Editors played an amazing session for Belgian radio studio brussels!

Editors, pas contents - Photo : D.R.

C’est à deux pas de la place de la Bastille que l’entretien avec Tom Smith (chant/guitare) et Russell  Leetch (basse) des Editors a été programmé. Tom parle très lentement et s’excite intérieurement dès qu’une question l’interpelle ou le chatouille un peu trop. Il commente souvent ce qu’il est en train de dire dans sa barbe, toujours de manière audible, avant de poursuivre son discours. Il sourit peu, affiche sans trop se forcer sa désapprobation. Il ressemble à sa musique. Ou plutôt, celle des anciens disques. Oui, les Editors ont changé, comme je le précisais hier dans une chronique. Sachez-le, l’interview est assez longue pour un format Internet. Et tant mieux non ?

Tout d’abord : where are all the guitars gone ?

Tom : De toute évidence, il y a beaucoup moins de guitares sur cet album. On a expérimenté différentes manières d’écrire et d’enregistrer, et on s’est vite rendus compte qu’on ne savait pas où mettre les guitares. On voulait faire quelque chose de neuf même si on ne savait pas où ça nous mènerait.

a

Avec tous ces synthétiseurs, ces pads électroniques et un disque manifestement très produit, vous ne vous dites pas que le contenu émotionnel risque d’être balayé par la technologie ?

Russell : Bonne question… ça le pourrait, mais au final on a tout enregistré en live. Rien de mécanique dans tout ça, tout a été fait sur le moment. On avait un peu peur de faire un disque électronique, plastique. On ne cherche pas la perfection. Et Flood (le producteur) nous a poussé à le faire comme un vrai groupe de rock. Jouées le plus fort possible en studio, les chansons avaient un vrai contenu émotionnel. C’était pas un truc préprogrammé, c’était purement humain.

Tom : Beaucoup de disques sont aujourd’hui fabriqués avec des ordinateurs, mais les nôtres sont enregistrés comme ceux d’un groupe de rock, sur le moment, comme l’a dit Russell. J’estime aussi que l’on choisit les moments où exprimer les émotions, et ceux où la technologie peut primer, sans que ça interfère totalement.

Russell : Dès le début de toute façon, on a commencé à chercher ce qui pouvait faire le lien entre ce que l’on faisait et les influences de science-fiction qu’on avait tous en tête.

Tom : On aime bien cette idée de vision rétro-futuriste des années quatre-vingt, comme dans Terminator et sa bande originale qui est fabuleuse. C’est industriel, froid, flippant. Et rien de ça n’a été balayé par la technologie, non ?

a

J’en sais rien, vraiment. J’ai adoré vos deux premiers albums mais celui-ci est déroutant. Surtout le single, « Papillon ». C’est d’une part la moins bonne chanson de l’album à mon sens, et en deuxième lieu, elle dénote plus encore que les autres morceaux par rapport à ce que vous faisiez avant.

Russell : Tu sais bien ce que le mot « single » implique. Et de toute manière, même avec nos précédents albums, les singles n’étaient jamais nos chansons préférées.

Tom : Les singles doivent être les morceaux les plus directs. Clairement, on l’assume, c’est une chanson qui doit dire aux gens : « allez acheter l’album ». C’est ce qui va passer à la radio, ce qui pourra peut-être faire danser les gens (sic).

Russell : Il y a un gros côté club à « Papillon », et c’est exactement ce qu’on voulait faire. De toute façon, il y aura deux singles qui suivront, probablement « You Don’t Know Love » et « Blood Drool = Eat Raw Meat ».

Tom : pour revenir à « Papillon », je sens bien qu’elle pourrait être la plus successful (nda : aucune traduction aussi fidèle et révélatrice que l’expression de Tom n’aura pu être trouvée). C’est celle-ci, j’en suis sûr, qui va mettre le plus de gens en contact avec notre album. (Il parle dans sa barbe) It’s a little cynical. (Il me fixe droit dans les yeux, comme pour s’assurer de me convaincre) Cette chanson est une ruée, un assaut, une longue retenue jusqu’au moment où tout se relâche. Elle parle d’un homme qui s’échappe de prison, celle de la vie. « Papillon », car elle ne contient aucune guitare, est le pas en avant naturel de notre musique. Elle est dans la ligne de notre écriture, et de toute manière In This Light… n’a selon moi pas qu’une seule dimension.

a

Qui dit nouvelle approche du son, dit nouveau public. Vous allez perdre des fans…

Tom : Je ne dirais pas que je ne m’en occupe pas, ce serait trop sec comme réponse. Je pense plutôt qu’il faut l’écouter à plusieurs reprises, le laisser de côté pendant quelques jours, et y revenir. Mais dans mon esprit, il n’y a absolument aucun doute : c’est notre meilleur album. Notre meilleur album. Je le vois comme a piece of art, presque de l’artisanat dans le procédé.

Russell : Au niveau du jeu, on a enregistré ça très naturellement. Et je pense que tu peux t’en rendre compte un peu partout dans l’album. On a pris un pied monstre, et j’espère qu’on va bouleverser quelques personnes qui auront besoin de l’écouter de nombreuses fois avant de vraiment l’aimer, cet album.

