We aim to use Altman’s Z-Score model to create the Valuehuntr Short-Only Portfolio and track the effectiveness of Altman’s regression.

The Z-Score

The Z-Score is a predictive model created by Edward Altman in the 1960s while serving as an Assistant Professor at NYU.  The model combines five different financial ratios to determine the likelihood of bankruptcy amongst companies. In general, these financial ratios are used to predict corporate defaults or financial distress status of companies.

The model’s regression is as follows:

Z –Score = 1.2*A+1.4*B+3.3*C+0.6*D+0.999*E

Where:

A = Working Capital/Total Assets

B = Retained Earnings/Total Assets

C = EBIT/Total Assets

D = Market Value of Equity/Total Assets

E = Sales/Total Assets

According to Altman, companies with Z-Scores above 3 are considered to be healthy and, therefore, unlikely to enter bankruptcy. Scores in between 1.8 and 3 lie in a gray area. Scores of 1.8 or less indicate a very high probability of insolvency. This is because each of the variables, A to E, was found to be significantly different among bankrupt and non-bankrupt groups in the original study.

In its initial test, the Altman Z-Score was found to be 72% accurate in predicting bankruptcy two years prior to the event. In a series of subsequent tests covering three different time periods over the next 31 years (up until 1999), the model was found to be approximately 80-90% accurate in predicting bankruptcy one year prior to the event. Althought the model has performed well over the years, it is important to keep in mind that it is only a statistical regression. In fact,  plenty of businesses with dangerously low Z-scores have come back from the brink, producing extremely attractive performance. Therefore, investors should not rely solely on this model to find investment opportunities.

ValueHuntr Short-Only Portfolio

Our short-only portfolio consists of companies with Z-scores less than 1.8, as specified by Altman, with an additional screen requiring a current ratio of less than 0.5 as reported by the companies on the latest quarter. We believe this additional requirement shortens the time period of expected bankruptcy occurrence, as the ratio is an indication of whether or not a firm has enough resources to pay its debts over the next 12 months. Furthermore, we limit our screen to stocks trading in US exchanges with market capitalization greater than $1 million.

The result of our screen is shown below:

Our short-only portfolio consists of 30 companies, ranked according to their respective Z-scores. Most of the companies in the portfolio have Z-scores that are much lower than Altman’s lower limit of 1.8. Such negative scores indicate a much higher probability of bankruptcy than the average company studied by Altman for his original study.

The ValueHuntr Short-Only Portfolio can be tracked real-time HERE.

Buy Cheap Robert Altman: The Oral Biography

Buy Low Price From Here Now
Robert Altman—visionary director, hard-partying hedonist, eccentric family man, Hollywood legend—comes roaring to life in this rollicking cinematic biography, told in a chorus of voices that can only be called Altmanesque.

His outsized life and unique career are revealed as never before: here are the words of his family and friends, and a few enemies, as well as the agents, writers, crew members, producers, and stars who worked with him, including Meryl Streep, Warren Beatty, Tim Robbins, Julianne Moore, Paul Newman, Julie Christie, Elliott Gould, Martin Scorsese, Robin Williams, Cher, and many others. There is even Altman himself, in the form of his exclusive last interviews.

After an all-American boyhood in Kansas City, a stint flying bombers through enemy fire in World War II, and jobs ranging from dog-tattoo entrepreneur to television director, Robert Altman burst onto the scene in 1970 with the movie M*A*S*H. He revolutionized American filmmaking, and, in a decade, produced masterpieces at an astonishing pace: McCabe & Mrs. Miller, Thieves Like Us, The Long Goodbye, 3 Women, and, of course, Nashville. Then, after a period of disillusionment with Hollywood—as well as Hollywood’s disillusionment with him—he reinvented himself with a bold new set of masterworks: The Player, Short Cuts, and Gosford Park. Finally, just before the release of the last of his nearly forty movies, A Prairie Home Companion, he received an honorary Oscar for lifetime achievement from the Academy, which had snubbed him for so many years.

Mitchell Zuckoff—who was working with Altman on his memoirs before he died—weaves Altman’s final interviews, an incredible cast of voices, and contemporary reviews and news accounts, into a riveting tale of an extraordinary life. Here are page after page of revelations that force us to reevaluate Altman as a man and an artist, and to view his sprawling narratives with large casts, multiple story lines, and overlapping dialogue as unquestionably the work of a modern genius……..
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Technical Details

– ISBN13: 9780307267689
– Condition: NEW
– Notes: Brand New from Publisher. No Remainder Mark.
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 “A Look at Altman” 2009-11-12
By Amos Lassen (Little Rock, Arkansas)
Zuckoff, Mitchell. “Robert Altman: The Oral Biography”, Alfred A. Knopf, 2009.

