Arte moderno es un término que se opone al denominado arte académico, el cual representaría la tradición; mientras que el arte moderno representaría la experimentación.

-Expresionismo abstracto (1940): Movimiento pictórico contemporáneo que surge en EEUU dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

-Informalismo (Mediado de los 40): Movimiento artístico que surgió en Europa a mediados de la década del 40, como respuesta al cubismo y al abstraccionismo geométrico. En el lenguaje informalista priman los materiales como elementos fundamentales de la obra.

-Tachismo (década de 1940 y 1950): Estilo de pintura en el que priman los brochazos o las manchas de color.

-Art brut o arte marginal (1945): Arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica. Sirvió a aquellos artistas al margen de la sociedad para expresar sus inquietudes y sentimientos.

-Pintura matérica (finales de los 40 y principios de los 50): Tendencia del informalismo que se desarrolla en Europa hacia finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Su característica principal es ser una pintura abstracta que se realiza con materias diversas a las tradicionales, incluyendo en el cuadro arena, madera…

-Abstracción postpictórica (década de los 60): Movimiento artístico de la década de los años 60. Reaccionó contra el expresionismo abstracto produciendo composiciones grandes, frías, impersonales y de colores ordenados.

-Arte Óptico (1958): Movimiento pictórico nacido en Estados Unidos. Es una corriente abstracta basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

-Arte cinético (1954): Arte contemporáneo creado para producir una impresión de movimiento.

 -Nuevo realismo (1960): Movimiento artístico que tomaba para sus obras imágenes del mundo.

 -Pop art (1954): Movimiento artístico que desafió  la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación también puede estar entre las bellas artes. 

-Minimalismo (1960): El minimalismo es una corriente estética derivada de la reacción al pop art.  Los creadores minimalistas reducen al máximo los elementos propios del arte.

-Hiperrealismo (finales de los 60): tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Foto realismo pero este es menos radica radical.

-Happening (1950): Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, caracterizada por la participación de los espectadores.

-Performance (años 60): práctica artística que consiste en “representar” o llevar a cabo (generalmente ante un público y en directo) una obra de arte, es decir, considerar simplemente el evento que constituye esta representación como una creación en sí misma.

-Instalación (1970): Arte contemporáneo que incorpora cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.

-Arte conceptual (finales de los 70):  Corriente artística caracterizada por el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista.

-Arte povera o arte pobre (1967):  corriente estética aparecida en Turín como reacción frente al arte tradicional. El arte povera se vale de objetos del desecho o sin valor real ni artístico, triviales y ajenos a denominaciones como bello, hermoso o exquisito.

-Body Art (finales de los 60): El artista investiga su propio cuerpo como materia de arte y medio expresivo. La obra de estos artistas trata temas como la violencia, la autoagresión, la sexualidad, el exhibicionismo o la resistencia corporal a fenómenos físicos.

-Land Art (Década de los 60): El principio fundamental es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador.

-Arte ambiental (1960): Arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiete natural

Como habréis visto, ha pasado más de un mes desde la última vez que actualicé el blog. Siento mucho la tardanza, de verdad. Espero publicar pronto todos los post que tengo pensados para vosotros.

El primero de ellos quiero dedicárselo al protagonista de mi post anterior, que por desgracia ya no está entre nosotros. Siento mucho su ausencia en la Universidad, y me da mucha pena que los alumnos de este curso no puedan disfrutar de sus clases como hice yo en su momento.

A modo de pequeño homenaje el post de hoy va sobre los Escultectos Margivagantes. Sí, ya sé que el nombre es muy extraño, pero en realidad es muy fácil de entender:

Escultecto: escultor + arquitecto

Margivagante: marginal + extravagante

Se trata de artistas que trabajan al margen del mercado artístico (por eso a su obra se le denomina arte marginal) y que suelen realizar sus obras en su casa o en torno a ella.

Uno de los más conocidos en nuestro país es Justo Gallego, un hombre que ha construido una catedral reaprovechando materiales de desecho. Así, para lo que algunos ha sido basura, ahora es parte de la catedral de Mejorada del Campo en Madrid.