Tom : Il est sur que certains ne l’aimeront pas, d’autres l’adoreront. C’est juste notre suite logique, et si les gens ne parviennent pas à appréhender ces deux facettes, au final ce n’est pas un problème. Si tu penses à ce que le public va dire de ton album, tu t’embrouilles l’esprit en studio. Le but était de faire l’album que nous aimions en premier lieu. Et surtout, c’est toujours une bonne chose que les groupes essaient de tester leur public. A ce jeu là, tu peux perdre des fans, mais aussi en gagner.

J’ai aussi lu, à droite et à gauche, que Londres, où tu vis aujourd’hui Tom, était la source d’inspiration majeure de l’album. A part dans le morceau éponyme, où on entend clairement « London Town », je n’ai pas vraiment ressenti le truc.

Tom : The Fleet Road est un coin de Londres, et le dernier titre de l’album s’intitule « Walk The Fleet Road ». Cette fois-ci, les paroles relèvent beaucoup plus d’observations que de mes expériences personnelles, je me mets en retrait. J’écris sur tous ces personnages et je vois Londres comme l’arrière-plan inamovible, intemporel, qui reste là tout le long de l’album. Le son est très urbain non ? J’adore l’imagerie, et la conception très romantique de la ville plongée dans la nuit. Londres prête beaucoup à l’inspiration, surtout quand on vient d’ailleurs, comme moi, qui arrive de Birmingham. Tout s’y concentre. Dans la vie, et dans les thèmes de mes textes : histoires d’amour, problèmes sociaux et politiques.

a

La religion, aussi. Tu parles beaucoup de dieu, beaucoup plus qu’avant en tous cas. Tu crois en dieu ?

Tom : Pas du tout. Cependant l’idée est très intrigante en elle-même, même chose pour les problèmes que ça peut causer. Je trouve ça ridicule, l’image mentale d’un être bien plus grand que toi et mystique. Quand je dis « I Swear To God » dans le morceau d’introduction, tu te rends bien compte que ce genre d’expressions vient naturellement à ton esprit et fait partie de ton vocabulaire quotidien. Mais au-delà du débat sur l’existence de dieu, c’est plus une conception du contrôle que j’essaie de faire transpirer dans mes textes. Je parle aussi de plusieurs formes de pouvoir et de la résonance que ça peut avoir sur la vie des gens, comme je viens de te le dire : le politique, le sentimental.

Et comment parvient à vivre le groupe maintenant que vous avez tous déménagé à divers endroits ?

Russel : Chris et moi sommes partis vivre à New-York, et nous ne sommes tous les deux plus les mêmes personnes. Les gens là-bas sont respectueux, il y a une atmosphère particulière, qui n’a rien à voir avec l’Angleterre. Le seul problème, c’est qu’il y a tellement de trucs à faire qu’on a beaucoup moins de temps pour écrire. Quand on répète, on y va à fond du coup. Avant de se réunir, Tom nous envoie les chansons par e-mail et on travaille tous dessus avant de se retrouver. Si tu veux, on bosse à peu près sur une chanson par semaine quoi qu’il arrive.

Tom : Personne n’a délibérément tourné le dos à Birmingham, mais des choses personnelles arrivent toujours. C’est sans vraiment y avoir réfléchi que nous sommes partis.

a

Vous n’aviez pas peur de trop vous éloigner de vos débuts et de vos racines à Birmingham, qui n’ont pas été simples mais qui ont surement cimenté le groupe mieux que n’importe quelle autre aventure ?

Tom : Difficile serait peut-être un grand mot, ce serait injustement dramatiser la chose. On a monté ce groupe en y travaillant le plus dur possible. On travaillait tous les soirs pour payer nos loyers, et on se rejoignait pour répéter peut-être trois ou quatre nuits par semaine. Ça, c’était jusqu’à ce que l’on soit signés. Après ça, je vivais avec Chris au sous-sol de la maison de notre manager, Russ et Ed vivaient chez les parents de Russ. Le contrat ne comportait pas une grosse somme d’argent, alors on a bossé encore plus dur pour saisir la chance qui nous était présentée, et ça a marché. Ce n’était pas nécessairement si difficile que ça, mais Birmingham est quand même un endroit plutôt triste.

a

Ce qui se ressent plutôt dans tes textes…

Tom : Certains les trouvent sombres, d’autres les trouvent réjouissants. Très naturellement, on aime les sons et les textes qui tendent vers le sinistre, bien plus que la plupart des musiques actuelles. Tu dois faire ce qui te vient naturellement, et on aime s’exprimer ainsi. C’est mon cas depuis le départ.

Article publié sur le site Internet du magazine VoxPop : http://www.voxpopmag.com

Les Editors sont-ils de joyeux drilles ? Photo : D.R.

