*post programado

Clase magistral con Wong Kar – Wai

Entrevista Laurent Tirard

Transcripción by muzderauli

La razón por la que me metí en el mundo del cine tiene que ver más con la geografía que con cualquier otra cosa. Nací en Shanghai, pero mis padres se trasladaron a Hong Kong cuando tenía cinco años. La gente de Hong Kong no habla el mismo dialecto que la gente de Shanghai, así que allí no podía hablar con nadie; no podía hacer amigos. Y mi madre que se encontraba en la misma situación, me llevaba al cine con frecuencia, porque era algo que podía entenderse más allá de las palabras. Era un lenguaje universal basado en las imágenes.

Por lo tanto, como mucha gente de mi generación, descubrí el mundo a través de las películas y, más tarde, a través de la televisión. Veinte años antes quizá hubiese elegido la música para expresarme, cincuenta años antes, habrían sido los libros. Pero crecí con imágenes y parecía algo natural que fuera a estudiar artes plásticas. Me metí en el diseño grafico porque, en aquella época, no había escuela de cine en Hong Kong. La gente que quería estudiar cine se trasladaba a Europa o Estados Unidos y yo no podía permitírmelo. Sin embargo tuve la suerte de salir de la escuela en un momento en que todos los jóvenes que se habían ido al extranjero a estudiar cine estaban volviendo a Hong Kong e intentaban crear una nueva ola de artistas. Así que estuve trabajando en la televisión durante un año y, después, empecé a escribir para el cine, cosa que estuve haciendo durante diez años antes de empezar a dirigir. Y a pesar de todo, si me preguntaras, creo que aún no me considero un director. Sigo viéndome como un miembro más del público, un miembro del público que ha pasado detrás de la cámara cuando hago una película, siempre trato de reproducir las primeras impresiones que tuve cuando era aficionado al cine. Y  creo que hago películas para el público antes que nada. Pero por supuesto tiene que haber algo más que eso; no es el único motivo, sólo debe de ser uno de los motivos; el resto es algo más personal y, bueno, más secreto.

Yo escribo mis guiones. No es una cuestión de ego; no es una cuestión de ser el autor de la película… francamente, el sueño más feliz que tengo es levantarme por la mañana y encontrar un guión esperándome en la mesilla de noche. Pero que hasta eso suceda, supongo que tendré que escribir; aunque escribir no es una tarea fácil, no es una experiencia agradable. He intentado trabajar con guionistas, pero siempre me parece que a los guionistas les planteaba un problema trabajar con un director que también escribiera. No sé exactamente por qué, pero siempre surgían conflictos. Así que finalmente, decidí que si podía escribir mis propios guiones  ¿por qué molestarme con los guionistas?

No obstante, he de decir que tengo un planteamiento de la escritura de guiones bastante fuera de lo común. Mira yo escribo como director, no como guionista; de manera que escribo con imágenes. Y para mí lo más importante de un guión es saber en qué lugar va a desarrollarse; porque si ya sabes eso, puedes decidir lo que hacen los personajes en ese espacio. El espacio incluso te dice quienes son los personajes, por qué están ahí, etc. Todo lo demás va surgiendo poco a poco si ya tienes un lugar en mente. Así que tengo que localizar exteriores antes de empezar siquiera a escribir. Igualmente siempre empiezo con muchas ideas, pero nunca está claro el argumento en sí. Sé lo que no quiero, pero no sé lo que quiero exactamente. Creo que todo el proceso e hacer una película es, de hecho, una manera de encontrar todas esas respuestas. Y hasta que no haya encontrado esas respuestas, continuaré haciendo la película. A veces encuentro la película en el plató, a veces durante el montaje, a veces tras meses después del primer pase.

Lo único que trato de dejar bien claro cuando empiezo una película es el género en el que quiero situarla. De niño crecí viendo películas de género, westerns, historias de fantasmas, de espadachines… de manera que intento rodar cada una de mis películas en un género distinto y creo que eso es parte de lo que las ha hecho tan originales.

La música es muy importante en mis películas. Sin embargo, casi nunca encargo que la compongan expresamente, porque me resulta muy difícil comunicarme con los músicos. Ellos tienen un lenguaje musical y yo lo tengo visual. La mayoría de las veces no nos entendemos. A pesar de todo, la música tiene que ser visual; debe tener una música que funcione con la imagen. Así que lo resuelvo de la siguiente manera: cada vez que escucho música que me inspira algo visual; la grabo y la dejo a un lado, sabiendo que la utilizaré después.

