-Pierre Melville, realizador de tan marcada idiosincrasia como inmenso talento, y que se erigió en la década de los sesenta del siglo pasado en el maestro absoluto del cine polar francés (que es poco menos que decir máximo representante del noir europeo). La alargada sombra de Melville alcanza a nombres y cinematografías tan variadas como las que representan  John Woo, Ringo Lam o Quentin Tarantino (y el filme reseñado mereció un espléndido homenaje –que no remake- dirigido por Jim Jarmusch, titulado Ghost Dog, El Camino del Samurai).  Filmes como El ejército de las sombras, Bob le flambeur, El guardaespaldas, Círculo Rojo o la que aquí nos ocupa merecen los mayores aspavientos de cualquier aficionado al Séptimo Arte, y a la vista del ostracismo al que en los foros más o menos mediáticos se le condena (a Melville y a tantos otros), el cinéfilo en tiempos de la era de la información debe emprender la búsqueda de estas obras maestras del Cine con los diversos medios a su alcance. En el caso de la presente Le Samouraï, es tarea bien fácil, pues está editada en DVD.

 http://www.imdb.com/title/tt0062229/

http://www.criterion.com/films/184

http://en.wikipedia.org/wiki/Le_Samoura%C3%AF

http://rogerebert.suntimes.com/apps/pbcs.dll/article?AID=/19970608/REVIEWS08/401010337/1023

http://dearcinema.com/review-le-samourai/

http://www.filmcritic.com/misc/emporium.nsf/84dbbfa4d710144986256c290016f76e/eaf332f0431ed9758825709a00023997?OpenDocument

http://www.noiroftheweek.com/2009/01/le-samoura-1967.html

Todas las imágenes pertenecen a sus autores

Data
Title: The Apartment
Year: 1960
Length: 125 minutes
Director: Billy Wilder
Writers: Billy Wilder & I.A.L. Diamond
Starring: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Fred MacMurray
Music: Adolph Deutsch
Distinctions: Oscars for Best Picture, Best Director, Best Screenplay (original), Best Art Direction/Set Decoration (black-and-white), and Best Editing; currently #99 on IMDb’s Top 250

My reaction
Synopsis: a suck-up lets his married bosses use his apartment to entertain women
How I saw it: on video (rented from Netflix), yesterday
Concept: Bad.
Story: Good.
Characters: Bad. Even an extremely charismatic cast could do nothing to make me sympathize with these people.
Dialog: Great.
Pacing: Bad. Much of the movie is amusing, but I was still pretty bored.
Cinematography: Good.
Special effects/design: Great.
Acting: Great.
Music: Good.
Subjective Rating: 6/10 (Okay). Not a bad movie, but all the awards it got are baffling to me. Maybe it has more depth and craftsmanship than your typical romantic comedy of the time, but best picture? Inherit the Wind, Psycho and Spartacus weren’t even nominated.
Objective Rating: 7/10 (Pretty good).

1750 (en su primera edición) y  1758 (en su segunda  edición  publicada):  Baumgarten  usó  la palabra  ”estética”, se  la designó  como: “ciencia de lo bello, se le agrega  un estudio de la esencia  del arte, de las relaciones  de ésta  con la belleza y los demás valores”. Algunos  autores  han pretendido  sustituirla  por otra  denominación: calología, que atendiendo  a su etimología  significa  ciencia  de  lo  bello (kalos, «bello»).

http://es.wikipedia.org/wiki/Alexander_Gottlieb_Baumgarten

http://opusprima.wordpress.com/2008/08/23/la-estetica-de-baumgarten/

1900: La moda comienza este año con la llamada silueta S, debido al corsé que empujaba el busto hacia arriba, estrechando la cintura y sus faldas  ajustadas a  la  cadera  ensanchándolas en forma de campana al llegar al suelo. En el mundo  laboral se empieza a  incorporar  los trajes  sastre y el corte  con influencia  masculina  para las  mujeres. Los vestidos eran largos, cubrían los zapatos, las plumas y los encajes  hacían  furor, destacando los grandes  sombreros con infinidad  de adornos y ornamentos. La moda prácticamente solo fue seguida por las clases altas inglesas y francesas.

