Zaskakujący, dziwny, niecodzienny. Kipiący bombową energia rozpraszającą. Tak to właśnie bywa z debiutami.  Młodzież jest na początku swojej kariery tak naładowane chęcią grania, że skondensowanie tych wszystkich pragnień i pomysłów w kilku utworach po prostu ich przerasta. Co, wcale nie znaczy, że jest to słaba płyta. miRthkon to bomba z opóźnionym zapłonem, która przy odrobinie szczęścia, może namieszać na awangardowej scenie jazzowo – rockowej.

„Vehicle” to czternaście utworów i ponad godzina pasjonującej, zaskakującej żonglerki stylami, rytmami, emocjami. To niezwykle barwna płyta, jednak jej eklektyzm nie polega na tym, że trzy kawałki nagrano w jazzowej konwencji, cztery kolejne w rockowej. Na „Vehicle” wszystkie możliwe składniki poupychano w każdy kolejny utwór i aby to wszystko zrozumieć potrzeba czasu i dużej dozy cierpliwości. W muzyce miRthkon znajdziemy wpływy bardzo różnorodnych kapel. Jest tutaj przepych aranżacyjny tak charakterystyczny dla wydawnictw Sleepytime Gorilla Museum, znajdzie się tu też kilka minut dla lubiących muzyczną matematykę spod znaku King Crimson, a także parę solówek, których nie powstydziłby się sam Frank Zappa. Sami przyznajcie takie nazwy muszą budzić respekt. Amerykanie posiadają bardzo wysokie aspiracje, które jednak nie zawsze korespondują z rzeczywistymi możliwościami i wypracowanym warsztatem. Na całe szczęście tych zgrzytów nie ma za wiele.

„Vehicle” to w osiemdziesięciu procentach płyta instrumentalna, wokalista nie garnie się do śpiewu, choć o dziwo ma ku temu predyspozycje. Szkoda, że nie wykorzystuje swojego potencjału, bo takie utwory jak “Banana” , “Coven of Coyotes”, czy też utrzymany w kabaretowej estetyce “Honey Key Jamboree” wypadają bardzo przekonywająco. Duża w tym, też zasługa gitarzystów. Panowie tworzą zgrany duet, którego znakiem firmowym są plastyczne partie gitarowe, oraz brawurowo zagrane, ale bez efekciarskiego popisywania się solówki.

Debiut marzenie, znakomita płyta i bardzo dobry prognostyk na przyszłość. Podróż „Vehicle” to wielowymiarowe przeżycie, być może kapeli brakuje trochę własnego, niepowtarzalnego stylu, ale mam nadzieje, że przyjdzie czas i na to. Ale to już na kolejnych wydawnictwach, których życzę im z całego serca.

7/10

Banda: Univers Zero
Álbum: 1313 Remaster
Ano: 1977
Pais: Bélgica
Subgênero: R.I.O/Avant Prog/Chamber Rock/Neoclássico

Músicos:

1313 Remaster:

Michel Berckmans: Fagote
Daniel Denis: Percussão e Bateria
Marcel Dufrane: Violino
Christian Genet: Baixo
Patrtick Hanappier: Violino, Viola
Emmanuel Nicaise: Harmônio
Roger Trigaux: Guitarra

La Faulx Live:

Michel Berckmans: Fagote e Oboé
Daniel Denis: Bateria & Percussão
Patrick Hanappier: Violino
Guy Segers: Baixo, Vocal e Efeitos Noise
Roger Trigaux: Harmonium & Guitarra

Músicas:

01- Ronde (15:14)
02- Carabosse (3:47)
03- Docteur Petiot (7:45)
04- Malaise (7:58)
05- Complainte (3:23)
Bonus Track: 06-La Faulx (Live) (28:07)

Por muito tempo ouvi falar da versão remasterizada dodebut do Univers Zero, o ótimo 1313 (1977). E por muito tempo cobicei essa versão, pois como fã e ouvinte deles há tantos anos, sentia mais do que vontade, mas até mesmo OBRIGAÇÃO de adquirir esse lançamento. Entretanto, por falta de condições (maneira bonitinha de falar que estava sem dinheiro), não pude adquirir esse lançamento de imediato. Entretanto, após ávidos meses de economia, eis que finalmente consegui comprar esse sensacional disco. O CD chegou há poucos dias, e desde então tem sido um dos discos que não saem mais do meu player, tamanha a excelência desse trabalho. Depois de muito ouvi-lo e ter uma opinião mais sólida, agora gostaria de comentá-lo. E agora, caros leitores, compartilho com todos vocês a extremamente positiva impressão que tive acerca desse excelente lançamento.

Acerca da remasterização, só posso tecer ótimos comentários: o som ficou muito mais encorpado que na versão original, o baixo mais poderoso, e um certo abafamento presente na versão original aqui foi inteiramente corrigido. Um trabalho primoroso de edição em estúdio! A arte gráfica do trabalho ficou muito bacana também. Contendo muito mais detalhes que a edição anterior, o CD trás consigo uma biografia da banda e uma porção de fotos raras. Sem dúvida nenhuma um documento precioso para essa obscura fase inicial da banda e um grande presente aos apreciadores do conjunto. Sem mais delongas, vamos discorrer um pouco sobre o maravilhoso conteúdo musical dessa obra…

1313 abre com a magnífica Ronde. Está música por si só já valeria a aquisição desse disco. Sem duvida nenhuma é uma das melhores obras que a banda já fez, extremamente majestosa, maravilhosamente bem composta e executada. É uma música deveras soturna, seu estilo ‘marcha’ vai progressivamente inquietando o ouvinte; trata-se d’uma composição muito atmosférica, e a maneira como os temas evoluem remetem a ambientes cada vez mais sombrios. Ela tem uma desenvoltura invejável, unindo uma variada gama de instrumentos (fagote, violino, percussão etc…), timbres muitíssimo bem escolhidos, bem como passagens ora rápidas e dissonantes, ora funestas e macabras (como, por exemplo, os últimos minutos da música) Ronde consegue prender a atenção do ouvinte durante toda a sua duração. Comparando com a versão não remasterizada, os instrumentos estão mais nítidos, com um som mais limpo e polido, principalmente o fagote.