Es posible que os suene su historia por el anuncio que hizo Aquarius sobre su obra:

Como él hay muchos artistas que se mantienen al margen del mundo del arte y que sin duda han demostrado un gran talento:

Fuera de España y como precedente directo de los escultectos margivagantes encontramos al Cartero Cheval y su Palacio Ideal.

Como muestra de una gran escultectura tenemos a Claude Bell con su Brontosaurio, el cual se puede recorrer por dentro.

Pero volviendo a nuestro país no podemos perdernos a Máximo Rojo con su Jardín de Alcolea del Pinar y a “Salaguti” en su Casa en Sasamón.

Desenhar, rabiscar, intervir em propriedade que não seja a sua, sem a autorização do proprietário é caracterizado como vandalismo e está sujeito a punição, conforme indica o Código Penal.

A pichação, ‘inimiga’ número 1 das cidades grandes, é uma prática antiga e bem ou não, faz parte do cotidiano destes locais.

Em São Paulo, a pichação ganha aspectos únicos, no que diz respeito a tipografia. Em nenhum lugar do planeta é produzido algo parecido.

Tanto que essa manifestação paulistana, lá fora, ganhou o nome de ‘pixo’ e serve de referência para muitos estudos, artísticos e antropológicos.

Muitos se incomodam com a ’sujeira’ que os pixadores fazem. Até porque, como foi dito no início deste post, a pixação caracteriza-se como vandalismo.

Mas será que aquilo que fazem, por mais fora da lei que seja, pode ser considerado como porcaria?

Esqueçam o conceito criminalístico e todos os seus agravantes por um momento. Qual a conclusão?

O documentário ‘Pixo‘, de João Weiner e Roberto Oliveira retratam todas as diversas opiniões que surgiram com a pergunta feita parágrafo acima.

Lembram da intervenção realizada na Belas-Artes, no ano passado? Assista trechos do documentário e veja como tudo aconteceu, acessando o link a seguir:

A arte marginal não se vende. A arte que se vende está no mesmo circuito da elite. Para se chegar a essa etapa de venda, do êxito do Dadá, de todas as vanguardas, você tem que ter a primeira etapa, da marginalização que você passa. Mas é uma etapa qu está compreendida dentro do sistema. (…) amanhã você pode vender sua obra.

Leon Ferrari, pg 26.  DT1479  

1980

Existe um processo de cultura que é a cultura popular, que não é a pop art, é mais a cultura da fome, e a gente não chega perto,  porque realmente não tem a linguagem própria, a linguagem vivencial para se exprimir (…). Existe um tipo de cultura que é cultura oficial. Esta cultura oficial é a cultura de fachada de uma superestrutura política e social e que entra componentes estéticos, valorações de mercado de arte e existe todo um jogo de praticamente vender a alma ao diabo, porque a verdade você está se expondo, você está se vendendo (…).  Agora, existe um terceiro tipo de cultura, ou anti-cultura, ou o que você quiser chamar, porque é um problema da comunicação meio marginal, não marginal no sentido social, mas marginal no sistema de linguagens e de canais de comunicação de arte. Por exemplo, (…) quando eu estou falando que performance é um tipo de arte marginal dos canais de arte, é. É porque ninguém vende performance, (…) teu preço cai no mercado, é totalmente marginalizante.

Aguilar, pg 25.  DT1479  

1980

Adoro quando aparece alguém que faz nosso cotidiano ficar mais divertido. O Poster Boy resolveu fazer isso lá em Nova Iorque.
Entediado, esperando o metrô chegar, descobriu que os cartazes das paredes das estações eram feitos de um material adesivo e podiam ser re-colados. aí começou a brincar deixando os posters publicitários e tudo muito mais divertido que antes.

A fama dele começou a aumentar e os policiais americanos estão loucos pra pega-lo. Fala sério heim seu guarda! Deixa o menino fazer a arte dele! Urbana, pop, e que faz as pessoas pensarem, afinal são poucas as novas artes que nos fazem ter esse sentimento.