A Look at Altman

Amos Lassen

Many different things helped to shape Robert Altman’s career as a filmmaker. Interestingly enough, his life can be divided nicely into two acts with the second act much more successful than the first. With “M*A*S*H” , Altman created the best American comedy of the time even though it took him 20 years to reach that point.

This biography is based upon interviews that Zuckoff conduced with about 200 of Altman’s friends and associates, family members and colleagues and also with Altman himself before his death in 2006. Altman was a politically aware director who had his own view of America as well as an intuition about how actors create their characters and roles. It was in his films that many actors reached the apexes of their careers. He was an artist and the silver screen was his canvas. There is so much to learn here about the director that it almost bombards the mind. He gave us films that we will never forget.

 “Tough guy, great book” 2009-10-20
By M. Bromberg (Atlanta, GA United States)
“Altman: The Oral Biography” resembles one of Altman’s own films in its crowded, overlapping, conversational style and layered points of view, a tale-telling device that enhances Altman’s own public and private image — the book’s press release uses words “eccentric” and “rollicking,” but it would be difficult not to see that many of his associates thought of Altman as a meticulous craftsman with a mercurial temper, to put it mildly.

The unexpected commercial success of “M*A*S*H” made the 46-year-old director appear like an industry newcomer, but he already had years of series television work (“Alfred Hitchcock Presents,” “Bonanza,” “Route 66,” “Maverick”). He abandoned linear storytelling — television’s hourlong episode with the tidy ending — for movies that seemed more like a vision of real life: confounding, with seemingly wandering plots and often morally ambiguous characters.

Although he was nominated five times by the Motion Picture Academy for best director, Altman never won — a testament, perhaps, to his lifelong skirmishes with Hollywood. It’s a distinction he shares with Alfred Hitchcock and Martin Scorsese. Finally, mellowing at 81, he was awarded a Lifetime Achievement Award, which he accepted with some grace considering his well-known battles. Zuckoff interviews Meryl Streep, Warren Beatty, Tim Robbins, Julianne Moore, Paul Newman, Julie Christie, Elliott Gould, Martin Scorsese, Robin Williams, and many others in his book, who speak frankly and with great affection.

Altman’s films may have been shrouded with what Jack Warner called “fog on the lake” — constantly-shifting dialogue and the ricochet of half-heard conversation — but his movies are more about character than clarity. “Altman: The Oral Biography” is a fair and unblinking portrait of a director who carefully crafted his image as a tough guy, and the book offers as much clarity as those who remember him will allow. The rest is left up to the moviegoer.

For more information on this book, visit BellemeadeBooks at blogspot(dot)com

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Florida Times Union

They helped rescue a family trapped in a flooding vehicle.

At 2 a.m. on Easter, the night was as dark as the water was black as it poured into the minivan upside down in the marsh along Interstate 95 in McIntosh County.

Trapped inside: a New Jersey family of eight.

That was the scene county sheriff’s Deputy Michael Johns found as he searched for witnesses who called 911.

The panicked screams of five children inside the van filled the air as Johns called for help, then raced to the vehicle buried nose-down in the marsh.

Within minutes, Deputy Robert A. Francisco Jr. along with Darien police Sgt. Andrew K. Altman and Patrolman 1st Class Joshua R. Bain arrived and plunged in to help.

The four officers scaled an 8-foot fence then waded through frigid thigh-deep water to rescue the children, ages 4 to 9, and 30-year-old Shazeeka Hakk from the nearly submerged van.

The officers also administered CPR to Karita Ali, 30, and Danny Ali, 39, in an unsuccessful effort to save their lives.

On Wednesday, Gov. Sonny Perdue honored the officers for their heroism, noting their “brave and selfless acts” prevented the entire family from dying.

The victims were members of an extended family returning home after attending a funeral in Florida, police said at the time. In addition to Hakk, the injured included a 4-year-old boy, two 7-year-old girls and a boy and girl, both 9.

“I didn’t have time to think. We were just trying to get everybody out as fast as we could. … The front seats already were under water and it was coming in the back where the children were,” Johns, the first officer on the scene, said the day after the accident. “It seemed like it took hours to get them out, but it probably was only minutes.”

