Derivato da un soggetto di Pietro Germi, che avrebbe dovuto dirigerlo ma che morì durante le riprese, il film Amici miei rappresenta lo spartiacque tra la classica commedia all’italiana degli anni cinquanta e sessanta e la forma definitiva e conclusiva che assumerà dagli anni settanta in poi.
La critica all’arrivismo sociale, al facile benessere, venata da toni comici, cinici e grotteschi, con sullo sfondo la speranza di un mondo migliore, lascia ora il posto a toni amari, con la disillusione propria di chi non è riuscito a cambiare lo stato delle cose e che trova rifugio in un ristretto ed affiatato gruppo di amici, entusiasti complici nello assumere la goliardia come stile di vita, combattuti tra la tentazione di una normalità borghese e la voglia di mettere tutto in burla.
Mario Monicelli subentrò nella regia e con gli sceneggiatori Benvenuti, De Bernardi e Pinelli, trasferì la storia da Bologna a Firenze, portando sullo schermo la tradizione tutta toscana, con ascendenze letterarie, della beffa e dello scherno.
Protagonisti cinque amici ormai cinquantenni: Perozzi (Philippe Noiret),capocronista, separato dalla moglie e con un figlio già adulto; Melandri (Gastone Moschin), architetto alla continua ricerca del grande amore; Necchi (Duilio Del Prete), gestore di un bar insieme alla moglie e il conte decaduto Mascetti (Ugo Tognazzi), divorato dai debiti, che vive in un seminterrato con moglie (Milena Vukotic) e figlia e non rinuncia all’amante; l’illustre chirurgo Sassaroli (Adolfo Celi), che si unirà al gruppo in un secondo momento.
Eredi di Buffalmacco, reagiscono alle amarezze della vita organizzando le “zingarate”, un continuo girovagare alla ricerca di un’ispirazione per i loro scherzi, come schiaffeggiare i viaggiatori affacciati ai finestrini di un treno in partenza, o per burle a danno del pensionato Righi (Bernard Blier), cui fanno credere di essere una gang dedita allo smercio di droga.
Frizzi e lazzi sino alla morte di Perozzi, colpito da un infarto; al suo capezzale gli amici si interrogheranno sul senso della vita, ma giusto per un attimo: durante il funerale l’apparizione di Righi sarà l’occasione per un altro scherzo, sbeffeggiando così anche la morte, come uno dei tanti intrusi nel loro mondo.
Monicelli rende omaggio a Germi sottolineando i toni amari della storia, adattandoli ai temi a lui cari dell’amicizia virile e della ricerca esistenziale; il film ebbe due seguiti ( Amici miei atto II,’83, di Monicelli e Atto III, ‘85 di Nanni Loy, entrambi con Renzo Montagnani nel ruolo di Necchi): divertenti e ben diretti, ma senza quell’aura di magica spensieratezza ed allegra spontaneità propri dell’originale.

Eliane Lage

A atriz Eliane Lage será homenageada entre 11 e 19.11.2009 no Instituto Moreira Salles (IMS), que vai oferecer a mostra “Eliane Lage e a Vera Cruz” reunindo filmes estrelados pela atriz na década de 1950:

Entre as cinco obras do evento – que terá a participação de Eliane – estão “Caiçara”, primeiro filme da Vera Cruz, e “O cangaceiro”.

(…) Nesta quinta, entre outras sessões, a mostra traz “Ângela” (1951), de Tom Payne e Abílio Pereira de Almeida, às 14h, e “O cangaceiro” (1953), de Lima Barreto, às 16h. De 13 a 19, cada dia terá uma sessão.

As entradas das exibições saem a R$ 10. O debate com Eliane e Ana Carolina tem entrada franca. Todos os filmes desta mostra serão exibidos em DVD e com censura livre.

A nota foi encontrada aqui.

Starring: Sean Connery, Claudine Auger, Adolfo Celi
Director: Terence Young
Writer(s): Ian Felming , Kevin McClory, Jack Whittingham, (story) Richard Maibaum, John Hopkins (screenplay)
Studio: EON
Runtime: 130 min
Rated: PG
Official TMM Score: ***1/2 stars

“Miss Moneypenny: In the conference room – something pretty big; every double-o man in Europe has been rushed in. And the Home Secretary, too!

James Bond: Somebody’s probably lost a dog.“

Hello everyone and welcome to the fourth installment in my series of reviews chronicling the classic (and not so classic) movies of the James Bond film franchise. This time out the film up for reviewing is none other than ‘Thunderball.’, a wild fun romp from beginning to end, with lots of cool gadgets, cars, and more Bond girls than you can shake a dry martini at. Is it a classic on the level of Goldfinger or From Russia With Love? I personally, do not believe so, but, that is not so much an insult to this film as it is a compliment to those two most excellent movies themselves. Fundamentally, though it achieves more than many of its successors would, Thunderball is still a pretty much a ‘by the numbers’ James Bond movie. It begins with a nifty little action sequence punctuated with what for its day must’ve been a state of the art special effects scene involving the now legendary James Bond rocket fueled ‘jet pack’. Then it transitions into the customary trippy psychedelic title sequence filled with hordes of beautiful naked ladies’ silhouettes (yes, they really were naked) as they float by the screen to the tune of ‘Thunderball’ as sung here by Tom Jones… After this it digresses into the movie’s main storyline, which is yet another dastardly plot being performed by those oh so lovable lunatics from the criminal enterprise known as S.P.E.C.T.R.E. who make their grand return in this movie after taking a brief hiatus during Bond’s last outing ‘Goldfinger’.

This time the scheme involves stealing two nuclear bombs and using them to force several countries to pay a huge monetary sum for their safe return. If they do not pay, several hundred thousand people will die. Alas, it appears as though there are no options left, and payment will have to made, however, Her Majesty always has one Royal Ace up her sleeve, who has yet to fail her in several trying times thus far, and if you think he’s about to start now, this is obviously your first dealing with one Mr. Bond, James Bond that is. First, the incidentals, Bond here is once more played by the incomparable Sean Connery, who is on top of his game still. It is commonly said that ‘Thunderball’ was Connery’s favorite of all the Bond movies he participated in. He apparently liked it so much in fact that nearly two decades later, he would basically produce a remake of it in the ‘non official’ James Bond movie called ‘Never Say Never Again’… If you want a stark contrast between a Sean Connery who is absolutely on top of his game, versus a tired and bored Connery who is just ‘phoning it in’ watch this movie back to back with the next official Bond film ‘You Only Live Twice’ and see for yourself the difference. That’s a topic for another review at another time though, and I think we’ve got quite enough on our plate here as it is with this stuffed to the gills James Bond picture.