Carabosse é uma intrigante melodia, sem dúvida uma das mais atípicas já feitas pela banda. Um andamento um tanto quebrado, algumas coisas a primeira vista parecem realmente não se encaixar. Porem é uma excelente composição, ainda que um tanto difícil de ser decifrada. Os timbres novamente são sensacionais. Aqui fagote e violino estão em destaque, esses dois instrumentos criam uma atmosfera extremamente rica, e mesmo que esta peça não seja tão majestosa quanto a faixa anterior, ela detém uma particularidade: um certo teor marginal e maldito que quebra um pouco a sobriedade que encontramos no resto do trabalho. Comparando com a versão não remasterizada não há grandes diferenças, a não ser aquela presente em todo o resto do álbum: O som está mais limpo e bem cuidado.

Docteur Petiot é outro dos destaques do trabalho. Aqui a guitarra de Trigaux, ainda que de uma maneira muito mais acústica e menos ruidosa que aquela que ele faria tempos depois no Present, aparece com mais espaço, executando, mesmo que brevemente, alguns ótimos arranjos. A música conta com ótimos temas que evoluem muito bem, quase tão bem como em Ronde. O violino aqui é o grande destaque, criando com maestria melodias ao gosto neoclássico ou então grandes momentos dissonantes. É uma das minhas faixas preferidas nesse trabalho, comparando com a versão não remasterizada, o som dos teclados e da guitarra está mais aparente, com isso a música passa a impressão de estar bem mais vigorosa.

Doutor Diabólico:

O personagem que dá nome a está música dos Univers Zero realmente existiu. Marcel André Henri Félix Petiot (1897 – 1946), o malevolente Doutor Petiot, é protagonista de um dos mais notórios e macabros casos da crônica policial européia na primeira metade do século XX. Durante a segunda guerra mundial, o médico tornou sua residência à prova de som. Lá matou, segundo dados oficiais, 63 pessoas, a maioria judeus que fugiam do horror da guerra. Visando lucro financeiro, o plano do médico era simples e sórdido: Ele dizia a judeus que queriam fugir do Holocausto que era da resistência francesa, e que podia garantir uma fuga segura para a América do sul. Cobrando por isso, claro; depois de receber o pagamento, aplicava em suas vitimas uma suposta vacina para prevenção de doenças tropicais que, na verdade, era um veneno letal. Após isso, as pessoas eram conduzidas e trancadas numa sala enquanto “esperavam pelos homens da resistência francesa”. À medida que o veneno fazia efeito e a vitima ia desfalecendo, Petiot deliciava-se com a cena, acompanhando tudo com êxtase diabólico através de um buraco na fechadura feito especialmente para esse fim. Depois, ele recolhia e enterrava os corpos, ou os queimava, para que ninguém suspeitasse de nada. Em 1944 foram descobertos corpos mutilados de aproximadamente 27 pessoas, e o médico foi preso. Porém, pouco tempo depois foi libertado, pois alegara que os corpos pertenciam na verdade a nazistas, e ele era nada mais que um francês cumprindo seu dever de cidadão! Todavia, outras acusações que ligavam o doutor ao regime nazista surgiram. Ninguém acreditou que ele era da resistência francesa, e muitos outros corpos também desmembrados foram encontrados à época no Rio Senna, acusações essas que viriam a cair sobre o soturno doutor. Petiot foi condenado à morte, e em 26/5/1946, foi guilhotinado. Alguns relatos também dão conta de que Petiot fora diagnosticado como caso psiquiátrico já em 1914, e que teria cometido numerosos atos de delinqüência, e até mesmo um homicídio, durante a adolescência; gravemente ferido na Batalha de Aisne, por ocasião da I Guerra Mundial, sofreu então um severo colapso nervoso; por fim, já formado em medicina, em 1921, foi acusado de consumir narcóticos… ou seja, era desde jovem um rapaz, ‘promissor’…

É difícil imaginar um sujeito mais visceralmente calhorda e monstruoso que esse Petiot… O camarada não apenas ganhava dinheiro de suas ‘presas’, mas ainda se deleitava com a morte delas! Isso é demais pra minha cabeça. Foi muito bom um estrume humano desses ter sido guilhotinado. Se estiver no inferno deve estar fazendo dublagem do cavaleiro sem cabeça! Pelo menos a música do Univers Zero é EXCELENTE e nunca duvidem disso! Voltemos ao 1313…

Malaise é mais uma excelente música. O álbum está MUITO distante de soar como um disco de rock, mas aqui nessa música quem sabe temos algum reflexo distante, quase crepuscular, dessas sonoridades, ainda que de uma forma totalmente acústica. Aqui o grande destaque é a bateria de Daniel Denis que faz um trabalho primoroso numa performance a um só tempo empolgante e complexa. Daniel Denis se não for o melhor baterista de todo o progressivo pelo menos está no topo. O cara é um monstro não só como instrumentista mais também genial na composição e escolha de timbres, sem dúvida um nome que merece respeito. Comparando com a versão não remasterizada, o som do baixo é bem mais visível nessa aqui.

A depressiva Complainte é uma música dita por muitos como destoante do resto do disco. Uma composição quase solo para violino, ela soa áspera e extremamente fria. Os arranjos não são nada calorosos e parecem transmitir uma desesperança terrível. Já se assemelha com algumas passagens do disco seguinte o Heresie, ainda que aqui o clima seja bem mais depressivo do que soturno, como no álbum seguinte. É originalmente a faixa que termina o 1313, porem nessa versão a bandas nos brindou com um presente. Uma dádiva e uma maldição, a verdadeira ruína do mundo, todos que ouvirem devem se curvar perante ela, pois ela está acima da compreensão de qualquer um, inclusive da minha…

