My buddy Troy filmed this in my Williamsburg studio. It shows how I work with large canvases and work with the paint and canvas to tell a story. I like reworking paintings. I go back and change a million times. You see a bit of that here.

Tell us about your background and let us get to know the artist behind the work. What made you start creating art and how long have you been active in the arts?

1. My interest in art began as a child. I was born with a love for animals and a passion for painting. Having come from a broken home and having a lot of free time at a young age, I developed my very own art skills through experimenting with crayons and finger paints. This eventually took me down the road of art and before I knew it, I was stopping at the art store on my way home from school and found myself buying new colored pencil packs and sketchbooks with my lunch money. My complete adoration and love for animals developed from my relationship that I had with our family dog. I was fascinated with his running speed and found enjoyment in his facial expressions and funny antics. I believe these experiences molded me in the direction of animals and a true love for painting them. My art grew more and more with each passing day. In High School my favorite pastime was doodling and eventually I doodled my way into an art class.

I started a home business when I was 16 which was all about capturing people’s favorite photos with fabric paint onto sweatshirts and sold them at a fair price to many students and their family members. I was making a decent living at a young age with nothing more than a few bottles of paint, an airbrush and a pack of generic sweatshirts. My dream ended when I had included an older woman who was in her thirties that saw the money making idea and wanted it for herself. I was very naive and did not see her as anything more than a nice person who loved my art. She made her way into my home and offered me a deal. The deal was that I painted the scenes and animals onto the sweatshirts and she would add sparkling decorations onto the artwork and we would split the profits and sell them together. Well, one day I left her alone in my work room and she had left with all my supplies. Later, I heard from the grapevine that this woman was selling my designs. I never knew what became of her after that, but she stole the very essence of my existence and left me discouraged, frustrated and without enough money to buy more supplies. That was the end of my teenage art business. I continued my art education into college and rebelled against the rules! I later left the campus to find my own path down the fascinating and wonderful world of art.

What do people love most about your work?

2. I Believe my clients look forward to a never ending NEW IDEA! The one thing I hear most is: “I can’t wait to see what you come up with next”. My emotions and thoughts pre determine what is going to develop on the canvas. I work from the subconscious mind and many times I will wake up with an idea every morning. There are so many ideas in my head that I need to carry a sketchbook with me day and night to jot down the thoughts coming from my head. I have been known to be in the middle of a conversation and have to excuse myself to sketch an idea in my book before I lose it. This is the beginning of my creative process and from this point I cannot wait to get to my studio to start painting. I work mainly with acrylics and ink. I like to use them together to achieve the effect I want. For my abstracts I prefer thick acrylic paint and using the palette knife to mix and push the paint around the canvas. I don’t like using brushes and have come to love the sponge and the use of my finger for blending but for my animal portraits, brushes are needed for detailing and creating fur. On occasion, I will dip my whole hand in paint and start creating to see what I come up with. If the subject matter is very specific then it must be planned out. For example, my animal portraits are carefully calculated before I begin.

3. The best thing about being an artist is having a non conformist lifestyle. Every day wields new ideas and interesting outcomes. I believe that if we embrace what we love, it shows the world who we are. I enjoy every minute of being a full time artist.

Where do you sell your art?

4. I sell my art from many different on line galleries and websites. You can find my work on: Etsy, Boundless Gallery, Absolute Arts, Yessy, D’ART, 1000 Markets, Artflock, Imagekind, Allposters, Art dot Com, Artist Rising, Cafepress, Printfection and Coming Soon – My Personal Artist Website.

Is there anything else you would like to share?

5. I am always looking for new licensing opportunities with reputable companies. My Original Paintings, Figurative Art, Animal Portraits and Graphic Designs can be used for puzzles, book covers, greeting cards, baby apparel, 3D figurines, fashion accessories & more. My art is currently licensed with Icon Shoes and will be available November 2009.

