Lo que voy a realizar es muy arriesgado: Intentar resumir el tipo de arte (diferente a los movimientos artísiticos) que se dan en Second Life.

What I will do is very risky: Trying to summarize the type of art (different from the artistic movements) that occur in Second Life.

ARTE IMPORTADO

Es el arte que se ha traido o es intento de copiar el arte de RL.

* Pintura (fotos de cuadros de RL)

* Escultura (Copia o obra nueva con estética puramente RL. Sobre todo arte  figurativo)

* Video/mix media . Las Opciones de conexión a You Tube o de mostrar videos, facilitan que se puedan ver en SL.

* Fotografía RL.

* Arte digital (aqui la línea divisoria es más difícil, pero considero el arte digital puro como de RL, y el que utiliza las imágenes de SL como propio de Second Life, ya que sin SL no tendría existencia).

ARTE MIXTO

*Las formas de arte que realizadas en SL, contienen fotografías, vídeos, etc de RL.

SECOND LIFE ART

Puramente de SL, este arte tiene diferentes manifestaciones.

* Escultura. Donde Se basa en recusos propios del programa, y evoluciona a partir de ellos.

* Pintura/arte digital/fotografía/ Arte 2D. Utiliza básicamente los escenarios y las “personas” (avatares) del programa.

* Video/Películas/mix media. Básicamente lo mismo dicho en el Punto anterior.  Aquí encontraríamos el Machiminia.

* Performance y Happenings.

* Instalaciones/Arte 3D. Con una línea dificil de discenir en ocasiones entre instalación propiamente dicha y escultura (por los propios recursos del programa), las instalaciones en SL Pueden ser:

- Instalaciones simples.

- Instalaciones con performance/happenings

- Instalaciones Inmersivas

- Instalaciones Reactivas.

Las características del programa (de los visores de Second Life), permiten desarrollar este tipo de arte que paso a definir:

* Arte Reactivo. Ante la presencia del avatar, desencadenan cambios en la estructura de la obra en sí. Hay varias maneras de que tenga lugar esta interacción: Sensor de presencia, acciones, temporalidad.

* Arte inmersivo: La obra de arte se completa en su totalidad cuando el avatar penetra en la obra.

*Arte inmersivo -reactivo. Precisa de la interacción física del avatar para producir cambios, que acontecen alrededor de éste.

En ocasiones nos encontrarmos con que estas divisiones son de alguna manera transgredidas, por ejemplo cunado vemos obras 2d que al aproximarse el avatar cambian su estructura, ofreciendo estructuras 3d. Realmente la riqueza del arte en second life es difícil encorsetarla en unas líneas (y mejor no preguntar a los artistas mismos  hahaha ), pero esta guía nos servirá para su estudio y posterior recopilación de tantas obras como hay.

IMPORTED ART /uploaded

It is the art which has brought or is attempting to copy the art of RL.

* Painting (pictures of pictures of RL)

* Sculpture (Copy or newly built purely aesthetic RL. Above all figurative art)

* Video / mix media.  Options of connect to You Tube or show videos, provided that can be seen in SL.

* Photograph RL.

* Digital art (here the line is more difficult, but I think digital art as pure RL, and images using SL as Second Life itself, without which there would not SL).

ART MIXED

* The forms of art made in SL, containing photographs, videos, etc. RL.

SECOND LIFE ART

Purely in SL, this art has different manifestations.

* Sculpture. Where recourses are based on the program itself, and evolves from them.

* Painting / digital art / photography / Art 2D. Basically uses stages and “persons” (avatars) from the program.

* Video / Movies / mix media. Basically the same thing said in the previous point. Here you find the Machiminia.

* Performance and Happenings.

* Facilities or installations/ Arte 3D. With a difficult line between discenir sometimes actual installation and sculpture (by the own resources of the program), the facilities in SL can be:

- Simple Installation.

- Installations with performance / happenings

- Immersive Installations.

-  Reactive Installations.

Program features (of the Second Life viewer) allow developing this type of art which I shall define:

* Art Reactive. In the presence of the avatar, trigger changes in the structure of the work itself. There are several ways that this interaction takes place: presence sensor, actions, timing.

