Asus, l’entreprise informatique fait dans l’art en revisitant le célèbre tableau de L. Da Vinci “La Joconde” avec des cartes mères et des puces !

Vos impressions ?

Ca y est, l’exposition “Impressions Métropolitaines” est terminée.

Cette belle aventure m’a permis de vivre d’agréables moments d’échange et de convivialité. Et, ce qui ne gâte rien, elle a abouti à la vente de 2 tirages ! Ci contre et ci dessous les illustrations des deux heureux élus.

Merci à tous pour vos visites amicales, et un énorme merci à mes deux acquéreurs.

Vous pouvez retrouver l’exposition complète dans la rubrique éponyme.

Le vernissage de l’exposition « Impressions Métropolitaines » a eu lieu Samedi 17 Octobre dans le Local 37. Au menu, photos, sangria, petits fours et convives délicieux. Merci à tous les participants pour cet agréable moment. N’hésitez pas à feuilleter le diaporama de la soirée disponible ici.

Pour tous ceux qui ne m’ont pas fait l’honneur de leur présence, il est encore temps de se rattraper, l’exposition dure jusqu’au 2 novembre et n’attend que vous. Profitez en pour faire un détour par les bains douches, 5 rue Legouvé dans le 10ème, où sont exposés d’autres de mes travaux.

A lot has been happening lately that has gotten in the way of me writing here, so I’m posting this entry while I finish up some longer ones…

[Jones Dept. Store, 108 Sunset Ave; the building now houses Republican Headquarters. To its right is Baker's Shoe Store.]

[The squares of black glass are striped with duct tape to prevent breaking.]

Late this summer as we moved back into my office at 19 S. Fayetteville Street, I found a workman removing the last pieces of broken tile from the entrance of the restaurant next door.

[Broken black Carrara glass, looking like a mirror.]

That wasn’t just any tile, however; it was a half-inch-thick reflective glass, technically called “pigmented structural glass” and called here locally “Carrara Glass”. Asheboro’s Sunset Avenue was once covered with the stuff. The photo at the head of this post shows Jones Department Store (probably taken in the early 1960s), and not only that store but the storefronts to both sides are covered in black Carrara Glass.

[The round dollops of glue visible on the back of the panel below kept the tile adhered to the brick wall.]

Pigmented structural glass seems to have been first produced in 1900 by the Marietta Manufacturing Company as a “substitute for marble.” Marietta’s product was called “Sani Onyx,” and was used as a hygienic lining for refrigerators. Penn-American Plate Glass Company rolled out a white and black product in 1906 they called “Carrara Glass,” named for the glass’s close resemblance to marble mined in the Carrara quarries of Italy. Before 1910 Libby-Owens-Ford Glass began production of their own version called “Vitrolite.” The first prominent interior use of pigmented structural glass was in New York’s 1913 Woolworth Building, where architect Cass Gilbert sheathed the restrooms with Carrara Glass.

Pigmented Structural Glass hit its popularity height during the 1920s and 30s, when it became synonymous with the streamlined Art Deco and Art Moderne architectural styles. From the sleek Hollywood musicals of the 1930s, to storefronts all across American Main Streets, Carrara Glass and its siblings fit the bill for slick, streamlined, shiny, materials suitable for interior and exterior use. Asheboro’s Belk Department Store, the largest commercial building built downtown in the 1930s, used Carrara glass exclusively on its façade (destroyed in a 1962 fire).

The many smaller Asheboro storefronts which exhibited Carrara Glass in various colors and shades (though Black and White were always the most popular) speak to the versatility of pigmented structural glass for updating older commercial buildings. By 1940 the commercial buildings in downtown Asheboro were all between 25 and 40 years old; as they were remodeled, each began to sport modernized street level facades using chrome, stainless steel, and Carrara Glass. This transformation was encouraged by New Deal programs from the Federal Housing Administration which granted low-interest insured business loans for remodeling, and structural glass veneers became synonymous with a desirable “modern look”. This uniform Art Deco “look” or design style grew out of a “Modernize Main Street” competition sponsored in 1935 by the Architectural Record magazine and Libby-Owens-Ford Glass, and judged in part by architect Albert Kahn.