Utilizo música durante todas las fases del proceso cinematográfico. Por supuesto, la utilizo cuando estoy montando. Y algo que me gusta especialmente hacer es utilizar música de época en films contemporáneos. Porque la música es como un color, es como un filtro que tiñe todo de un color diferente. Y tengo la impresión de que utilizar música de una época distinta a donde se localiza la imagen la hace ambigua, compleja. También utilizo música en el plató, aunque no tanto como para crear un ambiente como para encontrar un ritmo. Cuando intento explicar al operador de cámara la velocidad que quiero para un determinado movimiento, una pieza musical la suele comunicar mejor que mil palabras.

No me obsesionan especialmente las cosas técnicas. Para mí, la cámara no es más que un instrumento que se utiliza para traducir lo que están viendo los ojos. Sin embargo cuando llego al plató para rodar una escena determinada, siempre empiezo por el encuadre, porque tengo que conocer el espacio donde va a evolucionar la escena. Únicamente cuando lo sé puedo decidir la posición de los actores. Explico lo que quiero al director de fotografía. Hemos trabajado tanto tiempo juntos que esto no requiere mayor conversación. Le doy el ángulo, lo encuadra y, el noventa por ciento de las veces me doy por satisfecho.

Por regla general no ruedo demasiado material desde distintos ángulos; aunque por supuesto depende de la escena. Muy a menudo sólo hay una manera de rodarla. Sin embargo, en algunas escenas y, sobre todo, si la escena es algo parecido a una transición, donde la historia puede cambiar de un punto de vista a otro, ruedo mucho desde distintas posiciones, porque sólo en el montaje puedo saber si la trama debe seguir a una persona o a otra. En cuanto a la decisión de donde colocar la cámara en un plano determinado, bueno, está la gramática y sin embargo, siempre es un experimento. Siempre tienes que plantearte la pregunta ¿por qué?. Debe de haber algún tipo de lógica, incluso si no significa nada para nadie, excepto para ti. En realidad es como la poesía. Los poetas utilizan las palabras de maneras distintas; a veces por el sonido, por el tono, por el significado, etc. Todos podemos crear un lenguaje diferente con los mismos elementos, pero tiene que significar algo. Puede que suene analítico, pero no lo es.

Muchas de mis decisiones son instintivas. Suelo tener una sensación muy fuerte de lo que está bien y de lo que no, y es tan sencillo como eso. De todas formas, la cinematografía es algo difícil de analizar verbalmente. Es muy parecido a la comida: cuando tienes un sabor muy persistente en la boca no puedes explicarlo o describirlo correctamente a otra persona. Es muy abstracto. Pasa lo mismo con la cinematografía. Y de hecho no he cambiado mucho mi forma de trabajar desde que empecé. Es una pena porque no creo que sea una buena manera de trabajar, pero por desgracia, es la única que conozco. Siempre quise ser como Hitchcock, que decidía todo antes del rodaje, pero, por alguna razón, no puedo trabajar de esa forma, así que bueno es una lástima.

Una última cosa; para ser director, tienes que ser sincero; no con los demás, sino contigo mismo. Tienes que saber porqué estás haciendo una película; tienes que saber cuando estás cometiendo una equivocación.

2046

muzderauli.wordpress.com

Oriental Hotel

Of all Wong Kar Wai’s films, I think 2046 is the loneliest one.

It is a loose sequel to the 1991 film Days of Being Wild and the 2000 film In the Mood for Love. It follows the aftermath of Chow Mo-wan’s  affair with Su Li-Zhen in 1960s Hong Kong.

The film is the third chapter of a shared story that began with Days of Being Wild and continued with In the Mood for Love.

There are four main story arcs to the film. Three are about the relations of Chow with women that he meets after losing Su Li-Zhen. The first concerns Chow and Wang Jing Wen, the second is about Chow and Bai Ling, and the third is about Chow and a different woman who is also named Su Li-Zhen. The fourth takes place in Chow’s mysterious world of 2046 and concerns a Japanese passenger falling in love with an android. Typical of Wong Kar-wai films, the arcs are presented in pieces and in non-chronological order.

“In the year 2046… A mysterious train leaves for 2046 every once in a while. Every passenger going to 2046 has the same intention: They want to recapture lost memories… Nobody’s ever come back…”

An emotionally delayed android

“Before, when people had secrets they didn’t want to share. They’d climb a mountain, find a tree and carve a hole in it. And whisper the secret in the hole . Then cover it over with mud. That way, nobody else would ever discover it.”

Love is all a matter of timing.