O Último Folego antes do mergulho: A FOICE

A grande razão pela qual adquiri essa versão do 1313 foi a sensacional bonus track que a banda inclui nele: uma sensacional versão ao vivo da monstruosa La Faulx. Confesso, porém, que estava muito reticente quanto a essa versão, porque, afinal de contas, como o UZ poderia me surpreender depois de tantos anos de audição com algo que já conheço? E sobretudo com essa faixa que, em sua versão de estúdio, é provavelmente uma das músicas mais satânicas, malditas e malévolas já realizadas; como superar algo assim, será realmente possível? Porem não tardou muito quando abri os olhos, e bastaram apenas os minutos iniciais para entender que sim, eles conseguiram! Originalmente a música aparece na abertura do clássico Heresie (1979), que também resenhei aqui no blog. Essa versão ao vivo, que data do mesmo ano de sua co-irmã de estúdio, foi gravada durante uma apresentação da banda na Rádio e TV belga, e foi executada com o mesmo time de músicos que gravou Heresie. A qualidade de gravação do registro é excepcional, superando a um só tempo a versão de estúdio, bem como outras versões piratas dessa faixa que podem ser encontradas em bootlegs internet a fora. Esqueça essas versões! A versão definitiva da FOICE está aqui! E não é só isso. Essa versão é talvez a síntese de toda a sonoridade da banda e, se calhar, o ápice de toda uma proposta musical: o Chamber rock. Em seus mais de 28 minutos de duração, três a mais que a original, é uma viagem macabra e infindável rumo as planícies do inferno mais profundo que a mente humana é capaz de imaginar. A intro está arrasadora, mais extensa e arrebatadora que a original. Os primeiros 5 minutos mais parecem uma preparação, tudo soa disperso e conturbado, até que os sumos sacerdotes do MAL finalmente acertam o tom, lastreando toda a obra numa tensa e sinistra base de harmonium. Guy Segers o baixista do UZ, aqui convertido em Lúcifer, começa a declamação dos versos profanos aos seus fiéis! O recital aqui é muito mais ameaçador que na versão de estúdio, pois a voz está em primeiro plano, e não soterrada na mixagem, tal como acontecia na versão original. O ritual segue, e o recitativo dá lugar a urros cada vez mais intensos. Divindades de HP Lovecraft, o juízo final idealizado por Edgar Allan Poe, Orcs de Sauron, por Deus, todas as referencias literárias possíveis do horror e do mal parecem ficar pequenas diante do que essa música conjura! Passada a tempestade dos primeiros 11 minutos o ritual se encerra e toma contornos mais racionais. O que se segue é um fantástico exercício do mais nefasto, irônico e aberrante chamber rock já feito. Fagote e violino ultra dissonantes, entrando em colisão cósmica com as percussões cada vez mais raivosas. Interessante observar que a faixa é claramente dividida em dois movimentos: o primeiro é o ritual satânico, e o segundo, o mais competente e bem executado chamber que eu já ouvi, empolgante, elegante, complexo e extremamente sombrio, porem não diabólico como nos primeiros momentos da música. Ao final dessa obra, eu nem sei dizer que se passou pela minha mente. A alma parecia ter se desgarrado do corpo e cada segundo parecia ser tão longo quanto a eternidade, creio que só voltei a mim realmente quando finalizada a execução da música, e a platéia começa a aplaudir.

La Faulx pode ser definida como o último e profundo suspiro antes de desaparecer completamente. E a minha vida segue como as sensações dessa música. É como se tudo tivesse chegado ao fim de uma maneira discreta em que poucos notassem, a minha única esperança é que aqueles que eu quero que percebam realmente o notem. No final nada vai acabar numa grande explosão e sim num último, derradeiro e cansado suspiro. Imaginem esse momento leitores! Poderia ter perfeitamente La Faulx como fundo sonoro!

Sem muito mais o que acrescentar, é isso. Esse remaster é um deleite sonoro e gráfico. 1313 é um belíssimo disco do UZ e um dos melhores trabalhos da banda, quiçá no mesmo plano de excelência que a masterpiece Heresie. E o fato do seu poderio ter sido intensificado com a poderosíssima versão inédita de La Faulx só engrandeceu ainda mais o trabalho. Ótimo disco. Essa indicação é absolutamente imperdivel!

Como amostra do poderio desse trabalho, eis aqui para vocês a versão integral de La Faulx presente no álbum. Boa audição… e boa sorte!

Músicos:

Michel Berckmans: Fagote, Oboe.
Daniel Denis: Bateria, Percussão
Patrick Hanappier: Violino, Viola.
Roger Trigaux: Guitarra, Piano, Orgão, Harmonium
Guy Segers: Baixo, Voz

Faixas:

1. La Faulx (25:18)
2. Jack the Ripper (13:29)
3. Vous le Saurez en Temps Voulu (12:56)

Subgênero: R.I.O/Avant Prog

O Univers Zero é uma banda belga vastamente cultuada pelos fãs de Rock Progressivo de vanguarda, sendo freqüentemente indicada como uma das melhores bandas do gênero. O Univers Zero nos brinda com uma sonoridade calcada na música erudita (referencias óbvias a Stravinsky e Messiaen), sendo este um motivo para também ser incluído como um representante do Progressivo neo-clássico.

Falar sobre o Univers Zero é antes de tudo respirar fundo, para depois, por fim, submergir em um mundo mal-assombrado por fantasmas do passado. Descer a um abismo escuro onde você pode encontrar uma saída, mas isso não lhe garante que você esteja indo para um lugar melhor.

Em seu segundo álbum, Heresie, de 1979, essa atmosfera completamente cinzenta e conturbada é levada ao extremo. O competente instrumental serve de tapete para transpor barreiras entre o animal e racional. As músicas em sua maioria fazem o uso sem dó de violino e fagote, sendo esses sustentados por um sólido ritmo das percussões e poderosas intervenções de harmonium.

O  álbum em tela se mostra um complexo e conturbado trabalho de chamber rock com forte inspiração na música erudita do início do século XX.

É tambem coeso e bastante climático, trazendo a tona uma atmosfera perturbadora e envolvente.

Isso foi aproveitado em pouco mais de 50 minutos de duração em 3 grandes faixas. A gigantesca La Faulx é, quem sabe, não só a melhor faixa desse álbum, mas da banda. Seu andamento é cadenciado, com bastante percussão e grandes passagens de fagote e violino. A música tem provavelmente a melhor passagem do álbum: um recital sinistro sustentado por um tenso harmonium nos primeiros 8 minutos de música.