* Immersive Art: The artwork is completed in full when the avatar enters the work.

* Immersive Art-reactive. It requires physical interaction of the avatar to make changes, which occur around him/her.

Sometimes we find that these divisions are somehow transgressed, for example when 2d we see that the approach works on avatar change their structure, providing 3D structures. Really, the wealth of art in second life is hard limitation in a few lines (and better not ask the artists opinions hahaha), but this guide will help us study and subsequent collection as there are so many works.

Realmente bueno. Uno de las instalaciones dentro del arte inmerviso y del reactivo, que sorprenden. Por un lado por la temática: no es un grupo de prims moviéndose por que sí, reflejan una situación inmensamente impactante de la vida real, de una manera artísitca excepcional. Además, el tratamiento entre aséptico y magnificante, da una visión de aquel desastre con múltiples interpretaciones. La obra es de  Oberon Onmura, y pongo un Lm, aunque probablemente llegueis a los pies de la galeria. Buscar en el interior el tp.

Really good. One of the art facilities within the inmervisive  and reacting Art , amazing. On one side of the issue: it ism’t a group of prims that move themselves, reflect the situation immensely powerful real-life, on one way Artisitc exceptional. Furthermore, treatment between aseptic and magnificant, provides an overview of the disaster with multiple interpretations. it’s Onmura Oberon’s work, and I put a Lm, although probably arrive at the foot of the gallery. Search inside the tp.

http://slurl.com/secondlife/Cetus/126/122/3001

Colaboración con el proyecto Sociograma Interactivo de Daniel Rojas.

El proyecto pretende ser un acercamiento exploratorio a las relaciones que se establecen entre personas, en particular cuando comparten un mismo espacio físico. Se pretende representar visualmente el cómo mi experiencia de estar en un lugar está condicionada por las otras personas con las que se comparte el espacio, y, a la vez, el cómo mi presencia influye en las otras personas que están en él.

Installation project to display the relationships that are established between individuals who share a common physical space. The participants are the nodes of a network, around which graphics are generated, representing the role and the links established between them. Via body movements, captured with an overhead camera, the users make choices or preferences between themselves. This data is processed and an image is projected upon the participants themselves as the events unfold. This is an interactive sociogram which is created and dynamically modified in real time.

La idea es transformar a las personas en nodos de una red, nodos que marcan mi presencia en el lugar y cuyas características me permiten relacionarme con los otros. Se trata de una red efímera que se constituye en un lugar y en un momento determinado.

Software: Gamuza + OF.
Centro Cultural: Arteleku

El día de hoy observé mi wallpaper y me acordé de uno fantástico que adquirí hace dos años, de una empresa llamada Design Chapel, creada por un director de arte interactivo, llamado Robert Lindström, un sueco que ahora vive en Estocolmo.

Primeros Orígenes

Así que en la mañana decidí entrar a su sitio para ver que había sido de él y su trabajo había tomado una transformación brutal y fantástica, ya había incurrido en fotografía con escenarios digitales. Sin embargo ahora su sitio web, lo dividió en tres partes, la primera un index con un musical background muy adhoc a la página, cover arts que se pueden cambiar y por su puesto los links a las diferentes secciones, la segunda parte, un blog, donde platica los diferentes proyectos y experiencias, así como su biografía y datos curiosos y finalmente la última sección es su portafolio que lo deja a uno sin palabras.

El giro a fotografía digital

Es muy recomendable navegar por sus sitios a continuación dejo los links a las diferente secciones.

-Design Chapel Index

-Design Chapel Portfolio

-Design Chapel Blog

Visión escultórica de un hipercubo y conceptualización de la cuarta dimensión. Un cubo de dimensiones superiores al del observador es la herramienta de visualización y es sobre éste que mapeamos las proyecciones del hipercubo. El enigma reside en la estructura hipercúbica; donde no es posible visualizar la completa realidad de un espacio de cuatro dimensiones, en uno de tres. Para su visualización utilizamos una de las rotaciónes del hipercubo.  Además, la acción del observador interactúa con la escultura, quedando atrapado en las caras se su proyeccion, donde el tiempo transcurre de manera diferente.