The main villain this time around is a wealthy eye patched fiend named Emilio Largo, who besides owning a marvelous yacht and collecting sharks for his island manor, also happens to be the new ‘Number Two’ man in the S.P.E.C.T.R.E organization after the events of ‘From Russia With Love’ transpired a few years prior. The plot described above is his brainchild, and it is his responsibility to see that every last detail is carried out with zero room for failure. In an early scene in the movie we are given a rare glimpse into the S.P.E.C.T.R.E organization’s conference room presided over by Mr. ‘Number One’, Ernst Stavro Blofeld himself, still at this point filmed either from behind or from an angle in which his face is obscured from view and referred to in the end credits simply as a question mark…. During this conference session we get a glimpse of S.P.E.C.T.R.E’s ‘employee retention program’ as one of the chairs sat in by a member of the organization who is suspected of embezzlement is lowered into the floor via a mechanical device while below we hear sounds of faint screaming and the hissing buzz of electricity coursing presumably into his soon to be extra crispy corpse. Seconds later the chair is returned to the table, empty…. I doubt anyone at the table failed to get the message.

One puzzling piece of the plot to steal these nukes involves henchman Angelo Palazzi, who is sent to a hospital retreat for massive amounts of plastic surgery in order to resemble exactly one of the pilots of the soon to be hijacked plane that is carrying the bombs to their destination. That pilot, François Derval, (played by the same actor) also happens to be the brother of a girl named ‘Domino’ who also happens to be the present captive girlfriend of Mr. Largo himself… So I always ask myself whenever I pop this movie in, why not just use Domino to blackmail Derval into giving S.P.E.C.T.R.E the plane himself? Surely it would be less expensive and time consuming than having to pay for all those multiple sessions of facial alterations over a period of what must’ve been a considerable amount of time. I suppose I am guilty of looking too deeply into this film though. The plot is what it is, and while it is not meant to be held up under extreme scrutiny from the likes of yours truly, it does its job of holding up under many repeated viewings quite well. That aforementioned clinic I spoke of also happens to be the location of Agent 007, who is recuperating there after his last number of taxing missions have been completed. He spends his time there seducing the head nurse and also casually catching wind of this latest intrigue. In true James Bond fashion, no evil plot to destroy the world is really worth worrying yourself about if you can’t enjoy a few of the finer things in between bouts of outwitting the enemy. The plan eventually does get carried off though, and now the only thing Her Majesty’s Secret Service has to go on is a lone suspicion of Bond himself, who has an interesting altercation with Angelo Palazzi at the clinic and also happens to run into Derval, after he has been murdered. So with that, Bond is sent along to investigate, and once again, the fate of the free world is placed in his hands. Can a boy get a break every now and then? Jeez.

The bulk of the action in this movie takes place on the beautiful tropic island of Nassau, which like Jamaica did for Dr. No, provides a wonderful back drop for a James Bond movie, as the hot and steamy climate fits his personality like a glove. All the usual suspects are back helping out Bond for this movie, from Moneypenney, to M, to the grandfatherly yet cantankerous old Q and his gadgets, to the slick CIA agent and Bond contemporary Felix Leiter, as well as a few new faces like Bond’s lovely tactical assistant Paula Caplan who (I think) unbelievably does not make love to 007 at any one point in the movie. Although speaking of that, Bond is quite busy in this movie in that regard, from hospital nurses, to the buxom red headed beauty employed by Largo and S.P.E.C.T.R.E to assassinate Bond before he louses up the works by foiling yet another of their devious plots, to the main Bond Girl of the movie, Domino, who in terms of looks alone, ranks very high on my all time list of Bond girls. With all these distractions going on around it is amazing that Bond finds the time to bother with all this hero business of his in the first place, but bother with it he does, and quite effectively at that. The exchanges he has with Largo during the movie’s middle sections are particularly well done as both Bond and Largo by this point know who each other is working for, but both, for reasons of their own play along with each other in order to not upset the delicate situation at hand involving the lost nuclear weapons.

In terms of action Thunderball definitely lives up to its moniker, as it contains in my mind some of the most memorable action scenes in Bond movie history including several high octane car chases and a riveting finale involving a multi-million dollar yacht owned by Mr. Largo. Particularly memorable is the massive climactic underwater battle between scuba divers from S.P.E.C.T.R.E and those sent to battle them from the U.S military that takes place in the depths of the ocean as both sides vie for nuclear supremacy under the sea. The staging of that whole battle scene alone is reason enough to give this film a solid three and a half star rating from my point of view, as I could hardly contain the smile on my face while it was going on. My research tells me this movie also won an Oscar for Special Effects, so there you have it. Bottom line, this movie has everything you could want in a Bond film. Hot girls? Check. Diabolical villains and interesting henchmen? Check. Tons of cool gadgets? Check. And of course, lots of endless witticisms, relentless action, scorching romance, and of course that classic laid back but badass attitude from Agent 007 himself? Quadruple check. So while it may not quite live up to the level set by Goldfinger and From Russia With Love in terms of overall movie making quality or originality, I would by no means advise anyone to skip ‘Thunderball’ when going through a James Bond marathon or just watching the series casually like I am doing. So if you happen across it on television someday, stop and give it a watch. You’ll be glad you did. James Bond will return next in my review of ‘You Only Live Twice’… Until then I am afraid he will need some good old R&R (rest and relaxation), so until next time I simply say thanks for reading and bid you a fond Bond farewell.

Jules

Vamos colocar os pingos nos is. Todo mundo lembra de praias francesas e essas merdas, mas o povo esquece de lembrar o mais evidente: o quanto o tio Anselmo era gato. Bom ter reconhecimento e não ser mais um rostinho bonito na multidão, mas nem por isso devemos esquecer que Anselmo Duarte foi um dos caras mais bonitos do nosso cinema e que nos anos 50 ele só perdia para o inalcançável Alberto Ruschel.

Agora sim podemos mencionar seus outros talentos via top:

1- O Caso dos Irmãos Naves (Luís Sérgio Person, 1967)

2- O Pagador de Promessas (Anselmo Duarte, 1962)

3- Carnaval no Fogo (Watson Macedo, 1949)

4- Absolutamente Certo (Anselmo Duarte, 1957)

5- Apassionata (Fernando De Barros, 1952)

6- Tico-Tico no Fubá (Adolfo Celi, 1952)

7- Assim Era a Atlântida (Carlos Manga, 1975)

8- Sinhá Moça (Tom Payne/Oswaldo Sampaio, 1953)

9- O Descarte (Anselmo Duarte, 1973)

10- Aviso aos Navegantes (Watson Macedo, 1950)

11- Depois Eu Conto (José Carlos Burle/Watson Macedo, 1956)

12- Um Certo Capitão Rodrigo (Anselmo Duarte, 1971)

13- A Madona de Cedro (Carlos Coimbra, 1968)

14- Os Trombadinhas (Anselmo Duarte, 1979)

15- Independência ou Morte (Carlos Coimbra, 1972)

Café Express (1980) IMDb

Réalisateur : Nanni Loy

Scénaristes : Elvio Porta, Nanni Loy et Nino Manfredi

Nino Manfredi (Michèle) , Adolfo Celi (inspecteur), Vittorio Caprioli (escroc)

Synopsis: Michele Abbagnano a pris place dans le train qui conduit les voyageurs du Sud de l’Italie à Naples. Comme à son habitude Michele commence sans plus attendre sa tournée des wagons, vendant café et capuccino à ceux qui le désirent, renseignant ici, informant là, toujours disponible et prêt à rendre service. Or, las de ce commerce illicite, la direction des chemins de fer vient de donner des ordres impératifs à ses employés. Ceux-ci, aidés des carabinieri, s’emploient donc dès le départ à identifier Michele avant de procéder à son arrestation.