 1908: La  silueta  era  mucho  mas recta, sin marcar tanto la cintura. Radicalmente  cambió la ropa interior;  se dejó  de  usar  el corsé a  cambio  del  sujetador,  las  faldas  se  estrechaban  tanto  en su  vuelo  que casi  no dejaban andar, los  sombreros  eran  muy  anchos, la  silueta  era  un  triángulo  invertido, haciendo  surgir el escote en V.

http://alaridodelamoda.blogspot.com/2009/09/1908-aparecio-el-corpino.html

1910: Pasan de  moda las mujeres y sus curvas  con el  “talle de avispa”, en esta fecha la mujer convierte el corsé en una faja  que le desdibuja la cintura. Se  instalan  los  PRIMEROS  INSTITUTOS DE  BELLEZA en las principales  capitales  europeas. Estalla  la  guerra  del 14 y la belleza desaparece  como  encanto.  No existe  ese afán  por  conseguir la belleza  artificialmente.

1918: Resurge la femineidad  con un ímpetu insospechado. Surge una mujer  “nueva”, la que tiene que trabajar, la que viste estilo “sport”, la que se corta el cabello “porque el pelo largo es molesto para la mujer que tiene que trabajar”.

1920: La ropa era mucho más práctica. Nuevamente vuelve a cambiar la silueta descendiendo la cintura a su posición anatómica, marcando el talle y ensanchando los hombros. En esta década se destacan las faldas cortas. Desaparecen los sombreros y se vuelven a dejar crecer el pelo.

 1930: El look se militarizo y los tejidos se volvieron pobres debido a la década de guerra, debido a esto las chicas se vestían con uniforme de ciudad, es decir, trajes de chaqueta. La moda se vio totalmente afectada por la guerra.

1940: Volvió el esplendor. Se vuelve a forzar la silueta con una cintura estrecha y se le dio volumen a los hombros y a los pechos. Se aumentó el vuelo de sus faldas, estas con el largo por debajo de las rodillas. Las mujeres estaban cansadas del estilo masculino, asique volvieron las curvas. Los zapatos se estilizaron haciéndolos mas puntiagudos, usaban abrigos de paño, y bolsos al codo. Triunfó el nuevo look de Cristian Dior.

1950: Se utilizaba ropa cómoda surgiendo así la ropa juvenil. Se había puesto de moda la ropa extravagante. Los estampados eran de mariposas y de flores. Las siluetas volvieron hacer más lisas y se comenzaron a imponer rápidamente por todo el mundo las minifaldas.

1960: Surgió el concepto de la ropa diferente, original, divertida y extravagante. El cabello se usaba corto y con cortes geométricos. Tanto los hombres como las mujeres comenzaron a usar pantalones de campana y aparecieron  las blusas de algodón.

1970: Década muy diversa, se produjo un furor hacia lo RETRO. Las flores fueron el principal símbolo en la ropa y en el pelo. Resaltaban los trajes y vestidos, con ajustados pantalones. El algodón fue remplazado por la lycra; usaban botas o zapatones de tacón.

1980: Hubo un nuevo estilo que se caracterizaba por el uso de ropa interior visible, y esto nunca se había visto en el pasado, por lo tanto, esto fue sinónimo de liberación para las mujeres. Gracias a esta tendencia, las mujeres de hoy pueden vestir “sin tener que preocuparse por las transparencias o los tirantes de los sujetadores”.

1990: Había mucha variedad,  no había una tendencia específica y duradera. Trataban de ponerse lo más cómodo, sin darle mucha importancia a la opinión de los demás o a las tendencias, porque la gente había llegado a la conclusión de que no se estaban expresando con libertad. La gran modificación en esta época fue la aparición de los piercings, tatuajes y el pelo teñido.

http://punksunidos.com.ar/artecorporal/2008/08/tatuajes-en-los-ojos-donde-la-tinta.html

We are all used to Shammi Kapoor singing jovial songs in Rafi’s voice in the outdoors, with seriousness nowhere in sight. And indeed almost all songs picturised on Shammi Kapoor in his movies are like that.

Here is a song with a difference. This song is indeed a song sung by Rafi and picturised on Shammi Kapoor, but this song is not the usual Rafi-Shammi Kapoor song. It is a serious song. In fact, it is a ghazal ! Yes, it is a ghazal.

Music director is Shankar Jaikishan alright, but the lyricist is not the usual one (Hasrat Jaipuri or Shailendra). In this movie, Shankar Jaikishan had worked with Rajinder Krishan for the first (and as it turned out, last time) time.

And this song, which for some explicable reason , failed to get popular. Listening to this song for the first time, I could not but help feel that this was one of the best ghazals that I had come across. The poetry by Rajinder Krishan is just out of this world. I already had very high opinion about Rajinder Krishan’s penmanship. Any one listening to this song can only become even more impressed with Rajinder Krishan’s abilities as a lyricist.