Altman, Bain, Francisco and Johns were among 11 law enforcement officers statewide presented with the Governor’s Public Safety Award for heroism at the Georgia Public Safety Training Center in Forsyth.

Also honored was LaGrange police Chief Louis M. Dekmar for his contribution to the public safety profession.

Perdue praised the recipients, who received medallions and had their names added to the GPSA monument at the training center.

“I am proud to honor the heroic acts of Georgia’s courageous public safety servants,” Perdue said. “One of government’s primary responsibilities is to keep the lives of our children and families protected. These 12 individuals have truly answered the call of duty far beyond our expectations.”

The annual program began in 1998 to recognize the outstanding accomplishments and commitment of Georgia’s public safety community.

“We are honored to have the opportunity to pay tribute to Georgia’s public safety professionals who risk their lives daily and sacrifice time away from their families to protect our citizens,” said J. Dale Mann, GPSA committee chairman and training center director.

The heroism award recognizes those who performed an exceptional deed that saved lives or protected property. The outstanding contribution award recognizes individuals whose job performance had an overwhelming positive affect on the overall profession.

Quello della “realtà aumentata” è un concetto abbastanza recente, nato sulla scia degli ultimi progressi tecnologici in fatto di comunicazione. L’espressione fa riferimento agli strumenti che arricchiscono di immagini e informazioni la reatà che ci circonda, per esempio posizionando un pc o un cellulare in un determinato spazio e ottenendo, da questo semplice spostamento, maggiori informazioni su quel luogo o immagini dello stesso in un’epoca precedente. In un certo senso è l’opposto della realtà virtuale, perché  questa inserisce l’uomo in un contesto simulato, mentre la realtà aumentata integra oggetti virtuali in una scena concreta. Il livello rimane dunque quello della realtà sensibile, ma questa viene arricchita di informazioni e oggetti inesistenti. 

Leggendo questo post di Gianni Biondillo sulla morte di Brenda, il transessuale coinvolto nello scandalo Marrazzo, mi è venuta in mente la realtà aumentata. Difatti lo stile del pezzo, a mio avviso enfatico e ridondante, sembrava voler sopperire a un deficit emotivo, quasi che l’autore non considerasse di per sé sufficientemente tragica la fine del brasiliano. Oltre allo stile, anche la scelta dei dettagli relativi alla scena del crimine - il minuscolo appartamento in via Due Ponti – sembrava dettata da questa finalità. E in questo caso l’enfasi paradossalmente si cercava per sottrazione, una sorta di iperbole diminutiva. Mi riferisco alle dimensioni del “buco”, dichiarate da Biondillo di 10 mq. In base a una mia ricerca su google circa la misurazione del monolocale apparsa su tutte le maggiori testate (Il Corriere, La Repubblica, Il Messaggero, Il Tempo, La Stampa, Il Giornale), questa variava dai 30 mq, ai 20, ai 18, ai 16 fino ai 10 mq scelti da Gianni. Perché proprio la minore, dando per scontato che non l’abbia misurato lui stesso? A mio parere per “aumentare” l’effetto emotivo nel lettore.

Ciò che è centrale qui è il tema delle modalità della rappresentazione del dolore. Un mio vecchio pezzo sul documentario The Bridge, nel quale venivano filmati alcuni suicidi dal Golden Gate di San Francisco, intendeva appunto denunciare l’estetizzazione del dolore operata dal regista, con la scelta di dedicare il gran finale al suicidio ritenuto più “bello”, il volo d’angelo all’indietro perfetto di Gene Sprague, quasi una citazione del finale di Alien 3°. Quello che non mi piaceva in quel film, e non mi è piaciuto nel pezzo di Biondillo, era appunto la retorica ad effetto, volta a manipolare e condizionare i sentimenti di chi guarda, come in fondo fanno certi programmi tv con i c.d. casi umani, la cinepresa che indulge sul dettaglio pietoso, che quasi cerca di provocare le lacrime. Quell’empatia forzata io la sento subdola e ricattatoria.  