Note: 9 /10

Le film raconte ses vicissitudes et les mensonges qu’il doit inventer pour gagner sa vie alors qu’il est traqué par la police ferroviaire et par une petite bande de voleurs qui voudraient le prendre comme complice pour leurs vols à la tire. Le chef des voleurs est tres bien interpreté par Vittorio Caprioli, acteur italien qu’on retrouve dans plusieurs comédies françaises.

Une comédie cocasse et riche en surprise mais aussi émouvante avec ce père qui essaye d’amasser suffisament d’argent avec cette vente de contrebande pour payer l’opération couteuse de son jeune fils.

Parmi les meilleurs interpretations de Nino Manfredi et un peu trop méconnu.

Ca marque la fin de l’âge d’or de la comedie italienne des années 50 jusqu’à la fin des années 70. J’ai extrait de cette affiche mon image avatar.

Màj:

Certaines scenes nous montrent et jouent sur les differences d’accents et de dialectes italiens. Un interprete est obligé de traduire le napolitain a des italiens du nord.

“Look up. Look down. Look out.” Words used on the original Thunderball movie poster. Just as Goldfinger set certain things in motion, Thunderball does the same being the first big budget James Bond. Massive sets, exotic places, and a complete underwater battle truly make this one of the best James Bond films. All Bond films to follow trying to hit the high mark of Thunderball.

Sean Connery again picks up the role as James Bond. Not much to say about the performance, he IS, James Bond. Thunderball also introduces two of the more memorable Bond girls, recruiting French actress Claudine Auger to play the role of Domino and Luciana Paluzzi as the villain Fiona.

I am a very big James Bond fan, and to me, this may be the best  James Bond ever. Casino Royal with Daniel Craig is a very close second though. I would highly recommend this for an average movie watcher who just wants to see a fun spy movie with plenty of class, Bond girls, and action!

Gruppopigreco chiede a tutti, in vista dell’estate, di essere amato più… carnalmente.

Carroll Baker e Adolfo Celi

Un ricco industriale e vedovo lombardo, Antonio, convola a nozze con una donna parecchio più giovane di lui; l’uomo va in crisi ilgiorno in cui si rende conto di non poter appagare sessualmente la moglie, iniziando così una relazione adulterina, anche se passeggera, con una giovanissima. La situazione si complica notevolmente con l’arrivo di Claudio, figlio dell’industriale, giovane playboy che ben presto scopre di essere attratto, ricambiato, dalla giovane matrigna.

La donna, Laura, nutre dubbi su se stessa, incolpandosi in qualche modo dei problemi del marito, finendo per ingaggiare una prostituta per prendere lezioni di seduzione. Tutto finisce in tragedia quando la donna, andato via il giovane Claudio, rifiuta di tornare con il marito, preferendo la sua nuova vita indipendente; Antonio non accetta la cosa e l’uccide.

Jenny Tamburi

Immerso in un’atmosfera opprimente, decadente, La moglie di mio padre è un film con qualche pregio e moltissime pecche; se riesce, in qualche modo, ad essere una visione del disfacimento della famiglia (siamo negli anni settanta, nel 1976 per la precisione), dei suoi valori ormai in crisi, non sfugge alla logica di una sceneggiatura semplicistica  e piena di pecche.

Femi Benussi

A parte il triangolo ormai abusato marito-moglie-figlio, appare evidentissima la distonia tra la storia e le scene di erotismo, nelle quali c’è anche, insolitamente, il bravo Adolfo Celi, che non riesce con il mestiere a coprire l’evidente imbarazzo. Bene invece Carroll Baker, sempre capace di ricoprire il ruolo assegnato con grazia e bravura. Un film in tono minore, nonostante il cast fosse di buon livello; vanno citati anche Cesare Barro, nel ruolo del giovane Claudio, Luigi Pistilli in quello dello psicanalista dell’industriale,

la solita bellissima Femi Benussi nel ruolo di una moglie fin troppo disponibile e quello della giovane e sfortunata Jenny Tamburi in quello di un’amica della Baker. Il film è diretto da Andrea Bianchi, che in passato aveva diretto diligentemente Nude per l’assassino, con taglio molto pesante, forse troppo per una pellicola con molte pretese assolutamente ridimensionabili dopo la sua visione.

La moglie di mio padre, un film di Andrea Bianchi. Con Adolfo Celi, Carroll Baker, Jenny Tamburi, Cesare Barro,Luigi Pistilli, Femi Benussi, Gabriella Giorgelli
Erotico, durata 92 min. – Italia 1976.

In America si chiama THE VILLAIN ROLE. In italiano, il ruolo del cattivo, della carogna, di quello “che quando muore il pubblico è contento”.

Gli attori (per lo più) non lo amano. Alcuni GRANDI ATTORI lo hanno fatto molto bene: Orson Welles, Eli Wallach, Christopher Lee, Al Pacino, ecc.

Lo faceva BENISSIMO Gian Maria Volontè. Ve lo ricordate in “Indagine su un cittadino ecc?”

E a Hollywood spesso hanno pensato di affidare questo ruolo ad attori italiani.

Dopo farò alcuni esempi. Ma la domanda è: perché hanno pensato agli italiani?

Credo che nell’immaginario collettivo degli americani (non gli intellettuali, voglio dire gli americani “medi” dei paesotti e delle periferie, tutti TV birra e Reader’s Digest) l’italiano sia visto istintivamente come quello che ti pugnala alle spalle, BUGIARDO, DOPPIOGIOCHISTA E (naturalmente) MAFIOSO.

C’è una lunga, secolare tradizione di stereotipi che risale al teatro elisabettiano, alle leggende anticattoliche: noi siamo i MACHIAVELLI, le LUCREZIE BORGIE, i CAGLIOSTRO, i GESUITI ecc.

Ho in mente un post sulla saga del PADRINO. Mi servirà per approfondire il concetto. Per oggi mi limito a citare tre grandi attori italiani che hanno “fatto i cattivi” oltreoceano.

Vittorio Gassman – Andò in America alla fine degli anni ‘70 e interpretò (benissimo) alcuni villain roles: ve li ricordate Quintet (Robert Altman), La Tempesta (Paul Mazursky) e Pelle di sbirro (Burt Reynolds)?

Adolfo Celi – Un grande attore, per lo più noto per ruoli brillanti, ma capace di mettersi la maschera del Supercattivo contro James Bond in Thunderball Operazione tuono (1965).

Sergio Castellitto – Lo abbiamo visto di recente nella parte del malvagio re Miraz (e accanto a lui c’era Pierfrancesco Favino, un’altra bella “faccia da cattivo”) in un film mediocre. Ne ho parlato nel post http://ilbibliofilo.wordpress.com/2008/11/30/il-principe-caspian-contro-i-conquistadores/trackback/  e penso che l’interpretazione di Sergio basti da sola a giustificare il prezzo del biglietto.