Rafi has sung this song with feeling. And the tune for this ghazal is as good as any.

Here is a Rafi-Shammi Kapoor song with a difference. And what a gem of a song !

Song-phoolon ki tarah wo hansti thi (College Girl) (1961) Singer-Rafi, Lyrics-Rajinder Krishan, MD-Shankar Jaikishan

Lyrics

aaa aaa aaa aaa
phoolon ki tarah wo hansti thi
kaliyon ki tarah muskaati thi
wo tumse bilkul milti hai
khwaabon mein mere jo aati thi
phoolon ki tarah wo hansti thi
kaliyon ki tarah muskaati thi
wo tumse bilkul milti hai
khwaabon mein mere jo aati thi
phoolon ki tarah wo hansti thi

jeewan ki dhadkan bankar wo
chhaa jaati thi in saanson mein
aur main bhi doobaa rahta thaa
uski matwaali aankhon mein
tum jaise sharmaa jaati ho
aisi hi wo sharmaati thi
phoolon ki tarah wo hansti thi

tum mere tasawwur mein aakar
aksar khaamosh si rahti thi
na main tujhse kuchh kahtaa thaa
na tu mujhse kuchh kahti thi
kuchh maine agar kahnaa chaahaa
teri nazar jhuk jaati thi
phoolon ki tarah wo hansti thi

honthon ko izaajat tum de do
izhaar muhabbat ka kar loon
kahdo agar jo aaj mujhe
in baahon mein tumko bhar loon
ye pyaari si soorat hai wohi
din raat nazar jo aati thi
phoolon ki tarah wo hansti thi
kaliyon ki tarah muskaati thi
wo tumse bilkul milti hai
khwaabon mein mere jo aati thi
phoolon ki tarah wo hansti thi

“Ek Ke Baad Ek” (1960) is a lesser known movie starring Dev Anand and Sharada.

Movie may be obscure, and its songs may be obscure too, but once you manage to find songs of such forgotten movies, you are often treated to some nice surprises. And this movie is no exception.

Here is a lovely song from this movie. It is sung by Rafi and I presume that this song is picturised on Dev Anand. Kaifi Azmi is the lyricist and S D Burman is the music director.

Only the audio of this song is avaailable, and that is all that is needed to savour this rare gem.

Song-Thumak thumak chali hai tu kidhar (Ek ke baad ek)(1960) Singer-Rafi,Lyrics- Kaifi Azmi,MD- S D Burman

ye jhijhakne
ye thithakne
ye lubhaane ki adaa
tu wahi hai
kah rahi hai
sar jhukaane ki adaa
thumak
thumak
thumak thumak thumak haay
chali hai tu kidhar
kabse teri khaatir
phirta hoon main dar badar
thumak thumak thumak haay
chali hai tu kidhar

munh chupaana
zulm dhaana
aajmaana chhod de
munh chupaana
zulm dhaana
aajmaana chhod de
mil gaye dil
khil gaye dil
ab sataana chhod de
thumak
thumak thumak thumak haay
chali hai tu kidhar

tu haseen hai
naazneen hai
ye to hai dil ko yaqeen
tu haseen hai
naazneen hai
ye to hai dil ko yaqeen
aankh ka chal
dekh dilbar
kuchh bure ham bhi nahin
thumak
thumak thumak thumak haay
chali hai tu kidhar

gungunaati muskuraati
laut aayi hai bahaar
gungunaati muskuraati
laut aayi hai bahaar
le gayi thi
ek kali
aur phool laayi hai bahaar
thumak
thumak thumak thumak haay
chali hai tu kidhar
kab se teri khaatir phirta hoon main darbadar
thumak thumak thumak haay
chali hai tu kidhar
tu tu
chali hai tu kidhar

As obscure movies go, “Police Detective” (1960) must be among the most obscure. This movie had Sujit Kumar, Shyama,Jayshree Gadkar and Anwar Hussain in lead roles. It was a B grade movie.

Here is a song from this movie that I loved from the very time I listened to it. It is a lovely duet sung by Suman Kalyanpur and Rafi. Prem Dhawan is the lyricist and Chitragupta composed the music. This song is yet another example of A grade music from a B grade movie.