Em Jack The Ripper, a segunda faixa, temos exatamente o contrário, os temas evoluem facilmente, a música flui com extrema agilidade, continuando o clima de tensão, que é fortemente representado aqui. A música nos 3 últimos minutos guarda uma explosão sonora que culmina no seu final.

E para Vous le Saurez en Temps Voulu, nada resta a não ser concluir o álbum de uma maneira mais discreta, menos sombria, porém com potencial e classe. Um enceramento digno para um excelente trabalho.
Em suma caros amigos um achado! Uma pérola em forma de álbum. Parada obrigatória para qualquer fã de progressivo. E se você principalmente quer ouvir coisas diferentes com grande destaque para experimentalismos e quebra de padrões, este é o disco certo.

Músicos:

Ann Stewart: Voz
Franck W. Fromy: Guitarra
Alain Ballaud: Baixo
Jean-Luc Herve: Piano Órgão, Harmonium
Véronique Verdier: Trombone
Franck Coulaud: Bateria
Michel Kervinio: Bateria & Percussão

Músicas:

1. Incipit Tragaedia (15:46)
2. Cabine 67 (5:55)
3. Yog Sothoth (12:27)
4. La Ballade De Lénore (8:58)
5. Delear Prius (4:03)
6. J’ai Vu Naguère En Peinture Les Harpies Ravissant Le Repas De Phynée (4:19)

Subgênero: R.I.O/Avant Prog/Zeuhl

Existem trabalhos por ai que são intrigantes. E Les Morts Vont Vite (BR: Os Mortos caminham depressa) 1986 é um álbum que me intriga profundamente. Juro que, às vezes, até duvidei de sua existência. Até hoje sinto que não compreendo bem ele. A incrível atmosfera de misticismo que emana desse disco, com as várias alusões a obra de magnífico Lovecraft, o clima de ficção cientifica de algumas passagens e principalmente o fato de ser um disco totalmente atemporal são apenas algumas coisas que me causam espanto. É inacreditável que isso tenha sido gravado em 1986. Muitas bandas do mesmo gênero como o Univers Zero sofreram nessa época por causa do som plastificado das baterias e dos teclados dos anos 80, mas o Shub Niggurath parecia estar imune a tudo isso.

Shub Niggurath é provavelmente a mais bem sucedida fusão da história! A fusão da sonoridade habitual de um Univers Zero ou Art Zoyd com uma guitarra tipicamente noise, teclados inacreditavelmente soturnos e um trombone, que cada vez que surge, mais parece um monstro marinho agonizando, é o suficiente para abalar as bases da Terra. É como se a música presente nesses grupos consagrados do R.I.O tivesse sido colocada em uma usina nuclear, fosse fragmentada e virasse radiação! É algo que deu tão certo, mas tão certo, que nem o próprio Shub Niggurath conseguiu repetir o êxito desse álbum, lançando depois apenas dois discos, bem diferentes, aliás, do álbum em tela. O álbum seguinte é apenas um razoável exercício de avant-folk, se revela até frouxo em alguns momentos. E o derradeiro Testament, mesmo sendo um trabalho mais extremo, soando, inclusive, como um reprocessamento terminal de LMVV, não consegue surtir o mesmo efeito. É fato que ouvir Les Morts Vont Vite é antes de tudo estar diante de um momento criativo tão intenso e tão raro que talvez todos aqui morram sem ver novamente outro álbum que sequer chegue perto da magnitude dele!

Poucas vezes estive diante de um desafio tão grande quanto tentar resenhar esse trabalho! Pois gosto de ter o controle de tudo, geralmente tudo comigo é muito pensado, muito planejado. Porem há coisas que simplesmente não podem, e nem sequer devem, ser colocadas em situações previamente planejadas. O álbum aqui citado talvez seja o exemplo máximo disso. Seja lá o que for a entidade que atende pelo nome de Les Morts Vont Vite não pode ser controlada, nem por mim nem por você e nem por ninguém!

Agora, contudo, não estou mais interessado em resenhar tradicionalmente um álbum de música. Apenas quero escrever como é a audição desse disco e o que ele provoca. Daqui pra frente, caros leitores, não há senso critico nem análise, mas sim a materialização de um delírio, acreditem…

Um dia na vida de Gabriel Schmitt:

I- Enfim, acordado

Acordei bem mais cedo que o de costume pra mim. Era 6 horas da manhã estava escuro ainda. Quando esse tipo de evento ocorre, penso primeiramente em tomar um glorioso café da manhã e depois sair para caminhar e respirar um pouco a brisa fresca da manhã. Desloquei-me até a padaria, comprei alguns pães e voltei pra casa. Quando voltei, o restante da família já estava acordado, e foi muito bom, pois todos nós pudemos desfrutar da companhia um dos outros, enquanto saboreávamos os pães fresquinhos da padaria, algo que vem se tornando cada vez mais raro por aqui. Mesmo sendo essa cidade terrivelmente bombardeada por uma atmosfera de gás carbono proveniente das dezenas de industrias presentes nas redondezas, as manhãs ainda são a parte mais agradável do dia, notadamente o período entre 7 e 9 da manhã. Aprontei-me para uma caminhada com o básico: óculos escuros contra o sol, meias, um tênis e uma garrafa com água para beber no caminho, e me despedi…

II- Uma Ligeira Caminhada

Enquanto caminhava o riff de guitarra de Incipit Tragaedia me veio à mente e perdurou por algum tempo. Quando dei por mim, logo estava citando os versos de Ann Stewart enquanto caminhava. Uma coisa que talvez poucos saibam é que o riff inicial de Incipit Tragaedia de certa forma me persegue. Há muito tempo não ouvia essa música, mas ela parece ter se entranhado em meu subconsciente de forma permanente, por isso com freqüência estou assoviando ou cantarolando esse riff sem maiores compromissos. Dada hora na caminhada estava a minha frente uma pracinha com vários bancos, como estava um pouco cansado, me sentei ali por alguns minutos. Tinham outras pessoas caminhando por isso parei com meu assovio ‘tragaediano’ por vários minutos. O dia já estava claro já eram quase 8 da manhã. Nada me chamou muito a atenção ali enquanto descansava, a não ser certa hora uma daquelas corredoras de manhã, que saem de casa trajadas naquelas roupas coladas no corpo, com um mini fone de ouvido. Pele clara, cabelos pretos presos, porte esguio e elegante, seios fartos e um ‘traseiro’ considerável foi o que pude perceber de longe. Realmente a teria seguido caso tivesse tido a oportunidade, mas foi na direção oposta a meu trajeto, e quando fui olhar novamente, já tinha sumido. Aquela pracinha começava a me enjoar, sai dali e continuei a caminhada agora voltando pra casa…