J’ai d’abord profondément et tristement détesté In This Light And On This Evening. Il en fut de même avec Unknown Pleasures lors de ma toute première écoute du disque. Je me permets cette transposition, à titre d’exemple seulement, car tout ce qui compte de critiques musicaux étiquette les Editors comme les plus dignes héritiers de Joy Division. Voilà une idée simple et réductrice pour que vous ne vous sentiez pas totalement perdus dans le flot ininterrompu de chroniques de disques (et ce n’est visiblement pas près de s’arrêter avec ce nouvel album). Las, vous m’accuserez probablement de trop tirer sur la pelote, mais je l’affirme : ce petit monde semble appréhender n’importe quel disque « sombre » avec le prisme inusable de Joy Division, à chercher péniblement Ian Curtis partout avant de passer à autre chose, satisfait de sa trouvaille. J’en sais quelque chose, il m’est arrivé de tomber dans le panneau, la tête molle et le bras flasque, bien que je fus particulièrement sincère à l’époque.

Si Tom Smith a longtemps pu passer pour un auteur anglichement romantique et mélancolique, il représentait avant tout la main qui vous était tendue dans la pénombre. Entre The Back Room et An End Has a Start, l’anxiété avait majoritairement laissé place à la tristesse. Avec In This Light, la direction que prend le groupe, c’est la danse apocalyptique.

a

Écoutez « Papillon » (le single) et « Eat Raw Meat = Blood Drool ». Nous naviguons ici en pleine crise d’électro-pop-synthétique-danceflooresque. Sous prétexte de « volonté de changement », est-il pour autant raisonnable de perdre à ce point son identité ? De toute façon, les Editors l’ont désormais trop bien compris, leur ADN, c’est le lugubre, l’épique et la mélancolie. Seulement, ils auront mis deux albums à le comprendre, avant de se mettre à sérieusement flipper. Flipper de ne « pas se renouveler » (le chat noir du musicien), flipper de « ne pas marquer » (comme tous les bons vendeurs de disques, ou les mauvais joueurs de foot). Cet irrémédiable vortex psychologique dans lequel les Editors sont tombés, morts de faim, parvient sous forme d’album à nos oreilles elles aussi mortes de faim.

a

Oui, et j’exagère à peine. Ils ont décidé de laisser les guitares en backroom, de s’offrir une flopée de synthétiseurs et de batteries électroniques ultra-paramétrables dernier cri. Körg, ça sonne quand même moins bien que Gibson ou Fender. Vous savez désormais à quoi vous attendre, à savoir des beats parfois dansants, parfois new-wave, surmontés de synthés omniprésents et de la voix de Tom Smith, véritable instrument en soi, qui porte depuis l’origine les mélodies du groupe à de rares exceptions près.

a

La troisième révolution chez les Editors (après celle de l’emprisonnement des guitares, et directement liée à leur crise existentielle) est qu’ils nous sortent un disque ultra-référencé. Loin de moi cette obsession de chercher automatiquement la provenance de telle ou telle ligne de basse ou d’un bon riff de guitare, mais dans ce cas précis, l’exercice est probant. Pèle-mêle, pour ne pas vous étourdir : A-Ha (« Papillon »), Talk Talk (« You Don’t Know Love »), New Order (« The Big Exit », plus quelques idées un peu partout ailleurs), ou encore Depeche Mode (« Eat Raw Meat = Blood Drool »). Tout cela enrichi de ce que les Editors font le mieux, l’ADN dont je parlais quelques lignes plus haut.

a

Je ne dépècerai pas le groupe pour cette raison, peu importe d’où viennent les idées pour peu qu’ils en fassent bon usage. D’autant plus que je considère leur second album, An End Has a Start, comme un disque en tous points formidable et qu’aujourd’hui, malgré mes nombreuses réserves, j’aime plutôt In This Light. Et The Boxer (cliquez ici pour écouter) y est pour quelque chose. C’est bien le seul morceau où subsiste un riff caractéristique du son originel des Editors, accompagné d’une partie de xylophone qui dure tout le long et du meilleur de Smith dans son écriture :

An unwanted sun pulls rank in the sky

(Un soleil non désiré bouscule le ciel)

The boxer isn’t finished, he’s not ready to die

(Le boxeur n’est pas achevé, il n’est pas prêt à mourir)

I’m attracted to the light, I’m attracted to the heat

(La lumière m’attire, la chaleur m’attire)

It’s a violent night, there are boxers in the street.

(C’est une nuit violente, il y a des boxeurs dans la rue)

Malheureusement, je suis dans le regret d’affirmer que cette ballade est l’unique grand moment de ce disque. J’ai beau claironner que In This Light est un album moyen, j’en pince ferme pour lui. Comme vous qui n’aimez pas le fumet matinal qu’émet le bec de votre petite amie, qui par ailleurs est une personne extraordinaire. C’est pareil, et c’est un peu comme ça que ça fonctionne, non ?

Article publié sur le site Internet du magazine VoxPop : http://www.voxpopmag.com

Over the past five years or so, the main alternative rock bands that have been primarily spotlighted in England have been, the Arctic Monkeys, Bloc Party, and recently bands such as Razorlight and the Kings of Leon. However, flying under all of the radar, there is yet another great force; Editors. If any of you have an iTunes account, about three years ago you were able to download the free single “Munich”. This song is great. Tom Smith (lead vocals) in very reminiscent of Joy Division’s Ian Curtis, and their music is guitar heavy, with the often incorporation of piano and synthesizers.