Song-Sainyya dekh dekh dekh Main hoon laakhon me ek (Police Detective) (1960) Singers-Rafi, Suman Kalyanpur, Lyrics-Prem Dhawan,MD-Chitragupta

sainyaa dekh dekh dekh
main hoon laakhon me ek
mera dil na jalaao takraar se
meri jaan jaan jaan
maine pakde ji kaan
jo bhi bologi
maanoonga pyaar se
ho sainyaa dekh dekh dekh
main hoon laakhon me ek
mera dil na jalaao takraar se
haay
meri jaan jaan jaan
maine pakde ji kaan
jo bhi bologi
maanoonga pyaar se

chhodo yoon hi jhagda zara sa ho gaya
logon ke liye to tamaashaa ho gayaa
chhodo yoon hi jhagda zara sa ho gaya
logon ke liye to tamaashaa ho gayaa
maaro logon ko goli
ji bolo pyaar se
sainyaa dekh dekh dekh
main hoon laakhon me ek
mera dil na jalaao takraar se
hoy
meri jaan jaan jaan
maine pakde ji kaan
jo bhi bologi
maanoonga pyaar se

jo bhi jhagde mein laga hai aar paar
jo bhi hai wo samjho hainkaale chor ka
jo bhi jhagde mein laga hai aar paar
jo bhi hai wo samjho hainkaale chor ka
jake bolen to bolen kyaa thaanedaar se
meri jaan jaan jaan
maine pakde ji kaan
jo bhi bologi
maanoonga pyaar se
sainyaa dekh dekh dekh
main hoon laakhon me ek
mera dil na jalaao takraar se

ham to na ladenge kasam baap ki
aayi to thikaane akal aap ki
waah waah waah
ham to na ladenge kasam baap ki
aayi to thikaane akal aap ki
dedo ke maafi bajaay chhed chaad ke
sainyaa dekh dekh dekh
main hoon laakhon me ek
mera dil na jalaao takraar se
meri jaan jaan jaan
maine pakde ji kaan
jo bhi bologi
maanoonga pyaar se

I am aware of two movies called “College Girl”. One was a movie of early 1960s featuring Shammi Kapoor. The other was a movie of late 1970s featuring Sachin. Though both these movies are forgotten, both of them had some nice songs in them.

I have posted a song from “College Girl” (1960) in the past. Here is another song from this movie. It is sung by Rafi and Lata. Rajinder Krishan is the lyricist and Shankar Jaikishan composed the music.

The link is just an audio link, so I am not able to say who are the actors on whom this song is picturised, though one of them is bound to be Shammi Kapoor. The heroine of this movie was Vyjyanti Mala (as I found out later), so by deduction I arrive at the conclusion that this duet was picturised on Shammi Kapoor and Vyjyanti Mala.

Song-Ham aur tum aur ye samaa (College girl) (1960) Singers-Rafi, Lata, Lyrics-Rajinder Krishan,MD-Shankar Jaikishan

Lyrics

ham aur tum aur ye samaa
lovely lovely lovely
chhed koi daastaan
lovely lovely lovely
ham aur tum aur ye samaa
lovely lovely lovely
chhed koi daastaan
lovely lovely lovely

man mein umangen
uthti tarangen
le rahin hain karwaten
jaane kahaan se
aaj madhur si aa rahi hai aahaten
aa jaa ke raat hai jawaan
lovely lovely lovely
chhed koi daastaan
lovely lovely lovely

aaa aaa
aa aa aa aa aaaa
raat ka raahi chaand chala hai
kis subah ki khoj mein
ham tum aaye aaj yahaan par
jis toofaan ki khoj me
ulfat ka hai ye carwaan
lovely lovely lovely
chhed koi daastaan
lovely lovely lovely

dekh o duniya
aaj na aana
tu hamaari raah me
yaad aayenge
mit jaayenge
jab kisi ki chaahh me
dohraayegaa saara jahaan
lovely lovely lovely
chhed koi daastaan
lovely lovely lovely
ham aur tum aur ye samaa
lovely lovely lovely
chhed koi daastaan
lovely lovely lovely

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Jag kan lätt göra både HT och Convert av samtliga årsmodeller så det är bara att höra av sig.

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Don’t Look Back

Director: D. A. Pennebaker

Guión: D. A. Pennebaker.

Productores: Albert Grossman y John Court

Intérpretes: Bob Dylan, Joan Báez, Bob Neuwirth, Albert Grossman, Alan Price, Tito Burns, Donovan.

Montaje: D. A. Pennebaker

EEUU. 1965. 96 minutos.