Oh..2047 is a sci-fi book that he wrote for her,  about a Japanese traveler who sought to leave 2046.

2004: 2046 di Wong Kar-wai

“Un film dal gusto squisito, dalle atmosfere struggenti” (Il Messaggero), “…un meraviglioso rebus, sospeso fra immaginazione letteraria, passato che viene dal cinema e futurismo della mente” (Ciak), “…un cinema di incantamento dei sensi e di piacere assoluto dell’immaginazione” (Repubblica).

Dello stesso regista, e con lo stesso protagonista, abbiamo ammirato lo splendido In the mood for love (e 2046 è il suo seguito ideale).

L’ammirazione si ripete per questo nuovo capolavoro (frutto di tre anni di lavoro) permeato da una perenne atmosfera onirica, intrigante e affascinante oltremodo (1).

“Un film di eleganza sopraffina dove i personaggi e i luoghi si mescolano in una sinfonia di luci, impressioni e colori”, così lo presenta Cult, il canale satellitare che lo sta mandando in onda in questo periodo. Un continuo, ammaliante oscillare tra immagini anni 60 e immagini futuristiche dove non sai se applaudire maggiormente la straordinaria abilità registica, la eccezionale bravura dell’intero cast, la suggestiva colonna sonora, il bellissimo contrasto (come qualche critico ha sottolineato) tra la smagliante bellezza ed eleganza delle figure femminili e l’ambiente miserevole e degradato in cui si muovono.

Presentato al Festival di Cannes 2004, è un film complesso ed ermetico («Attenzione, 2046 non è una storia d’amore… ma una storia sull’amore - sottolinea il regista di Shangai -. Nessun finale felice. La “chiusa” è affidata allo spettatore perché il film è come un pranzo: noi offriamo l’antipasto e il piatto principale ma il pubblico deve portare il dessert»), un film raffinato ed estetizzante (visivamente è uno splendore) che parla del passato che rimpiangiamo e che non ritorna, un film da gustare scena per scena e che chi ama il “vero cinema” non dovrebbe assolutamente perdere.

p.s.

Così Wong kar-wai ha presentato 2046: «I due film, ‘In the Mood for Love’ e questo, sono nati in contemporanea. Sono in un certo senso la stessa storia. Finito ‘Mood’, questo è ricomparso. Ma non lo considero un seguito. Semmai una rilettura degli stessi personaggi, il rapporto fra i due film è lo stesso che il protagonista ha con il proprio passato: più cerca di dimenticarlo, più quello ritorna, Il messaggio del film è che bisogna prima o poi fare i conti con i propri ricordi».

note:

(1) Gian Luigi Rondi scrive: “Quel 2046 ha tre significati diversi. È il numero di una stanza d’albergo, è l‘anno in cui Hong Kong finirà definitivamente sotto la sovranità della Cina, è il titolo di un romanzo di fantascienza in cui uno scrittore triste immagina un misterioso treno destinato a trasportare i suoi passeggeri dagli anni Sessanta dell’azione in tempo presente verso il 2046”.

scheda

premi e riconoscimenti

sito ufficiale

“Let me tell you about the very rich. They are different from you and me. They possess and enjoy early, and it does something to them, makes them soft where we are hard, and cynical where we are trustful, in a way that, unless you were born rich, it is very difficult to understand. They think, deep in their hearts, that they are better than we are because we had to discover the compensations and refuges of life for ourselves. Even when they enter deep into our world or sink below us, they still think they are better than we are. They are different.”

from “The Rich Boy” by F. Scott Fitzgerald

I love watching foreign films. Most of my favourite movies are in languages I neither speak nor understand. This past weekend, J and I took in not one, but two foreign language films (got to love the diversity in Toronto). On Saturday, we caught the screening of Anne Fontaine’s “Coco Avant Chanel”. And on Sunday, we watched “Haeundae” by Yoon Je-Kyun.

I know a lot of people are discouraged from watching these kinds of film because they think it’s too tedious to read subtitles, that the translations aren’t always accurate, and that they’re distracting. And I completely agree. But having held dear in my heart all this while the concept my old film professors introduced to me, I’ve been able to enjoy films from various lands with relative ease. It’s simple, really.

Dialogue is the least important sound in film.

Film is essentially a moving picture. Technological advances have enhanced the viewing experience tremendously over the years, but at its very core, it has remained just that:  a viewing experience. In my opinion, a good film is told through the moving picture. Moving, as in the collection of the juxtaposed images on the screen moving in a certain flow, in a certain pace, toward a certain direction. And moving, as in evoking an emotion in you.