Almost all of Asheboro Carrara glass has been lost in the last 20 years; those Art Deco/ New Deal remodeled facades have been been remodeled again and again. Though the original buildings have been preserved and reused, the “contemporary” style familiar to several generations of county residents has vanished.

For much more information, see the National Park Service Preservation Brief on “Preservation of Historic Pigmented Structural Glass” and “Our Vanishing Vitriolite”.

Septembre 2008, court-circuit dans les affaires. Lehman Brothers perd 3,9 milliards de dollars et l’artiste britannique Damien Hirst fait cocue l’hégémonie de ses galeristes, Jay Jopling et Larry Gagosian, avec Sotheby’s. 223 œuvres inédites, fraîchement sorties de l’atelier, sont vendues aux enchères pour 140 millions d’euros, sans intermédiaires. Ca chauffe alors dans les boules de cristal, on prédit un capitalisme financier moralisé et un marché de l’art transfiguré. Raté: en 2009, Wall Street se fait coudre les poches pour un bonus de 140 milliards et les galeries, remises du coup de Trafalgar, continuent de faire la foire.

Pour la 36e année consécutive, on vient donc de Munich ou Beyrouth, Florence ou New Delhi se payer une vitrine à la Fiac de Paris. Malgré les frais de location, de régie, de production,  210 exposants et 4200 artistes participent à la foire d’art contemporain la plus coûteuse au monde. A 440 euros le mètre carré pour un stand d’exposition, le budget grimpe vite dans les zéro. La crise économique en perd son nord, mais parole de galeriste, «on regarde aux dépenses. Si on fait et refait une foire, c’est que la précédente n’a pas si mal marché», admet  Yvon Lambert. Présent à la Fiac depuis sa création en 1974, il en a dirigé le comité d’organisation en 1996 et ressigne cette année avec la même «envie»; pour ne pas dire nécessité. C’est que les foires sont devenues indispensables. Avec ces lieux de visibilité, de vente et de contacts, les artistes et marchands ont leur Davos à eux. «On a besoin de rendez-vous» assure encore le ténor aux 36 foires; et «il y a de la place pour tout le monde!»

Sa place, Laetitia Delorme ne l’a pas trouvé au Louvre. Sa galerie n’a que huit mois alors la Fiac, elle n’y est pas. Trop pauvre? Non. Trop jeune. «On m’a dit de présenter un dossier. Il y avait peu de chance que la galerie soit prise, mais le comité a pu voir notre travail.» La galerie L MD représente des artistes émergents de bonnes qualité, mais pour l’instant, elle passe la foire sous un pont. En l’occurrence, le Pont Alexandre III, où se tient la quatrième édition de Show Off. Cette alternative est un très lourd investissement, «mais quand on débute on n’a pas le choix».  En septembre, pour forcer la chance, elle a participé à la deuxième édition de Dock Art Fair, la jeune foire lyonnaise. «L’expérience a été  positive et je me suis donné trois ans. Si d’ici là ça ne marche pas, je continuerai sans les frais fixes de la galerie.»

Installé depuis 1984 à Paris, Bernard Jordan fait le calcul inverse. «Le développement des foires et leurs coûts nous obligent  à avoir des stratégies». Lui ne veut plus subir les rendez-vous de l’agenda international. Il a fréquenté la Fiac durant vingt ans, puis s’est lassé en 2003. «Monter des dossiers de foire est une gymnastique qui me déplaît. Je préfère le terrain.» A rebours du marché, il ouvre en 2008 une galerie à Zurich et une autre à Berlin. Quitte à vouloir une vitrine internationale, autant pouvoir la laver soi-même. Bernard Jordan s’établit sur les scènes artistiques qui l’intéressent et non sous les chapiteaux. C’est plus risqué, mais plus sincère. Avoir ses propres murs protège la conscience artistique et permet de «rester fidèle à ce que l’on croit». A part la Fiac-machine et ses petites sœurs parisiennes, impossible donc de faire une foire à la stricte échelle de l’art?

