Blog de artista. Pinturas abstractas demediano formato.

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Título*

Blog de la artista argentina con sus obras abstractas, muy plásticas y simbólicas.

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Mirta Benavente

“Yo solo tengo unas cuantas certezas. Sé que es mejor amar que odiar, la justicia que la injusticia, la verdad que la mentira, aunque la literatura es una gran mentira pero bien contada…”

Es un fragmento de un libro (bastante regular) de Elena Ponitaowska, La piel del cielo. Resulta que últimamente me ha dado por reflexionar qué es la Cultura en sí, globalmente. Qué es el arte, qué la música, qué la literatura, para qué un pintor, y un novelista, y un poeta. Y no digamos ya un teórico de la literatura, todo el día leyendo obras, deduciendo intenciones, midiendo versos, hablando de corrientes, discutiendo con otros como él todo el día. ¿Y todo esto para qué? De verdad necesito una respuesta rápida o tendré que aceptar que estoy tirando años a la basura.

Un ingeniero construye puentes por los que pasa la gente. Un médico cura al enfermo, al que se siente mal. Así muchos y muchos oficios tienen una repercusión positiva en la Vida del ser humano. ¿La Cultura también? Gran cantidad de gente muere sin haber leído el Quijote, otras muchas han muerto sin ni siquiera saber leer.. ¿y qué? ¿Su vida era más triste por eso? ¿Es igual de necesario un médico que un artista para el hombre? Porque yo pienso desde el punto de vista del hombre, que al fin y al cabo, es el protagonista de toda esta parafernalia que es la vida.

Voy a cortar aquí, no quiero enrollarme, quiero saber opiniones, verdades que me devuelvan en cierta parte la ilusión de cuando escogía un modo de vida. Si es necesario, haré una segunda entrada del tema. Un apunte más: el otro día iba en el metro y un hombre tocaba el violín. La música me conmovió, a lo mejor es una tontería, pero en ese momento me sentí feliz. Así de estúpido: una música me hizo feliz diez segundos. A esto me refiero, ¿realmente contribuye a la felicidad la cultura? ¿O es simplemente un entretenimiento…?

“En la devastación general sólo resplandecían las palabras. Y donde los príncipes se habían humillado, el prestigio recaía en los poetas. A ellos y no a los poderosos, les estaba asegurada la inmortalidad.” Günter Grass, Encuentro en Telgte.

Este breve texto es fenomenal, pero es literatura y aunque bien escrita, no deja de ser mentira…

Hoy, domingo 25 de octubre de 2009, he visitado la exposición “RODCHENKO Y POPOVA. DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO” en el Museo Reina Sofía.

Impresionante. Recorriendo la trayectoria de estas dos genialidades me parecía estar recorriendo el conjunto de las vanguardias de todo el siglo XX.

Las técnicas, especialmente el collage,

Ilustración de Rodchenko para el poema Pro Eto de Maiakovski

Con resultados tan próximos a lo que sería más tarde Nicolás Lekuona, por ejemplo, en las composiciones con personajes

Fotomontaje de Nicolas de Lekuona. 1935

Pero también tan próximos a algunas obras de Mario Henrique Leiria e incluso Cruzeiro Seixas, en sus composiciones con recortes de color geométricos.

Maiakovski fotografiado por Rodchenko

El fotografía, los retratos de Vladimir Maiakovski expresan la psicología, el interior, la profundidad de la personalidad. Podría relacionarlo con algunas obras de Otto Wols:

Autoretrato. Wols 1948

E incluso con algunas de Mapplethorpe:

Andy Warhol fotografiado por Mapplethorpe, 1986

En pintura, algunas composiciones abstractas de Rodchenko preconizaban el futuro expresionismo por sus colores oscuros, fuertes, impactantes.

Abstracción. Rodchenko, 1920

Creo que el cubismo es previsible en las construcciones pictóricas.

Obra de Popova

Pero es que incluso algunos diseños repetitivos de Popova son preludio del Art Pop.  

Leo en los paneles que el objetivo de Rodchenko llegó a ser dejar solo las líneas y despojar la obra de ornamentos como forma y color. Sin embargo, la belleza de las composiciones, la profundidad de los colores, la sensación de vértigo de las discontinuidades geométricas, infieren una belleza hipnotizadora a algunas las obras.

Manolo y yo ya habíamos visto la obra de estos y otros representantes del constructivismo y las vanguardias rusas en diversas exposiciones. Concretamente recuerdo la que creo que sería la última que vimos en la Fundación Caja Madrid, organizada conjuntamente con el Museo Thyssen, titulada “VANGUARDIAS RUSAS”, que tuvo lugar del 14 de febrero al 14 de mayo de 2006. Algunas de las obras expuestas en el Reina Sofía ya estaban en aquella de la Caja Madrid. He copiado al final la interesante información que aparece en la web de la Fundación Caja Madrid sobre aquella exposición:

Cartel de la exposición Vanguardias Rusas

Actalmente también hay una exposición en la Fundación Canal titulada “RODCHENKO FOTÓGRAFO” que tengo interés en ver. En su web hacen esta breve presentación:

Cartel de la exposición "Rodchenko fotógrafo"

http://www.http://www.fundacioncanal.es/ 

“Esta retrospectiva se compone de 125 fotografías realizadas por Aleksander Rodchenko entre 1920 y 1940. Un recorrido por su obra que muestra la incesante experimentación del artista y su defensa de los nuevos caminos de la fotografía.