There are movies that I enjoy and there are movies that I love. The former something I will watch once or twice and not think about when the credits fade to black; the latter, a film I will buy on DVD, watch it over and again, and reflect upon until the day fades to black and brings me to sleep. I can tell you a hundred movies that I enjoyed watching, but I’m leaving you a list of movies that I loved. Check them out!

“Nuovo Cinema Paradiso” (1988)
Directed by: Guiseppe Tornatore (Italy)
Language: Italian

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“Bayaning Third World” (1999)
Directed by Mike de Leon (Philippines)
Language: Filipino
NOTE: Not a foreign language to me, but it might be to you. I did a paper on this many years ago, and have watched it in its entirety over ten times. It is mind-blowing. And, yes, I am biased.

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“Janghwa, Hongryeon” (2003)
Directed by: Kim Ji-woon (South Korea)
Language: Korean
NOTE: Do not watch alone if you’re easily scared.

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“2046″ (2004)
Directed by: Wong Kar Wai (Hongkong)
Language: Cantonese
NOTE: Check out also Wong Kar Wai’s “Chungking Express” and “In the Mood For Love” which are the other two parts of this trilogy.

* * *

“Curse of the Golden Flower” (2006)
Directed by: Zhang Yimou (China)
Language: Mandarin

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“El Laberinto del Fauno” (2006)
Directed by: Guillermo del Toro (Mexico)
Language: Spanish

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“Let The Right One In” (2008)
Directed by: Tomas Alfredson (Sweden)
Language: Swedish
NOTE: Again, do not watch alone if you’re easily scared. Also, the little girl reminds me of Audrey Tautou.

Alexander McQueen premiered his s/s 10 women’s collection in paris with a live stream through SHOWstudio on october seventh. sadly i missed the live stream, but heard afterwards that SHOWstudio’s site might have been overwhelmed with viewers so the live stream might have not even happened. regardless if it did or not, i did see it the next day and was blown away. absolutely gorgeous and breathtaking, i was at awed with his prints, pattern and my god, those heels. with his slender and elegant group of models that bravely walked down the large and long futuristic catwalk. they systematically walked  with a mixture of minimal and drum and base music, rhythmically  alongside two gigantic robot arms that captured the audience and them as they showed off mcqueen’s latest masterpieces. i must admit after seeing his production other designers during paris fashion week and london fashion week did not match, although his collection was quite amazing the show production had definitely added (my god the money!) to the aesthetic of mcqueen’s show. not even Lily Allen, Rihanna or Prince can help you karl. although Chanel’s was quite cute and the collection did look great, but being more drawn to the futuristic, sci-fi aesthetic, i didn’t care much for the whole country feel.

plato’s atlantis was also the debut of pop diva Lady GaGa’s song “Bad Romance” which at first was kind of a musical shock to my ears firstly listening to drum and base, soon after i noticed my head nodding and my finger tips moving so all was forgiven for the (at the moment odd) transition. i guess i must have been “GaGa’d” from the whole experience of the show, and now i can’t say anything wrong about it.

the only thing that did really stand out for me and i’m not sure yet if its a bad thing or a good thing was maybe the presence of the heels. majority of the time they seemed overpowering to the whole outfit but maybe because of the aesthetic of the over-the-top futuristic look, it didn’t matter. yet after watching it a couple more times, the idea of having a touch sensitive floor would’ve have been just what the show needed to balance it out and even make it more extraordinary. referring to the movie, “2046″ by director Wong Kar-Wai. the futuristic bits on the train to be more exact, when the robotic girls are walking on the train. maybe its just my fetish for shoes that was simply distracting me. whatever, a show with futuristic looking models, amazing clothing, incredible make up and styling and miss GAGA, need i say more? although his newest collection did seem a little bit toned down from his last collection, his theatrics were still as impressive, even for the ready-to-wear. give me anything mcqueen and i’ll gladly put it on, if not just to have as a keepsake .

all images were taken from http://o-ze.com/alexander-mcqueen-platos-atlantis/

Don’t you just love obscure, fashionistah movie references, especially ones based on foreign films? Haha.  I don’t know why Asians have to make such heartbreakingly sad movies.  They are often masterfully directed with unique art direction but I’m always left with a runny nose, puffy eyes, crying into a pillow and heart crumbling like a shortbread cookie.