Some of my accomplishments:

*Published: NY ARTS Magazine 2008* Hollywod Reporter * Forbes & more

*Public Collection: Community Medical Center in Toms River, NJ*

*Winner, “Horse Dance”, Cultural Arts Center, Brick, NJ 2008

*Winner, Stover Mill, Acrylics Category, “Bordeaux Dog” Juried by Bill Novak, 2007

*Featured Artist: Imagekind Gallery on Easter Sunday March 23 2008

*Art E-Motions Contest Winner- Boundless Gallery – May 2009

*Artist of The Month – Boundless Gallery – Artist Interview – July 2009

*EBSQ Award Winner “Patron’s Choice” – For “Uncanny Valley” May – 2009

*EBSQ Art of the Day – For “Orange Scope” Digital Art – June, 19,2009

*Pug Dog Painting Licensed with ICON SHOES for their 2009/2010 collections*

*Artwork “Shapeshifter” Chosen by Well Known Writer for NEW BOOK (Kim Carlsberg)

Stay Tuned for my new etsy shop. I will be selling Art dolls and sculptures. Check my etsy store soon for a link to the new shop!

I believe that Art is the best investment you will ever make. Where else can you purchase a piece of someone’s soul? Where on earth will you ever own a special painting found nowhere else. This is the best foot I can put forward into theworld that leads my clients into a window where they can peer into my soul and maybe find something they can relate to. Maybe find a part of me that is also a part of them. After all, we are all connected in some way.

ART CONNECTS US ALL WITH EACH OTHER!

The following series of images was created by Jorge Lizalde for his project Mnemonic, based upon a post I had submitted a few months ago titled Care Bears in the Clouds.  The project aims to recreate participant’s earliest childhood memory by collating shared videos and images from the web, to recreate the  memory landscape.

Care Bears in the Clouds

One of my earliest childhood memories is of being whisked up into the arms of an older brother and taken outside into the backyard of the family home.  Here we would sit atop the timber picnic style  outdoor table and chat about anything. It didn’t matter what the topic was. Maybe my brother would point to some birds flying overhead, or we would laugh at the antics of the pet dog. Often we would look for Care Bears in the clouds.  Though the topic wasn’t important, the ritual was.  It served as a distraction you see… and I think even as a four or five year old I knew it, but it was easier just to pretend.  For somewhere inside the house, usually in the kitchen or front living room, my mother would be on the floor hysterical and unwilling or unable to pick herself up. My father and maybe another brother or two would take an arm or shoulder each, in an attempt to lift her up and escort her to her bedroom.

Somehow, someone must have been delegated the responsibility of removing me from the scene. Considering I was seven to ten years  younger than all my four brothers, I imagine they were well accustomed to the drama but had wanted to shield me from it.

My memories of these instances present in quick, sharp snapshots, like the clicking frames of a camera and usually at angles that just allow for a glimpse around the corner of the dining room wall or behind a kitchen bench, as I looked back over the shoulder of whoever was carrying me towards the back door. It was confusing and scary, but easier not to ask questions and seek out those Care Bears in the clouds instead.

In an earlier post titled, “Does Art Really Matter“, I wrote, “while some people consider art to be about things, it is only nominally about objects. It is about ideas and emotions…” New York artist, Joshua Allen Harris exemplifies this idea in spades. Harris takes trash bags, tape and a prodigious imagination; mixes them with steam from sidewalk subway grates and transforms those materials into kinetic sculptures.

Ancient alchemists were always searching for a way to turn lead into gold. Artists, such as Harris, are able to turn humble materials into visual gold.

Remember when you were a kid and you saw a marionette performance? How, if the puppeteers were experienced at their craft, the puppets were transformed from wood into life – a very magical thing. Now imagine if the marionettes were several stories tall; giants moving through the streets of your city. Slightly scary maybe and amazingly cool.

A French street theatre troupe, Royal de Luxe, created a story celebrating the 20th anniversary of the fall of the Berlin wall that features two gigantic marionettes controlled with cranes and steel cables instead of strings. The result is a surprisingly moving piece of performance art that includes the wow factor of “how did the hell did they do that.”