Al cinema i due poli opposti (ma ce ne sono molti altri intermedi, certo) di questa modalità di rappresentazione del dolore potrebbero essere - volendo prendere in esame pellicole dall’impianto formale simile - Short cuts di Altman e Magnolia di Anderson, entrambi film corali e polifonici che affrontano temi drammatici, ma nel primo caso con uno sguardo da entomologo, con un linguaggio freddo da referto autoptico, e nel secondo con un’enfasi molto maggiore, si pensi solo alla presenza invadente della colonna sonora che sottolinea tutti i passaggi più drammatici. Io mi riconosco di più nella confraternita potativa (da cui i tagli di Altman), quella in levare, che sottrae invece di prediligere l’accumulazione di elementi patetici, e credo che quanto più un tema è tragico (e quello di Brenda lo era incontestabilmente), tanto più le parole del commentatore devono essere attente, riguardose, non devono calcare la mano. Anche perché non ce n’è bisogno, la storia è già abbastanza tragica di suo.

La mia in sostanza è la posizione di Antonio Pascale nel saggio Il responsabile dello stile (incluso ne Il corpo e il sangue d’Italia, minimum fax), in cui si cita la celebre stroncatura di Rivette a Pontecorvo a  proposito del famigerato carrello di Kapò. In arte una retorica analoga è quella di Niccolò dell’Arca nel Compianto sul Cristo morto, con il viso e i gesti stravolti della Maddalena (vedi foto), a cui oppongo il pudore della Maddalena vista di spalle nella Crocifissione del Masaccio, la scelta di non esibire lo strazio, la disperazione intuita, suggerita, non sbattuta in faccia per commuoverti. Questo tipo di retorica per me ha molte affinità con la “realtà aumentata”, ma mentre in ambito tecnologico questa è un servizio offerto all’utente, qualcosa che lo arricchisce e lo aiuta a meglio comprendere la realtà presa in esame, in ambito artistico si tramuta in un disservizio reso al fruitore, qualcosa che non vuole farlo ragionare ma solo gestire i suoi sentimenti trattandolo come un burattino.

Ένα νέο πρόσωπο στο δυναμικό του Seattle Grace, μία φίλη του Owen, από τις παλιές μέρες στο Ιράκ, η Dr. Teddy Altman, που ειδικεύεται στην καρδιοχειρουργική. Όμως η Cristina αρχίζει να αμφισβητεί τόσο τις ικανότητές της στην καρδιοχειρουργική όσο και τη σχέση της με τον Owen. Η άφιξη της Izzie θα ταράξει τα νερά. Αν και δεν έρχεται μόνη της, έχει μαζί της τον μέντορά της από το λύκειο που αναζητά έναν γιατρό.

Voto: 7 (su 10)

Pensate a una scena di Full Metal Jacket in cui al posto del sergente Hartman di R. Lee Ermey a impartire gli ordini ai marines ci sia Drugo de Il grande Lebowsky. Avrete un’idea di quello che è L’uomo che fissa le capre, presentato a Venezia fuori concorso. Jeff Bridges qui non è Drugo, ma gli somiglia molto. Il suo Bill Django ha la stessa filosofia: è un ex soldato del Vietnam che, dopo aver frequentato i movimenti hippy ha creato il manuale dell’esercito del nuovo mondo. Per cambiare il mondo bisogna cambiare gli eserciti. E l’esercito del nuovo mondo non combatte con le armi, ma con la mente. Come i cavalieri Jedi. Nel film di Grant Heslov l’esperimento risale agli anni Ottanta. Ma il migliore dei soldati, Lyn Cassady (George Clooney) è ancora in giro, e incontra il giornalista Bob Wilton (Ewan McGregor, che è stato proprio uno Jedi sullo schermo…)

È lo strampalato mondo creato da Grant Heslov, lo sceneggiatore di Good Night, And Good Luck, la seconda prova alla regia di Gerorge Clooney. Heslov confeziona ancora un film con protagonista un giornalista, e ancora un film politico, anche se completamente diverso nei toni. Se nel film ambientato durante il maccartismo la chiave era la libertà di stampa e di espressione, in quest’opera, ambientata durante la guerra in Iraq, è interessato alla libertà dagli eserciti e dalla guerra. Heslov non sceglie lo stile della satira pungente, quanto una sorta di farsa sfrenata e liberatoria, vicina al M.A.S.H. di Altman, ai Fratelli Coen e a Three Kings, in cui sempre Clooney si trovava nella prima guerra all’Iraq. Heslov si conferma però sempre attento alla realtà. Lo dimostrano i personaggi torturati, nelle ormai tragicamente celebri tute arancio di Guantanamo, e i servizi di intelligence e guerra appaltati a società private.