Vídeo

Sculptural vision of a hypercube and conceptualisation of the fourth dimension. The viewing tool is a cube of greater dimensions than the observer and it is upon this that we map out the projections of the hypercube. The enigma lies in the hypercubic structure; where it is not possible to view the entire reality of a four-dimensional space, in one of three. In order to view it, we use one of the rotations of the hypercube. Furthermore, the action of the observer interacts with the sculpture, remaining trapped inside the hypercube, where time passes differently.

Special thanks to Interactivos -Arteleku- and all, collaborators and friends who help a lot.
Collaboratos: Javi Muguruza, Vivivana Alvarez, Ainara, Francesca Mereu, and special thanks to Jacqueline Ordoñez who motivate me with the concept idea of hypercube dimension.

Instalación interactiva de carácter peruano. Abracabra pata te permite descubrir tu brazo como el de un animal, la caja mágica tiene de frente pintada una divinidad de chavin pre-Inca, y esta por su sexo, tiene una abertura que comunica con el vientre de la creación donde nuestro brazo es transformado. El visor nos muestra este acto de transformación entremezclado entre la maleza de la selva.

Interactive installation Peruan style. Abracadabra pata let you feel the animal over your arm, the magic box have a Chavin Iconographic paint, through the sex is being the transformation of the arm, and through the visor is possible see the interactive leg between plants.

Software: Openframeworks y Animata.
Hardware:  Estructura mecano, cristal fino, 2 monitores tft, camara IR unibrain, PC, Tela negra, serigrafiado blanco, leds.

En colaboración con Escuelab//Medialab Prado y todos los colaboradores de Interactivos Lima09: Gastón Gontero [ animata y fotografía ], Jules Bay [ post- fotografia], Julio Nuñez [textos/poemas ] Axel [ sistema de leds ] Gilles Mercier [ Música de la pieza ] María Paula Sanabria, Diego Castañeda, Fernando Uribe y Fran Cebreros [ diseño y montaje de la caja ] y la mediadora Monica de escuelab [ iconografia y serigrafia ]

Publicaciones,
Nature [http://www.nature.com/nature/journal/v459/n7248/full/459780a.html]

Daniel Rozin es un artista que trabaja en el ámbito del arte interactivo. Crea instalaciones y esculturas que tienen la auténtica habilidad de cambiar y responder a la presencia y al punto de vista del espectador. En muchos casos, éste se convierte en el contenido de la pieza de arte; y en otros, es invitado para participar en el acto de creación de la obra. 

¿Nos encontraremos ante el arte del futuro? Un arte donde el espectador juega un papel esencial, pues él es el protagonista. Un arte que –como la web 2.0- trabaja con el usuario como punto de partida. Él es el centro. Él es la revolución.

Es bien sabido que el mundo del arte explota en sus obras las tendencias de la sociedad, creando situaciones curiosas y convirtiendo aplicaciones determinadas en objetivos para su arte. Es el caso, por ejemplo, de Google Earth y Henk Hofstra, un artista holandés que ha realizado proyectos al aire libre de “arte urbano”. En mayo de 2008, por ejemplo, realizó “Art-Eggcident”. En este caso, creó unos huevos fritos de 100 pies de diámetro en un gran cuadrado en la ciudad de Leeuwarden, Holanda. Algunos de estos huevos poseen -incluso- sus yemas para que los niños jueguen con ellas.

¿Pero como pueden llegar estas imágenes a GE, si las imágenes de dichas ciudades en la aplicación son anteriores a la creación de la obra? Pues bien, Google Earth dispone de un servicio, mediante el cual pueden superponerse imágenes aéreas de la localización deseada, en su lugar exacto. Así, simplemente se necesita tomar una fotografía aérea de la obra y realizar una superposición de la imagen para inmortalizar la creación. El artista se convierte fácilmente en productor de información en Internet. Se convierte en “prosumer”, más allá de su propia página Web. 