Una bambina, Nicole, viene uccisa in Svizzera; non assistiamo, materialmente all’omicidio, ma vediamo la sua baby sitter andare alla sua ricerca. La scena cambia e ci troviamo a Venezia; la protagonista questa volta è Roberta, figlia di uno scultore, Franco Serpieri e di Elizabeth, che vive in Olanda, lontana dal marito dal quale si è un pò distaccata, tant’è vero che vediamo l’uomo avere un’avventura galante con un’altra donna. Un giorno, mentre la bambina sta giocando con i suoi amici, sparisce misteriosamente, cercata inutilmente dal padre. Verrà ripescata nel Canal Grande il giorno dopo, con il volto riverso nell’acqua.

La relazione adulterina di Franco

Ai funerali della piccola Roberta arriva anche Elizabeth, che cerca di riprendere, in qualche modo, il dialogo interrotto con Franco. Il quale, disperato, decide di svolgere indagini per conto suo. Indagando anche sulla morte di una bambina, figlia di un artigiano del vetro, Franco scopre che quest’ultimo è stato aiutato da un filantropo, l’avvocato Bonaiuti.

Il dolore di Elizabeth, la splendida Anita Strindberg

A poco alla volta Franco si rende conto che un misterioso legame unisce Bonaiuti, Ginevra, una bellissima donna che sembra il trait d’union con l’avvocato, il mercante Serafian, un losco antiquario che è in società con Ginevra. Sarà quest’ultima a dare la svolta alle indagini, morendo in un cinema, uccisa dal misterioso assassino delle bambine, che uccide successivamente anche l’avvocato Bonaiuti. Scampato alla morte, grazie al figlio di Ginevra, Franco arriverà all’agghiacciante verità, dopo che anche Elizabeth ha corso il rischio di essere uccisa.

Dominique Boschero è Ginevra

Girato in una Venezia crepuscolare, immersa nell’atmosfera tipica autunnale della città lagunare, Chi l’ha vista morire sembra un tributo a A Venezia, un dicembre rosso schocking, di Roeg, anche se le analogie tra i due film si fermano solo alla location e all’atmosfera. Il film in effetti è un robusto thriller, teso, aiutato da una colonna sonora ossessiva, e si avvale di un cast ad alto livello, nel quale figurano Anita Strindberg nel ruolo di Elizabeth, il debole George Lazenby, forse sottotono nel ruolo drammatico di Franco, Adolfo Celi, sibillino e bravissimo in quello dell’antiquario Serafian e la splendida attrice di origini italiane Dominique Boschero, nel ruolo di Ginevra.

Il misterioso assassino uccide Ginevra……

..e l’avvocato Bonaiuti

Chiude il cast un giovane Alessandro haber, che ha un ruolo chiave nel film,quello di  padre James. Un film senza sbavature, diretto nel 1972 dal bravissimo Aldo Lado, maestro nel creare atmosfere d’attesa, giocate sulla recitazione e su dialoghi scarni ed essenziali. Ancora una volta segnalo l’assoluta mancanza di buona fede del Morandini, che bolla il film come scadente: la trama riportata dal critico che scrive per l’editore è sbagliata e lacunosa.

Franco rischia la vita

Adolfo Celi è Serafian

Viene da chiedersi cosa facesse la sera che proiettavano il film. In ultimo segnalo la presenza di una minidiva, quella Nicoletta Elmi che girerà diversi buoni thriller all’italiana, e che è bravissima nell’interpretare il ruolo di Roberta.

Le sequenze finali

Chi l’ha vista morire, un film di  Aldo Lado. Con Adolfo Celi, George Lazenby, Anita Strindberg, José Quaglio, Dominique Boschero.Alessandro Haber, Peter Chatel, Piero Vida, Vittorio Fanfoni, Rosemarie Lindt, Nicoletta Elmi
Giallo, durata 90 min. – Italia 1972

George Lazenby - Franco Serpieri
Anita Strindberg – Elizabeth Serpieri
Adolfo Celi – Serafian
Dominique Boschero – Ginevra Storelli
Peter Chatel - Philip Vernon
Piero Vida – Giornalista
José Quaglio – Bonaiuti
Alessandro Haber – Padre James
Nicoletta Elmi – Roberta Serpieri
Rosemarie Lindt - Gabriella

Ford Motor Co. has had a long association with the James Bond film series, most recently with Quantum of Solace. But the Dearborn, Michigan-based automaker’s involvement with 007 probably peaked with Thunderball.

The company’s cars not only saturate Sean Connery’s fourth 007 outing, but the automaker’s CEO, Henry Ford II (1917-1987), worked as an extra and Ford had what has to rank as one of the most unusual movie promotions for Bond.

First, a sampling of Ford cars that appear in the movie. For the record, we are excluding the Aston Martin DB V. Ford didn’t buy U.K.-based Aston until 1987 and sold it off in 2007. This list is of Ford Motor offerings at the time of production and release.

– “Madam Bouvard” departs the funeral for “her” husband in a Lincoln Continental.

– SPECTRE No. 2 Emilo Largo arrives at the criminal organization’s Paris headquarters in a white Ford Thunderbird convertible. The two-door Tbird, while hardly Ford’s biggest car of the era, looks huge in the narrow Paris street.

– SPECTRE operative Count Lippe tools around in a Ford Fairlane while doing his part for the criminal group’s plan to hijack two NATO military aircraft. Lippe’s Fairlane meets an explosive end, courtesy of rockets from SPECTRE hitwoman Fiona Volpe’s motorcycle.

– Bond, nearly killed while inspecting Largo’s yacht underwater, swims ashore and ditches his wetsuit. He thinks he’s lucky when a baby blue Mustang pulls up. But it’s driven by Fiona (Luciana Paluzzi) and Bond isn’t sure whether he’s going to survive the drive as the SPECTRE hitwoman gets the Mustang up to 120 mph.

– Bond drives a light blue Lincoln Continental to Largo’s Palmyra estate for lunch. A rental car? Was Bond looking for more room after driving the Aston so much? Were Ford executives relieved to see Bond, and not the bad guys, driving one of their cars?

– Bond, after a pleasant interlude with Fiona, is captured by SPECTRE. They take him in a Ford station wagon until they hit congestion from the Junkanoo festival. The disruption gives Bond a chance to escape.

This wasn’t all of Ford’s involvement. The company produced A Child’s Guide to Blowing Up a Motor Car, in which a British chap takes his godson to watch the filming of a scene from Thunderball. The scene is where Fiona (actually a stutman subbing for Luciana Paluzzi) shoots rockets at Count Lippe’s Fairlane (here driven by stuntman Bob Simmons). The audience can view how special effects man John Stears (who’d win an Oscar for his efforts on Thunderball) prepares gasoline-soaked rags, which will be ignited to create the explosion and make it look like the handiwork of rockets. Unfortuantely, this gives the god son unfortunate ideas…

The Ford promo had gone unseen for decades until TWINE Entertainment’s The Thunderball Phenomenon was produced in 1995 as part of a special VHS issue of Thunderball and Goldfinger. The featurette remained as part of DVD issues but the entire Ford production is now part of two-disk Thunderball sets.