2046 (Hong Kong, 2004),a celebrated film directed by Wong Kar Wai is a surreal journey in time narrated from the point of view of a writer played by Tony Leung (from The Lover).  The movie centers on a hotel room 2046 and the intertwined stories of lovers that come and go.  The plot unfolds yet always keeps you wondering if it is the future or the past.  It’s a poignant story, well acted with intense and vivid scenery.  The costuming is also awe-inspiring with stunning Asian actresses in sexy, chinoiserie dresses and stylized, period hair and makeup.  Plus, I will watch anything with Gong Li.  You might cry a river but it’s worth it.

2046: Worth the $5 membership to your local independent movie store.

Geralmente não gosto de vídeos que parecem uma bricolagem de cenas e imagens com uma determinada música de fundo. As vezes deixo o vídeo carregando apenas para ouvir a tal “determinada música”.

Mas este vídeo me chamou a atenção justamente por juntar cenas de filme e musica que, particularmente, gosto muito.

A musica é uma versão de “Together in Electric Dreams” do Human League feita pela banda Lali Puna.

Lali Puna foi formada em Weilheim (Alemanha) em 1998 pelos membros Valerie Trebeljahr (vocal e teclados), Markus Acher (guitarrista), Christoph Brandner (bateria) and Christian Heiß (teclados). Este último substituiu Florian Zimmer em 2003.

 Eles têm ao todo 3 albuns e uma série de EPs, todos produzidos pela gravadora independente Morr Music.

 As músicas são compostas do vocal suave de Valerie juntamente com a melodia que em alguns momentos lembram Stereolab e em outros têm uma sonoridade mais leve.

 Algumas músicas são cantadas em português como a ótima “Contratempo” e “Rapariga Da Banheira”.

No caso, “Together in Electric Dreams”, faz parte de um tributo ao The Human League “Reproductions: Songs Of The Human League” que contam com artistas surgidos próximos do início do ano 2000, como Ladytron (que também fez uma boa versão de “Open Yur Heart” e Barcelona que regravou “Mirror Man”.

O vídeo contém com cenas do filme chinês “2046” de Wong Kar-wai, que é o terceiro de sequência filmes feitos pelo diretor. Os anteriores são Days of Being Wild (1991) e In the Mood for Love (2000).

Cenas incríveis em slow motion e silhuetas.

Siboney is a town in Cuba, east of the city of Santiago de Cuba. It is the place Fidel Castro and his men gathered before they launched the start of the Cuban Revolution in 1953.

Siboney is also a song made famous by world renowned Cuban composer and pianist, Ernesto Lecuona, in 1929.

Siboney was my sig a couple of days ago, because the song I had discovered a week or so ago is still interesting enough to remain on the top of my playlist. Call it an earworm, perhaps. But I like it.

From there, Siboney roused the attention of a couple of my friends, including MZ, who asked what it was because he keeps hearing it in songs, as well as encountering the word in places he goes, like the design shop-café in Aoyama, Tokyo, cïbone, where he used to hang out late at night. (This song seems to be a recurring theme with late nights…)

I didn’t have an answer for him, but found a translation of Siboney’s lyrics. It is a love song, but it’s also a name, probably after the song, as quite a few Siboneys or relatives of Siboneys left comments.

I did, however, guess that the song’s popularity is picking up because it was featured in Wong Kar-Wai’s movie, 2046.

Now and then, I hear a song from the original soundtrack. Everyone simply loves Wong Kar-Wai, and nothing says “I’m cool or I’m indie” like knowing a song from one of his movies. Hee. 

Also from the same album: Xavier Cugat – Perfidia

Jokes aside, it is a nice album for background music at home. Fan on, album playing, I napped on a sweltering hot Sunday afternoon. It was only half an hour, but a most pleasant nap nonetheless. Any nap these days is a luxury.

And I think the album’s rekindled an old fondness for Latin rhythms.

Finally found the almost 7 minute trailer of Wong Kar-Wai’s 2046.
If you watch this, you might not like the english narrator.
But don’t forget there are some scenes that didn’t make it into the film IE the Futuristic scenes with Faye and Tony.
Longer shot of the futuristic city of 2046 (aka Hong Kong)
And a longer scene with Tony Leung and Maggie Cheung.
Here is the link to the trailer from 2003.
Also check out these “lost scenes” photo on this blog site.

Em 5 minutos, fiz um cabeçalho meio tosco com uma foto de 2046 (beijo de Tony Leung e Ziang Ziyi). Ainda na dúvida sobre a conveniência e harmonia da figura…fim de semana pra pensar.