È uno a cui piace spiazzare, Heslov. Riesce a farlo con dei giochi di regia molto semplici, come quando parte da un’inquadratura molto stretta e la allarga per mostrare lo sguardo d’insieme e svelare l’ambiente in cui si svolge l’azione. Fa ridere con accostamenti assurdi, come nel campo/controcampo in cui un concentrato Clooney è alternato a un’altrettanto espressiva capra, mentre cerca di ucciderla guardandola (da qui il titolo). L’uomo che fissa le capre diverte con una comicità nonsense e stralunata, ma avvince come una spy-story.

Come Good Night, And Good Luck era un film simbolo di un’epoca (il maccartismo come l’era Bush), L’uomo che fissa le capre è un’opera che la chiude. L’esercito non violento rappresenta la spallata definitiva all’era Bush e alla sua politica guerrafondaia. Mettere l’LSD nelle uova della colazione dei soldati (per liberare tutti dalla base in Iraq) è come mettere i fiori nei cannoni. L’ultimo sberleffo a Bush e alla guerra in Iraq. La guerra è finita. Ma ora più che mai abbiamo bisogno dei Jedi.

Da vedere perché: Diverte con una comicità stralunata, avvince come una spy-story. E’ l’ultimo sberleffo a Bush

(Pubblicato su Movie Sushi)

El largo adiós (The long goodbye)

Director: Robert Altman

Año: 1973

País: Estados Unidos

108 min.

Fotografía: Vilmos Zsigmond

Música: John Williams + The Dave Grusin Trio

Guión: Leigh Brackett según la novela de Raymond Chandler “The long goodbye”, 1953

Reparto: Elliott Gould, Sterling Hayden, Nina Van Pallandt, Mark Rydell, Henry Gibson, David Arkin.

Apenas dos años antes Robert Altman, director más bien irregular y encantado de conocerse ya había dejado una apreciable relectura del western en “Los vividores” donde exponía de modo tan sagaz como cargante la labor del ferrocarril y de los prostíbulos como auténticos vertebradores del oeste americano (encima con música de Leonard Cohen) e inmediatamente después dejaría su sello en la corriente retro del “noir” setentero con “Thives like us” donde volvía adaptar la novela de Edward Anderson ya llevada al cine en el 1948 por Nicholas Ray como “They live by night” con su habitual romanticismo arrebatado, eso descontando su entrada en el cine con la cáustica comedía antibelicista “M.A.S.H.”.De tal modo y aplicando su frenesí desmitificador al “hard boiled”, logra la perfecta plasmación de la esencia misma del género; el héroe no puede vencer la podredumbre y la corrupción para reestablecer el “statu quo”, porque la corrupción es el “statu quo”, de ese modo solo puede aspirar a un mínimo triunfo moral y ni así, el detective hasta cuando gana, pierde

Altman entrega no solo la mejor traslación del universo “chandleriano” al cine sino una obra maestra del cine de los 70 que se aparta del exitoso “look” retro, que tantearía sin demasiada fortuna, como de cualquier intento de actualización/remozamiento a través de una idea genial que logra que la adaptación resulta un triunfo: transponer en bloque a Marlowe desde los 30 hasta los 70 potenciando así su carácter de “hombre fuera del tiempo“, de anacronismo viviente envuelto en un tiempo que ni comprende ni le gusta, un “outsider” total de maneras irónicas, elegancia destartalada y ética a prueba de bomba. Proponiendo así una alternativa con genuina personalidad, una joya sobre el fingimiento y el engaño, desarrollado en un Los Ángeles en el que hasta el color del aire es falso (en palabras del guionista de cómics Steven Grant) y donde el único que no se deja tomar el pelo es el gato. Elliot Gould, en lo que supone una elección clarividente y de perfecta coherencia con el discurso interno del film ¿quién mejor que un actor esencial de los nuevos modos del “star system”, una “anti-estrella” unida al nuevo cine americano para representar esta transmutación del pasado?, brilla como ese Philip Marlowe indiferente, despreocupado y falsamente cínico al que todo el mundo engaña y baquetea. Por su parte Altman usa a conciencia su estilo improvisatorio (apoyado en una fotografía atmosférica, naturalista y de luz filtrada absolutamente extraordinaria de Vilmos Zsigmond) y en apariencia desmañado que casa como un guante con el carácter del protagonista y los vaivenes del relato, escrito nada menos que por Leigh Brackett (“Rio Bravo” o “El sueño eterno” entre las muescas de esta autora), apropiadamente enrevesado y tremendamente fiel al original excepto en su celebérrimo giro final. Repleto de humor (¿no avanza ese “It’s okay with me” el no menos legendario “El Nota aguanta”?), diálogos (o más bien sentencias) antológicos escupidos como dardos de curare, sentido de la observación, personajes pintorescos con tremendas interpretaciones de Sterling Hayden como proteico escritor “a là Hemingway”, Henry Gibson de canijo psiquiatra de metodología sospechosa y del también director Mark Rydell de “gangster” hortera y peligroso que protagoniza un recordado y de los más bestial fogonazo de violencia (botella de Coca-Cola mediante y antológico discurso previo) y el remate, por supuesto de un final que en su día fue polémico, metáfora de la aceptación de los nuevos tiempos por parte de Marlowe.