–

Thunderball
★★★ / ★★★★

It’s interesting to me when I look back on how the “James Bond” franchise changed over several decades. I can understand why many people consider Sean Connery as the best 007 because he can be dangerous and charming at the same time–and looks like he’s having fun. “Thunderball” is the fourth Bond picture and it’s different from the first three because it has so many cheesy but (sometimes) amusing one-liners. I consider this movie to be uneven because even though rousing action sequences are still present, they are immediately followed by tedious dialogue that only occasionally push the story forward. It’s a shame because the picture truly shines when the audiences are actually seeing SPECTRE’s plan in action, all the while knowing that Bond will somehow keep them from succeeding. It’s hard for me not to recommend this Bond installment because the femme fatales are interesting (Claudine Auger as Domino and Luciana Paluzzi as Fiona Volpe). The audiences know their motivations but that doesn’t mean their goals are predictable. Adolfo Celi as Emilio Largo (also known as SPECTRE #2) is a good villain because he can go head-to-head with Bond. Celi’s character has been parodied many times such as in the “Austin Powers” franchise. And there are many memorable scenes such as the underwater battle scenes in the ocean, when the wounded Bond evades his enemies during a parade, the scene where Bond is trapped in a swimming pool infested with sharks… I just wish that the script would’ve been written better. When it’s time to take a scene seriously, it falls apart because someone would say or do something unintentionally funny. Still, I say go see it for the gadgets, interesting use of color, realistic fight scenes, and memorable side characters.

Noël au camp 119 ( 1948 ) IMDb

Réalisateur : Pietro Francisci

• Aldo Fabrizi: Giuseppe Mancini, le romain
• Ave Ninchi: Madame Mancini
• Peppino De Filippo: Gennarino Capece
• Vittorio De Sica: Don Vincenzino
• Carlo Campanini:  Scapizzono de bologne
• Massimo Girotti: Nane, le vénitien
• Olga Villi: Mirella, la touriste à Venise
• Alberto Rabagliati: Alberto, le milanais
• Carlo Mazzarella: Ignazio
• Margherita Bagni: Donna Clara
• Rocco D’Assunta: Lojacono, le sicilien
• Adolfo Celi: John, le sergent américain

Synopsis: La guerre est finie depuis un moment mais les prisonniers italiens du champ 119, en Californie, attendent encore leur libération. Entre temps,  ils s’apprêtent à fêter un triste Noël, loin de leur famille. Ils sont originaire de plusieurs régions d’Italie. Pour soulager un peu leur nostalgie, ils évoquent des souvenirs lointains de la patrie. Un romain rappelle des épisodes peu d’édifiant de sa malheureuse vie conjugale. Un soldat napolitain recompte les affaires sentimentales de son lieutenant. Le commandant du camp leur apporte un phonographe et des disques. Pour chacun d’eux, une musique évoque leur ville ou région d’Italie (Rome, Naples, Florence, Venise, Bologne et Sicile) et leurs  souvenirs parmi les siens.  Ainsi un sicilien se rappelle des fêtes et les chants du printemps sicilien. Un gondolier vénitien évoque son aventure amoureuse. Finalement arrive leur libération.

note: 6 /10

A travers ces différents souvenirs, nous avons plusieurs petits épisodes situés chacun dans une région d’Italie. Je vous souhaite un joyeux Noël avec cette comédie “nostalgique” et musicale “O’ sole mio”.

Aucun extrait video trouvé mais le dvd est disponible.

Era da un po’ che non vedevo film di 007 (da uno dei primi con Brosnan); ovviamente tutti i successori pagano lo scotto del confronto con l’immenso Sean Connery, ma il James Bond di Daniel Craig …. mi piace!
Assolutamente diverso, magari più “cattivo”, forse più umano e reale/verosimile. La storia è più o meno sempre quella però “prende”. La Spectre e Largo (Adolfo Celi) erano di una pasta diversa, ma i fintoambientalisti (carognoni veri) fanno la loro porca figura.
… impazza in tutte le radio, chi sono io per non inserire Duffy (anche se ha inciso cose migliori )?

It’s safe to say that James Bond is back in action.

Sure, they said that about “Goldfinger”, but I believe “Thunderball” was far more exciting and more down-to-Earth than “Goldfinger” was. Of the films following “Dr. No” and “From Russia With Love”, I also think that “Thunderball” was the film that could most closely relate to those two. By that, I mean, Bond seems like the Bond he was in those films, the locations are again stunning, we’ve got beautiful women, tons of danger, and the return of another bunch of ruthless SPECTRE agents.

The locations in this Bond flick were nearly as gorgeous as the places we saw in “Dr. No”. Sure, at first we’re stuck with Bond while he’s at the clinic- what could be beautiful about that location? However, as we move on to Nassau, there’s hardly an unattractive site. The water’s gorgeous, the beaches are beautiful, the hotel is high-end and comfortable looking, and the streets are swarming with plenty of people. Then, we even get a look at SPECTRE’s main meeting room- grand and diabolical-seeming, thanks again to Ken Adam.

Barry delivers another superb soundtrack, with plenty of themes that fit right in with the underwater scenes, beach scenes, and the beauty of the locations. We also get a few Bond themes, which also add Connery’s suave and stylish looks in the film. Not much to complain about here. My favorite piece is probably the Chateau Flight, which really enhances Bond’s pre-title sequence fight.

Emilio Largo- I see him as a Dr. No: 2.0. He’s certainly a well-respected SPECTRE member, and even has the high rank of #2. He’s a very serious man, even when he’s joking around with Bond. By the way he treats Domino, and his fellow SPECTRE henchmen, it’s pretty easy to notice that Largo will do anything to succeed with his plans and impress Blofeld.

I see Connery’s performance in this film as one step below his performances in “Dr. No” and “From Russia With Love” . For me, they’re his top-notch performances… but his acting in “Thunderball” doesn’t fall far from them. Again, as he had in the past three pictures, he’s got that natural Bond style, look, and attitude. Having viewed all of the Connery films this week, to me, it’s safe to say that this man is the only classic cinematic James Bond. I don’t think anyone can replace him.

The girls in this movie were gorgeous. We had Domino, Fiona, and Paula. Unfortunately, we didn’t see Paula as much as the others; however she was a very pretty woman for Bond to be working alongside of. Fiona- definitely the best bad girl of the Bond series, and sexiest bad girl, too. Then, Domino- an innocent, nice girl, caught up in one big mess, in my opinion. The gorgeous Claudine Auger played the part well, and she was certainly a memorable Bond girl.

Rik Van Nutter played a decent Leiter, I suppose. It wasn’t great, nor atrocious. I certainly thought his Leiter could be taken more seriously than Linder’s from “Goldfinger”. It further proves that no Leiter was as great as Lord, though.