Conocido como el revolucionario y pionero de la perspectiva, Rodchenko (1891-1956) fue líder del constructivismo, el último gran movimiento de vanguardia del S. XX. La muestra de la Fundación Canal procede del Museo Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Francia), donde se conservan gran parte de las fotografías más representativas del artista ruso.”

En la exposición del Reina Sofía se muestran por supuesto también fotografías de Rodchenko, me han impresionado las del poeta Vladimir Maiakovski que ya he comentado.

Copio la información de la web del museo:

“RODCHENKO Y POPOVA. DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO”

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/2009/rodchenko-popova.html

Fecha: 21 de Octubre de 2009 – 11 de Enero de 2010

“La exposición, una de las más importantes de la temporada, recoge la obra de dos figuras clave de la formación estilística y teórica del Constructivismo Ruso: Liubov Popova (1889 -1924) y Alekxander Rodchenko (1891 – 1956). Organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la muestra, que ha sido comisariada por Margarita Tupitsyn, supone un completo repaso a este movimiento artístico que cambió la cara del arte ruso.

La amplia muestra, la más completa que hasta ahora se les ha dedicado en España, recoge aproximadamente 350 trabajos, realizados entre 1917 y 1929 por ambos artistas: pinturas, carteles de cine y teatro, dibujos de diseño de trajes, de muebles, libros, fotografías y esculturas. Como complemento se proyectarán algunas películas de la época que guardan relación con los artistas y se podrán ver otros trabajos de creadores coetáneos.

Una característica a destacar de la exposición, es la equiparación de los sexos (en consonancia con los ideales de la Revolución Rusa); a Popova se le ha otorgado el mismo espacio e importancia que a Rochednko y en términos de calidad e innovación en el trabajo, no hay diferencia entre los dos artistas.

La exposición arranca en 1917, año de la Revolución de Octubre, cuando Popova y Rodchenko empezaron a aplicar al diseño sus experimentos anteriores sobre abstracción geométrica. Con la convicción de que el lenguaje abstracto tenía el potencial de alterar la vida cotidiana, ambos artistas transformaron la pintura en un campo de pruebas de formas abstractas capaces de influir en las primeras teorías de la arquitectura constructivista y las nuevas ciudades socialistas.

En el arranque de la exposición, se muestran los primeros trabajos realizados por los artistas: una extraordinaria colección de lienzos y obra gráfica producidos entre 1917 y 1921 que reflejan la aplicación inmediata de su vocabulario abstracto, todavía muy influido por la arquitectura.

Siguiendo el recorrido expositivo, encontramos una sala dedicada a uno de los grandes pioneros del arte abstracto, Wassily Kandisky, influencia evidente en los primeros momentos del Constructivismo ruso y figura clave para los dos protagonistas de la muestra.

Más adelante, y después de pasar una sala dedicada a escultura, se presenta parte de la exposición titulada “5×5 = 25” que Rodchenko y Popova realizaron en Moscú en 1921 junto a Varvara Stepanova, Aleksandr Vesnin y Aleksandra Exter, donde renunciaban a la pintura. A partir de este momento, nos encontramos con la transición desde la pintura a otros medios como el diseño gráfico o la moda. Por lo tanto, los dos artistas promovieron una práctica multi-media que incluyó desde diseño para cine y teatro, hasta el diseño de pósters, libros, ropa, textiles, y muebles. En este sentido encontramos, por ejemplo, diseños para portadas de libros de escritores como Trotsky o Mayakovsky.

La exposición aúna también las contribuciones originales de ambos artistas en estos medios, enfatizando en su dedicación al trabajo en colaboración y su implicación con las industrias locales. La muestra de las obras utilitarias de Rodchenko y Popova pondrá de manifiesto el grado en el que ambos artistas influyeron en la moda, los medios audiovisuales, el teatro y el cine del siglo XX.

La temprana muerte de Popova, en 1924 no le permitió entrar en la siguiente fase del Constructivismo. A partir de este momento Rodchenko se dedicaría exclusivamente a la fotografía y el cine. La exposición, recoge, cómo éste empleaba la cámara para reflejar de forma efectiva la nueva arquitectura Soviética, y para identificar, por medio de enérgicos retratos, a las figuras claves del movimiento Constructivista. Por último, se proyectará la película Moscú en Octubre, 1927 de Boris Barnet donde Rodchenko participó como director de arte y diseñó los títulos de crédito del film”

VANGUARDIAS RUSAS

http://www.fundacioncajamadrid.es/Fundacion/Comunes/fun_cruce/0,0,72057_2016215*72020_2023518,00.html

“Organizada conjuntamente por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, la exposición ofrecía un recorrido por la génesis y desarrollo del arte ruso de vanguardia durante el primer tercio del siglo XX.

En contra de lo que tradicionalmente se ha considerado como un único movimiento, la muestra puso de manifiesto -de ahí el plural de su título- la diversidad de tendencias, contenidos y estilos que se encuadran dentro del experimento cultural que supusieron las “Vanguardias Rusas”.