Todos sabemos lo aburrida o confusa que puede resultar una clase de idiomas. Más aún si lo que estás estudiando es el genitivo alemán. Sin embargo, son esos los momentos que más me gustan de ir a clases de alemán. Empiezas a hablar con el de al lado de una cosa banal y, sin saber muy bien como, la conversación acaba llegando hasta la profesora, que sin pensárselo dos veces te da su opinión y empieza a sacar referencias y nombres que muchas veces ni te suenan, pero que parecen muy interesantes.

Una cosa así me pasó hace unos meses. Aprendiendo las formas y los colores (mi nivel de alemán aún deja mucho que desear…) nuestra querida Cecilia nombró una obra de arte interactivo que aún hoy recuerdo y por eso la describo aquí.

La obra se llama “Instant City, ein elektronischer musik bau spiel automat”  (juego autómata electrónico de construcción musical) de Sybille Hauert y Daniel Reichmuth. Es una mesa en la que uno o más jugadores pueden construir música jugando. Se trata de ir creando formas arquitectónicas distintas usando cubos semitransparentes. Cada forma representa un sonido y la composición de varias acaba formando una melodía única, porque los tiempos y la secuencia dependen de los jugadores que participan en cada partida. Al final, se elige la composición ganadora.

En la web de los artistas dice que su reto al crear esta instalación interactiva era el de tentar a los espectadores a actuar con objetos tangibles y no sólo mediante el monitor o el teclado. Su intención es que la acción influenciase la atmósfera del lugar donde se ubicara la obra, atrayendo a otras personas a jugar y a escuchar.

Me parece muy interesante que la interactividad traspase las pantallas de los ordenadores y que se nos permita interactuar con la propia obra, andando sobre ella o jugando con ella mediante sensores de movimiento u otro tipo de detectores electrónicos.

Como veis siempre es productiva una clase de alemán, aunque sea un sábado a las 10 de la mañana.

Desde la fundació Miró a Mallorca , y con el artista Philippe Chatellien en colaboración con Alvaro Cassineli, junto a Enrique Tomas, Guillermo Casado y Carles Gutiérrez, realizamos “Line Noise Surface”. Un Scanner Laser que a modo de linia giratoria , escanea la informacion de color de la obra de Philippe y la traslada al mundo sonoro. La instalación procura crear una tensión al espectador para que visualize la instalación y se adentre en el conjunto de la percepción visual sonora. Y si su atrevimiento se lo permite, será el espectador parte de la obra cuando entre a pisar el cuadro y modifique parte del comportamiento del scanner.

Vídeo

La inauguración de la obra fue el sábado 11 de Octubre. Agradecimientos a todos los de la función Miro.

Tecnologias aplicadas: OpenFrameWorks <-osc-> PureData. Arduino, Laser, Filtros, Lentes, Servos, etc..

2008/ Octubre 11 – November 30 a la Fundació Miró a Mallorca

]]> http://bookiart.wordpress.com/2008/07/07/colaboracion-expanded-eye/ Mon, 07 Jul 2008 23:25:56 +0000 carlesgutierrez http://bookiart.wordpress.com/2008/07/07/colaboracion-expanded-eye/

Expanded Eye

Por Anaísa Franco (Brasil). Colaboradores: Jacqueline Steck, Carles Gutiérrez, Álvaro Cassinelli, Oswald Asprilla.

Instalación interactiva compuesta por una escultura en forma de ojo gigante que cuelga del techo; el ojo mira al usuario, pero es el propio ojo del usuario el que se refleja en la escultura esférica. El sistema utiliza un sistema de detección del parpadeo de los ojos del usuario para generar una animación interactiva. Cada parpadeo multiplica el número de ojos en la proyección de una manera fragmentada, hexagonal y dislocada. El objetivo de la pieza es reflejar una expansión de la visión humana acercándola a la de los complejísimos ojos compuestos de los insectos.

Colaboré en el desarrollo del aplicativo “base” en OpenFrameWorks. Jacqueline lo usó para este proyecto y así poder localizar la cara, y más tarde los ojos. Ya en los últimos días colaboré esporádicamente en la algunos aspectos, como en la detección del parpadeo del ojo o copiar la subimagen del ojo y enviársela al sistema de partículas implementado por Álvaro.