Aside from those aspects, “Thunderball” offers classic Bondian action, romance, humor, locations, plots, and characters. The overall plot of the film wasn’t too complex, and intelligent- much like the earlier films. The gadgets were kept to a minimum: Bond had the re-breather, which is probably one of the most useful Bond gadgets. The jetpack was good fun in the pre-title sequence, too. The rest of the gadgets seemed more like real spy gadgets- the watch, the camera, the tracking pill. I think they threw a realistic touch on the world of Bond gadgets.

There are a few choppy bits of editing in this film, however, it’s not anything to get worked up about.

Other than that, “Thunderball” makes for an excellent Connery Bond film, and is a superb addition to the series. While I hold “Dr. No” and “From Russia With Love” higher than it, “Thunderball” is given a secure #3 spot in my Bond film ranking list. Also- perhaps Terence Young has to do with my liking of some of the early Bond films. I just thought I’d give him a nod here, as he’s my favorite Bond director.

9.5 / 10

Regia: Luis Buñuel

Interpreti: Bernard Verley, Paul Frankeur, Michael Lonsdale, Monica Vitti, Milena Vukotic, Adolfo Celi, Michel Piccoli, Adriana Asti, Julien Bertheau, Jean Claude Brialy, Jean Rochefort

Paese: Francia – Italia 1974

Le Fantôme de la Liberté è un film corale dove i personaggi si moltiplicano in uno spazio che diventa intensamente claustrofobico. Figure legate tramite affinità che come colori si fondono per delineare l’ultimo grande affresco della società secondo Buñuel. Il penultimo film del Maestro ci appare così: un ricco testamento colmo delle tematiche che hanno animato la sua opera fin dall’esordio con “Un Chien Andalou”. Proprio come il primo gioiello del regista anche questo diventa uno dei suoi film più surreali, densi di significati e soluzioni di lettura. Ma dall’esordio è passato quasi mezzo secolo e la società è radicalmente cambiata e così l’approccio di Buñuel ad essa. La chiave di lettura va allora ricercata nel titolo la cui presunta irrazionalità lo rende ambiguo fin da principio. E’ davvero insensato o cela i significati di tutta l’opera? Se il nonsense nell’opera diviene realtà allora è nell’irrazionale stesso che va cercata la logicità? Seguendo questo filo “fantasma di libertà” può essere insieme spettro che si aggira per l’Europa, fantasma perché inafferrabile, fantasma insito dentro l’uomo e celato agli occhi, ma anche la libertà che nella società moderna è scomparsa fino a diventare un fantasma. Unendo queste ipotesi, si finisce per leggere Le Fantôme de la Liberté come il ritratto disarmante di una società ormai prevalentemente borghese che si trova sull’orlo del precipizio, con i suoi spettri di libertà ma anche dove la libertà raggiunta è diventata solo un’illusione.

Buñuel ha creduto fin dall’inizio della sua carriera che il cinema, grazie alla sua forma naturalmente illusoria, alla possibilità che da di giocare con l’immagine e con il concetto di tempo fosse il miglior mezzo per rappresentare l’inconscio nella sua forma frammentata e apparentemente priva di logica. In questa pellicola, dove nel titolo compare proprio la parola “fantasma”, ci accorgiamo che, se in precedenza l’inconscio era rappresentato per come si mostra in natura cioè attraverso sogni, lapsus, amnesie trasposte poi nel cinema in forma soprattutto di analessi e prolessi, qua, la dimensione dell’Es, ha assunto la dimensione del reale: il significato ha sostituito il significante e l’immagine liberata si mostra nel racconto solo per ciò che è. Buñuel ci ha anche insegnato che nella pellicola, come nell’io dell’uomo, non ci sono momenti morti, ma tutto gioca alla riuscita e alla comprensione del quadro. Così fin dai titoli di testa vediamo comparire l’opera di Goya, Il 3 maggio 1808. Il dipinto è tra quelli che più risaltano l’amore per la libertà, concetto motore della filosofia di Buñuel. Il quadro si trasfigura in pellicola e ci ritroviamo nell’ottocento spagnolo, durante una fucilazione. Il condannato a morte grida: “Abbasso la libertà!”. 

Il film compie un salto temporale fino all’epoca contemporanea e da questo momento in poi può essere diviso in tre parti di cui la prima e l’ultima si collegano insieme in ordine di logicità, mentre la parte centrale -anche se ovviamente unita- si pone quasi a sé stante, e si svolge in un’unica unità spazio-tempo (una notte in una locanda). Nella prima parte è sostanziale la figura di Monsieur Foucauld (Jean-Claude Brialy) e della sua famiglia; assistiamo al primo “capovolgimento” in cui Buñuel mostra come il significante può cambiare il significato: delle inoffensive cartoline dei monumenti di Parigi, date da uno sconosciuto ad una bambina, diventano disgustose immagini tanto oscene da dover esser guardate di nascosto. Ma l’uomo sarà centrale anche perché espressione delle line guida di tutta la pellicola. Guardando i soprammobili posti in ordine in salotto pronuncerà la frase monito del film: “Bisogna distruggere le simmetrie”. M. Foucauld è anche un appassionato di ragni, uno dei tre animali presenti nel film con il loro bagaglio di valori simbolici. Il ragno, infatti, rappresenta gli istinti che avremmo ma che sono sedati a causa degli eventi esterni ed è insieme alla frase pronunciata da M. Foucauld l’input atto a introdurre ciò che vedremo in seguito. Allo stesso modo anche il suo momento onirico si trasforma in concreto: la passerella di personaggi che si susseguono davanti al letto (tra i quali compare uno struzzo secondo animale in ordine di apparizione e simbolo del peccato) non è un sogno ma un evento, come prova la lettera lasciatagli dal postino. La lettera di cui non conosceremo mai il contenuto è sia un escamotage di gusto letterario (come la famosa scatola del cinese in Belle de Jour), sia pretesto per la variazione di narrazione che ci condurrà insieme all’infermiera (Milena Vukotic), verso la parte centrale. Con la lettera il testimone passa quindi alla donna che adesso seguiamo mentre su una strada di montagna si reca dal padre malato. Un soldato fermo vicino ad un carro armato chiede alla donna se ha visto delle volpi attraversare la strada. La volpe che apre e chiude l’episodio della locanda è l’animale dell’ipocrisia e, avvicinato al soldato, ci rimanda alla polemica contro la guerra e alla convenzione che vuole le milizie come fiduciarie di legalità e quindi di libertà. A causa del maltempo l’infermiera è costretta a far sosta in questa locanda in mezzo ai boschi, dove assisteremo ad un ritratto della società borghese ormai non più pudica nelle sue ossessioni e passioni oscure. Forte della filosofia che l’idealizzazione del mondo altro non è che un residuo di cristianità nascosto nella mente dell’uomo, Buñuel disegna l’episodio come un sunto di tutti personaggi che hanno animato il suo cinema, in un defilè davanti alla macchina da presa che non risparmia nessuno: dai frati che dopo aver pregato giocano a carte con i santini bevendo e fumando, al commerciante dai gusti libertini ed esibizionisti fino, passando per la ballerina gitana (forse anticipazione del film che seguirà) all’amore tra un giovane studente ed un’anziana donna, probabilmente incestuoso (da piccolo ti ho tenuto sulle ginocchia – mia madre è stanca).