Créée à l’initiative des galeristes lyonnais Olivier et Patricia Houg, la Dock Art Fair joue l’entre-deux. Son co-fondateur, Georges Verney-Carron, rappelle que cette année, la foire a dégagé 800000 euros de chiffres d’affaires et que sur 32 galeries présentes, quatre ont tout vendu.

Le secret? «A Lyon, toutes les galeries bénéficient de la même surface et ne présentent qu’un seul artiste, un artiste émergent. A la FIAC, les types présentent dix artistes, ou plus. On n’y voit  rien! Faire un one-man-show, ça c’est professionnel, car le galeriste prend des risques.» Pour Georges Verney-Carron le marché n’a pas changé ou presque. «Il y avait une tranche d’amateurs qui achetaient par snobisme, mais ces gens superficielement intéressés par l’art ont disparus». Vendu.

Le Chef d’oeuvre inconnu est le troisième ouvrage de Balzac, paru la première fois en 1831 dans une revue sous le titre de Maître Freinhofer et intégré en 1846 à la Comédie Humaine.

Véritable réflexion sur l’art, Balzac met en scène ici deux personnages réels que sont les peintres Nicolas Poussin et Pourbus, ayant marqué le XVIème français. Encore jeune homme, Poussin rencontre et se lie d’amitié d’un vieux génie de la peinture appélé Freinhofer. Ce dernier travaille alors sur le chef-d’oeuvre couronnant la maîtrise et le brio de sa pratique. Mais après dix ans de travail et de frénésie, le tableau que le maître trouve parfait ne se révèle qu’être un sublime pied perdu au milieu d’un amas absurde de couleurs. Désenchanté suite aux critiques de Poussin et Pourbus, la mort du vieux peintre vient clore la nouvelle.

Le Chef d’oeuvre inconnu ne se contente pas de questionner l’art et l’oeil du peintre mais ouvre la question de la perception et du regard de l’artiste. L’oeuvre de Balzac sera aussi souvent citer dans la phénomélogie et l’esthétique.

Sans le savoir, Balzac signe avec Le Chef d’oeuvre inconnu une oeuvre dont l’influence se répercutera jusqu’au XXème siècle. Il vous sera capitale de signale que l’oeuvre sera même illustrée par Pablo Picasso à la demande d’Ambroise Vollard en 1921. Picasso réalisera une série complète de toiles abordant à la fois l’oeuvre de Balzac et le thème très classique et apprécié de Picasso qu’est l’artiste et son modèle.