There is a great still photo pictorial of the event at Boston.com that describes the event as the giant marionettes make their way through the streets of Berlin.

To see a video of the event watch below. The narration is in German but the images speak for themselves.

Une bonne occasion de faire le point sur la tendance dans l’art vidéo c’est de se rendre au Musée Fabre pour la soirée Flare#8.

Mardi 13 octobre, Languedoc Roussillon Cinéma et l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts invitent Marie-Laure Cazin* et Jean-Marc Chapoulie**. Trois oeuvres de Marie-Laure Cazin seront projetées : La Notte (France / 6 min / 1997), réplique de la scène dans le cabaret du film “La Notte” d’Antonioni ; Le second désir du pornographe (Pays-Bas / 25 min / 1998), où un réalisateur qui veut faire un film pornographique se fait aider de son assistante… ; Tarantelle, histoire de la tache 3 (France / 35 min / 2008), en référence à la musique traditionnelle des Pouilles que l’on jouait pour sortir de leur torpeur les femmes piquées par la tarantule.

Mardi 13 octobre 2009 à 19h00
Auditorium du Musée Fabre
Entrée libre

*Marie-Laure Cazin réalise des œuvres qui sont au croisement de différents champs artistiques : photographie, spectacle vivant, cinéma, art numérique. Ses oeuvres ont été exposées dans de nombreux musées et galeries.

**Jean-Marc Chapoulie est cinéaste / vidéaste, commissaire d’expositions et critique d’art. Ses œuvres ont été montrées notamment au Palais de Tokyo et à la Biennale de Lyon, pour laquelle il a également été chargé de programmation cinéma.

Sélectionné par François

wow!

scott

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The Glory That Excels. Acts 9:17. Christian Abstract Art, originally uploaded by MarkLawrenceGallery.com.

“The Lord . . . hath sent me that thou mightest receive thy sight.” Acts 9:17

The Glory That Excels. VerseVisions® Art; Acts 9:17. Mixed media on canvas, 60 x 60 inches. Copyright ©2009 by Mark Lawrence. All Rights Reserved.

Visit at MarkLawrenceGallery.com for spectacular large format, hand-signed and numbered Limited Edition fine art Giclées of Mark’s modern Christian abstract work.

Is Jesus Christ the answer to your questions? He promises if you diligently Seek Him that He will be found.

M’arrêtant à Angoulême le temps d’un rendez-vous de travail, j’en profite pour passer au Frac Poitou-Charentes dont les nouveaux locaux, au bord du fleuve, autorisent enfin de vraies expositions. Pièces à vivre, l’exposition inaugurale en juin 2008, reprenait des œuvres importantes de la collection et leur assemblage était plutôt réussi.

[“Nous sommes heureux“, une œuvre de Claude Lévêque, exposition  Pièces à vivre, collection Frac Poitou-Charentes]

Le changement de direction, intervenu en même temps que le transfert du Frac dans ses nouveaux locaux, a permis également la reprise d’une politique d’acquisition interrompue depuis quelques années faute de subventions et d’affinités entre l’ancienne direction et ses tutelles politiques.

008. Collections nouvelles connexions, l’exposition actuellement présentée, est le résultat de ce regain et propose l’ensemble des nouvelles acquisitions opérées en 2008.
Comme il arrive souvent lorsqu’on pénètre dans une exposition d’art contemporain, il y a un sentiment de déjà-vu, même si à part un ou deux noms connus (Heidi Wood, Sylvie Blocher), on n’a jamais entendu parler, ni vu quoi que ce soit des artistes présentés. On a le choix, alors, soit de faire le Louvre en trois minutes de course folle comme dans Bande à part de Godard, soit de faire face aux œuvres et d’interroger leur résistance. C’est toute la difficulté de l’art contemporain : on est rarement en situation de sidération immédiate. Beaucoup d’œuvres ne se livrent pas d’emblée, et il faut faire un effort pour aller vers elles. Un effort vain, parfois, lorsque l’œuvre ne dit rien, soit parce qu’elle n’a rien à dire —et toutes les belles ou savantes ou confuses ou absconses explications des critiques et des commissaires n’y feront rien—, soit parce qu’on ne parle pas le même langage.