La muestra se centró principalmente en la pintura y la escultura, aunque también incluyó dos secciones especiales, una de fotografía y otra de diseño, arte gráfico y artes aplicadas. El arco cronológico abarcado por la misma se situaba entre 1907 y aproximadamente 1930.

Para Rusia y lo que iba a convertirse en la Unión Soviética se trata de un perÍodo de convulsión política y cultural en el que la vida artística se vio sacudida por cientos de exposiciones de grupo, declaraciones “teóricas” y manifiestos. La intrincada estructura formada por todos ellos ha atraído la atención de los historiadores durante las últimas tres décadas.

El recorrido se iniciaba con de la búsqueda de un nuevo arte nacional basado en las tradiciones populares rusas a comienzos de siglo. Un segundo apartado estaba dedicado a los primeros intentos por entroncar con el arte internacional europeo, principalmente con el Futurismo. Más adelante se analizaba la trayectoria de artistas fuertemente personales como Chagall, Kandinsky o Filonov.

La exposición proseguía con la abstracción organicista de los años de postguerra. Finalmente, el capítulo más extenso estaba dedicado al afán de superar el arte tradicional y de convertirlo en un medio de construcción del hombre nuevo, recurriendo a medios tan diversos como la pintura, la escultura, la fotografía o el arte de propaganda.

Con más de 280 piezas entre pinturas, esculturas, fotografías, carteles, cubiertas de libros, tejidos, cerámicas y otros objetos de uso corriente, este amplio montaje expositivo fue posible gracias a la colaboración especial del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo y de otros museos rusos como la Galería Estatal Tretiakov y museos provinciales, el Centro Georges Pompidou de París y el IVAM de Valencia, que prestó parte de su colección de fotografía del siglo XX. Asimismo, se reunieron obras de diversas colecciones privadas de todo el mundo.

El plural del título, “Vanguardias rusas”, aludía a la diversidad de propuestas creativas que protagonizaron el arte ruso de las primeras décadas del pasado siglo. Las muy diferentes búsquedas experimentales que se desarrollaron en distintas ciudades rusas, replantean la existencia en este periodo de una cohesión de estilos e ideas en una sola “vanguardia rusa”.

La rica y compleja creación plástica y cultural (arte, cine, teatro, literatura, fotografía, performances, circo, diseño gráfico, diseño editorial, manufacturas…) evidencian la presencia de un rico mosaico moderno en un momento histórico y social marcado por la inquietud, pluralidad, la libertad, la investigación y la presencia de muy fuertes e inquietas personalidades.

La muestra ejemplificaba cómo la política, la filosofía, la religión, la ciencia, la tecnología y la música del momento se ven también envueltas en este estallido cultural. Más que una detallada muestra de cada uno de los distintos movimientos considerados de vanguardia, la exposición ofrecía una visión sintética de esta etapa, al tiempo que prestaba una especial atención a la calidad de las obras por sí mismas y a los logros de cada artista.

La exposición fue comisariada por Tomàs Llorens, con el asesoramiento de un Comité Científico formado por John E. Bowlt, Nicoletta Misler, Evgenia Petrova, Ekaterina Selezneva y Maria Josep Balsach.

RECORRIDO DE LA EXPOSICIÓN

El recorrido, que comenzaba en la sede del Museo Thyssen-Bornemisza y finalizaba en la Fundación Caja Madrid, se dividía en cinco secciones:

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

1. La lección de los bárbaros se centraba en los años 1907-1912, un periodo en el cual los artistas de vanguardia se movieron por el sueño de una nueva cultura rusa, revitalizada por el ejemplo de una gran variedad de tradiciones populares o “primitivas”.

La sección se dividía en dos partes; la primera estaba dedicada a la imagen de una Rusia imaginaria, llevada a cabo por Kandinsky y Jawlensky desde Munich. La segunda, más extensa, se centraba en Goncharova y Larionov, aunque también incluía obras de Mashkov y del primer Malévich. Pirosmanachvili, el pintor naif georgiano, también estaba representado en ella.

2. Un torbellino de energía recogía las innovaciones formales del periodo 1912-1915. También estaba dividido en dos partes. La primera presentaba de manera conjunta el desarrollo del “rayonismo” y el “cubofuturismo”.

La segunda se centraba en el problema de representar el espacio e interactuar en él empleando diferentes materiales. Incluía obras tempranas de Tatlin, Baranov-Rossiné, Kruchenyk y Rozanova.

3. Experimentos individuales trataba de presentar la intensa investigación artística llevada a cabo por artistas individuales, los cuales eligieron trabajar al margen de formaciones colectivas y de las cambiantes asociaciones de artistas de la época. La sección se dividía en tres partes, dedicadas respectivamente a Chagall (1912-1922), Kandinsky (1914-1922) y Filonov (1914-1930).

4. El modelo orgánico ofrecía una presentación sumaria de la tradición “orgánica” que desarrollaron en torno a Matiushin, Elena Guro y los hermanos Ender.