III- Apenas alguns rascunhos sem importancia

Minha mente agora estava dividida. Enquanto caminhava, ora pensava em Incipit Tragaedia, ora pensava na atraente corredora da pracinha, e assim foi até chegar em casa. Ao chegar, liguei o computador, e como estava com o Shub Niggurath ‘na idéia’, fui checar os arquivos com as possíveis ‘resenhas’ aqui. Tudo lixo! Pensei em alguma coisa nova, mas nada de relevante. Abrindo o computador, a rotina de sempre: Orkut, recados, minha página estava linda com dois contatos que eu prezo pra caramba me escrevendo, ‘que satisfação!’, até pensei na hora, ‘é hoje o dia será legal!’Entre uma comunidade e outra, já era hora do almoço. Nem me pergunte o que era, pois não lembro, só sei que devia estar gostoso. Após o almoço como de costume, aquela cochilada básica no sofá de 30 minutos. E foi ai que aconteceu…

IV- A Maquina do Inconsciente

Eu não sonho. Definitivamente não sonho. Mas tenho ficado incomodado ultimamente, pois venho sonhando com freqüência, e, sobretudo, lembrando dos meus sonhos, o que sinceramente me grila, pois comigo não é comum. Nenhum sonho meu desses recentes costumam ser comuns, e com esse não foi diferente. Uma espécie de vila medieval ‘Caligari in dá land of Die Carmagnole’. Muitas pessoas numa rua, e eu ali, também Mr. Doctor no meio do pandemônio da multidão, um arauto gritava:

-Venham ver, venham ouvir, venham ver!

- Ver o que?

Como vi que todos caminhavam para o mesmo lugar, acompanhei o fluxo do povo. Chegando numa espécie de feira livre, eis ali um palco pequeno, com sete figuras em cima. Todos com mantos que cobriam os rostos. Em três o manto era preto, nos outros três o manto era branco, e no sétimo o manto era metade preto, metade branco, harmonizando em opostos com todos os outros. As sete figuras pegaram alguns instrumentos que soavam surreais pra pro cenário como, guitarra elétrica e baixo. O mesmo civil que outrora anunciara a atração agora os apresentava:

- Eis a música da futuro, diretamente para nós, eis a MÚSICA DAS ESFERAS!

A multidão ficou paralisada com os olhos arregalados esperando pelo que viria, o único a esboçar alguma reação fui eu mesmo dizendo baixinho:

- Bah… já conheço isso ai, e faz tempo, viu…

Eis então que as sete figuras começam a tocar o que inicialmente seria uma impressionante versão de INCIPIT TRAGAEDIA, ainda mais espectral que a encontrada no álbum Les Morts Vont Vite. Urros do mal, os vocais profanos da figura em preto e branco, a visão do imponente trombone abissal em profusão cósmica com os teclados, duas baterias em pleno exercício de um voodoo percussiv, guitarra e baixo sendo torturados com arames pelas figuras em preto; à medida que a música avançava, eram acrescentados trechos de outras músicas, como Barback, La Ballade De Lénore, Delear Prius etc… As pessoas em volta começaram a sentar-se, com suas cabeças voltadas para o chão, como que se rendendo à avalanche sônica conjurada pela banda para por fim invocar o que realmente me pareceu ser… YOG SOTHOTH, YOG SOTHOTH, YOG SOTHOTH, YOG SOTHOTH, YOG SOTHOTH, YOG SOTHOTH, YOG SOTHOTH… tal como a peça presente no álbum mesmo.

V- A Eminência Da Tragédia:

Acordei. Assim que recobrei a consciência, vi que apenas 15 minutos se passaram desde que dormi depois do almoço. Bem, era claro que, ao ter pensado muito no Shub Niggurath durante a manhã, bem como nas resenhas, isso destravou algo que apareceu no sonho; mesmo assim, todavia, era uma experiência sem precedentes, ainda mais se tratando de um álbum naturalmente tão impressionante quando esse: ao adicionarem-se toda sorte de mistérios do subconsciente, o resultado é simplesmente cabalístico. Óbvio que coloquei o disco para tocar logo em seguida. Tranquei-me no quarto, apertei os cintos e see you tomorrow… À medida que o disco avançava, vi que começava a descobrir alguns novos matizes nele. Foi com certeza uma das audições mais prazerosas da minha vida. Não é exagero falar que meu quarto virou a verdadeira Cabine 67 que dá titulo a uma das músicas do álbum, porque realmente foi o que aconteceu!

FIM

‘S’imbora’ falar um pouco do disco em si, pra quem não conhece e queira conhecer…

01- Incipit Tragaédia: Sensacional! O que tem aqui não é guitarra elétrica não, são Cthulhu e Yog-Sothoth vociferando bramidos de ódio. Estão a matar-se, e a instrumentação são os urros de agonia! A voz pode ser definida como a de uma succubus em pleno gozo de um extasiante orgasmo demoníaco, rodeada por uma horda de entidades ‘ad majorem sathanas gloriam’. Essa voz nos efeitos de um fone de ouvido é ainda mais devastadora, a ponto de deixar o ouvinte realmente extasiado. Eu pelo menos me sinto no sinistro ritual, e com a succubus em cima de mim!