Poster Boy falou: “Tomar conta do ambiente significa por as teorias em teste. Ficar animado com algo e por em prática. Mas sendo inteligente. Não vá jogar coquetel molotov a torto e a direito(…) Nós vivemos numa sociedade ‘avançada’. Isso significa que devemos tomar ações civilizadas”.

Os trabalhos dele não duram muito já que as empresas tratam de colocar outro cartaz rapidinho. Mas você pode ver mais no flickr dele e dar uma olhada nesse vídeo aí que mostra ele em ação.

Outsiders, artistas que convierten en materia una idea, una inquietud o una visión lejos de cualquier norma o limitación académica. No desprecian la tradición ni la formación teórica, simplemente la desconocen. El verdadero outsider ha crecido lejos de cualquier formación artística y su única intención es sacar todo lo que llevan dentro para convertirlo en materia.
Cada uno de estos artistas es un punto de partida en la historia del arte porque cada uno crea a partir de sus propias normas, de sus propias leyes y teorías. No hay límites, ni críticas porque no hay elementos comparativos, ni precedentes, ni bases de las que partir para su análisis. El arte outsider es un sueño plástico.

Artículo recomendado: http://www.elpais.com/articulo/portada/oscura/vida/pintor/marginal/elpepusoceps/20080302elpepspor_10/Tes

Artista recomendado: 

-Justo Gallego 

Desconocido, anónimo, genio que vivió dentro de una botella cuyo envase recién se rompió tras su muerte. En lo único que se pareció a los grandes artistas (además de la grandeza de su obra, claro) es en lo tormentoso de un pasado cruel, aunque en este sentido son pocos los que pueden competir con Henry Darger.

Peter Pan de pantalón largo, personaje sin rostro, concibió una genialidad a la altura de Leonardo, ideó un mundo imaginario como Tolkien y combinó colores con la prestancia de Monet.

Ceniciento en vida, la musa más detestada: la locura, le doto de la contrariedad de Van Gogh y la elocuencia de Baudelaire y Bécquer.

Del otro lado de la delgada frontera de la mente alterada, traspasada por los artistas en su proceso de creación, concibió un manuscrito con una historia fantástica de 15.143 páginas, y varios cientos de ilustraciones y acuarelas girando alrededor de su universo, “El reino de lo ireal”.

Su obra habla de niños, posiblemente como catarsis de una atroz infancia sufrida en un orfanato. ¿Producción artística para reciclarse? Ya en su avanzada adultez, galopando el síndrome de Diógenes a sus anchas, acumulaba basura en su piso de Chicago y oía misa cinco veces al día.

Al morir, los dueños de la propiedad entraron al piso, y junto a los residuos banales y terrenales, encontraron la prolífera creación. Al dar con semejante hallazgo, cayeron en la cuenta de tan extraordinaria genialidad anónima, y de alguna manera introdujeron a Henry Darger en la sociedad que hasta entonces le había sido esquiva.

Agustín Fernández Mallo 02/03/2008
ElPaís.com

Henry Darger fue un hombre atormentado y obsesivo. Gastó su vida en escribir un libro de más de quince mil páginas ilustrado con extrañas acuarelas. A su muerte, el mundo descubrió la extraña belleza de aquella gran obra de arte.