Dans l’incertitude, les questions se donnent comme des indices. Elles formulent un désir de repères, et c’est déjà mieux que la détresse. En visitant la rétrospective Soulages, je ne cesse de m’interroger, non par défiance plutôt par défaut. Le noir est-il vide ou saturé – saturé de choses ou de pensées ? Où se placer ? De face, en retrait, dedans, dehors ? Qu’est-ce que je vois ? Qu’est-ce que j’en pense ? Des questions pour se remettre en mouvement, circuler, secouer la torpeur. Une façon de quitter les salles d’exposition en évitant d’écarquiller les yeux sur le ciel – bleu – d’affronter l’aberrante diversité des couleurs. Cela pour se rassurer, ensuite, après les questions qui ne valent rien, les zones noires réapparaissent, mobiles dans le souvenir et différentes, comme si elles avaient quitté les murs, les angles droits, l’espace assigné – une contamination. D’ailleurs c’est un peintre que je connais mal, Soulages. Mais je peux parler de cette persistance rétinienne du noir. Sur les toiles anciennes, il y a toujours beaucoup de repères – dessin, couleurs, narration. Dans l’ignorance du peintre et de ses intentions, on peut admirer, selon ses goûts, un trait, une ressemblance, une maîtrise. Naturellement ces représentations coïncident avec un imaginaire qu’elles alimentent, les images entrent en résonance les unes avec les autres de façon homogène. Cette familiarité est réconfortante. L’art moderne offre peu de référents, il désempare. Ainsi les vastes panneaux qui constituent l’œuvre de Soulages sont-ils tous plus ou moins noirs. Cela commence par quelques traits dynamiques qui évoquent, peut-être, des calligraphies chinoises, mais ces signes s’estompent assez tôt, le noir s’étend et le blanc, relégué aux interstices, finit par disparaître totalement. Il ne reste que le noir. La surexposition risque alors de le priver de toute valeur, de son identité. Sombre il émet une étrange lumière, opaque il se transforme en miroir : l’absolu abolit le sens. Désormais multiple, il se fragilise, se casse, se creuse, s’approfondit, ou plutôt non, il jaillit, s’allège, danse et glisse par couches huileuses presque voluptueusement. Très vite (comme l’œil s’habitue à l’obscurité et l’imagination pallie l’aveuglement), les nuances ressortent avec force. La texture, la densité, l’espace : voilà, on cherche encore du sens, on rentre dans la matière. On subit les tentations successives du narcissisme, de la métaphysique L’austérité se révèle profuse et ce qui, a priori, peut sembler facile, (quelle technique là-dedans ?), prend une ampleur et une densité étonnantes. Sur le moment, au milieu de ces larges panneaux noirs, j’ai l’impression d’étouffer. Il m’est impossible de rester neutre, d’autant que, en prenant du recul, ma situation  semble absurde : un musée, des visiteurs, des tableaux. Eléments, dimensions antagonistes. Mais semblable au soleil qui, au fond de l’œil, persiste en phosphènes, la noirceur de Soulages imprime des taches noires dans la mémoire qui, longtemps après, lui donnent enfin raison.

Soulages, Centre Pompidou du 14 octobre 2009 au 08 mars 2010.

Ca y est, l’exposition “Impressions Métropolitaines”, c’est parti. A compter du 16 Octobre et jusqu’au 2 novembre, dans le cadre des rencontres photographiques du Xème, venez voir grandeur nature le résultat de longues heures de labeur au Local 37, 37 rue de la Grange aux belles à Paris 10

Pour se mettre en bouche, voici un avant goût de l’exposition.

Pour voir l’expo complète et taille réelle (18 photos en 40 * 60) , venez me rendre visite au Local 37. Tous les détails pratiques sont disponibles dans le flyer.

Christo - Valley Curtain

L’objet traverse la tradition picturale occidentale dès l’antiquité. Mais c’est au XVIIème siècle que la représentation de l’objet inanimé devient autonome et constitue un genre à part entière, celui de la nature morte. Aujourd’hui dans notre société actuelle, l’objet se multiplie sous différentes formes, produit de consommation ou de contemplation. Le design joue aussi un rôle important et même certaines architectures prennent possession de l’espace comme un objet sculptural. D’ailleurs Le Corbusier affirmait : « la maison se posera sur l’herbe comme un objet sans rien déranger ».

Le vendredi de 14h30 à 16h30.

Par Marie CASTELAIN, architecte DLPG, historienne d’art.