02- Cabine 67: Instrumental. O clima de esquizofrenia crescente nessa música é algo único. O trombone aqui rouba a cena, é como aquela entidade informe que o Lovecraft chama de ‘Deus Cego e Idiota’, porem infinitamente poderoso: Azathoth. Só ouvindo pra crer…

03- Yog Sothoth: É uma espécie de ‘instrumental cantado’. Há vocalizações, mas elas não dizem nada. Definiria como uma espécie de nebulosa que fica no centro do Universo. No centro está Azathoth, ser aquém e alem da inteligência, pois é o caos em estado puro, rodeado de entidades monstruosas tocando tambores enquanto ele fica expelindo caos, ódio e destruição por todo o universo. Então Yog Sothoth, que é onipresente, distribui tais sortilégios por todas as dimensões do universo. E é exatamente essa a sensação que essa música passa com muito piano, trombone e uma cozinha destruidora alem da guitarra assombrando tudo ao redor. E claro o sensacional mantra no final com a vocalista recitando seguidamente em transe hipnótico YOG SOTHOTH YOG SOTHOTH YOG SOTHOTH YOG SOTHOTH YOG SOTHOTH

04- La Ballade De Lénore: Excelente música. Conjura um tema forte com órgão e vocal e outra com o resto da banda fazendo uma improvisação tipicamente zeuhl.

5. Delear Prius: Bateria seca, harmonium poderoso. O trombone é fúnebre e abissal, que uso sensacional do instrumento temos aqui! Do meio pra fim ela se torna mais áspera, as batidas na bateria vão aos poucos conjurando um ritual em câmera lenta, porem não há nenhuma grande explosão. É uma faixa tensa, muito tensa.

6. J’ai Vu Naguère En Peinture Les Harpies Ravissant Le Repas De Phynée: É uma fanfarra satânica! Muita influencia das marchas militares. Trombone novamente abissal. A vocal aqui parece mais recitar textos do que cantar, parece estar possuída! Do meio pra fim, uma grande mudança e o som torna-se claramente noise.

E no fim terminada a audição desse disco eu sinceramente começo até pensar, como diria o grande Jorge Luiz Borges:

E se os OUTER GODS e OLD ONES forem a VERDADEIRA realidade do universo, tendo escolhido um cético como Lovecraft como mensageiro, justamente para que nós pensemos que eles são apenas ficção?

Conto/Resenha/Artigo Por: Gabriel Schmittenberg

part the Second (2009)

[This review first appeared on Blogcritics. To see the original, click here.]

Last night, I was up until 2:00 a.m. despite the fact I had to wake up early. I blame maudlin of the Well’s brilliant new album, part the Second.

The story behind the recording of this album is amazing and shouldn’t be glossed over. From 1999-2001, maudlin of the Well released three albums. The latter two, Bath and Leaving Your Body Map are among the most genius pieces of music I’ve ever heard. These albums seamlessly blend metal, jazz, and indie in an amalgamation that is breathtaking and awe-inspiring.

However, maudlin of the Well’s avant-garde nature also kept them from being more widely known. They disbanded in 2001, some members of the group going on to form Kayo Dot, an even more avant-garde group, which, ironically, is more well-known than maudlin of the Well.

Yet over the years, through music message boards, forums, and blogs, maudlin of the Well slowly began to pick up a devoted following. They gained what notoriety they had the hard way — through the mouths of people who could not shut up about how great they are.

In a MySpace blog post in 2008, maudlin of the Well front man Toby Driver mentioned he wanted to record some older songs that were never recorded, but was restricted by financial issues. Response and enthusiasm from fans was massive. Several people made large donations so Toby and the band could accomplish this. The donations made it possible to go beyond the one song and record a full-length studio album, not an album of leftovers, but of mostly new material.

[On] May 14, 2009, this dream and hard work manifested when part the Second, was released over the Internet completely for free, In Rainbows style.

I was among the first to download the album, and I was absolutely enthralled with what I heard. maudlin evolved their sound in a way that was unexpected and surprising to me. Most strikingly, though maudlin of the Well is considered a progressive metal band, most of part the Second is comparably soft and soothing, almost post-rockish. In fact, I would hesitate to call any part of this album metal, though glimmers of it are hinted at in various strains. The new incorporation of violin and piano blends in perfectly with the inimitable maudlin of the Well sound, and both instruments fit in as if they they had always belonged.

The compositional layering is practically on a symphonic level – cerebral listeners will enjoy its complexity. The sign of a good band is a natural, evolving progression from album to album, and maudln of the Well has achieved that. Hints of Kayo Dot abound, especially evident in track four, “Clover Garland Island,” though the album itself is undeniably maudlin of the Well.

Part the Second is a softer listen than maudlin’s other albums. Genre-wise, as with all of maudlin’s music, it’s difficult to classify. I would say it’s highly experimental and would call it post-rock, perhaps post-metal. Track one is great, and is very laid back and relaxing. The piano outro at the end is reminiscent of Radiohead’s “All I Need,” to use the In Rainbows comparison again, though maudlin of the Well are nowhere near that band’s genre.

Track two is a little harder – though hard, it is absolutely beautiful. Another highlight is the piano outro on the last track, which is the perfect ending for this album. Though picking highlights might cheapen the rest of the listening experience – know that I think that it is all good.

Fans of post-rock will love this new release. In fact, anyone who loves experimental music that pushes boundaries will love part the Second.

Of course, if you’re already a maudlin of the Well fan or a Kayo Dot fan, or just love interesting music, what are you waiting for? If you have gotten this far, then chances are you’re somewhat interested. Do yourself a favor and download this album – and why wouldn’t you, when it is completely free? It is available in three different formats, including higher than CD quality, which will appease all the audiophiles out there. While we’re on that note, download Bath and Leaving Your Body Map as well – they’re now out of print and the CDs go for $50 plus on the Internet. No one’s going to be losing any money off you, and from what I’ve read, the members of the band themselves are cool with this.

So what are you waiting for? Go listen to part the Second and download it at maudlinofthewell.net. You can also listen to it the site if you wish to hear it before downloading. And also, consider giving the band a donation, as they worked very hard on this release.

Voluntary Mother Earth New CD Reviews from Europe

Voluntary Mother Earth’s latest CD “Unacceptable Vegetable” was recently reviewed in Tarkus Magazine (issue #46) in Norway. If you understand Nowegian, check out their website and order a copy today to see what they have to say about our music.

Also the same album had been reviewed in iO Pages Magazine (issue # 81) in Netherland. Speak Dutch? Check out their website and get a copy today.