Trabajo de campo

Asumiendo de entrada –cosa que siempre hago con orgullo- mi condición de dylanita, no me resulta tan sencillo desentrañar la trascendencia de este mítico documental en el devenir del Cine en general y experimental en particular, es decir más allá de su condición de crónica de la gira que el bardo de Minnessotta realizó en Inglaterra en 1965. A mí me pasa más bien como a Bob Neuwirth en sus comentarios en off a la película que hallamos como extras en el DVD: pienso que de los talentos, talantes y hasta cierto punto iconoclastias de los dos artistas, Bob Dylan y D. A. Pennebaker, y de la fusión entre dos manifestaciones artísticas distintas pero complementarias, surgió una suerte de sinergia que hizo de esta obra un documento eminente en la codificación de la Cultura en el siglo XX tanto a nivel de continente como de contenido. Sin embargo, para no correr el riesgo de que mi pasión por la música (y letras) del autor de Like a rolling stone le pueda a mi objetividad, recurro a la reflexión y los datos biográficos de Pennebaker y le sitúo en el altar que merece. Nacido en 1925, y considerado hoy como uno de los grandes documentalistas del cine, el realizador se forjó en el cine como técnico, y coadyuvó a desarrollar la tecnología que en esta obra resulta tan revolucionaria y decisiva, un cámara pequeña, portátil, que asimismo pudiera captar con nitidez el sonido ambiental, para así poder realizar trabajos de campo caracterizados, en su hechura en imágenes, por su frescura, por su inmediatez, aunque después en sede de montaje el  autor fuera igualmente capaz de elucubrar discursos cinematográficos tan relevantes como los que atestiguamos los espectadores de esta obra.

Dylan, 1965

Lo que Don’t Look Back nos propone es un auténtico inside out de aquella gira más bien relámpago, que recorrió diversas ciudades inglesas en 1965 –ocho conciertos, desde el 30 de abril al 10 de mayo, incluyendo un cierre de dos shows en el Royal Albert Hall de Londres-, gira correspondiente, en el avendavalado progreso artístico de Dylan durante aquella década, a la presentación del primero de sus discos electrificados, Bringing it all back home (1965), obra (maestra absoluta) puente entre la etapa folk inicial y la celebración del rock que explotaría en los consecutivos Highway 61 Revisited (1965) y Blonde on Blonde (1966). Nos hallamos, pues, en la antesala del fundamental cambio de rumbo que se produjo en la carrera de Dylan, y que en su día levantó las iras de propios (los acérrimos de su etapa previa, el movimiento progresista heredero de las claves de Woody Guhrie, con representantes como Pete Seeger, Joan Báez o Peter, Paul & Mary, que le habían encumbrado como el profeta de una generación y no pudieron soportar que Dylan presentara su renuncia) y extraños (aquéllos, tantos, que se frotaron las manos al escribir o leer que Dylan se había vendido al espectáculo pop mainstream, particular sobre el que se extendió de forma brillante No Direction Home, el documental dirigido por Martin Scorsese en 2005). Apenas un mes después, Dylan, en el célebre concierto del Festival de Newport barrió esquemas con su interpretación electrificada de Maggie’s Farm (y después, tras un corto concierto, se despidió con It’s all over now, Baby Blue) y, menos de un año después, llegó el concierto de Manchester, recordado por el “Judas” que un espectador arrojó contra Dylan desde las plateas, concierto que hoy reclama su valor en sede de los anales de la música (v.gr. John Harris, de la prestigiosa revista Mojo, escribió “Manchester, más que cualquier otro lugar, fue el sitio donde el 17 de mayo de 1966 nació lo que conocemos como música Rock –más cerebral que el simple pop, más ingeniosa que el rock’n’roll y que reivindica una mayor relevancia contemporánea que cualquier otra forma musical”). Pero por si la ebullición de ese escenario histórico no era suficiente, añadamos un pequeño detalle: en 1964 se desató la beatlemanía, y Dylan empezó a ser comparado con el que hoy es el grupo más célebre de la historia: cubrir la gira de Dylan precisamente en el lugar de nacimiento de ese grupo alentó esas comparaciones, y el filme no evita algunas referencias al particular ciertamente interesantes.