Cuando en el mes de abril de 1973, Nathan Lerner, casero de un modesto piso del North Side de Chicago, abrió la puerta de la vivienda en la que había vivido durante 40 años su singular y recién fallecido inquilino, Henry J. Darger, se encontró con un escenario del que tardó en dar crédito: un cuarto atiborrado de recortes de periódicos, cómics, revistas, libros destripados, aparente basura y unas gigantescas acuarelas que repetían obsesivamente las imágenes de niñas desnudas con grandes alas de mariposa siendo perseguidas por soldados empuñando bayonetas de época. En una segunda inspección, halló sepultado uno de los libros más extensos conocidos, 15.154 páginas, titulado The story of the Vivians girls, in what is known as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinian War Storm, caused by the Child Slave Rebellion, que ha sido traducido como La historia de las niñas Vivian, en lo que se conoce como los Reinos de lo Irreal, sobre la Guerra-Tormenta Glandeco-Angeliniana causada por la rebelión de los Niños Esclavos. Supuestamente, las grandes acuarelas, pintadas por el propio Darger, ilustraban el libro escrito en sus más de cuarenta años de reclusión. El casero, Nathan Lerner, significado fotógrafo, detectó enseguida la extraordinaria calidad de aquellos dos trabajos, y se asignó el trabajo de albacea, a pesar de que, como le había ocurrido a Max Brod con Kafka, Darger le había dejado expreso deseo de que destruyera todo lo que encontrara en el apartamento. Ningún vecino sospechó jamás la obsesión que minaba la vida de aquel solitario de patrones fijos, que buscaba en la basura, sólo hablaba de los partes meteorológicos y únicamente salía de su casa para ir a misa cinco veces al día. Hoy, su obra, una de las más importantes de lo que se ha dado en llamar el outsider art o arte marginal, es una de las joyas del American Folk Art Museum de Nueva York.

Vivía como un vagabundo, buscaba en la basura, y sólo salía de casa para ir a misa

Un personaje ocurrente en su obra es el de una niña que apareció estrangulada

Desconocía la anatomía femenina porque jamás vio a una mujer desnuda

Como cerrando el círculo de lo exacto que le obsesionó toda su vida, Henry J. Darger nació un abril (1892), se cree que en Brasil, y falleció otro abril (1973). Se sabe que su madre murió pocos años después de darle a luz, en el parto de su única hermana, a la que nunca conoció, pues fue dada en adopción. El padre, mentalmente enfermo, se hace cargo del crío, hasta que no puede continuar cuidándolo, y es entonces cuando el pequeño Henry es internado en un orfanato católico y más tarde en una institución psiquiátrica. Se le diagnostica la enfermedad de “tener el corazón en el lugar equivocado”, así como “masturbación”. A los 16 años se fuga y sus biógrafos le pierden la pista hasta que reaparece en Chicago, a principios de la década de los años treinta. En ese momento ya ha desempeñado diversos trabajos menores y su aspecto es el de un vagabundo. Sólo se le conoció un amigo, desaparecido a mediados de esa década, William Shloder, con quien intentó fundar la Sociedad Protectora para Niños, proyecto que jamás se materializó.

Los expertos en arte marginal se quedaron perplejos al ver que aquel libro de 15.154 páginas contaba una historia épico-onírica desquiciada, con rasgos de claro tormento. En un planeta alrededor del cual orbita la Tierra, hay un reino cristiano llamado Abbiennia, y siete princesas luchan contra ejércitos de soldados adultos llamados Glandelinians, que las quieren esclavizar. Estos soldados van ataviados con trajes muy parecidos a los del Ejército Confederado de la Guerra Civil norteamericana, tema que fascinaba a Darger. Las grandes acuarelas representan a pequeñas ninfas correteando por prados en lo que sería una versión naïf del reino, pero también escenas de empalamientos de las niñas con las vísceras al descubierto, en otras ocasiones, las niñas aparecen con grandes alas de mariposa a la espalda, y casi siempre en paisajes amenazantes, con tornados y vientos cubriendo el horizonte. Los niños se rebelan, pero es habitual que perezcan a manos de los soldados. En lo que parece ser un rasgo de inseguridad congénita enmascarado en la vida ascética de Darger, la historia tiene dos finales, en uno triunfan las Vivian, que representan a la cristiandad, y en el otro, los soldados Glandelinians. Podemos imaginar en ese doble final al adulto Darger sacando a flote todas sus obsesiones y represiones, producto de la severísima educación cristiana del orfanato, contrapuesta a la crueldad del mundo exterior que le acompañó desde que su madre falleciera.