Voluntary Mother Earth TOURS 2009
We’re currently planning a US tour for March 2009, and an European tour for May 2009, as well as applying to various festivals for the next summer.

-VME’s “YOU CAN BOOK US TOO” Policy-
If you live in a musical community, no matter how small and no matter where it’s located on the planet Earth, and would like to see us live, AND if you are part of your local scene, or know the clubs/bars/bands in that scene, YOU can book us too.

Interested? Send me an email at voluntarymotherearth ( at ) gmail.com for details.

Other than that, we’ve started rehearsing new songs which we hope to record and present to you next year.

Voluntary Mother Earth (L to R: Akihiko Hayakawa(g,vo), Fujita Fajita(dr), Noriff Micky(b) )

Hope to see you on our next tour!

-Aki
Voluntary Mother Earth
-a Japan’s premier absurdist rock combo

Tomorrow in Chiba, Japan, Voluntary Mother Earth is playing the first gig in 7 months.
Check out the “Tour” tab on the website, or check our MySpace for details.

This is going to be the first show with the new drummer Fujita Fajita.
Should be fun.

See you at the show!

Aki
Voluntary Mother Earth

Recorded 1983-84

Hellebore were initially a quartet of Jean Caël (bass), Antoine Gindt (guitar), Daniel Koskowitz (drums) and Denis Tagu (keyboards).  Initially equipped with Rhodes piano, the band expanded the sound considerably by co-opting Alain Casari on saxophones and clarinet and purchasing a popular crumar synthesizer.  This is the line-up on their only LP, decorated with art work prepared by Colorado’s Mnemonists/Biota.

By the early 1980s, these young French musicians were among the most talented epigones of Rock in Opposition style.  Certainly, they were too young to compete with the British luminaries of the movement.  And yet, the ex-post criticism of their output, often meted out by some of the members themselves, was probably a mite too harsh.  Even today, three decades after Henry Cow’s demise, the musical world is still receiving the dividends from that artistic investment.  There was clearly nothing wrong with this 25 years ago.

Soon after Hellebore folded, Jean Caël launched Szentendre, a short-lived band guided by similar searchlights.  Koskowitz and Tagu initially joined, but soon left.  Four musicians of the quintet also appeared on Look de Bouk’s first LP.  Koskowitz soon rejoined Gindt and Casari in Neo Museum – a logical continuation of Hellebore, if a little more saxophone-fronted.  But that incarnation did not last either.  Koskowitz disavowed the entire scene and made a radical stylistic move towards more pugnacious forms of modern French rock, most prominently with Soixante étages.  Denis Tagu and Jean Caël have continued to charm old and new audiences in the surviving DIY projects Toupidek and Look de Bouk. 

Introduction végétarienne

“There are those days, there are such hours”, proclaims a Reichian voice loop.  Rather than cutting up formants, Hellebore allows the entire phrases to be reproduced, and repeated.  And so, we learn about “the weight of responsibility” and the concerns regarding the financial future.  Still, “vegetarian” it is not.  The tape material is prodded by an emulsion of drums, assorted noise and vinyl crackle.  Slowly harmonic hints are being diffused by Denis Tagu’s electric organ, stiff cowbells, a Cartesian rhythm box, triste piano and leaden-footed electro-beat.  Against this pile-up of orchestration, the melody had to come in higher notes, and come it does, in the form of Antoine Gindt’s surf guitar.  He marinates the emergent theme with delicate, broadly optimistic gestures.  It all happens with a velocity of tired hoofs, allowing Alain Casari’s clarinet to entwine within the constraints of the inelastic tempo and densifying texture, rather than ad libitum.  Jingling cowbells free their partials, carried with non-descript electrified veneer.  A variation on this theme is then performed on piano, clarinet and organ.  Unimpressed, Daniel Koskowitz’s cymbals announce a new movement for a solo guitar, punctured by the axle of a piano playing exactly the same notes.  The effect is warm, and softening, which could be surprising given the difference in prefix characteristics between these two instruments.  The 25-note theme returns with avuncular clarinet.  It is up to the pianist to bring it all down to the stop line. 

Tetraktys

Two, lengthy ‘harmonium’ tones are quickly tamed by the cymbals and a guitar introducing another slo-mo, lazy, numbing theme borrowed from late summer.  Jean Caël’s bass is unobtrusive in its solidifying role.  When it speeds up, alto saxophone alternates with (almost forgotten) crumar synthesizer.  An electronic drapery lunges forward in short chunks, allowing the drummer to lose the metronomic precision of the opening.  Stylistically, Casari’s sax merely shadows the synthi-led staccato, even after an obligatory change of time signature.  The harmonic agreement between the saxophone and the keyboard is finally broken by prominence-reordering whispers and dry skin drumming from Koskowitz.  The final subsection is aperiodic, with a clean resolution from the synthesizer, bass and clangorous cymbals. 

Artefact

A bleak, plaintive intro temporizes through the plasticity of bass-organ-saxophone triad.  The eventual conflagration is sparked by the drums, a capriciously low-tuned guitar and a sandblasting alto sax.  The band zigzags through multi-guitar progressions and saxophone-led interrogations.  But this trendline soon collapses, giving way to keyboard-led blanket morosity.  It is here that an in-your-face box rattling hijacks the spotlight from the predictably a-metric drumming, lumbering bass and a mid-flight saxophone line.  Denis Tagu accelerates on his piano, faithfully traced by Gindt’s guitar mutualism. 

Film di Ripratoria

Fast, if commonsensical saxophone melody interrelates here with a fatalistically joyful guitar.  By comparison, satirical piano arpeggios sound as if collected from another dimension.  When heraldical drums and cymbals join in, the band can no longer fend off the accusation of Henry Cow fanaticism.  A jangly guitar gains prominence over the academically pointillist band, destabilized by arbitrary repression from saxophone blow-outs.  This is almost as good as the Muffins’ take on the British original.  Clapping, skitter, dilapidated drumming, intrusions into piano’s underbelly…  Strings are hammered, powders shaken, hands clapped, surfaces scraped until the guitar and saxophone return with a neutral variant of the opening head. 