Tecnologías aplicadas: OpenFrameWorks + Opencv (HaarTracking)

Esta obra está expuesta hasta el 13 de septiembre 2008.

Interactivos08. MediaLab Prado de Madrid.

El proyecto comenzó a partir de una serie de ambientes gráficos concebidos por Philippe Chatelain. Pensó que estos dibujos o geometrías expandidas de píxeles podían ser vistos como un sistema de codificación de información, al que además se le podía integrar la noción de “tiempo” para “leer” o “reproducir” estas construcciones 2D. Un escáner láser rotatorio, a modo de indicador, sirve de guía a los espectadores para que comprendan cómo funciona el proceso de lectura. Mediante un software de visión por computador se detecta la posición del láser y se identifica las posiciones de cada píxel y valores de color rojo, verde y azul. Estos valores estáticos se interpretan para generar sonido. Cuando el láser pasa sobre una persona, el comportamiento de este se modifica generando patrones de sonido improvisados. De esta forma los visitantes se ven envueltos en nuevas posibilidades visio-sónicas.

Colaboradores: Guillermo Casado, Carles Gutiérrez, Enrique Tomás, Max Kazemzadeh, Álvaro Cassinelli, Laura Olalde.

Ha sido una colaboración intensa de principio a fin. Aquí desarrollé varios prototipos, pequeños softwares q leen de la imagen y envían cierta información a otro programa (PureData) para que en tiempo real se interprete la imagen acústicamente.

Próximamente esperemos ver esta obra uno de los museos de la fundación Joan Miró en Mallorca.

Esta obra está expuesta hasta el 13 de septiembre 2008.
Interactivos08. MediaLab Prado de Madrid.

Instalación preparada para capturar la silueta del cuerpo e introducirla en una cocina virtual, se puede sujetar las croquetas con la posición del cuerpo y ayudar a las croquetas animadas, a freirse en el wok. Remake interactivo del mítico juego Lemmings.

Primer premio del concurso CroqART (1ª Biennal de la Croqueta), LLotja Sant Andreu. Barcelona.

Software: OF with Opencv (FindCountors) <- TCP -> Flash AS3.

Fotos, Vídeo.

25 Abril 2008.

In this installation your siluette “countour of body” is used as virutal siluettte inside a virutal kitchen. You can use your body as a bridge to ride the “animated croquettes” to be fry in a wok.
Interactive remake game of “Lemmings”.

1rst place in 1ª Biennal de la Croqueta art contest . LLotja Sant Andreu, Barcelona.

Software: OF with Opencv (FindCountors) <- TCP ->  Flash AS3.

Photos, movie.

Parece ser que hablar sobre arte mediado por tecnologías, como ocurre paralelamente en la educación, la medicina, la música, arquitectura, el teletrabajo y muchas otras actividades y profesiones  en donde se utilizan cuantiosos recursos tecnológicos que facilitan el trabajo, también favorecen al  artista para mejorar y  facilitar su producción. 

De hecho que en las facultades de universidades donde se forma a los profesionales que siguen una alternativa artística interactúan  entre lo tecnológico con  elementos que hasta hace unos cuantos años estaban relegados exclusivamente a los técnicos y la ingeniería, dejando   el lápiz, las mesas de dibujo, los pinceles y otros  elementos como  exclusivos para los artistas. Es decir que actualmente encontramos una formación acompañada de ordenadores, teclados, tablas digitalizadoras y un sin numero de aplicaciones informáticas que contrastan con los talleres de los llamados artistas de hace algunos pocos años.  

Este tipo de arte es una nueva práctica que no excluye otras disciplinas tradicionales sino que deja abierta la puerta a la experimentación la innovación  y desarrollo de alternativas favorecidas por elementos que hasta hace poco eran casi exclusivas de las profesiones técnicas. 

 Se está experimentando entonces un encuentro entre arte y ciencia motivado por las  nuevas tecnologías en donde los artistas han tenido una nueva herramienta de trabajo, el ordenador.