Staden Shanghai i Kina har för mig beskrivits som en plats där en futuristisk vision av en storstad växer upp på en uråldrig kulturort. Där är den kinesiske filmaren Wong Kar-wai född och samma rörelse mellan framtid och minnen tycker jag att man kan skönja i hans film 2046.

 2046 handlar om Chow Mo-wan (Tony Leung), en fattig science fiction författare, som kämpar med sina kärleksrelationer utan att framgångsrikt lyckas skaka av sig sina minnen från misslyckande, i vad som tycks vara ett annat liv. För att bearbeta och kontrollera sina känslor skriver han om sin oförmåga att lyckas älska i sina science fiction historier, som utspelas på den påhittade platsen 2046. Chow Mo-wan är ingen sympatisk karaktär, men man behöver inte tycka om honom för att uppskatta filmen, Wong Kar-wai gör ett fantastiskt jobb med att pendla mellan ett mörkt 60-tals (?) Hong Kong och en färgsprakande futuristisk miljö. Chow Mo-wans egna tankar om sina relationer, bearbetade till fiktion, har något att säga om vad det innebär att bearbeta sorg.

 Många år innan Wong Kar-wai gjorde 2046 kom Happy together (återigen med Tony Leung, nu i rollen som Lai Yiu-fai). Happy Togethers handling är på ytan enkel: Lai Yiu-fai har åkt från Hong Kong till Argentina tillsammans med sin älskare Ho Po-Wing (Leslie Cheung) där de helt enkelt bor i slummen, jobbar på ströjobb för låg lön och älskar. De drömmer om att se Igazus vattenfall tillsammans och dansar till vacker tangomusik. Tyvärr blir deras förhållande nästintill omöjligt på grund av Ho Po-Wings destruktiva läggning, och de blir båda indragna i en spiral av uppbrott och återfinnande. Hur det går för de båda älskande får ni reda på om ni ser filmen (vilket jag rekommenderar, såklart).

 Här på biblioteken i Botkyrka har vi ytterligare en film av Wong Kar-wai (han har dock gjort många många fler filmer…) som heter My blueberry nights. Det är regissörens första fullt engelskspråkiga film och den utspelas till och med i New York. Jag har själv inte sett My blueberry nights (måste erkänna att jag inte är något stort fan av huvudrollsinnehavarna: Norah Jones och Jude Law) och kan undra om den når upp till samma höjder som 2046 eller Happy together. Men det finns ju bara ett sätt att ta reda på det och det är ju genom att faktiskt titta på filmen.

 Läs om Wong Kar-wai och hans filmer på Wikipedia.

 Finns filmerna inne på biblioteket?

 Vi har även soundtracket till My blueberry nights här.

 /Tobias

Many consider Tony Leung’s role in director John Woo’s 1992 action film Hard Boiled in which he co-starred with Chow Yun-Fat, as his breakthrough role in film. However, Leung first gained international exposure through Hou Hsiao-Hsien’s 1989 film A City of Sadness, which won the Venice Golden Lion.

Leung often collaborates with director Wong Kar-wai and has appeared in many of his films. His most notable roles in Wong Kar-wai’s films include the lonely policeman in Chungking Express (1994), a gay Chinese expatriate living in Argentina in Happy Together (1997), and a self-controlled victim of adultery in In the Mood for Love (2000), for which he won the Best Actor award at Cannes.

He is considered by many to be the finest actor of his generation in Hong Kong. Robert De Niro is an admirer of his work,^[5] and Leung has been called Asia’s answer to Clark Gable.“Why Tony Leung is in the mood for lust“. The Times. 18 October 2007. http://entertainment.timesonline.co.uk/tol/arts_and_entertainment/film/london_film_festival/article2678331.ece. 

Leung speaks decent English and is well read and well versed on historical issues. During the late 1990s, some predicted that it would be difficult for him to break into Hollywood since he would not take on degrading roles because of his pride and character. In addition to Cantonese, English, and Spanish, Leung is also able to speak Mandarin and Japanese (as heard in Tokyo Raiders).

During the promotion of the film Hero, some politicians and commentators in Hong Kong attacked Leung for expressing the view that the Tiananmen Square demonstration crack down was necessary to maintain stability. Under constant political pressure and boycott threats, Leung made a single statement that he may have been quoted out of context but refused to retract his statement in the magazine.^[8] However, the movie magazine editor maintained that the original statement was not out of context and challenged people to read the complete interview.-wiki

Tony Leung movie 2046

Him in Red Cliff

Him in Infernal Affairs

Him in Lust Caution

Him in Hero

So…who is King?