FUNDACIÓN CAJA MADRID

5. La construcción del hombre nuevo era la sección más extensa de la exposición. Intentaba mostrar la dialéctica entre vanguardia artística y cambio político-social durante los primeros años tras la Revolución. Estaba dividida en cuatro apartados:

5.1. Suprematismo y Constructivismo recogía las investigaciones en la representación del espacio, los volúmenes y la geometría de los creadores de estos movimientos como Malévich, Popova, Rodchenko o El Lissitzky, con experimentaciones en el campo de la pintura y la escultura. En relación con este apartado, se incluía una reproducción virtual a gran escala del Monumento a la III Internacional, de Tatlin.

5.2. Fotografía ofrecía una amplia visión de conjunto de la fotografía de la época, caracterizada por una ambivalencia entre fotografía social y fotografía experimental, en la que se buscaban nuevos enfoques, nuevas perspectivas y una especial atención a la estética de las máquinas. Este apartado contaba con un importante conjunto de fotografías del IVAM.

5.3. Diseño gráfico y arte y propaganda. Este ámbito constituía un ejemplo del interés por las artes aplicadas que caracterizó a buena parte de la vanguardia durante los años veinte, en concreto por las publicaciones y el diseño gráfico. Destacaban las cubiertas de revistas y libros, y en particular la extensa producción de carteles, sobre todo políticos, pero también de otros géneros.

5.4. Arte de la vida cotidiana, recogía algunos ejemplos de la estética del movimiento moderno aplicada a los objetos de la vida diaria, con muestras de tejidos estampados, cerámica, vajillas, bandejas o tinteros”

Crisis, es ese momento, en el que nos vemos envueltos en los juicios externos de personas intolerantes. Que se encargan de atormentar la existencia de personas más abiertas, mas liberales y extrañas ¡ese es el problema, la intolerancia! En mi caso se puede decir que me han ensimismado bastante, pues cuando se comienza a ver desde un punto negativo o sospechoso las acciones que pueda tomar o las cosas que pueda decir, es mejor callar y mentir (así me podría librar de una discusión o de algún perjuicio) mas tratándose de las figuras de autoridad que se presentan en algunas situaciones cotidianas como: la casa, el trabajo, el estudio, etc. Considero que las instituciones y por lo tanto las figuras de autoridad, de alguna manera vulneran mi subjetividad a veces con negativas e ilógicas disciplinas, manifestaciones de superioridad arrogantes y ridículas que muestran la estupidez de nuestros “lideres” que muchas veces, se comportan aun peor que sus subalternos y son mucho mas deficientes. Por eso el mundo no es como podría ser, por lideres estúpidos que no tienen la suficiente habilidad e inteligencia para dirigir de una forma progresiva, prospera y agradable; pues se encierran en su vanidad y su insuperable ego, que no los deja observar e incorporarse como debiese ser, es tan común que caigan en la mediocridad -un mal que viene conjunto con la vanidad- cuando alguien solo se fija en su exterior, olvida sus verdaderas motivaciones y así se va vaciando. por eso es tan común la gente tonta vacía y/o superficial, esta con la que nunca se puede entablar un verdadero dialogo, lo mas triste es que esas personas pueden ser profesores, empresarios, “creativos”, etc. Esta es la causa de que sea tan hartas tantas cosas en tantas ocasiones, al mundo le hace falta distribuir los talentos, por lo general veo personas, que hacen cosas totalmente ajenas a ellos y por esto la frustración, cuando no podemos hacer lo que en realidad sabemos o deseamos y simplemente nos dejamos llevar por terceros o influencias a cosas no se identifican, con nosotros mismos. Algo deprimente y el arrepentimiento, cosa que nos a invadido a todos en algún momento, junto con los problemas y las presiones externas. Que generan que uno a cada momento se vuelva mas astuto y sutil a la hora de actuar y así tener real privacidad, mas libertad y seguramente mas placer; Precisamente el hedonismo es el que nos lleva a querer progresar la anhelada independencia, en todos los casos es un gran confort, eso si hay que partir de ¡ser uno mismo! con eso es suficiente alejarse de la tercera opinión y solo actuar por cuenta propia, con un propio examen de conciencia impermeable a las opiniones extras. Por desgracia muchas personas necesitan alguien que les diga que hacer, estas personas que siempre necesitan, ese punto de vista, esa afirmación externa, para actuar eso se llama falta de carácter, de criterio, de autenticidad; todo por la inseguridad que invade a la mayoría de la gente, este hecho de no creer en si mismos, no los deja ser ellos mismos, por eso, siempre necesitan ordenes, estos son los peones que mantienen todo inconcientemente, con la aspiración de una ínfima recompensa, igual así se sea un importante personaje, con mucha destreza; no puede huir de eso que nos amarra a todos y se llama monotonía o rutina eso que nos hace trabajar como maquinas en una función expresa, sin nada nuevo que ver o hacer, esa es la decadencia humana. Yo creo que por eso Anders Caicedo decía que vivir más de 25 años es una insensatez.  Con este mundo de engranajes exactos como un reloj ¿que sentido tiene estar? es mejor estar en la nada, como Sartre, Gonzalo, los existencialistas y los Nadaistas. Al menos allí esta la libertad, esa que nos hace falta descubrir a la mayoría de personas, que nos conformamos y nos acostumbramos a esta jaula de responsabilidades y que hacères, que nos deja respirar solo lo suficiente, para producir mas, para continuar laborando mejor dicho que cosa tan berraca, ya no nos pertenece nuestra propia vida.