Je ne ferai pas la revue de détail de cette exposition en essayant de séparer de manière totalement subjective, dans cette livraison 08, le bon grain de l’ivraie. Je noterai cependant un fait irréfutable : il y a abondance de vidéos, ce qui n’est pas un défaut en soi, mais ce qui pose tout de même un problème lorsqu’on veut regarder consciencieusement chacune, et que le temps est malgré tout compté. Mais c’est aussi au sein de cette abondance que j’ai trouvé mes bonheurs.
Certes, je regrette justement d’avoir du zapper, faute de temps, les vidéos de deux artistes libanais, Akram Zaatari et Rabih Mroué, mais je me suis longuement intéressé à l’installation Réseau de neurones et aux vidéos qui l’accompagnent (Casting, 2008 et Avatar, 2008) de l’artiste Hervé Bezet qui s’intitule lui-même « artiste multiple et singulier ».

[Réseau de Neurones, installation d'Hervé Bezet, collection Frac Poitou-Charentes]

Il s’opère dans le côte à côte des deux écrans vidéo un jeu singulier sur l’identité, entre des gens, acteurs amateurs ou professionnels, que l’on interviewe pour un casting et dont on saisit souvent la part de doute et d’humilité ; et les mêmes (du moins certains d’entre eux) que l’on retrouve dans la seconde vidéo, confrontés alors au rythme et aux rites de la fiction, du jeu et de la mise en scène. Le montage vidéo est par ailleurs plutôt élaboré, loin d’un simple filmage documentaire. Mais là aussi, difficile d’aller jusqu’au bout, surtout lorsque l’une des vidéos dure une demi-heure !

Certes, beaucoup de vidéos d’artiste ne sont pas forcément faites pour être vues dans leur intégralité car elles fonctionnent sur un principe de répétition, ou s’appuient sur un concept dont on saisit rapidement la teneur ; mais il arrive parfois aussi, lorsqu’on est face à un grand artiste, que toute impatience soit balayée : la plus belle expérience de ce genre, je l’ai vécue en 2004 à Bilbao où le Guggenheim avait dédié une grande partie du musée à une formidable rétrospective Bill Viola, formidable non seulement par le nombre des œuvres présentées, mais aussi par la qualité et le format des projections (revoyant quelque temps après au Mnam à Paris l’une des œuvres de Viola projetée “à l’étroit“, j’ai pu mesurer combien, comme pour les films au cinéma, les conditions de projection peuvent modifier profondément l’appréhension d’une œuvre). Ce jour-là à Bilbao l’après-midi n’avait pas fin. Nous passions et repassions de salle en salle, essayant de trouver à chaque fois, dans le décalage des écrans multiples de nouveaux étonnements et de nouveaux plaisirs. Même mon fils cadet, alors âgé de douze ans, était littéralement scotché. Ce spectacle fut sans doute l’une des plus belles émotions que j’ai jamais vécue dans un musée.

Mais à Angoulême, il peut y avoir aussi de l’émotion. Ainsi, m’aventurant au fond à gauche du labyrinthe de l’exposition, je pénétrai dans un booth obscur et fus saisi immédiatement par le visage d’une femme qui parle, qui me parle, mais que je n’entends pas. Je regarde le cartel : Sylvie Blocher, The Meditation room, 2001, une œuvre faisant partie de la série Living pictures dont le premier opus remonte à 1993.
La résistance n’a plus cours, l’évidence de la beauté de l’œuvre s’impose de suite, même si on ne comprend pas au premier abord de quoi il s’agit. Les visages se succèdent, prisonniers d’une image circulaire, portraits d’hommes et de femmes qui hésitent, qui regardent, nous regardent et dont les lèvres bougent sans que leur parole ni leur langue soient distinctes, si ce n’est un faible murmure qui sourd à peine de l’écran.
Visages sans apprêt, sans maquillage, filmés dans une lumière dure ; le haut du buste est dénudé, sans vêtements qui puissent trahir les goûts ou l’appartenance sociale ; beaux visages, singuliers et intenses. Malgré le protocole de filmage qui les renvoie à notre nudité commune et à notre “humanité“ originelle, on sent bien qu’il ne s’agit pas là du portrait de gens ordinaires, on sent intuitivement de l’intelligence, là, sur l’écran.