Highlight: MAGGIE CHUENG from movie Hero!!! Charming. In red or green.

Maggie Cheung Man-yuk (born 20 September 1964) is a Cannes Best Actress, Berlin Best Actress, five-time Hong Kong Film Award and five-time Taiwan Golden Horse winning Chinese actress from Hong Kong. Raised in England, she has over 70 films to her credit since starting her career in 1983. She is the first Asian actress to win a prize at the Cannes Film Festival.-wiki

by The Great White Gypsy

We’ve all been told about the dangers of meeting people online. The pedophiles, the perverts, the scams, the psychos. Some people just don’t listen. Others find exactly what they’re looking for. Such is the case in Downloading Nancy.
Nancy (Maria Bello) is a housewife who suffers from mood disorders and self-mutilation. She is completely unhappy with her life, and her husband (Rufus Sewell). When she meets Louis (Jason Patric) online, it starts as dirty chatting and fantasy. But then they make an arrangement to meet. Not to have sex, not because they are in love, but because Nancy wants something from Louis: she wants him to kill her. And he accepts.
The film is based on actual events, but first time director Johan Renck over-dramatizes it a little too much for my taste. Maria Bello does a great job, as usual, but her character isn’t completely sympathetic. Several times, the way she acts towards husband, or while she is with Louis, is inconsistent, and she comes across as a very weak person who can’t seem to figure out what she wants or why. Not that her husband is sympathetic, just the opposite; he is neglectful, and overly contentious for no reason. The only person in the film who seems to know what he is doing is Louis, but at the end, even he falters, and the movie ends up being a little forced and anticlimactic.
Pamela Cuming’ and Lee Ross’s screenplay has some depth, and a lot of good ideas. Maybe it’s just the uncomfortable subject matter that makes it hard to relate to, but what could have been some powerful scenes and emotional breakthroughs fall short. You never believe that Nancy’s life is as bad as she says, you never believe that her husband actually cares about her, and halfway through you stop believing that Louis knows what he’s doing.
The music is lethargic and hazy. It’s not bad, but Krister Linder is a bit inexperienced, and instead of giving us a feeling of foreboding or dread, it made me detached and kind of sleepy.
Christopher Doyle’s (Hero, 2046, Lady in the Water) mature cinematography is a high point; and the camera itself saves many of the scenes.
Overall, I would say that everyone involved in this project played their part as much as I expected them to, but with a more experienced director and screenwriter, this could’ve been a great movie, instead of a film I feel completely apathetic about having watched. Not a lot of substance outside of the acting.
Final Grade: C-

Regia:  Wong Kar-Wai

Interpreti: Tony Leung Chiu-Wai, Gong Li, Faye Wong, Zhang Ziyi, Carina Lau, Maggie Cheung

Paese: Francia – Honk Kong (2004)

“Nella vita il vero amore lo si può mancare se lo si incontra troppo presto o troppo tardi”

2046 è il numero di una stanza d’albergo e un anno, distante altri 80, in un futuro che uno scrittore racconta popolandolo con le immagini e i volti del suo presente ma radicando nel passato la ragione del suo narrare: egli ha amato e perso quell’amore per gioco tra Singapore ed Honk Kong e adesso narra per ricostruire, nella memoria del futuro, il senso perduto. Dentro questo tentativo si realizza la sua vita, negli anni che vanno dal 1963 al 1969.

Il modo in cui il protagonista del film sta al mondo è quello del gioco: per gioco ha perso il proprio amore ed è stato espulso dal passato, giocando adesso si relaziona alle figure femminili che incontra. La ricerca del senso attraverso il romanzo, seguendo una rigorosa relazione tra arte e vita, si intreccia con la dimensione ludica della sua esistenza impedendo alla prima di potere essere completa. Il “gioco” è qualcosa di molto serio, direi una figura decisiva della modernità. Esso coincide con quella fase dell’esperienza umana che si presenta quando, di fronte al crollo di ciò che ognuno di noi identifica con la sua patria, non resta altro oltre l’ironica evidenza dell’indistinzione delle figure sociali: morta la propria patria (o il proprio amore-ideale-dio) si attraversa una fase in cui non esiste differenza tra gli eroi e le puttane. Lo scrittore protagonista del film vive in questa fase e proprio per questo la sua ricerca del senso perduto attraverso l’arte si rivela votata al fallimento, tuttavia alludendo a un possibile nuovo senso, figlio della consapevolezza dell’irredimibilità del passato.