En el post anterior hemos visto como las excepcionales capacidades numéricas y lingüísticas de David Tammet tienen una relación muy estrecha con su percepción sinestésica. En todos los casos, la sinestesia le permite realizar hazañas imposibles al común de los mortales porque gracias a ella puede utilizar el sistema visual en problemas que no son visuales sino auditivos, conceptuales o matemáticos.

En cierto modo (y advierto que esto es una idea mía, no de los expertos en este tema) es lo que hacemos cuando usamos una gráfica para pensar sobre un problema físico o matemático: los traducimos a un lenguaje visual y así podemos aplicarles la potencia de computación de nuestro sistema visual, que es realmente excepcional. Por ejemplo, ante la gráfica de una función detectamos inmediatamente sus máximos, mínimos o cambios de concavidad o convexidad, mientras que hacerlo a partir de la definición de la función es un problema analítico complicado. De igual modo, cuando representamos una serie de datos en una gráfica x-y, vemos con facilidad que tipo de correlación tienen, si son “ruidosos” o no, etc. Todo esto es imposible si nos presentan los mismos datos en una tabla. Nos vemos obligados entonces a realizar unos laboriosos cálculos estadísticos para obtener un resultado que el ojo nos proporciona de inmediato.

Nuestra vista hace pues cosas extraordinarias, y si percibiéramos visualmente los números (o las palabras) podríamos hacer con ellos esas cosas extraordinarias.

Pero en el caso de Tammet no sólo es eso. Con esta idea podríamos entender que realizara multiplicaciones aproximadas, visualizando el tamaño de los números (los factores como los lados de un rectángulo y el resultado como un área, por ejemplo). Pero que dé los resultados exactos es desconcertante: eso no lo hace el ojo. Las sinestesias de Tammet no parecen tener ninguna relación con la “física” de los números (por ejemplo, el 23 es “grande” y el 581 “pequeño”). De hecho, parecen totalmente arbitrarias. Pero si realiza cálculos con ellas, no pueden serlo: deben tener una lógica, una lógica de alguna manera isomorfa a la lógica abstracta de la multiplicación o la división.

Cuando multiplicamos números con papel y lápiz, usamos un algoritmo que funciona porque realiza en un proceso concreto las propiedades abstractas de la multiplicación. No es el único posible (en una calculadora o en un ábaco se usan otros) pero en todos los casos los algoritmos han sido diseñados trabajosamente para que exista ese isomorfismo: son lo menos espontáneo que se pueda concebir. Por el contrario, las sinestesias de Tammet no han sido diseñadas, simplemente le ocurren.Y el caso es que funcionan como un algoritmo. De una manera misteriosa, captan la estructura multiplicativa. Esto plantea un sinfín de preguntas. Valgan dos como ejemplo (en realidad las planteó Rogelio Yoyontzin en sus comentarios al post anterior):

• Da la impresión de que la sinestesia de Tammet va asociada al número en sí, más que a su representación en base 10 (a diferencia de otros casos más sencillos en los que lo que tiene “color” son las cifras del 0 al 9). Parece que su manera de operar debería ser independiente de la base. Pero cuando hace una divisón con decimales, éstos se le aparecen secuencialmente (como no podría ser de otra manera, pues generalmente son infinitos).  Sin embargo, esos decimales sólo son los correctos en base 10. Esto, al menos a mí, me resulta extraño.
• Dado que la estructura multiplicativa no es privativa de los números reales, sino algo mucho más general (que posee cualquier grupo en el sentido matemático de la palabra), ¿funcionaría este “algoritmo sinestésico” en esas estructuras más generales?¿O hay alguna razón por la que está confinado a los números reales?¿Tienen entonces los números reales alguna propiedad particular que es la que usa Tammet?

Otra cuestión intrigante es si no seríamos capaces de hacer también nosotros, siguiendo algún método, algo similar a lo que hace Tammet espontáneamente. Quizá podríamos entrenarnos para aprender un lenguaje visual aplicado a las matemáticas o los idiomas, como nos entrenamos para aprender las técnicas de la expresión gráfica. O quizá podríamos conseguir que nuestro cerebro tuviera auténticas percepciones sinestésicas como las de Tammet (hay quien está probando esto, aunque los resultados no están aún claros). Las posibilidades de la sinestesia para expandir nuestra capacidad intelectual son atractivas e intrigantes.

Aunque quizá podría ser que ya la hubiera expandido. Sabemos que, según la concepción estándar, el lenguaje humano está formado por símbolos arbitrarios. Cómo puede haberse puesto de acuerdo una comunidad de personas para utilizar un signo determinado, de entre la infinidad de signos posibles, para un determinado objeto, es un misterio insondable si los signos son realmente arbitrarios. Pero no lo es tanto si, como nos sugerían Bouba y Kiki (en el 2º post de esta serie) la arbitrariedad no es tanta.