Bringing it all to England

Por un lado, Don’t Look Back ofrece un mosaico, en el que hay un principio (el aterrizaje en Londres) y un final (la partida en coche tras el último concierto), esto es cronológico, pero que pudiera no serlo, porque esa cronología importa menos que las diversas set-pieces individualmente consideradas, que muestran los aspectos más relevantes de una gira desde lo que podríamos llamar su background panorámico: junto a fragmentos diversos de las piezas interpretadas por Dylan –la mayoría de ellas filmadas con ese primer plano lateral icónico, en el que el rostro blanquecino de Dylan se contrasta con un fondo negro-, hay profusión de secuencias que se ubican en la semiintimidad del backstage o en los hoteles, en las que vemos cómo Dylan escribe o ensaya al piano o con la guitarra, vemos como departe con amigos o fans, o con periodistas de diverso pelaje (desde esa entrevista imposible con un estudiante de ciencias que hace de improvisado reporter para una revista local, a los representantes de los mass-media británicos, pasando  por un entrevistador de la corresponsalía africana de la BBC –que a Pennebaker le sirve para introducir el único flashback del filme, un fragmento de la interpretación de Only a pawn in their game en el concierto de 1963 en sede del Voters’ Registration Rally en Greenwood, Mississippi-), e incluso hay algunas secuencias en las que se detalla el funcionamiento de la maquinaria económica, cuando vemos al manager de Dylan, Albert Grossman, negociando con un promotor de conciertos condiciones económicas de exclusivas televisivas. A menudo, a modo de transiciones, la cámara de Pennebaker filma desde el interior del coche donde viaja el artista y filma los paisajes cambiantes que deja la velocidad: se levanta así acta del esencial concepto que define los artistas y bandas (no sólo de rock), su (¿voluntario?) desarraigo inherente al continuo tránsito, conjugado con la búsqueda, interminable como la carretera, que define la creación artística.

Personalidad

Pero todo ese retrato, claro, se singulariza sobre la marcada, a menudo imprevisible, a menudo huidiza, apasionante personalidad de Bob Dylan (ya desde un prólogo, asimilable a lo que hoy entendemos por videoclip de Subterranean Homesick Blues, otro instante que ha quedado para las antologías, con la cámara fija en un callejón donde en el lado derecho vemos a Dylan mostrando carteles con palabras de la canción, mientras a la izquierda, algo más alejado, vemos al mismísismo Allen Ginsberg departir con otro tipo). Las disquisiciones que, de todos esos fragmentos vivos, quepa extraer sobre esa personalidad del autor de Visions of Johanna –que en el momento de filmación de la película tenía 24 años- son profusas y admiten tantas interpretaciones como las que, de forma innumerable, han venido tratando de, en definición de Christopher Ricks, “desentrañar la maraña” de la actitud ante la vida (y proyección en su arte) de Dylan. Sin embargo, uno puede y debe buscar pistas de la visión particular que nos ocupa, la de Pennebaker, y éstas se hallan diseminadas en las elecciones, nada triviales, de los gestos y las palabras de Dylan escogidas por el montaje, en la plasmación concreta de su forma de relacionarse con sus amigos y con la prensa, o de su (inamovible) conducta en el escenario. Por un lado, a uno le queda claro esa condición de trobador de Dylan, que se limita a ofrecer su arte al público, y no se implica en la comunión con éste, del mismo modo que no quiere hacer distinciones entre audiencias (como una vez dijo Bono, “toca igual ante el Papa que ante los asistentes a un concierto de inauguración de un casino en Las Vegas”), porque sabe (o al menos es de la opinión) que cada uno es libre de aprehender ese arte según su propia sensibilidad. Por otro lado, traigo a colación la elección del título de la obra, que, contrariamente a lo que muchos creen, no proviene de la canción de Dylan She Belongs to me (“She’s got everything she needs, she’s an artist, she don’t look back”), antes bien del título de una obra de Satchel Paige, que Pennebaker utiliza para formular una consideración que se mide en parámetros casi contraculturales, testimonio de un tiempo y una ebullición ideológica que caracterizó a una generación: la de ser consciente que la maquinaria industrial, y por extensión la vorágine de los mecanismos esgrimidos por la cultura de masas y la sociedad de consumo, siempre persigue al artista, en el sentido de condicionarlo, de poner en peligro su identidad, su integridad, su talento. Ante ello, Dylan siempre tiene que huir hacia delante para no ser cazado, y ni siquiera puede permitirse el lujo de “mirar atrás”. Interpretar las declaraciones de Dylan (y todo lo demás, si se quiere) a la luz de esa perspectiva ayuda a hallar las vías de reflexión que anidan bajo esa superficie entre altanera e irónica, bajo tantas maniobras verbales de distracción.

 http://www.imdb.com/title/tt0061589/

http://rogerebert.suntimes.com/apps/pbcs.dll/article?AID=/19680321/REVIEWS/803210301/1023

http://www.sfgate.com/cgi-bin/article.cgi?f=/e/a/1998/02/13/WEEKEND2248.dtl

http://documentary-review.com/review/29746/don-t-look-back

http://www.thehousenextdooronline.com/2008/02/divided-and-divisive-dont-look-back.html

http://seul-le-cinema.blogspot.com/2009/09/dont-look-back.html

http://thefilmchair.com/reviews/dontlookback.html

http://www.brightlightsfilm.com/33/bobdylan.html

http://www.eyeforfilm.co.uk/reviews.php?film_id=13348

http://www.dvdbeaver.com/film/Reviews/Don’t%20Look%20Back-final.htm

Todas las imágenes pertenecen a sus autores 

The top-30 movies from the swinging sixties. This was a tough one, but like always, I think I nailed it. Ladies and gentlemen, please welcome the top movies from 1960-1969!