Con l’arrivo del giorno si chiude anche la parte centrale; l’infermiera cede il posto alla figura del professore (François Maistre), che ha il compito di istruire, insegnare “la legge” ai gendarmi. Questi che dovrebbero essere garanti dell’ordine, si dimostrano nell’aula discoli studenti dediti a scherzi infantili. E’ ancora una polemica verso le forme di potere dello Stato di coloro che si propongono come tutori della legge, mentre sono i primi a non rispettare neanche le più basilari regole di comportamento. Appare a questo punto Monsieur Legendre (Jean Rochefort) il doppio, se così vogliamo, di M. Foucauld cui è collegato tramite la figura del dottore. Torna il tema dell’infanzia non tanto come innocenza (poiché visione cristiana dell’infanzia) ma come libertà dell’istinto. In questo caso si è persa una bambina, ma la bambina in realtà è lì con i genitori che stupidamente ottusi negano l’evidenza e continuano a cercarla.

E’ nell’epilogo, come spesso accade nei film di Buñuel, che si condensa tutto il messaggio e dove le pedine tornano al loro posto. L’ultima figura in ordine è quella del prefetto e del suo doppio (che chiudono la sfilata dei mestieri per così dire borghesi). Il primo (Julien Bertheau) s’ invaghisce di una signora in nero (Adriana Asti) che incontra in un bar, scoprendola così simile alla sorella defunta. Ma la sorella forse non è morta, e il prefetto dopo aver ricevuto una strana telefonata corre a profanare la tomba alla sua ricerca rimandando all’immagine dell’ufficiale francese che profanava il tabernacolo e riesumava la bella Doña Elvira. Ricongiunti i due prefetti (il secondo interpretato da Michel Piccoli, ormai volto consueto di Buñuel), si studia come sedare la rivolta allo zoo, e il motivo in sottofondo riprende i titoli di testa mentre uno struzzo così innocente nella sua veste di peccatore e surrealista per natura sembra guardarci con lo stesso scherno con cui m’immagino Buñuel guardare i suoi spettatori sostenitori o detrattori che siano.

Alla fine del film è lecito chiedersi cosa in realtà abbia voluto lasciarci Buñuel; forse un grande affresco di una società diventata apertamente caotica senza il bisogno di cercare il disordine nell’inconscio, ma sarebbe troppo semplicistico; o forse che abbia voluto dirci che quella dell’istinto, di cui in questo film gli ultimi detentori sono rimasti i bambini e gli animali, è ormai l’unica libertà e anarchia possibile e che l’inconscio sia più dotato di senso di quanto non sia l’Io (che della psiche dovrebbe essere l’adulto)? Ma allora perché tra tanta libertà d’istinto risuona “abbasso la libertà” in un autore che ha fondato il suo pensiero su un’anarchia non intesa come mero ribellismo ai dogmi, ma come un’autonomia ponderata capace di scardinare i dettami della società? Può darsi che in fondo questo film sia più ragionevole di quanto Buñuel non abbia voluto far credere. Se la libertà è portata dalle milizie dello Stato e della Chiesa che nella loro indole sono invece corrotti, se la gente è così stolta da negare l’evidenza e se la società è così stupida da conferire un premio a colui che ha tentato da sempre di ucciderla … per coerenza si deve gridare “abbasso la libertà!”.

Monia

Abbiamo lasciato il gruppo scanzonato e dissacrante di amici alle prese con il funerale del Perozzi,e con l’ultima atroce beffa perpetrata ai danni del pensionato.Comencini,per riprendere il discorso,affida le vicende all’uso sapiente del flashback,e ci mostra i 5 alle prese con le loro vicende famigliari e con nuove,crudeli ma esilaranti beffe.

C’è il Necchi (questa volta impersonato da Renzo Montagnani) alle prese con la sua perenne gelosia;il Perozzi afflitto come al solito dai suoi problemi,tra i quali un figlio serioso e agli antipodi rispetto al padre;il conte Mascetti,nobile decaduto,che cerca di mantenere la sua dignità,e il sassroli,il primario annoiato,alla ricerca della botta di vita,oltre al solito Melandri.

Le beffe sono di quelle che fanno epoca,come quando il gruppo fa sgomberare la torre di Pisa con la scusa che è pericolante,mentre loro con dei cavi invitano la gente a tirare per evitare che la stessa cada;c’è l’espediente del conte Mascetti,che abbaglia giovani attricette con fiori e inviti a cena,che dopo la rituale notte di sesso,si trasformano in una fuga ignominiosa dello stesso,senza pagare i conti.C’è la distruzione del paesino,con i nostri che vanno in piccoli paesini della Toscana,vestiti di tutto punto come ingegneri o tecnici e comunicano alla gente che proprio sul paese dovrà passare l’autostrada,con conseguente abbattimento di cae,chiese e d edifici.

E c’è anche spazio per lo humour nero e per la commozione,come nel momento in cui il conte Mascetti,adirato con gli amici,viene colpito da un ictus che lo riduce sulla sedia a rotelle;partecipaerà ad una gara per paraplegici,dove arriverà ultimo sotto la bandiera pisana,per fare un dispetto ai cittadini di quella città.

Monicelli nel rpimo film si era divertito con un humour duro e graffiante;nel secondo film affiora invece un pessimismo quasi leopardiano,tutte le zingarate del gruppo di amici divntano più crudeli,una metafora del cupo pessimismo che sembra voler trasmettere il regista attraverso immagini forti,come la già citata corsa di portatori di handicap.

Amici miei II segna la fine della grande stagione della commedia all’italiana,che da quel momento non avrà quasi più spazio al cinema;l’amarezza e la drammatica corrosività di Monicelli,sembrano essere un epitaffio sulla commedia all’italiana,in piena crisi di idee ma sopratutto di interpreti. Il cupo pessimismo del film sembra avvolgere la storia,rendendola sicuramente meno brillante del primo atto,Amici miei,ma sicuramente più tesa ad un’analisi spietata di un periodo,di una generazione in crisi con il rapporto verso l’età e le nuove generazioni.

Amici miei atto secondo,un film di Mario Monicelli. Con Ugo Tognazzi, Adolfo Celi, Gastone Moschin, Renzo Montagnani, Paolo Stoppa, Franca Tamantini, Milena Vukotic, Alessandro Haber, Philippe Noiret, Angela Goodwin, Tommaso Bianco, Domiziana Giordano. Genere Commedia, colore 117 minuti. – Produzione Italia 1982.

Ugo Tognazzi: Il Conte Mascetti
Gastone Moschin: Il Melandri
Philippe Noiret: Il Perozzi
Renzo Montagnani: Il Necchi
Adolfo Celi: Il Professore Sassaroli
Paolo Stoppa: Savino Capogreco, lo strozzino
Alessandro Haber: Paolo, il vedovo
Milena Vukotic: Alice Mascetti
Franca Tamantini: Carmen Necchi
Angela Goodwin: la moglie del Perozzi
Maurizio Scattorin: il figlio del Perozzi

Il film di Mario Bava è il secondo tentativo di portare sul grande schermo avventure tratte dai fumetti per adulti (così erano marcati i nuovi protagonisti del crimine) subito dopo il discutibile esito di Kriminal,diretto da Umberto lenzi,che precedette di due anni l’uscita dell’antieroe creato dalle sorelle Giussani.