Hay otra idea que refuerza esta sugerencia. El lenguaje está íntimamente unido al pensamiento abstracto. Pero la abstracción depende, a su vez, de algo más básico: de la capacidad de percepciones de diferentes sentidos en un “concepto” de orden superior. Con el ejemplo que pone V. S Ramachandran (“Escuchar colores, saborear formas”, publicado en Temas de Investigación y Ciencia, 2005): un gato es suave (tacto), maúlla y ronronea (oído), tiene cierta apariencia (vista) y despide un olor característico (olfato). Todo esto nos viene a la mente ante la palabra “gato”. Esta integración intermodal se produce, según los neurólogos, en una región cerebral llamada TPO (unión de los lóbulos temporal, parietal y occipital). En esa misma zona se cree que se producen también los “cruces de cables” (los neurólogos los llaman “activaciones cruzadas”) entre distintos sentidos en los individuos sinestésicos. De este modo, la sinestesia estaría en relación con el origen del pensamiento abstracto: en definitiva, estaría en la raíz de lo que nos hace humanos.

Esta es la idea de Ramachandran, y es indudablemente muy especulativa. Sea o no cierta, la sinestesia es fascinante, y no sólo por todo lo que hemos dicho ya, sino también por una cuestión filosófica: porque pone de manifiesto de un modo espectacular hasta qué punto el mundo no es algo que está ahí objetivamente y percibimos tal cual es. Los números no tienen colores. ¿Puede haber algo más obvio? Y sin embargo, Tammet ve esos colores. ¿Podemos sostener seriamente que son una alucinación, que no existen en realidad, cuando esos colores le permiten realizar las proezas de cálculo y de memoria que hemos descrito, y que nosotros somos incapaces de realizar?¿No estaríamos siendo como un sordo que sostiene que la música no existe? Quizá debiéramos ser más prudentes al dictaminar lo que existe “en realidad”. Porque quizá hay muchos más colores que no vemos y más sonidos que no oímos (o quizá: más colores que no oímos y más sonidos que no vemos )

* * *

NOTA: Casi todo lo que he contado en esta serie de posts está sacado de dos fuentes que ya he citado: Born on a blue day (la autobiografía de David Tammet) y el artículo de Ramachandran en Investigación y Ciencia. Curioseando en la web he encontrado algunas otras cosas:

• En la Universidad de Granada hay un grupo especializado en la sinestesia, y puede bajarse una tesis doctoral sobre el tema (está en inglés, con capítulos en español).
• Un artículo sobre la evolución histórica del concepto de sinestesia
• Páginas de Richard E. Cytowic, un neurólogo que ha escrito un libro sobre el tema recomendado por el mismísimo Tammet.

Catacumbas. Nikon D40, 0.62, f/3.5, DF 18mm, ISO 200.

En una discusión de MSN entre pollitos, picoteos por acá y por allá, surgió la interrogante: ¿Qué es Abstracción?, ¿Qué es Encapsulamiento? ¿Son lo mismo?

Tratare de explicarlo de una forma general y aplicada a un ejemplo.

Abstracción.

En programación se refiere básicamente a QUE hace una clase u objeto, y no COMO internamente lo hace. Por ejemplo la clase televisor, esta tendría atributos como marca, color-pantalla (blanco-negro o color) y métodos como apagar, prender y cambiar-canal. Aplicando el concepto de abstracción solo nos interesaría prender el televisor y no como internamente se conduce la electricidad, como los dispositivos se conectan, o como se proyecta la imagen en pantalla.

Llevado el término a clases abstractas, en estas definiríamos los métodos adecuados para el funcionamiento del televisor como por ejemplo encender-televisor, pero no seria necesario escribir el código del método, ya que esa tarea se llevaría a cabo por otras clases heredadas a esta.

Para que quede mas claro, una clase abstracta es la que posee métodos abstractos, los cuales están declarados en dicha clase pero que no tienen un código para su funcionamiento.

Encapsulamiento

Se refiere al ocultamiento de información. En nuestro caso de la clase televisor, que los atributos y métodos de nuestra clase no estén visibles o accesibles para modificarlos. Si quisiéramos hacerlo tendríamos que crear métodos públicos para poder hacer las modificaciones internas, pero no tendríamos acceso directamente a los miembros de nuestra clase televisor. En nuestro ejemplo seria una buena idea implementar un método publico “perilla_encendido” la cual nos permitiera modificar un atributo de la clase televisor llamado “encendido” que permita modificar su valor a encendido o apagado.  Generalmente para hacer uso de este concepto en nuestras aplicaciones, los miembros de las clases se deben declarar como privados.

Como conclusión podríamos decir que son dos conceptos que se complementan uno con otro, abstracción pone mayor énfasis en el que hace cierta clase y no como internamente lo hace, y encapsulamiento en ocultarnos los miembros internos de una clase. Estos términos básicamente se diferenciarían en que la abstracción no necesariamente implementaría la forma de hacer funcionar una clase (solo declararía métodos), y el encapsulado nos privaría el acceso a los miembros de una clase usando solo métodos definidos para poder modificar éstos.

resayam

Composición curvilínea No. 3, en la tapa del catálogo de la exposición

Composición, 1938

Sin título, 1947

Composición. Planos y círculos, 1948

Viaje nocturno, lámina IV, 1951

Composición en rosa, 1957

Tapiz Nro. 4, 1957

Sin título, 1958

Impresionismo abstracto, 1959

Sin título, 1960

Del catálogo de la exposición Yente-Prati en Malba,

21 de agosto al 5 de octubre de 2009.