[The Meditation room, vidéo de Sylvie Blocher, collection Frac Poitou-Charentes]

Sur les gradins de la petite salle traînent quelques feuilles blistérisées. On en prend une, et l’on comprend. Ces hommes et ces femmes sont des savants du CERN à Genève, des vrais savants, des gens d’une extrême intelligence, et parmi eux un Prix Nobel ! Sylvie Blocher, selon son habitude, leur pose des questions métaphysiques ou tordues, des questions d’artiste —à vrai dire, on ne sait pas quelle question— , et ce qu’on lit sur la feuille, ce sont leurs réponses, celles du film muet. Alors, on reprend au début, on essaye de retrouver en fonction des attitudes de chacun, décrites sur le mode d’emploi, qui est qui, qui dit quoi, et l’on se repasse le film (17 minutes) en recollant le texte sur les lèvres, non pas simplement pour noter l’agacement de l’un, la tension intérieure d’un autre, la sérénité d’un troisième, mais parce que ce qui est raconté par ces grands esprits, même s’il trahit parfois un peu de vanité ou de suffisance, trahit surtout l’extrême fragilité de nos certitudes : la limite de la science, Dieu, l’amour ; et les mots et les phrases qui sont prononcés n’appartiennent plus à la rhétorique maîtrisée des savants, mais à une langue intime et poétique qui est celle de la confession. D’un côté l’aveu que l’intelligence humaine est près d’approcher et de comprendre l’énigme absolue, quoi avant le Big Bang ? De l’autre, la fragilité poétique des mots employés. Miracle du protocole utilisé par Sylvie Blocher pour filmer et interviewer ces honorables intelligences qui, légèrement déstabilisées —on imagine qu’il y a eu sans doute de la résistance de la part de certains—, n’en deviennent que plus grandes, ou tout simplement humaines.

En repassant par l’accueil, on me laisse le livret de l’expo. On y parle d’œuvre majeure. C’est entendu, c’est une œuvre majeure.

PS : en allant sur le site de S.B, je m’aperçois sur l’extrait vidéo de The Meditation room que le son est bien là. Panne de son au Frac ou choix délibéré, peu importe, la vidéo dans sa mutité n’en était que plus mystérieuse.

L’exposition au Frac Poitou-Charentes à Angoulême est visible jusqu’au 29 août 2009.

Toutes les photographies ont été prises par l’auteur in situ au Frac Poitou-Charentes.

Video doodle that plays with the idea of how awareness defines experience. What makes one thing visible and another invisible? I used the image of the woman from a digital collage I did this week  and this video segment will be part of a longer video art piece that I will submit to film festivals in the future.  Video art by Karen Landey

“So Jesus said to them, “Because of your unbelief; for assuredly, I say to you, if you have faith as a mustard seed, you will say to this mountain, ‘Move from here to there,’ and it will move; and nothing will be impossible for you.” Matthew 17:20 (NLT)

When God sends a message to us through scripture it is never by accident. In Isaiah 55:11, God says that wherever He sends His word it never returns empty, but always achieves the special purpose for which it was sent.

Prayerfully consider the verse that inspired this painting and know that the Mighty God of all the heavens has reached out to touch you this moment.

If You Have Faith. Matthew 17:20. , VerseVisions VII Collection. Mixed media on canvas. Copyright © 2009 by Mark Lawrence. All Rights Reserved.

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Is Jesus the answer? He promises if you diligently Seek Him that He will be found.
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Blue Rondo A La Turk – Dave Brubeck