Marisa Mell

Per il cast Bava chiamò John Philipp Law,assolutamente anonimo e la bella Marisa Mell,che sarebbe poi scomparsa in giovane età per un brutto male;Law prese il posto di Jean Sorel,che sicuramente avrebbe dato ben altri stimoli al presonaggio dark del fumetto,mentre la Mell,che non sfigurò,prese il posto della Deneuve,refrattaria a girare scene di nudo.

!!!

La trama è abbastanza complessa,nonostante tutto;Diabolik ruba una grossa somma,usando uno dei suoi trucchi,e sfugge alla polizia rifugiandosi in una caverna,dove lo attende Eva Kant. Ginko,l’ispettore mortale nemico del re del terrore,umiliato,fa una retata in cui cade un grosso criminale,Valmont,che per salvarsi la pelle promette di far catturare Diabolik. Nel frattempo Diabolik effettua un nuovo,grande furto,rubando una collana di smeraldi,con un ingegnoso trucco;inserisce una fotografia statica davanti alle telecamere di sorveglianza,quinid fugge lasciando con un palmo di naso i poliziotti,nero come la notte nella sua caratteristica tuta.

Intanto Valmont riesce con un trucco a rapire Eva Kant,e chiede come riscatto il malloppo messo su da Diabolik con gli utlimi due furti;il re del terrore accetta,ma mentre è sull’arereo di Valmont,lo afferra e si getta nel vuoto;riesce così a carpire all’uomo l’informazione su dove Eva è tenuta prigioniera.

Il ministro degli interni francese,dopo il tentativo fallito,decide di mettere una taglia gigantesca su Diabolik,che reagisce facendo saltare i palazzi del fisco,e provocando una crisi economica colossale;così,per salvare l’economia,si decide di fondere l’oro dello stato in un solo gigantesco lingotto.Diabolik fa saltare il treno su cui è il lingotto,e lo recupera dal fondo del mare con un sommergibilee con Eva si nasconde in un rifugio;ma Ginko è sulle sue tracce e Diabolik,dopo una collutazione,viene colpito da un getto di oro.

Sembra la fine,ma durante una visita di Eva alla sua statua d’oro,approfittando di un momento di disattenzione di Ginko,strizza l’occhio alla complice.Difficile dare un giudizio,oggi,su un film di 40 anni fa. Bava gira,più che un film,un documentario stravagante su un personaggio che si prestava a ben altro risultato di quello ottenuto;Probabilmente la presenza del legnoso Law,assolutamente improponibile in un ruolo che sembra virato più all’ironia che ad una resa pari a quella del fumetto,giocò una parte importante. Il cast era di buon livello,con Michel Piccoli,Adolfo Celi,Claudio Gora e Renzo Palmer;tuttavia il film non riesce mai a coinvolgere veramente,trasformandosi via via che la pellicola scorre,in un’helzapoppin di situazioni paradossali.Un vero peccato,per quella che fu un’occasione perduta.

Diabolik, un film di Mario Bava. Con Claudio Gora, Adolfo Celi, Lucia Modugno, Michel Piccoli, Renzo Palmer, Caterina Boratto, Marisa Mell, Carlo Croccolo, John Philip Law, Isarco Ravaioli, Giulio Donnini, Andrea Bosic, Tiberio Mitri, Annie Gorassini, Giorgio Gennari, Lidia Biondi, Mario Donen, Federico Boido. Genere Drammatico, colore 105 minuti. – Produzione Italia 1967

]]> http://filmscoop.wordpress.com/2008/05/12/007-thunderball-operazione-tuono/ Mon, 12 May 2008 05:38:45 +0000 paultemplar http://filmscoop.wordpress.com/2008/05/12/007-thunderball-operazione-tuono/

Operazione tuono segna il ritorno di Terence Young dietro la macchina da presa;il tandem ormai collaudatissimo con Sean Connery nel ruolo di James Bond prosegue,con la quarta avventura della serie,sempre tratta dai romanzi di Fleming.

Una  splendida Claudine Auger è Domino

Largo (Adolfo Celi),il numero 2 della SPECTRE,ha intenzione di rubare da un aereo due testate atomiche con le quali ricattare l’Inghilterra e il mondo.M,il capo dell’Intelligence inglese riceve il messaggio e prima di cedere al ricatto manda in Kenia 007,con l’incarico di fare il possibile per recuperare le bombe.

Qui Bond,con l’aiuto di Domino (una delle donne di Largo),nuova Bond girl,penetra all’interno di una base sottomarina in cui sono custodite le bombe,le recupera,e dopo una furibonda battaglia tra sommozzatori trasportati via aereo ,chiamati da Bond e tra gli uomini di Largo,lea partita fnisce con James che insegue lo yacht di Largo e lo uccide.

Luciana Paluzzi è Fiona Volpe

Sean Connery è James Bond, Agente 007

Spettacolare e pieno di effetti speciali,prodigiosi per l’epoca in cui venne girato il film,Operazione tuono fu un grande successo di pubblico;meno,ovviamente di critica,sempre pronta a colpire film all’apparenza disimpegnati e fatti per il puro intrattenimento. La Bond girl di turno è la bellissima Claudine Auger,algida e sdegnosa nel ruolo di Domino,pentita di prassi e pronta a seguire il fascino indiscreto dell’agente inglese;ottima la prova di Celi,che disegna un Largo satanico,spietato.

La colonna sonora è cantata da Tom Jones,,cantante assai in voga nel 1965.

(Thunderball)

007 Operazione Tuono, un film di Terence Young, con Sean Connery,Claudine Auger, Bernard Lee,Lois Maxwell,Desmond Llewelyn,Rik Van Nutter,Adolfo Celi,Luciana Paluzzi, Guy Doleman,Philip Locke
Martine Beswick,Molly Peters colore 129 minuti. – Produzione Gran Bretagna

James Bond     Sean Connery
Felix Leiter     Rik Van Nutter
Fiona Volpe     Luciana Paluzzi
Emilio Largo, SPECTRE #2     Adolfo Celi
Dominique ‘Domino’ Derval     Claudine Auger
Count Lippe     Guy Doleman
Paula Caplan     Martine Beswick
M     Bernard Lee
Q     Desmond Llewelyn
Miss Moneypenny     Lois Maxwell
Major Francois Derval     Paul Stassino
Vargas     Philip Locke

]]> http://leopardodellenevi.wordpress.com/2008/05/09/febbre-da-cavallo/ Fri, 09 May 2008 17:21:26 +0000 leopardodellenevi http://leopardodellenevi.wordpress.com/2008/05/09/febbre-da-cavallo/

Ieri su Sky il film di Steno. Altro che Proietti/Montesano; la coppia principe è Celi/Carotenuto, che infatti, da vere star, non si degnano di un’occhiata nemmeno in una scena.