"La pintura es poesía materializada en pincelada, trazos, huellas que hablan desde el alma y que dejan un sello personal para poder encontrarse con la esencia de nuestra presencia en el planeta." Raul Sassoni

El jueves 15 de octubre de 2009, a las 19.30, en la sala de Exposiciones del Colegio de Arquitectos de Córdoba, Laprida 40, inaugura la muestra Abstracción del presente, del artista plástico Raúl Sassoni. La exhibición reune sus más recientes pinturas, óleos de mediano y gran formato.  Permanecerá abierta hasta el 5 de noviembre.

Entrada libre y gratuita.

Perfil del artista
Raúl Sassoni, artista autodidacta, nace en Chilecito (La Rioja ) donde Alfio Grifassi, Ilda Diaz, Leonidas Ruiz Olmedo, lo impulsan hacia el arte y marcan su camino de auténtico creador. En 1983 egresa de la Escuela Nacional Superior “Joaquín V.Gonzalez” de la ciudad de Chilecito (La Rioja ), con el título de Bachiller con Orientación Docente.

Establecido ya en Córdoba, comienza su actividad plástica con muestras individuales y colectivas.

En óleo y acrílico trabaja formas y colores; y mediante collages o papiers collés se destaca en un lenguaje propio aproximándose al surrealismo Expone artesanías en la Feria de artesanías del Paseo de Las Artes y en la Feria Nacional e Internacional del Complejo Ferial Córdoba S.A entre 1985 y 1989 . Trabaja como diseñador de las marcas AF y Carezze de la ciudad de Córdoba. Diseña, ilustra y decora para “Dias de Radio”, programa de radiodifusión del multimedio SRT Córdoba Argentina .

Es curador de Galería de Arte Córdoba en el Nuevo Pasaje Muñoz, durante 2004 y 2005.

Actualmente trabaja para la artista Carmen Buteler como su asistente .
Su obra forma parte de colecciones privadas en EE.UU, Canadá, Italia, Buenos Aires, Córdoba, Carlos Paz.LPara ver

Abrir los siguientes links para ver más obras y ampliar información:
http://www.artesassoni2008.blogspot.com/
http://artesassoni.artelista.com/

E-mail de Raúl Sassoni: artesassoni@hotmail.com

La revisión de la producción artística de los pintores españoles fundamentales de los últimos cincuenta años (Tàpies, Saura, Millares, Arroyo, Equipo Crónica, etc.) a través de muestras personales en Madrid (Centro de Arte Reina Sofía), Barcelona (Casa de la Caritat) y Valencia (Instituto Valenciano de Arte Moderno) permitió a muchos hacerse una idea de lo que pasó en este país, a nivel artístico, en el periodo franquista, hacer un balance de las aportaciones de los grupos renovadores (Dau al Set, El Paso, Crónica de la Realidad, etc.) y saber la dimensión de esos artistas a nivel internacional.

Antonio Saura (Huesca, 1930 – Cuenca, 1998) fue sin lugar a dudas uno de nuestros pintores más cosmopolitas, mejor reconocido a nivel museístico europeo y con una obra personal muy significada.

La selección de obras de Rainer Michael Mason para la muestra itinerante de Antoni Saura en Valencia (que tuve la suerte de contemplar hace unos años), permitió al público adentrarse en las distintas etapas del artista aragonés. La mujer como punto de referencia de los primeros cuadros y dibujos de los años cincuenta. Aquí habría que rememorar su famosa Brigitte Bardot expuesta en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Las crucifixiones: como reflexión al Cristo de Velázquez del Museo del Prado. Los perros como interpretación libre de los temas de Goya. Las multitudes como reflexión, casi fotográfica, del yo multitudinario.

Estamos ante uno de los autores más sobrios que más partido le sacó, desde los presupuestos del expresionismo abstracto, al blanco y negro. Pintor con un grafismo muy personal, composición diáfana, gesto fuerte, su obra fue evolucionando lentamente, sin saltos en el vacío de ningún tipo.

Si hubiera que citar a un artista coherente con su estética, su obra y sus argumentos, habría que poner en primer lugar a Antonio Saura.

Al Saura pintor de cuadros, autor de una amplia obra gráfica e ilustrador de textos, hay que añadirle siempre otras facetas que a veces, en una muestra museística, se pierden de vista. Su condición de pensador, analizador de la realidad, escritor de arte. Él formó parte de esa reducida saga de artistas con un discurso teórico-estético-literario que se inicia con Picasso a inicios de siglo pasado, continúa de manera surrealizante con Dalí, prosigue literariamente con Ramón Gaya y llega a nuestros días con Antoni Tàpies, Eduardo Arroyo y el Equipo Crónica.

El día que podamos leer, reunidos en un libro, la antología de sus escritos, comprenderemos seguramente mejor las razones de su obra, entenderemos mejor qué es eso del arte español y qué cuestiones de interés cultural se han debatido en este país en los últimos años.

La cita con Saura en Valencia ayudó, sin duda, a comprender algunas de las razones del arte español del siglo veinte.