Two albums in and these guys have been hiding in the shadows of the Arctic Monkeys, now, don’t get my wrong; I love the Arctic Monkeys, but I think Editors deserve a lot more attention, especially if you are a big Coldplay fan for instance. The Arctic Monkeys are quick, fast-paced and to the point, whilst Editors bring a more intimate and developed sound. Each of their two albums have seen changes in sound, with their second effort “An End Has A Start” sounding much more rounded, as it has a lot of slower, high climaxed songs. The album also went number one on the U.K. charts too.

Editors

“The Back Room” their first album saw a raw, guitar driven sound that is very similar to the sound of Interpol, if you are an Interpol fan, you will like Editors for sure! These guys really know how to perform, and they are good live as well. They have a great presence and Tom Smith carries a great voice in all his performances.

I would really look out for Editors in the near future. Their third album is in the recording process and we should see it by the end of 2009, hopefully sometime near the early summer. With time under the radar, I feel that Editors are ready to strike and take over the U.K. with their musical dominance.

Este tipo de sonidos meláncolicos son chilos. Me recuerda la voz de este Tom Smith con el wey de Sr. Banks de Interpol.
La ejecución melódica es distinta eso si, pero suena igualmente decadente con ese tufo Goth que, afortunadamente, regresa para traer más tristeza a nuestros espíritus.

Escuchénlo, les gustará.

Editors – An End Has A Start
http://www.youtube.com/watch?v=NMKEHQqREMo

1. Bones
2. The Racing Rats
3. An End Has A Start
4. Escape The Nest
5. All Sparks
6. No Sound But The Wind (unbroadcast)
7. Bullets
8. Blood
9. You Are Fading
10. Munich
11. Weight Of The World
12. Fingers In The Factories
13. Smokers Outside The Hospital Doors

1. Blood
2. All Sparks
3. An End Has A Start
4. Munich
5. The Racing Rats
6. Bullets
7. Smokers Outside The Hospital Doors
8. Fingers In The Factories

1. Bones
2. The Racing Rats
3. An End Has A Start
4. All Sparks
5. Escape The Nest
6. Weight Of The World
7. Bullets
8. Blood
9. You Are Fading
10. Munich
11. When Anger Shows
12. Fingers In The Factories
13. Smokers Outside The Hospital Doors

(Photo Credit)

1. Smokers Outside The Hospital Doors
2. An End Has A Start
3. The Weight of The World
4. Bones
5. When Anger Shows
6. The Racing Rats
7. Push Your Head Towards The Air
8. Escape The Nest
9. Spiders
10. Well Word Hand

Comprar

Lo quiero!

Editors no se merecen llenar en salas de la capacidad de Razzmatazz. Ya sé que el mundo está lleno de injusticias, pero ésta es una de ellas, y ha quedado patente con el flojo concierto que la banda de Tom Smith ha ofrecido esta noche en Barcelona. Para alejarse de las comparaciones -o acusaciones de plagio, directamente- con Interpol, Editors han querido con su segundo disco adentrarse en el terreno de la épica, del pop-rock de estadio, como unos U2 o unos Coldplay más. El problema es que no lo son.

Eso, en este caso, se llama épica barata, se llama cegar literalmente al público con luces epilépticas para que éste tenga la sensación de que esa guitarra aguda es lo más excitante que puede escuchar en ese momento. Y no es así. Y han empezado bien el concierto, repasando un tema de su primer y notable disco, The Back Room, llamado ‘Camera‘. Una delicia. La siguiente ‘Blood’ ha rememorado su primera visita a España, cuando tocaron en Razzmatazz 3 y dieron un conciertazo porque todavía habían publicado sólo un disco. Sobre An End Has A Start, su segundo álbum, poco hay que decir: es malo, sólo se salvan cuatro canciones de él (la gloriosa ‘Smokers Outside the Hospital Doors‘, que ha cerrado el concierto, es de los pocos momentos donde la épica de Editors funciona), y en directo tienes la sensación que están tocando el mismo tema una y otra vez.

Además, Tom Smith no es Chris Martin, no tiene ese carisma, y cuando se pone histriónico pues no convence. No te lo crees. Es seguramente el problema de Editors: no te los crees. Y de eso seguramente tenga gran parte de culpa su segundo disco, con el que pretenden ya saltarse todos los pasos e ir a por los conciertos de estadio, lo que decía antes de cegar al público con lucecitas y luego poner la foto con todos con las manos en alto. Pero no. Editors todavía no merecen llenar salas con más de 1.000 personas. En fin.

hey, sorry for the absence..  here you are, from our dear Editors    

Pull the blindfold down

So your eyes can’t seeNow run as fast as you canThrough this field of trees

Say goodbye to everyoneYou have ever knownYou are not gonna see them ever again

I can’t shake this feeling I’ve gotMy dirty hands, have I been in the wars?The saddest thing that I’d ever seenWere smokers outside the hospital doors

Someone turn me aroundCan I start this again?

How can we wear our smilesWith our mouths wide shut‘Cause you stopped us from singin’

I can’t shake this feeling I’ve gotMy dirty hands, have I been in the wars?The saddest thing that I’d ever seenWere smokers outside the hospital doors

Someone turn me aroundCan I start this again?Now someone turn us aroundCan we start this again?