1. Psycho (1960) Director: Alfred Hitchcock
2. 2001: A Space Odyssey (1968) Director: Stanley Kubrick
3. Midnight Cowboy (1969) Director: John Schlesinger
4. Repulsion (1965) Director: Roman Polanski
5. Bonnie and Clyde (1967) Director: Arthur Penn
6. The Graduate (1967) Director: Mike Nichols
7. Dr. Strangelove (1964) Director: Stanley Kubrick
8. Cool Hand Luke (1967) Director: Stuart Rosenberg
9. Rosemary’s Baby (1968) Director: Roman Polanski
10. Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969) Director: George Roy Hill
11. Lolita (1962) Director: Stanley Kubrick
12. The Great Escape (1963) Director: John Sturges
13. The Hustler (1961) Director: Robert Rossen
14. The Fearless Vampire Killers (1967) Director: Roman Polanski
15. The Umbrellas of Cherbourgh (1964) Director: Jacques Demy
16. The Sound of Music (1965) Director: Robert Wise
17. Goldfinger (1964) Director: Guy Hamilton
18. Planet of the Apes (1968) Director: Franklin J. Schaffner
19. Breakfast at Tiffany´s (1961) Director: Blake Edwards
20. Man’s Favorite Sport? (1964) Director: Howard Hawks
21. My Fair Lady (1964) Director: George Cukor
22. The Birds (1963) Director: Alfred Hitchcock
23. Breathless (1960) Director: Jean-Luc Godard
24. The Dirty Dozen (1967) Director: Robert Aldrich
25. The Good, the Bad and the Ugly (1966) Director: Sergio Leone
26. Bullit (1968) Director: Peter Yates
27. Easy Rider (1969) Director: Dennis Hopper
28. Spartacus (1960) Director: Stanley Kubrick
29. The Apartment (1960) Director: Billy Wilder
30. The Party (1968) Director: Blake Edwards

THE TRAILERS FOR THE TOP 3 BEST MOVIES OF 1960-1969

I had never watched an episode of A&E’s critically acclaimed Mad Men and after hearing nothing but good things about the show I had to give it a look. Wowza, just one episode and I can already see why this show is the cultural phenomenon that it is. From the opening credits, to the fabulous fashions and set design its easy to see why people are hooked. Its a look into a not so distant history that suggests that while somethings have changed, sex appeal and drama are timeless. And while the show deals with several issues that are astoundingly still as culturally relevant today as they were then, it also highlights on some areas that have made drastic changes in this modern world.

As a woman raised in an environment where my role as a female never occurred to me as issue, let alone a barrier I have to admit that the gender roles portrayed in the show floored me. Maybe it shouldn’t have considering the obviously masculine title of the show Mad Men, but I still couldn’t help but feel a little shocked at the disparity of equality. While the male protagonist, Don Draper is free to bed women at his whimsey and refuses to be talked down to by any female, the women in the series are presented as little more than showpieces. They are there merely to look good and take care of their man’s needs sexually or otherwise. Even the women in the workplace serve as eye-candy and a means to an end for their  boss’s needs,  again sexually or otherwise.

The clothes the women wear are not outfits they put on out of any function for their day to day lives but are instead meant to keep them where they belong, as trophies for their male counterparts’ visual pleasure. The outfits while a feast for the eyes are anything but practical. The conical bras and tightly nipped waists make it nearly impossible for the wearer to be anything but passive. And a passive woman is just want every man wants but actually feels entitled to. The secretaries in the office understand that in order to do their job fully they are required to be game for any type of request made by their male boss; so much so that they openly acknowledge that they dress daily for this very purpose. I have to wonder whether these women even bother to question their stereotypical roles and whether or not the show will choose to touch on that. It seems to be on the horizon with lines like, “You were expecting me to be a man. My father was, too.” voiced by a female head of company to a shell shocked Don Draper upon introduction. The episode further delves into this theme with the ironic statement: “So we’re supposed to believe that people are living one way and secretly thinking the exact opposite? That’s ridiculous.” How ridiculous it truly is may be answered in later episodes, I for one will know since I have just received season one in the mail from NetFlix!