9 octobre 2009 : “Histoire de la nature morte”

23 octobre 2009 : “Giorgio de Chirico, la métaphysique des choses ordinaires”

13 novembre 2009 : “Métamorphose de l’objet ; de Duchamp aux surréalistes”

27 novembre 2009 : “René Magritte ; la leçon des choses”

11 décembre 2009 : “Une société d’objet ; du pop art américain aux nouveaux réalistes jusqu’aux installations”

15 janvier 2010 : “Andy Warhol, Claes Oldenburg, du dessin publicitaire à la sculpture d’objets drôles et touchants”

29 janvier 2010 : “Le développement du design ; de la chaise bistrot de Thonet aux mobiliers contemporains”

26 février 2010 : “Philippe Stark, un designer de produits entre humour et poésie”

12 mars 2010 : “Les maisons des grands maîtres, les icônes du XX siècle”

26 mars 2010 : “Le Corbusier, de la machine à habiter à l’écrin pour la vie”

Name: Fleet Wing, aka A&W Jewelry
Address: 49 West King Street
Built: c. 1940
Architect: Unknown

This sleek little relic began life as a filling station for Fleet Wing gasoline in the early 1940s, when few other buildings of any kind were going up downtown.  While it would only serve this purpose for a few short years, the building kept a decidedly bird-themed identity for decades.  In 1944 it was converted to the Bluebird Grill, and in 1950 became the Pelican Bar and Grill.  For almost twenty-five years, a large neon pelican sat atop an electric marquee sign mounted to the building.  Today, however, only a vaguely avian tv antennae keeps company with the graceful red silhouetted bird of the surviving original logo.

The building is clad in a colorful palate of porcelain enamel, a then-state-of-the-art material favored for its ease of maintenance and streamlined appearance.  A decade later, this same material would be used in mass-produced all-steel Lustron houses, an evolutionary dead-end but now a cult classic of mid-century architecture.  For more on Lustron, click here.

At a MODCOM meeting last night, I learned that an Art Deco architectural gem in Van Nuys may be destroyed.

Engine Company No. 39 was built in 1939 and has all the dignity, solidity and beauty of governmental buildings from that era. It sits just across the street from the Valley Municipal Building and is a handsome civic structure.

An article in the Contra Costa Times quotes Councilman Tony Cardenas:

“Councilman Tony Cardenas said he appreciated the beauty of the building, which was built in the Art Moderne style, but added the time had come to replace it.

“Today, probably as much as ever, people can appreciate how important it is for us to have the best — the best equipped, best-manned fire department in the country,” Cardenas said.

“This is an opportunity for us to invest in the community of Van Nuys and to replace the 70-year old station,” he added. “Not that everything that is at least 70 years old needs to be replaced, but I think it’s important that we do our responsible duty when it comes to facilities.”

This quote, by Councilman Cardenas, shows a very short sighted and appalling ignorance of both history and community. While nobody would argue for the need to have the best fire protection available, why does this necessitate destroying a historically significant building?

During Mr. Cardenas’ tenure, the old Whitsett Home, built by the man who founded Van Nuys in 1911, was bulldozed and now there is an empty lot on the site. Now Mr. Cardenas wants to literally remove one of the finest examples of 1930’s streamline design in Van Nuys.

The secession of a neighborhood of Van Nuys which now calls itself “Sherman Oaks” was a recent embarrassment to Mr. Cardenas. But how and why would people want to live in Van Nuys, which remains, at least on its main thoroughfares, filthy and unspeakably ugly and wears its badge of shame without shame? Is Mr. Cardenas on a mission to bring down Van Nuys or build it up? One has to wonder….

Van Nuys was once the jewel of the San Fernando Valley. It’s civic pride was embodied in buildings like the Fire Station No. 39. Along with the old library, the old post office and the municipal building, these were walkable and civilized arrangements for conducting one’s daily business.

Are there not acres of empty parking lots, underutilized industrial lots, and vast acres of crappy broken down ugliness lining such streets as Sepulveda, Van Owen and Kester? You mean, Mr. Cardenas, that the only possible location for a new fire station is on the site of one that dates back to the administration of FDR?

Van Nuys is crying out for someone with a vision, and a sensitivity to beauty, and instead we are under the administration of a boor who would allow the destruction of one of the finest examples of streamline moderne architecture in Los Angeles.