We’ve all been changedFrom what we wereOur broken partsLeft smashed off the floor

I can’t believe youIf I can’t hear youI can’t believe youIf I can’t hear you

We’ve all been changedFrom what we wereOur broken partsSmashed off the floor

We’ve all been changedFrom what we wereOur broken partsSmashed off the floor

Someone turn me around(We’ve all been changed from what we were)Can I start this again?(Our broken parts smashed off the floor)Now someone turn us around(We’ve all been changed from what we were)Can we start this again?(Our broken parts smashed off the floor) 

Последние 2-3 дня слушаю Editors.

Довольно слушабельный альбом, и особенно не похоже на Interpol. Настроение совсем другое, не знаю, как на них налепили ярлык «клона Interpol».

Музыка сравнительно позитивная, что не может не радовать.

In music news this week, British indie quartet Editors have just dropped their third LP, In This Light and on This Evening. Over the years, the band has continuously drawn criticism for being too similar to seminal post-punk outfit Joy Division. Well, on this album they’ve tackled these criticisms head on, and turned down the road that so many indie bands seem to go down- by ditching the rock and turning electro. But why is it that bands feel they must give up playing real instruments and experiment so early on? And is it a career-ender, or can it be a positive thing? This post looks at some case studies, both good and bad, to find out…

In theory, bands progressing and experimenting with their sound is a good thing. Looking at an artist’s back catalogue and realising that it’s difficult to differentiate between each album is pretty much a cardinal sin. But it remains to be seen whether all these indie-rock bands are branching out to electronic instruments because it’s a natural career path, or if they are simply experimenting for the sake of experimenting. First up, it’s necessary to look at one of the most lauded bands in recent history: Radiohead.

Case Study 1

Band: Radiohead

Album: Kid A

Number: 4

Released: October 2000

Verdict: Success, of course.

To say that this trend began with Radiohead’s fourth LP at the turn of the millenium would be naive, but it can’t be denied that they helped it push it along a little bit. After the release of OK Computer, still one of the greatest rock albums of the 1990’s, the music world was waiting with baited breath for the follow up. But Radiohead did what Radiohead do best, and surprised everyone by releasing a sparse electronic album entirely different from its predecessor. The opening chords on Everything in its Right Place paved the way for an album that was imaginative, eccentric and sometimes just downright strange. Initially it divided fans and critics, but despite the original disagreement it still stands as one of the greatest albums of the decade. Just a few months later the band surprised everyone again by releasing another album titled Amnesiac, proving that it wasn’t just a once off move. And Radiohead have just kept getting better since.

Case Study 2

Band: Bloc Party

Album: Intimacy

Number: 3

Released: August 2008

Verdict: Questionable

When Bloc Party released their debut LP Silent Alarm in 2004, indie kids everywhere rejoiced at a frenetic, rhythmic and dark but somehow incredibly danceable album. Many critics praised it as proof of just how good British bands can be, and it ended up winning a number of awards. Their second album though didn’t quite stack up to everyone’s expectations, and by the third album Intimacy rolled along, they had ditched their finely-tuned brand of indie-rock completely, and replaced it with a more electronic, dance sound. While Intimacy is possibly their strongest album lyrically, and that central-theme of loss running through the album certainly gives it coherence, there just seemed to be something missing. The urgency of the first album just wasn’t there. Whether Bloc Party return to their roots or continue with this genre remains to be seen.

Case Study 3

Artist: Yeah Yeah Yeahs

Album: It’s Blitz

Number: 3

Released: April 2009

Verdict: A success, mostly.

They say everything that is old is new again. And with the amount of bands at the moment harking back to the dance-synth days of the 80’s, that adage has never been more true. The YYYs third album saw a complete turn around from their raw, garage rock origins. Full of danceable beats, synths and more electronica than you can poke a stick at, the album divided fans but mostly pleased critics, and gained a lot more mainstream airplay. If you consider It’s Blitz as an album on its own without considering the YYY’s history, it’s pretty damn good. But it’s just missing that edge that was so wonderful in their first couple of releases. Then again, Karen O can really do no wrong in my books.

Case Study 4

Band: Editors

Album: In This Light and on This Evening

Number: 3

Released: October 2009

Verdict: Unfortunate

Poor Editors. Right from the beginning they’ve been slammed as being a carbon copy of Joy Division. And with the moody, atmospheric themes and lead singer Tom Smith’s deep voice, it’s definitely understandable. But if you judge their first album The Back Room purely on its music and forget about it’s influences, it’s actually a really good indie-rock album. While the second LP An End has a Start faltered a bit in its haste to please the commercial masses, the stadium-sized rock suited the band well. But this third album sounds like it’s come straight out of a bad 80’s disco. First single Papillon has so much synth it could be mistaken for Eurythmics’ Sweet Dreams are Made of These. An even bigger shame though is that there’s actually some decent tracks on the album. The title-track opener, with Smith’s baritone vocals, is gorgeous. But it just seem like they tried too hard in their transition to electronica. If you can get your hands on bonus EP Cuttings II, it’s much rawer, and much more rewarding.