Se ha especulado mucho sobre la obsesión de Darger con el universo de la infancia. Una posibilidad nos remite al año 1911, cuando una niña de cinco años, Elsie Paroubek, fue estrangulada en Chicago. Se sabe que Darger guardó el recorte de la fotografía del periódico muchos años, y que se la enseñaba a la gente por la calle, después la perdió y eso supuso para él una angustia que sólo superó escribiendo y dibujando su monumental obra, incluso incorporando a la pequeña estrangulada como personaje recurrente. Su biógrafo oficial, John McGregor, especula en la obra Henry J. Darger: in the Realms of Unreal que, potencialmente, Darger era un asesino en serie, incluso se ha llegado a afirmar que el propio Darger fue el asesino de la pequeña, algo que se considera muy improbable.

Pero lo que llamó más la atención de las actividades “secretas” de Darger fueron las grandes ilustraciones que creaba a partir de recortes de cómics y revistas que encontraba en la calle, y en especial un detalle: las niñas están dotadas de un pequeño pene, y las que están desnudas sólo visten calcetines. Se ha dicho que Darger siempre rechazó tener relaciones sexuales por miedo a que la desconocida fuera aquella hermana que dieron en adopción al nacer, y de ahí su desconocimiento en anatomía femenina. Otras versiones apuntan a que el diminuto pene de las niñas está inspirado en el Niño Jesús que veía en sus diarias visitas a la iglesia.

Una peculiaridad que también habla elocuentemente de la mente de Darger es la obsesión que hay en su libro por el detalle. Es tal, que describe todos los uniformes de los soldados, desde los botones hasta los hilvanes, da nombres a todos ellos, así como a todos los paisajes, desde la forma de las hojas hasta la orografía de un bosque, o especifica los mapas de las batallas con un detalle que estremece, recordándonos a aquel magistral cuento de Borges en el que unos cartógrafos hacen el mapa de un reino tan grande como el propio reino. El reino de ficción de Darger era en sí mismo un mapa que ocupaba toda su vida, desde la mañana hasta la noche. Experto en música militar, compone también las marchas y los himnos de los ejércitos de los dos bandos. Los vecinos comentaron que en ocasiones oían ruidos y golpes marciales, lo que hace contemplar la posibilidad de que interpretara sus propias marchas militares en su apartamento.

Algo que nos da pistas de su extraña vida es que cuando Nathan Lerner revolvió a conciencia en todo aquel destartalado apartamento, encontró también un libro que Darger tituló The book of weather reports, en el que Darger anotó durante 10 años el parte meteorológico de Chicago, con comentarios –lo que hoy llamaríamos un blog– casi siempre enojosos hacia el “hombre del tiempo”. Todo parece indicar que esa obsesión le venía de cuando, siendo niño, asistió a la destrucción de un pueblo entero, Countrybrown, por un tornado. También se encontró un libro, escrito en 1968, The history of my life, en el que dedica más de 4.000 páginas a contar la historia de un tornado, Sweetie Pie, que asuela todo un pueblo.

Se puede pensar que las implicaciones de aquel excéntrico y secreto hombre en futuras generaciones fuera mínima o nula. Nada más lejos de la realidad. A lo largo de 2007, la exposición itinerante –Nueva York, Berlín, Roma– titulada Into me/out of me llevó la obra de Darger compartiendo cartel con artistas de la talla de Hamilton, Acconci, Walter de María o Vick Muñiz. En abril de este año se inaugura en el American Folk Art Museum de Nueva York otra importante exposición titulada Darger-ismo: artistas contemporáneos y Henry Darger.

Más ocultas, pero por ello quizá también más interesantes, son las irradiaciones del anciano de Chicago en la música. La estudiosa de su figura, Ana Pareja Serrano, ha rastreado esas influencias.

Los neoyorquinos Animal Collective, por ejemplo, se inspiraron en las acuarelas de Darger para la portada del su disco Feels. Por su parte, Natalie Merchant, en el disco Motherland, compone una melancólica y larga súplica pop llamada Henry Darger, en la que se pregunta por el destino de las Vivians girls. El grupo de punk-rock The Vivians Girls actúa disfrazado de las niñas imaginadas por Darger, y las animan en sus canciones a continuar luchando contra el mal. Hasta existe una película documental, The Realms of the Unreal (2004), de Jessica Yu, en la que se destripa la vida. Como el eco de un silencioso Big Bang, el solitario Darger lanzó una piedra hace muchos años, se descompuso en el aire, los fragmentos fueron cayendo en sucesivas partituras a través del siglo XX. Podemos imaginar qué pensaría él si lo supiera.