More to come later on this deliciously decadent show!

Walk Don´t Run

Pais: US
Año: 1966
Género: Comedia romántica
Duración: 109 min.
Dirección: Charles Walters Guion: Sol Saks
Música: Harry Stradling Sr.
Producción: Columbia Pictures

Reparto:
Cary Grant, Samantha Eggar, Jim Hutton, Miiko Taka, Ben Astar, John Standing, Ted Hartley, George Takei, Teru Shimada.

Descripción:
El industrial inglés Sir William Rutland vuela a Tokio en viaje de negocios. Cuando llega, la influencia de turistas por los Juegos Olímpicos que van a celebrarse allí, le hace imposible encontrar alojamiento. Así que Rutland se las apaña para compartir apartamento con la guapa Christine Easton durante unos días. Para terminar de liar las cosas, Rutland invita a Steve Davis, miembro del equipo olímpico de Estados Unidos, a instalarse con ellos.
Definitivamente, tres son multitud, sobre todo cuando Rutland se pone a jugar a Cupido entre Christine y Steve, para sorpresa del pesado del novio de Christine… (FILMAFFINITY)

Críticas:
Cary Grant puso punto y final a su carrera como actor con esta película, y que mejor colofón que una de las comedias más divertidas de todos los tiempos.

Sir William Rutland americano en viaje de negocios en Tokio se ve obligado a compartir piso con la maniática y bella Christine Easton ante la avalancha de turistas que han dejado a los hoteles con el cartel de completo.

Steve Davis atleta norteamericano que se encuentra en la misma situación, es encontrado por Rutland y decide realquilarle parte de su habitación.

A partir de ese momento, los horarios del baño, la máquina de café, las carreras a través de la ciudad y los continuos intentos para que surja el amor entre Christine y Steve producirán hilarantes e inolvidables momentos.

Una joya que no es fácil encontrar, y menos en este género.

Datos técnicos:
Tamaño: 1.45 Gb
Duracion: 01:49:06
Vídeo codec: Xvid (doble pasada)
Resolución: 704 x 288
Bitrate: 1709 Kbps. Qf: 0.337
Códec Audio: Mp3 Cbr
Bitrate Castellano/Inglés: 48000Hz 96 kbps. (1 chnl)
Subtítulos: [Castellano-inglés]

Capturas:

Película

Subs.es-en

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The lovely and talented Joan E. Mattis, aka Joni Mattis, Playboy’s Miss November 1960, is noteworthy in the history of the magazine for several things.

First, she was Hugh Hefner’s lover for awhile and also worked for the company for a long time (not so unusual). Not so usually, second, she refused to bare it all for her shoot. You can see from the pictures that, though she was technically nude, she kept specific ladyparts covered by a strategically placed sheet.

During her Playboy photo session, Mattis refused to disrobe, making her (according to her) the least popular Playmate in the history of the magazine. She only received one letter in response to her pictorial, and it was from a clergyman who suggested that she find another line of work. ( the wiki)

From the magazine’s official site:

For nearly four decades, until her untimely death in 1999, another sweetheart of the period, November 1960 Playmate Joni Mattis, was frequently at Hef’s side.

“Our romantic relationship didn’t last very long,” Hef says, “but the friendship did.” Joni was a talent coordinator for his first TV show, Playboy’s Penthouse, an early Playboy Club Bunny, Hef’s West Coast Secretary and, finally, Social Secretary at Mansion West.

With her dark hair and luminous eyes, Joni looked like a porcelain doll, but she had spunk. On one occasion, she not-so-accidentally nudged a potential rival for Hef’s affections, fully clothed in a crepe cocktail dress, into the Chicago Mansion’s swimming pool. The dress immediately shrank. (“Hef’s Special Ladies: Joni Mattis.” Playboy.com)

Fun fact: she was a pocket rocket. 5′2″ and 85 lbs at the time of the shoot, when she was — oh, ho! Looky there. The Playboy stats sheet says, “Unfortunately, this data sheet was incomplete.” No age, ambitions, turn-ons … nothing but the pictures and the raw numbers of her measurements. The total woman of mystery. I guess it was between her and Hef, a couple of crazy Chicago kids in love and running a tasteful skin empire.

Joan died of cancer September 4, 1999. She was only 61.