–

Certainly, only four bands moving into the realms of electronic/dance music in their sophomore releases- even if it’s not a third (or fourth) album- doesn’t necessarily prove the theory. But it doesn’t take much looking to see that there’s plenty more. Is it just because music is inherently cyclical and we’re all going back to the 80’s? Or is this truly a natural progression? Radiohead amongst others have proved that when you can do it right, the results can be very, very rewarding. But it’s the dozens of copy-cat bands doing the same thing just because it’s the ‘in-thing’ that is disappointing. Hopefully Editors can regain some of their credibility with their next release. Or maybe they’ll surprise everyone and actually do something original. Like a hip-hop album. Now wouldn’t that be interesting!

When I first read that Editors were leaving their traditional sound, scrapping their guitars and changing their sound to electronic I was blatantly shocked. However, I felt optimistic in the sense that another album with the same sounding guitar riffs from Chris Urbanowicz would truly ware off on me.

My fascination with Editors began when I received Munich off of iTunes as a free single of the week. At first, I didn’t bother listening to it, but on a summer day I played it non-stop. It made me want more and more, and at that point the band was already on their second record ‘An End Has A Start’. After getting my hands on both albums I knew that this band stood out to me.

Editors

I’ve always had a knack for getting into bands primarily from the U.K. and Editors are no different. Despite their comparisons to Interpol, The Chameleons, Echo and The Bunnymen, and most importantly, Joy Divison, I never took that away from the music Editors gave.

Their first two albums were guitar driven. Enough said. Ghostly in some to rigorous and driving in others. Editors debut was ‘The Back Room’ and of course, being British, they gained success. The songs on this record such as ‘Munich’, ‘Bullets’, and ‘Blood’ are all great songs which bring out instant fan favorites and hits, however there are song such as ‘Open Your Arms’ which build up so climactically that the payoff is sweet. And not to mention the onslaught on b-sides this album had just made the listening experience even better.

With a successful debut, Editors were destined for fans and great music. It only took two years for the quartet to release their follow up, ‘An End Has A Start’. This album was much more of the same from their debut. There were differences though, as piano was used in songs such as the powerful ‘Smokers Outside The Hospital Doors’ and ‘The Racing Rats’. ‘When Anger Shows’ and ‘Push Your Head Towards The Air’ are songs that climactically build up and have great payoffs. The b-sides on this record were a little disappointing but that added to how much one can appreciate songs like ‘Well Worn Hand’ which was recorded in one take with guitar, vocals and piano.

Guitar was the key to Editors success as their sound was distinguishable from the rest. However, their trademark, apart from singer Tom Smith’s exceptionally deep voice was being cut out. The group agreed that electronic music was the direction they should head in. From listening to the Terminator theme song to writing 18 new songs, Editors took two years time to record their third record, ‘In This Light and On This Evening’.

Lead singer Tom Smith had this to say about the record;

Lead Singer Tom Smith

“We wanted to create something we had never really tried out before and tried to make as many interesting sounds as possible. There are a lot of interesting percussive ideas that aren’t necessarily just from drums. There are a lot of vocals on there as well. Everybody got stuck in with those. We didn’t see any point in just repeating what we’ve done before. I’m really impressed with the songs and I think we’ve got a great record coming out.”

Leading up to this album, I was dying to hear a song. Papillon, edited, was released as a promo single and I couldn’t stop listening. The song was danceable, almost unheard of if you listened to their first two albums, and this song had such a beat and synthesizer that for a moment, I couldn’t believe that it really was Editors.

The album was available to be streamed in the U.K. and I eventually came across the download of the album and couldn’t resist. First of all, the record only contains 9 songs, so it is very short in length. This was done intentionally in order that you listen to the whole thing through, a smart idea because the whole record contains no songs that can be deemed ‘skippable’.

The record beings with it’s title track, and you are brought right away into a dark electronic synth that continues throughout the whole song and almost immediately, Tom Smith’s voice enters, dark and almost robotic. There is a little guitar in the background and a steady piano, buildup, something very crucial in this song. Heavy synth organs just under three minutes bring us in the aggressive pounding of the keys and an aggressive bass riff until it ends abruptly with the same key as the song began with, a wonderful opener, their best.

‘Bricks and Mortar’ is the longest song on the record –and Editors longest song ever – as it times in at just around six minutes and twenty seconds. This song has another echoed synth with a steady bass line until Tom comes in yet again and preaches to the masses about finding your God until the drums come in and Tom repeats his lament with the synth moving on with his voice. The chorus is the most electronic aspect of this album and it moves so well it is sounds like Depeche Mode. It moves me and is a key song on this record, along with their live performance. The song ends with the same pounding electronic sound until a well produced fade out with many loops.

‘Papillon’ is the least darkest track as it is fun and enjoyable, however it does contain it’s own dark elements from the signature “it kicks like a sleep twitch” to the pulsing bass line or steady synth that paces on throughout the entire song. The single version is edited and much shorter, but the album version has a long five minute length which has a great middle that shouldn’t be cut out. Leading us into ‘You Don’t Know Love’ we are reminded of dark Joy Division tunes to gospel songs from Depeche Mode. Tom falsettos with some ah ha’s and the song picks up with more great build up. Strings are another key part of this song as it works until two and a half minutes, and with a brief pause we get the aggressive “you don’t know love like you used to” repeated on and on until it is the last thing spoken as the track ends.