Dave Grusin trio, The long goodbye, definiendo el “cool”

BRICK :: POINT BLANK :: THE LONG GOODBYE

BRICK

POINT BLANK

THE LONG GOODBYE

Henry Gibson was one of LAUGH-IN’s beloved regulars, and a welcome presence in later films like THE BLUES BROTHERS, INNER-SPACE, THE ‘BURBS, MAGNOLIA, not to mention his turn as a pompous country singer in Robert Altman’s masterpiece NASHVILLE, where he sang the self-penned American anthem, “200 Years.” His poetry will be missed.

Voto: 7 (su 10) 

Pensate a una scena di Full Metal Jacket in cui al posto del sergente Hartman di R. Lee Ermey a impartire gli ordini ai marines ci sia Drugo de Il grande Lebowsky. Avrete un’idea di quello che è The Men Who Stare At Goats, presentato a Venezia fuori concorso. Jeff Bridges qui non è Drugo, ma gli somiglia molto. Il suo Bill Django ha la stessa filosofia: è un ex soldato del Vietnam che, dopo aver frequentato i movimenti hippy ha creato il manuale dell’esercito del nuovo mondo. Per cambiare il mondo bisogna cambiare gli eserciti. E l’esercito del nuovo mondo non combatte con le armi, ma con la mente. Come i cavalieri Jedi. Nel film di Grant Heslov l’esperimento risale agli anni Ottanta. Ma il migliore dei soldati, Lyn Cassady (George Clooney) è ancora in giro, e incontra il giornalista Bob Wilton (Ewan McGregor, che è stato proprio uno Jedi sullo schermo…)

È lo strampalato mondo creato da Grant Heslov, lo sceneggiatore di Good Night, And Good Luck, la seconda prova alla regia di George Clooney. Heslov confeziona ancora un film con protagonista un giornalista, e ancora un film politico, anche se completamente diverso nei toni. Se nel film ambientato durante il maccartismo la chiave era la libertà di stampa e di espressione, in quest’opera, ambientata durante la guerra in Iraq, è interessato alla libertà dagli eserciti e dalla guerra. Heslov non sceglie lo stile della satira pungente, quanto una sorta di farsa sfrenata e liberatoria, vicina al M.A.S.H. di Altman, ai Fratelli Coen e a Three Kings, in cui sempre Clooney si trovava nella prima guerra all’Iraq. Heslov si conferma però sempre attento alla realtà. Lo dimostrano i personaggi torturati, nelle ormai tragicamente celebri tute arancio di Guantanamo, e i servizi di intelligence e guerra appaltati a società private.

È uno a cui piace spiazzare, Heslov. Riesce a farlo con dei giochi di regia molto semplici, come quando parte da un’inquadratura molto stretta e la allarga per mostrare lo sguardo d’insieme e svelare l’ambiente in cui si svolge l’azione. Fa ridere con accostamenti assurdi, come nel campo/controcampo in cui un concentrato Clooney è alternato a un’altrettanto espressiva capra, mentre cerca di ucciderla guardandola (da qui il titolo “gli uomini che fissano le capre”). The Men Who Stare At Goats diverte con una comicità nonsense e stralunata, ma avvince come una spy-story.