La revolución del mundo interior

Qué ocurriría si esos dibujos que su hijo o usted hacen obsesivamente en una libreta cuadriculada se expusieran en un museo al lado de las grandes obras del arte? Hasta hace 30 años causarían risa, pero hoy probablemente serían considerados bastante más en serio de lo que usted cree.

Se le atribuye al crítico Roger Cardinal la definición del término arte marginal, para designar toda la ingente producción de obras que el establishment cultural artístico no consideraba obras de arte. En realidad, el nombre fue una traslación del término art brut, cuño que pusiera el artista francés Jean Dubuffet tiempo atrás para hablar originalmente de las obras concebidas por los enfermos psiquiátricos. Roger Cardinal amplía el término a cualquier representación de artistas autodidactas, posean alguna patología psíquica o no.

El artista outsider, casi siempre sin ser consciente de ello, deconstruye el sistema de valores por el cual una comunidad juzga lo que es y no es arte, asumiendo que todo lo que posea un estilo propio y único es una manifestación artística. Históricamente, el arte siempre fue cualquier actividad desempeñada con singularidad, ya fuera la pesca, la doma de toros, la costura o la pintura. Es en la modernidad, a partir del siglo XVIII, cuando comienzan separarse el Arte y la artesanía, se crean tratados de una nueva rama del conocimiento llamada Estética, Kant y Hegel teorizan largo y tendido sobre el tema, y llegados al romanticismo ya se tiene preparado todo el terreno para designar como arte a algo que se entiende que es Alta Cultura, Bellas Artes, una laica religión, o lo que es lo mismo: el arte es algo hecho por blancos occidentales, mentalmente sanos, y fundamentalmente varones; cualquier manifestación salida de ese canon o no existía o era considerada propia de enfermos mentales. Con la llegada de la posmodernidad, en torno a mediados de los años setenta, y en parte gracias a las ideas del pensador francés Michel Foucault, y más tarde de Lyotard, se pone de manifiesto el valor de la multiculturalidad, la legitimación de lo que hasta entonces se había considerado “baja cultura”, y el reconocimiento de la diferencia como un valor a tener en cuenta, producto de una sociedad de consumo que asume que no hay una Verdad sino verdades, que no hay Cultura, sino culturas; hay un carácter desacralizador que convierte en arte todo aquello que la sociedad de consumo consensúa que es arte, sin más. El arte ya no es sólo una cosa hecha por el varón mentalmente sano, occidental y blanco. Es en ese momento cuando los coleccionistas y galerías de prestigio comienzan a hacer caso al arte marginal, al extrarradio. Un ejemplo paradigmático fue el caso del afroamericano Basquiat, quien pasó de vagabundear y pintar en la calle graffitis y camisetas a codearse con Warhol y ser considerado un genio de la pintura de los años ochenta.

Un espaldarazo importante para la legitimación del arte marginal ha sido la existencia del American Folk Art Museum, así como la muestra exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, a comienzos de los años noventa, bajo el significativo título High and low: modern art and popular culture, que aglutinaba a muchos de los autodidactas hoy famosos. De gran relevancia fueron las exposiciones Parallel visions: modern artists and outsider art, (1992), en el Angeles Country Museum of Art, y Mundos interiores al descubierto, en la Fundación La Caixa, Madrid, exposición que toma el título de un poema de Rilke para dar cabida a los otros mundos que están entre nosotros, pero silenciados: personas marginales, delincuentes, enfermos mentales o simplemente más excéntricos de lo que la sociedad considera como aceptable. El gran interés de las dos exposiciones consiste en confrontar las obras de éstos con las de artistas históricamente consagrados.