Editors; Russel, Ed, Tom, Chris

Midway point in the record and we get immersed into an almost industrial Nine Inch Nails type of sound with a wailing electronic sound that steadies on until we are brought into a cluster of dark keys and pacing aggressive synths. This song is brilliant but it by far the hardest song to get into. Evil and dark are the things this song brings, as the lyric “they took what once was ours” rages on inside your head, accompanied by another slow fade out. ‘The Boxer’ is soft and wonderful to listen and has brilliant vocal work with Tom as the beat that drives the song keeps the song cool and a great leader into the next track.

‘Like Treasure’ is my favorite song of the whole record, that’s what I am saying right away. The bass is great right off the beginning, the synths are soft but present and Tom’s voice keeps the song steady until the chorus which is so haunting it can give you Goosebumps. The background vocals are amazing and tingle the hairs on the back of your neck and as simple as the words are, they can haunt you as after the chorus moves we have a very 80’s synth which goes well with the song. Lyrically the song is mysterious and talks about politics and how corrupt they may be. This song makes the first bit of listening even more worth it.

When new Editors songs were on Youtube, I listened to every version as I could. ‘Eat Raw Meat = Blood Drool’ was one of those songs which had such an aggressive tune to it I loved it. The live versions seemed to give a little more umph to the song; however the track on the album itself is very strong. Tom’s vocals are ruffled at points, and the lyrics are twisted as well. When the drumming comes in to the strong synthed chorus, this song is great. Once the piano comes it is a true Editors song and it paces on and on and once again has a great climax. Definitely single potential with this song.

‘Walk the Fleet Road’ is the ‘Well Worn Hand’ of ITLAOTE, this song is pure and wonderful with the strings and the lamenting of Tom all the way through. Simple is beauty and less is often more, something Editors show, stripping down this song to make the album end after a very interesting journey.

In This Light An On This Evening

Editors music is dark, and with the incorporation of electronic elements brings them closer to acts like Depeche Mode and Joy Division with haunting lyrics and classic songs. This album is a step in the right direction and here is another quote from Tom Smith;

“I am so fucking bored of people asking us why we’re so ‘dark’ or worse, questioning our integrity for being this way. This is how we do it, it excites us to express ourselves like this, to be honest we don’t even understand what the alternative is and the alternatives we can imagine are too boring for us to even consider.”

The quartet warned fans that they may not gain a new following, and even lose some of their deepest fans. However, in my opinion, this album brings me closer to Editors than ever. Dark emotional alternative music is what  brings me closer to the songs themselves and Editors have done a phenomenal job with this record and can only get better and better from here.

It is quality, not quantity, and this is shown through only having 9 songs on a very short record, along with putting out the music they like to make. They are not going to make a fan chosen album – this is the direction the band is taking. Dislike it if you want but this is here to stay and Editors do not care who critiques them for how they sound or the nature at which they make their music.

5/5

“Darling just don´t put down your guns yet
If there really was a god here
He´d have raised a hand by now
Darling you were born get old and die here
Well that´s quite enough for me too
We´ll find our own home somehow”

Granted it will only have been roughly two years since the release of An End Has A Start, it made me smile to no end to discover the new brand new offering by, in my opinion, one of the more criminally underrated of the new new wave bands.  Birmingham’s Editors are set to release their brand new record entitled In This Light and On This Evening on the 13th of October via Kitchenware in the UK. The first single off the record is sure to become a live favourite and is already becoming one of my favourite songs from the band and it’s called Papllion.

It takes the ever-evolving dark post-punk sound the band has been honing since their 2005 debut The Back Room and applies a more raw and futuristic sheen through the increased use of synthesizers. This should not really come as a surprise as singer Tom Smith stated in interviews that the band in writing their new songs had become very influenced in making a record that evoked the sound of the Blade Runner soundtrack. Listening to Papillon for the first time, I must admit Blade Runner wasn’t the first time that came to my mind. I had almost done a double take upon hearing the lead synths and thought of the band VNV Nation and their anthemic industrial pop.  Needless to say, this did not detract from my going goo-goo over this track.

Who says post-punk is dead?

Editors on MySpace
Editors on Facebook

“Papillon” by Editors taken from the forthcoming Kitchenware release, “In This Light and On This Evening”

Dieser inspirierende Blogeintrag hat mich vor kurzem daran erinnert, dass es tatsächlich eine Band namens “Editors” gibt, die demnächst ein neues Album herausbringen und mir vor nicht allzu langer Zeit ziemlich gut gefallen haben (Danke dafür!). Ein kurzer Blick zurück: 2007, ein Jahr, in dem ich mich nicht mehr / noch nicht viel mit Musik beschäftigt habe. Viel habe ich damals von diesem Jahr nicht mitbekommen, MGMT, Bon Iver und meine absoluten Lieblinge Angels & Airwaves (ja, Zeit für peinliche Geständnisse) kamen erst im Nachhinein. Woran ich mich erinnere: Der grandiose Track “I Still Remember” von Bloc Party, zwei Single-Perlen von den Shout Out Louds und der “Kastratengesang” von OneRepublic, den ich immer noch gerne höre – und eben die Editors. Genauer: “Smokers Outside The Hospital Doors” und “An End Has A Start”, zwei wunderbaren Singles mit dem gewissen melancholischen Etwas. Dummerweise habe ich es anschließend versäumt, mich näher mit ihnen zu befassen. Aber so etwas lässt sich ja nachholen.