Come Good Night, And Good Luck era un film simbolo di un’epoca (il maccartismo come l’era Bush), The Men Who Stare At Goats è un’opera che la chiude. L’esercito non violento rappresenta la spallata definitiva all’era Bush e alla sua politica guerrafondaia. Mettere l’LSD nelle uova della colazione dei soldati (per liberare tutti dalla base in Iraq) è come mettere i fiori nei cannoni. L’ultimo sberleffo a Bush e alla guerra in Iraq. La guerra è finita. Ma ora più che mai abbiamo bisogno dei Jedi.

Da vedere perché: è l’ultimo sberleffo a Bush e alla guerra in Iraq.

(Pubblicato su Movie Sushi)

Per cambiare il mondo bisogna cambiare gli eserciti. È in base a questo principio che un reduce dal Vietnam, dopo aver frequentato i movimenti New Age, crea il manuale dell’Esercito del Nuovo Mondo. Un esercito fatto di super soldati che non combattono con le armi, ma con la mente, come i guerrieri Jedi. È lo spunto di The Men Who Stare At Goats, uno spassoso film presentato fuori concorso al Festival di Venezia. Un film che significa George Clooney, ancora una volta al Lido per un festival che sembra amare davvero tanto.

Solo che quest’anno il divo ci arriva fidanzato con una ragazza italiana, Elisabetta Canalis, e dopo che in alcune interviste i suoi amici Brad Pitt e Matt Damon, tra il serio e il faceto, hanno auspicato che il bel George facesse outing, dichiarando il legame con il suo compagno. Così, sin dall’inizio di un’affollatissima conferenza stampa, è tutto un chiedere sulle sue preferenze sessuali, sulle sue intenzioni di matrimonio, e così via. Perdendo il poco tempo a disposizione per parlare di un film che di contenuti ne ha molti. E magari per chiedergli qualcosa del nuovo film che dovrebbe girare nei dintorni de L’Aquila, nelle zone colpite dal terremoto. Il culmine si è avuto quando un giornalista de Le Iene si è spogliato dichiarando il suo amore per lui.

Clooney incassa con eleganza, con le sue classiche smorfie. Scherza molto sul fatto di saper leggere nel pensiero come il protagonista del suo film, sorride tra il divertito e l’imbarazzato. Riuscendo anche a parlare un po’ di politica, perché ce n’è molta nel film che ha appena presentato. “Stimo molto Obama, ottenere la presidenza con due guerre in corso è un’impresa impossibile” spiega. “Visto che si trova ad avere a che fare con la crisi delle banche e quella climatica, credo che anche Barack Obama avrebbe bisogno degli Jedi”.

Come in Good Night, And Good Luck, il protagonista è un giornalista (a interpretarlo è Ewan McGregor). Per fortuna, durante la conferenza stampa, si riesce a toccare anche questo argomento. “Ho una grande affinità con i giornalisti. Mio padre è stato un giornalista per quarant’anni, e i giornalisti sono stati una grande parte della mia vita” racconta Clooney. Non sa molto, invece della situazione della stampa nel nostro paese. “Capisco troppo poco l’italiano per capire la vostra situazione e poterne parlare” risponde a una domanda sull’argomento. “Ma io e i miei amici stiamo sempre dalla parte della libertà di stampa, perché sia libera di denunciare gli errori del potere”.

Il film è una summa del cinema comico/satirico americano. Dentro c’è un tocco del M.A.S.H. di Altman. E del cinema dei Fratelli Coen, che Clooney conosce benissimo. “Ho lavorato tre volte con i Fratelli Coen” spiega. “In questo film ci sono molte similitudini con i loro lavori. Grant Heslov non è due persone, ma è anche lui ebreo. Siamo stati tutti influenzati dai Coen, da film come Arizona Junior e Blood Simple. Sono persone molto intelligenti nel raccontare le storie. E lavorare con Grant è molto simile a lavorare con loro”. Ma il film ricorda anche Three Kings, ambientato durante la prima guerra in Iraq, dove proprio Clooney era uno dei protagonisti. “Ci sono delle similarità con Three Kings, un film fatto molto bene” concorda il divo. “In quel caso quando è stato scritto e girato la Guerra del Golfo era finita, quindi tutti avevano chiari gli errori commessi. Qui siamo ancora nel mezzo della guerra, ed è più difficile riuscire a capirli. D’altra parte i grandi film degli anni Settanta sul Vietnam sono stati fatti una volta che quella guerra era passata”.

In tutta la bagarre, il regista Grant Heslov riesce a dire qualcosa. E a darci il suo parere sul messaggio del film. “I nostri tempi non sono tempi felici. E anche noi dobbiamo credere in qualcosa. Quello che ci piaceva dei nostri personaggi era che credevano in qualcosa. Come la fine della guerra”.