Nel viaggio che è un perdersi, ossia nel non ritrovare il tempo perduto, si crea quella nuova e paradossale patria dove il fine del viaggio è proprio l’eterno viaggiare dentro l’utero cieco e illimitato di un futuro immaginato. Il protagonista del romanzo, alter ego dello scrittore e quindi del protagonista del film, evoca la figura dell’Ulisse dantesco, apolide per formazione che fugge la patria ritrovata e, nell’aspirare agli estremi limiti del mondo, si condanna alla gloria di un indefinibile svanire.

Il nuovo senso rinnova la consapevolezza che il passato non conosce redenzioni e ogni determinismo ne esce così disfatto di fronte alla passione che più di ogni altra orienta le nostre esistenze: l’amore, di per sé imprevedibile. Le stesse androidi che il viaggiatore nel tempo ama nel futuro differiscono i loro sentimenti, celandoli allo sguardo di chi sa di amare ma mai può avere la certezza dell’essere a sua volta amato: l’incertezza, al termine della storia, è quanto di più certo si possa avere.

La forma del film ne richiama il contenuto o forse non fa altro che sedimentarsi su di esso. Il canone stilistico “utilizza” un raffinato erotismo dei mezzi espressivi che fa ricorso alla penetrazione senza mostrarla. Il contatto tra le cose fugge l’impatto visivo, giocando anch’esso a ritrarsi, mentre scorrono impressioni di visi belle come gli sguardi degli amori non detti o perduti ma mai piegati all’ossessiva volgarità della nostalgia. Il movimento stesso della macchina da presa, girando accanto ai corpi, sembra accarezzarli appena, quasi a volerne rispettare l’intima fragilità, la miseria e lo splendore, infine catturandoli in un ultimo gioco che li consegna a noi spettatori come carne della cui carne siamo fatti.

Gregorio Sorgonà “Paul Sweezy”

Uma cena extranha, poética e comovente.

A Sinceridade Plástica

Cinzas do Passado é o filme mais sincero de Wong Kar-wai. Isso porque a atenção plástica característica de suas obras está aqui no rosto do espectador trabalhada estruturalmente e não apenas como um deslumbre ou simples marca autoral. Temos aqui muito mais que um trabalho de imagem: trata-se praticamente de um estudo plástico por parte do cineasta chinês.

O(s) simples enredo(s) do filme propicia(m) este “estudo”. A profundidade que permeia uma história cheia de mitos da cultura da China antiga não é grande suficiente para se perder nela: o samurai a ficar cego, a mulher que toma uma bebida que faz esquecer as coisas, as paixões dos homens não correspondidas, tudo isso está num outro terreno, mais próximo da rapsódia e, portanto, com encadeamento mais frouxo, como um conto que se conta à beira da cama.

Isso porque Kar-wai está interessado em compor ritmo e colorido para este misticismo com a plasticidade dos planos através de pensamentos musicais: rimas, refrões, pontes. Os temas da água e da terra enquanto imagens impressionistas se repetem, com adição do vento que bate nestes elementos e cria novas formas e texturas. Tudo isso dá pulsão e vigor ao novo Cinzas do Passado.

Contudo, os tempos são outros (assim como o filme). A juventude e frescor são substituídos por experiência e fama, transforma esta curiosidade formal de Cinzas do Passado na tranqüilidade auto-icônica de 2046 e Um Beijo Roubado, uma fórmula – a preguiça celebrável – que cedo ou tarde pode atingir o realizador alçado à categoria de autor.

Acaba de sair Cinzas do Passado Redux. Vi o filme durante a Mostra e me parece um dos mais sinceros do diretor.

Todo mundo sabe que acho Wong Kar-wai superestimado. Sempre tem alguém que brada a profundidade do chinês no retrato do amor, principalmente quando à flor da pele (sim, essa doeu).

Para mim, ele esta mais para fogos-de-artifícios que armas-de-destruição-em-massa. Kar-wai achou seu caminho através da plasticidade, e isso é sedutor. Talvez ele seja bom nisso e não no que dizem os outros – não, ele não é o guru do amor. Acho que alguns filmes seus tem pose em excesso, um turbilhão de plasticidade e composição de quadro, a estrutura fragmentada que esconde certa frouxidão e, na verdade, falta uma massa de verdade cinematográfica (como o amour fou de Dias Selvagens) – reparar principalmente em 2046 e Um Beijo Roubado.

Prefiro infinitamente mais o Hou Hsiao-Hsien (esse sim um Godzilla).

Acho que escrevo ainda sobre o Cinzas do Passado Redux. Só preciso achar o texto da época…