Es muy importante hacer historia acerca de las diferentes fases de desarrollo de las artes digitales en donde se puede apreciar como en esa primera fase 1956-1986, incluye a los pioneros del arte digital, que en su gran mayoría no eran  del todo artistas sino que hicieron valiosos aportes en exploraciones visuales, importantes para el desarrollo emergente de este medio.

 La escritura de programas computacionales fue el trabajo central de este  periodo. Ben Laposky y  John Whitney se pueden considerar como los precursores en esta fase. Laposky en  1950, comienza a usar un osciloscopio analógico  para crear patrones de luz eléctricamente; para   luego registrar los patrones empleando una pelí­cula de alta velocidad, realizando fotografías que el llamaba “oscilones” o “abstracciones eléctricas”.

Por su parte Withney es considerado como el padre de la animación, por sus trabajos en un computador análogo.  

La segunda fase 1986-1996, la era del  Paint box, se caracterizó por la posibilidad de utilizar software, – lentamente al principio -, atrayendo a los artistas que podían crear trabajos sin la necesidad de programación.  

El principal programa de esta época se relaciona con el Paint   software, utilizado  a través de ordenadores y otros dispositivos como scanners  y cámaras de fotografía y filmación.

 La tercera fase 1996-2007 o la era multimedia, se caracteriza por la disponibilidad cada vez mayor de la interactividad ofrecida por tecnologías, así como el acceso a Internet. De esta manera se percibe una democratización del medio y nuevas formas de arte interactivo y en línea.

Ver articulo completo arte_interactivo

Tactoscopio es un proyecto que busca generar alternativas al proceso creativo de las artes visuales insertándose en espacios inclusivos no solo a los aspectos visuales, sino por el contrario ampliando el aspecto perceptual del que dispone nuestro cuerpo hacia los eventos artísticos y sensibles.

Tactoscopio nace de una investigación con personas con limitaciones visuales, sin embargo no es un proyecto para la discapacidad, sino que se nutre de diferentes formas de vida y de adaptación de los seres humanos para así crear nuevas maneras de percibir el arte y apreciar la vida en toda su amplitud.

Este proyecto propone hacer visible lo invisible, escuchar el silencio y comunicar en todas las formas posibles que el ser humano posee pero que por la velocidad de la vida contemporánea no se permite explorar.

Tactoscopio actúa como un agente mediador y gestor en el que actividades estéticas, artísticas y pedagógicas encuentran un espacio de desarrollo atendiendo a las necesidades de participación de diversos públicos y teniendo en cuenta el contexto social y económico en el que es posible fomentar el arte y su prestación de servicios. Mediante alternativas pedagógicas que hacen uso de medios táctiles, sonoros, olfativos y visuales, desarrolla una reflexión y una propuesta de diferentes maneras de apreciar al arte, al entorno, a nosotros mismos y al “otro”. Los métodos no son exclusivamente visuales, sino sensoriales y corporales posibilitando la participación desde cualquier condición; de esta manera el arte y la experiencia estética no se limita a un plano de contemplación visual sino que se establece como una experiencia de vida.

A.M. / P.M concibe el espacio expositivo como un espacio de hábitat y de transformación en el cual se producen diferentes sensaciones que apoyan la experiencia estética de cada individuo, exige de los visitantes que tenga una participación alta pues el recorrido del espacio es de vital importancia.

El montaje de exposición compone una muestra interactiva de estímulo constante en la que el espacio se convierte en un gimnasio para los sentidos. Quien habite el espacio podrá explorar libremente las posibilidades infinitas que su cuerpo le brinde; aprehender del entorno formas cambiantes y flujos constantes. Cada persona caracteriza el espacio permitiendo ser guiado luego de vendarse los ojos aquellos que tienen el sentido de la visión, o caminando a ciegas, con lo que se interna al mundo del no vidente y se experimenta una recopilación de sonidos cotidianos que representan el ciclo de un día.