(Pubblicato su Movie Sushi)

McCabe and Mrs. Miller – 1971

Director – Robert Altman

Starring – Warren Beatty and Julie Christie

So we come to yet another Robert Altman movie. This time Altman subverts the western genre, transforming a series of characters from cookie cutter black and whites into more realistic grays and earth tones. Warren Beatty plays the McCabe of the title, arriving in a new frontier town in the Pacific Northwest with his sights set on jump starting the gambling and whore house industries. His reputation in town precedes him as the bartender bolsters his reputation by telling stories of his “gunfighting past” (it’s not revealed till later whether or not this account of his past is rumor or authentic). The town folk, rapt with attention, line up to hear his stories, play poker with him, and to sample his wares. His operation is going well, and McCabe grows more and more full of himself until Mrs. Miller, another entrepreneur new arrival in town, shoots holes in his rather short-sighted and limited plans.

She knows the true potential for this sort of business in town, and more importantly she knows how to run it. She convinces McCabe to put up the cash and soon enough they are in business. Together, their business flourishes as does the rather one sided affection that McCabe feels for Miller. Her desire to legitimize the spot she has cut out for herself, serves as a blockade to McCabe’s attempts to sweep her off of her feet. The greater their success, the more amorous he tries to be, and the more distant she becomes.

When a large conglomerate business makes a take-it-or-leave-it offer to purchase the business, McCabe refuses in a bluff, attempting to squeeze a larger sum from the buyers. Mrs. Miller knows how ruthless these men can be, and does what she can to warn McCabe of the danger of playing with fire. Beatty’s “gunslinger” is full of the glory of his own legend, claims to know how to play the game. Unlike the rest of the townsfolk however, Mrs. Miller can see right through his posturing.

Altman’s tendency to turn archetypes on their heads, results in McCabe having the ego and confidence of a Hollywood cowboy, but without the skills or experience to back it up. He doesn’t know what he’s doing, but up until now he’s been lucky. Despite her addiction to opium, Julie Christie’s Mrs. Miller can see that plain as day, and resigns herself to what is almost a foregone conclusion at this point. What follows at the end of the film is brutish and inevitable.

When the shunned offer results in the conglomerate company sending a couple of fearsome, hired guns to forcibly relieve McCabe of his enterprise, his pomp and ego turns into bargaining and cowardice. The three men sent to kill McCabe are a scary bunch of outlaws who seem to fear nothing, or no-one. They run roughshod over the town, and the townspeople, taking what they want and killing indiscriminately. Rather than stepping out on the street and having a showdown, Altman’s characters fight it out like they would in real life, by hiding and through ambush. The bad guys fight dirty, and in order to stay alive, the good guys have to fight dirty too.

Altman’s change of venue from the arid southwest of the United States, to the chilly and bleak northwest provides just the right tone for the film. Bleak and foreboding, harsh and unforgiving. Altman had his cinematographer purposefully flash expose the film to light before developing to get that hazy 1800’s photo quality. Before learning this, I thought it was a bad transfer on my DVD, and it annoyed me to no end. Just like each of his other movies, I grew to appreciate it. While I never ended up loving how it looked, I could at least appreciate that the film itself was used as a tool through which the story was being told. Altman isn’t necessarily afraid of making the finished look of the film weathered and used, if it helps along the story.

The town’s sets in this movie, reminded me a lot of the apartment complex set from Rear Window. At first the flood of visual information seems overwhelming, but as the story progresses and the sets are used again and again, we become at home in them. They start to take on a reality, a three dimensionality, and a familiarity, that transcends the 2 hours or so that we inhabit them. I wouldn’t be surprised if this place is still standing somewhere (I guess I actually would be surprised, but the feeling of it being a real functioning place is no less diminished for it being gone in today’s world.)

Like each of Altman’s films that I’ve seen (and I suspect the ones I haven’t seen as well), The Long Goodbye, The Player, Short-Cuts, and M*A*S*H, McCabe and Mrs. Miller is a product made up of carefully laid out elements that form the cohesive whole. Film stock, film-developing, editing, direction, acting, sets, and costumes all work with one another towards a common goal. I started out not liking this movie, ready to write it off as a dud, but as I kept watching, I felt more invested in this little nook of the world. I felt like I grew with each of the characters as they went through the story.