Muy raros y rompedores

Ferdinand Cheval (1836-1924). Caso paradigmático de artista marginal. Empleó 33 años en construir lo que él denominaba el palacio Ideal. El francés Cheval trabajaba de cartero. Un día de 1879, mientras hacía su ronda, tropezó con una piedra que, según aseguró, por su forma y características fue la inspiradora del palacio. Por la noche volvió a ese lugar a por más piedras. Durante los 33 años siguientes se dedicó a recoger piedras de forma “agradable”, aprovechando su ruta de cartero. Se las metía en los bolsillos, y al final utilizaba una carretilla. En una placa inscribió: “10.000 jornadas, 93.000 horas, 33 años de esfuerzos”. Lugar inhabitable, fruto de lecturas sin esquema y sueños angustiosos, posee capillas, laberintos, rosetones, cascadas, columnas, salas inútiles, frutas y árboles de piedra, todo remite al cielo y al infierno. Quiso ser enterrado en su palacio, pero las autoridades se lo prohibieron, entonces dedicó los días que le quedaban a construirse un mausoleo en el cementerio de Hauterives, en la provincia de Drôme, donde está enterrado. El palacio fue declarado en 1969 patrimonio cultural.

Daniel Johnston (1961). Músico y pintor de culto, nacido en Sacramento, California, hijo de cristianos fundamentalistas. Diagnosticado de una grave enfermedad mental, su primer internamiento se dio la misma noche en que la MTV le dedicara un programa. Ha grabado 26 álbumes, cientos de canciones en casete, y posee miles de dibujos en libretas en los que representa a sus héroes: Capitán América y The Beatles, pero como antropomórficas criaturas tocando un piano para niños. Se dio a conocer en la época en que regalaba sus grabaciones en casete en las calles de Austin. Músicos de reputado prestigio han mostrado su admiración por quien consideran un “genio de la pureza”. La fama le sobrevino cuando, en 1992, el fallecido cantante de Nirvana, Kurt Cobain, salió en la televisión con una camiseta de Daniel Johnston. Inmediatamente, miles de jóvenes de todo el mundo empezaron a preguntarse quién era ese hombre. De él se cuenta que tras una grabación empujó a una anciana desde un segundo piso, ya que “estaba poseída por el diablo”. En estos últimos años sus biógrafos lo ubican en Houston, en el garaje de la casa de sus padres, rodeado de montañas de cómics, donde, según afirma, se pasa el día componiendo canciones, fumando cigarrillos y soñando. En 2006 fue incluido en la Bienal del Whitney Museum of American Art, todo un hito, referente y esperanza para tantos otros artistas marginales. Se mantiene gracias a una estricta medicación.

David Nebreda (1952). El artista madrileño David Nebreda constituye quizá el caso más radical de obra y vida outsider, lo que en su caso son la misma cosa. Su obra consiste en series y series de autorretratos, nunca manipulados, hechos en la más absoluta reclusión, que suelen remitir a temas religiosos, siempre cargados de un claro simbolismo ascético, y con una fuerte presencia del autocastigo. Nebreda pinta con su propia sangre, y utiliza sus propios excrementos. Una de sus obras más conocidas es la de su rostro cubierto por excrementos, que acumuló durante tiempo en su nevera con ese fin.

Nebreda lleva una vida absolutamente aislada, no sale de su casa de dos habitaciones, no ve la televisión ni lee periódicos, no mantiene contacto social con absolutamente nadie. Diagnosticado de esquizofrenia, hace años que ha renunciado a cualquier medicación. No consume droga alguna ni legal ni ilegal, y lleva una estricta abstinencia sexual. Con una técnica fotográfica impecable, sus autorretratos son casi lo único que conocemos de él. No es el paradigma del artista “loco” y arbitrario. Al contrario, su vida es una mecánica organización. La crítica liga su tratamiento de las formas y de la luz a la obra de El Greco. La exposición individual que se le dedicó en París en 2000 lo dio a conocer al mundo como quizá el artista outsider vivo –conocido– más importante. Lo más probable es que ese dato Nebreda ni lo conozca.

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