Para aquellos que carecen del sentido de la vista el recorrido del espacio les permite apreciar propuestas formales que parten del tacto y la háptica. En A.M. / P.M. se oculta y arrebata de la vista del espectador lo que hay para ver escondiéndole y dejando pistas, restos de lo escondido.

Los recorridos se efectúan en compañía de un guía. La fusión de las experiencias de las personas en condiciones distintas mediante la diferente estimulación de sus sentidos y la integración de estas dos partes es la esencia de la instalación.

Esta exposición es un proyecto artístico y social inspirado en los no videntes y en quienes sufren algún tipo de discapacidad sensorial o física. El objetivo no solo es crear una serie rica en texturas, sonidos y olores, sino sensibilizar a la comunidad sobre otros sectores que también son parte de la sociedad y sobre todas las posibilidades que el cuerpo alberga.

El montaje comprende la adecuación de diferentes ambientes sensibles, jugando con los niveles de claridad y oscuridad, de lleno y de vacío, frío o cálido, etc. La propuesta de este espacio es un lugar que muta, que transmuta, por lo que no se convierte en una exposición estática y con una sola forma pues por medio de las visitas y las actividades, durante el día o la noche y durante el tiempo de duración de la exposición, este hábitat habrá adquirido su propio movimiento de existencia. Las condiciones de luz propias de cada día harán igualmente que los objetos presentes sean más o menos visibles, incluso los recorridos de los asistentes se producirán de maneras distintas, dificultándose o facilitándose.

Es cuando lo aparente desaparece que nuestra imaginación recrea el vacío de las imágenes visuales caminando a tientas en un camino conocido y ahora invisible.

A través del montaje, Tactoscopio acerca al público a un conjunto de obras y procesos que hablan de lo que visualmente desaparece en la condición de ceguera o baja visión; ilustra, aclara y permite el acceso a la expresión artística mediante la presencia activa del público participante, siendo el montaje de exposición un espacio compuesto de ambientes creativos y flexibles que posibilitan la autonomía de desplazamiento e intervención de los asistentes. El montaje de exposición incluye obras y objetos, visitas guiadas, charlas y conferencias.

Frente a la distancia que presenta la contemplación Tactoscopio se opone mediante el tacto activo, para el cual es necesario el desplazamiento y el acercamiento; de lo contrario el objeto, dibujo, imagen o cuerpo no será conocido.

En la apreciación de las obras y los objetos, el ojo se frustra: la mirada se inquieta, y en el espectador se produce un profundo efecto de ceguera, de no saber a ciencia cierta qué está viendo, o más bien, qué no está viendo; de no saber a ciencia cierta lo que allí se muestra, o más bien, lo que no se muestra.

Artistas del Valle y del Cauca participan con obras que por sus cualidades permitan al público hacer uso de su cuerpo y sus sentidos para establecer una ruta.

Todo cuanto se posa en el espacio ha de ser tocado, todo cuanto exista allí debe ser activado por la presencia de los asistentes. Las obras nos hablarán de las imposibilidades que generan nuevas alternativas y posibilidades, de lo que desaparece ante los ojos, de los sonidos cotidianos que usualmente no escuchamos, de los olores propios de nuestra región.

De igual manera, es necesario que a través de Tactoscopio haya un acople con los artistas y creadores de cada contexto permitiendo que el proyecto mismo se vaya modificando y enriqueciendo y que los espacios visitados se nutran a través de esta dinámica.

“PROYECCION” (de la serie ilimitantes)

Rened Darío Varona.

(Popayán, Cauca).

Video-instalación. Dimensiones variables

En ésta video-instalación en la que el espacio está dispuesto a manera de féretro, la imagen viaja cuadro a cuadro. Una silla de ruedas en quietud recoge el movimiento de piernas que caminan, niños que gatean, ruedas que giran.

La imposibilidad de caminar que ha inspirado a este artista payanés, le permite viajar mediante la imagen en movimiento. El video se convierte en la posibilidad de desplazamiento, de movilidad; ese espacio recorrido se recoge en la experiencia de quien le observa, es un viaje interno a aquello que nos limita y a aquello que no permitimos que nos limite.

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