Una de las cosas más importantes que podrías aprender y que no te suele enseñar nadie es decir “no”, fácil y sencilla palabra de una sílaba con una vocal y una consonante. La hemos escuchado centenares de veces a lo largo de nuestro proceso educativo: “no hagas esto”, “no hagas lo otro”…  Sin embargo, la “palabra mágica” estaba reservada a las figuras de autoridad: padre, madre, profesores, sacerdotes, entrenadores, jefes y toda aquella figura dotada de algún tipo de poder real o imaginario sobre nosotros.

Si piensas en la mitad de los embrollos en los que te has metido en tu vida, probablemente te des cuenta de que estás en él porque hubo un momento en el que no te atreviste a decir “no”: quizás la presión social, la educación recibida y algún que otro factor condicionante te impulsó a tomar un camino de mala gana con todas sus consecuencias.

Eso es así, hasta que un día te terminan de tocar las narices, y entonces pronunciarás el “no”, de un modo tajante, furioso, con malos modales y sin medir posibles consecuencias.

Se supone que eso lo puedes evitar si te conviertes en una persona asertiva (uno de los términos favoritos de cualquier psicólogo). Que traducido al cristiano viene a ser una persona capaz de negarse a hacer cosas que no le interesan, y que no se deja manipular por los argumentos con los que se le puede intentar convencer de lo contrario.

La teoría es bien sencilla. La práctica tiene ya sus recovecos. En el momento en el que hay dos lados, dos posturas, cada cual con sus argumentos (y por tanto, su carga manipulativa) lo de la asertividad puede acabar convirtiéndose en un ente tan abstracto como la justicia o dios, que puede que te ayuden si tienes fe y crees en su existencia; pero que forman parte del mundo de las ideas del que hablaba Platón, sin concreción espacio-temporal.

Al final, lo único que parece ser cierto es que es mejor mantenerse alejado de las personas que no aceptan un “no” por respuesta (y no me refiero a que hagan concesiones temporales a la caza de un objetivo mayor), porque si entras al trapo, como aseguraba uno de los personajes de La chaqueta metálica al contemplar el cuerpo sin vida de uno de sus compañeros: “mejor tú que yo”, ¿no?

Hacer del personaje una mera presencia, una línea vacía entre dos acontecimientos. La sola representación de un nombre, una edad, un grupo sanguíneo, un sexo. Hacer de su cuerpo un espaciamiento, que puede ir de un sitio a otro o quedarse estático, ser pesado o ligero, ancho o fino. Hacer que sus nervios posean un punctum de ansiedad, sin causa definida, de veloz respiración y carente de palabras. Hacer de la voluntad un cúmulo de acciones interrumpidas, impotencias, conatos y determinaciones fracasadas. Hacer que solo tenga fuerzas para cambiar de canal y tragar más que escuchar o mirar. Hacer que los oscuros movimientos del cuerpo le provoquen una trombosis mientras la demoledora estadística del colesterol ilumina una pantalla.

Sevilla. Nikon D40, 1/25, f/5, DF 40mm, ISO 400.

Y he aquí, una “mini- serie” de “mini-abstracciones”, realizadas hace algunas semanas. Los formatos son de 30×21 cm. y 30×14 cm. Todos ellos, óleos sobre tabla trabajados solamente con espátula. Espero que os diviertan.

Realicé esta mesa para comprobar el grado de realidad que podía conseguir a través de la pintura. Estoy bastante satisfecha con el resultado (a pesar de lo que pueda parecer en las fotografías) y, de hecho, me abrió todo un mundo de posibilidades relacionadas con la decoración de muebles dentro de un entorno doméstico en el que halle mosaico de baldosa. La mesa mide 1×1metro y está realizada en acrílico a escala 1:1 con respecto al suelo de referencia.

Me fascinó este cartel de la empresa Hut Weber, que se dedica a la fabricación y venta de sombreros, en donde podemos ver a dos grandes personajes de la cultura y política del siglo pasado. Gran abstracción, concreta, simple. En síntesis: enorme ejecución.

Bienvenidos a otra edición del Suplemento de Zuplemento(SUPdeZUP ó SdZ) El compilado de tiras cómicas de artistas venezolanos e invitados internacionales; publicado online todos los domingos, de manera gratuita.

Disculpen las repeticiones de las portadas que se han publicado últimamente, pero estaba de vacaciones. Espero retomar mi esclavitud a plenitud pronto.
Para esta edición se cumplen 3 semanas de la edición del SdZ#90, plazo para dar a conocer el ganador por mejor comentario:
Noiryaguara Agosto 5, 2009 a las 9:24 am

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[algunas imágenes se agrandan al clickearlas, duh]

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Ron & Vodka
por Krugos

Fuente: http://ronyvodka.smackjeeves.com

“Dibujitos”
Por Javo01

Fuente: http://javo01.deviantart.com
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miniPLUG.TV y La Ventana de Saouri

Casco de guerra

Concepto:

‘Mercenario asesino que vive de la guerra, vive para aniquilar, si es con sus propias manos mejor. de origen humano alguna vez, convertido en una especie de hibrido concebido para el exterminio, disfruta causando y sintiendo dolor, se cose los rostros de sus enemigos caídos en batalla a su cabeza a manera de piel, que expresan el dolor causado antes de su muerte..’

Vision del interior del casco:

Acrílicos sobre lienzo ( formato pendiente de publicación )