“The Back Room” startet eher verhalten – “Lights”, abgehakt. “Munich”, hmm, einen Moment gezögert, dann ebenfalls abgehakt. Beim dritten Song, “Blood”, hat’s dann aber endlich klick gemacht. Düster-dumpfe Vocals über schrammelnden E-Gitarren, die sich anhören wie Franz Ferdinand plus Kathedralenakustik; mein Fall. Ja, doch. Zumindest die Akustik geht “Fall” dann wieder ab, die Stimmung trägt sich aber bis hin zu “All Sparks”: Ein Mando-Diao-Open Air im stürmischem Spätherbst würde sich wahrscheinlich genau so anhören (und wäre sicher ein Erlebnis). Die Folgetracks schlagen dann wieder eine etwas andere Richtung ein, ohne einerseits heller oder leichter verdaulich zu werden oder andererseits zu überraschen. Die kleine Schwäche habe ich aber spätestens beim Anspiel von “Bullet” vergessen, das aus der leicht schläfrigen Phase sofort wieder aufschreckt. “You don’t need this disease”, so sieht’s aus. Das war’s dann auch; von den letzten drei Tracks ist mir kaum was haften geblieben. Ein ordentliches Album, aber wahrscheinlich keines, das ich allzu oft hören werde. Beim Nachfolger könnte das etwas anders aussehen.

Wertung: 6 / 10

Zweites Album, zweiter Versuch. Nein, eigentlich erster Versuch, denn mit dem hier habe ich angefangen, was vielleicht auch gut so ist, denn nach “The Back Room” hätte ich womöglich nicht die Lust verspürt, noch ein zweites Album dieser Art durchzuhören. “An End Has A Start” ist allerdings mehr als eine bloße “Version 2.0″. Die Musik klingt deutlich reifer als beim Vorgänger, vor allem aber einprägsamer. Eröffnet durch die oben bereits erwähnten Singles “Smokers Outside The Hospital Doors”, die gleich ein seltsam schwermütiges Gefühl aufkommen lässt, das in der Folge immer mal wieder auftaucht, und “An End Has A Start”, das immerhin ein wenig beschwingter daher kommt. Großartig sind beide; schon bei der Textpassage “The saddest thing that I’ve ever seen were smokers outside the hospital doors” nehme ich mir vor, das Album gleich im Anschluss noch mal durchzuhören. “The Weight of the Worlds” strahlt dann gerade schon vor Optimismus und froher Botschaft, zumindest für Editors-Verhältnisse: “Every little peace of your live, it means something to someone.” Einfach schön. Mit “Bones” ist dann auch mal ein langweiligerer Titel dazwischen, bevor “When Anger Shows” die Handbremse wieder etwas lockert und mit “The Racing Rats” einen wirklich großartigen Track einläutet. Unheimlich deprimierend, unheimlich schön; neben dem Opener der wohl stimmungsvollste Track des Albums. Gefolgt von “Push Your Head Towards The Air”, der eine halbe Oktave höher gespielt, auch ohne weiteres von Coldplay hätte sein können. Schon an dem Punkt hat mich das Album vollends überzeugt. Bei “Escape The Nest” war ich dann hin und weg. Bester Song der Band bisher. Gewagt-energisches Gitarrenspiel, das mich schlichtweg umgehauen hat – über den Text habe ich irgendwie hinweggehört, der Song schafft es auch so ohne Weiteres nachträglich in meine Top 10 von 2007. “Spiders” und “Well Worn Hand” sind dann “nur noch” solide Beigabe. Auf jeden Fall ein tolles Album – weit weniger monoton, als ich erwartet hätte, wenn auch selten wirklich abwechslungsreich. Aber wen kümmert’s, wenn die Tracks ein ums andere Mal überzeugen?

Wertung: 8 / 10

So weit, so gut. Tendenz eindeutig steigend, demnach dürfte man vom dritten Album, dessen Name da lautet “In This Light and On This Evening”, einiges erwarten. Fazit: Eine Band, mit der man sich durchaus beschftigen darf. Man sollte schon eine gewisse Affinität zu dieser Art düsterem Post-Punk Alternative Rock haben, sprich sich auch von vom Klang her ähnlichen Bands wie den White Lies oder Interpol ansprechen lassen. Trifft das zu, kann man die Editors auf jeden Fall genießen.

I’ve been watching Rage a lot lately instead of sleeping, and one thing I’ve noticed from all the old clips is that AC/DC had freaking great fashion taste for their time.

I’ve also realised that girls in leotards with bright coloured leggings are actually quite appealing (An End Has A Start, The Editors). Does this have the potential to become a new trend? Let’s fucking hope not.

I’m also reading an amazing book right now about Harajuku Street Fashion (which I’m in LOVE with) called Style Deficit Disorder.