Warme Wasser mit Grass

Drum and bass drive in, seemingly with little idea where the theme would lead them.  When Caël’s bass and an entire balustrade of glassy and metallic flickering finally embark on a rhythmic journey, a This Heat-type hairpin takes them down the slope through a blackened, well-oiled connubium of guitar and drums.  At each life-saving turn, a fair amount of repetition resurfaces.  The guitar meows on its own account.  Then it gets dirty, cocky, squawky, occasionally punctured by the reeds.  A drum salvo will close this rockiest of Hellebore’s cuts.

Umanak – Marquis de Saint Circq

Despite Koskowitz’s intelligent space drum presence, this is little more than a smoky piano solo, a lyrical nocturne, a contemplative poem.  A smiling guitar line looks on, a box ticks with soldierly regularity, and Casari’s clarinet knits its windy napkins with inscriptions from 1001 nights.  The structure tends to shift – piano and bass exchange their respective roles with the guitar.  But then a drastic wake-up call clarions: a mountain howl from the Northern Carpathians, powered by an organ squeak.  This apparent tribute to Plastic People of the Universe acts like a shock therapy to overconfident listeners.  The chunks of organ scatter around, oblivious to the saxophone and crumar in overdrive.  Only Caël’s bass still retains the ominous beat calqued from the Jan Hus’ worshippers.  The saxophone, synthesizer and multiplex percussion drizzle off till the very end.

Debout

Anachronistic electro-beat and acoustic piano slowly lurk out to witness perky hiking hum.  A romantic juxtaposition of piano and clarinet injects a static ornament.  A keyboard duo of organ and crumar sizzles aimlessly, with bass overdrive piercing through with abstract splashes of color.  The organization around some eternally renewable energy pays off.  When piano chords die out, the rhythm box and keyboard march out on the stepping stones to dynamic resolution.  The drum machine, synthesizer and cowbells re-anchor on the closing theme.  Tagu improvises on the modal piano, compressing the range focus.  But the moods revert.  On the back of a fatuous nursery rhyme clanked out by the piano and clarinet, a martial rhythm of drums, piano and guitar trundles through, prompted by Casari’s war calls on alto.  It is precisely the lone saxophone that survives on the battlefield. 

Ce sont des choses qui arrivent

What happens when a pianist, a saxophone player and a percussion virtuoso meet?  Nothing.  You need a guitarist to lead them from their abstract maze.  When that happens, the saxophone runs may be brief, epigrammatic and self-limiting but they remain structurally decisive nonetheless.  The track concludes with a sumptuous piano fragment captured in a space whose acoustics brings back the childhood memories of intimidating concert halls.

Eclaté / 3ème / après

Saxophones second an infantile, rhyming beat.  The organ slices chunk after chunk.  For a logical solution to the set, the ‘chalk against the whiteboard’ scrape is coming a little late.  Hoofsteps clock along.  And then, at long last, a Grande Finale is ushered by the band in full glory and in a rather melodious mood: the saxophones, mandolin, bass, and piano. 

(On side B, the track description on the insert differs from the one provided on the label; consequently, the comments above may not adequately correspond to musicians’ original intentions).

***

HELLEBORE: “Il y a des jours” (1983-84)

SZENTENDRE: “Un tour gratuit” (1985)

NEO MUSEUM: “Volume 1. Nouvelles ethnologiques de l’obscure museum” (1985-86)

Hellebore’s tracks also appeared on compilations: “Douze pour un” (1982), “Voices Notes and Noise” (1983).  Szentendre can be found on “Douze pour un vol.2” (1986), and Neo Museum on “Rencontres du premier type.  Strasbourg, Vandoeuvre, Reims” (1985) as well as “Douze pour un vol.2” (1986).

Fans of Hellebore should also seek out Look de Bouk’s debut LP:

LOOK DE BOUK: “Lacrimae rerum” (1985)

The Polish music website “Ave Metal” gave us a CD review last week.
Go check it out at:
Ave Metal VME CD Review

See you soon,
Aki
Voluntary Mother Earth

Recorded 2000

Las orejas y la lengua are an Argentine band created around the core formed by Diego Kazmierski (keyboards), Nicolàs Diab (bass, guitar) and Fernando de la Vega (drums, percussion).  On their two recordings they showed a penchant for unconventional marriage of underdeveloped melodic themes embedded in richly orchestrated but highly sequential arrangements.  The succession of pleasantly interwoven topics betrays their hankering toward approachable aesthetics, which sometimes clashes with the more defiant fragments anchored in avant-prog tradition. 

High-quality production and wealth of original ideas have so far protected the band from become a derivative of this international genre.  One can hope that further successful recordings will see the light of the day.

Eufòrico Tribilìn

A powerful flute’n’rhythm section attack instantly awakens our musical taste buds.  In two short sections, the stop-go regularity fades away before monotony sets in.  This is when a retroactive, meaty guitar introduces a starkly nonlinear fragment with highly selective cymbal playing and a thunderous, almost inert electric bass.  Diego Suàrez’s flute penetration is supreme, particularly in the middle range.  Diego Kazmierski adds some bandoneon samples, but they are barely recognizable owing to speed treatment.  Several olas of dilating flute, bass and percussion will close our first encounter with the band.

Suricata

Carried triumphantly by the excitable duo of piccolo and acoustic piano, the circus-like intro is stripped down to Cartoon-style basics.  Inevitably, the piano penetrates the free jazz land while the Fernando de la Vega’s drumming pre-figures the manual inventiveness of Bad Plus’s David King.  Soon after, the piano and bass figure bring back the memories of Steely Dan’s “Ricky Don’t Lose that Number”, sans the actual theme.  The flute playing, warm and mostly legato is somewhat reminiscent of J.D. Parran immortalized on Anthony Davis’s classic recordings.  Halfway through, another free section kicks in, this time entirely dependent on dampening piano pedals and a snaking flute.  Melodic, high-pitched electric bass and easily legible drumset rescue the track from the morass.  Sharper flute tonguings appear in a-rhythmic combination with the volatile rhythm section.  When the dynamics commences to glow again, the synthesizer turns the hitherto ribboned texture into a more evenly planar arrangement. 

Leandra

This begins with a clanking, almost ‘North American folk’ acoustic guitar.  But this will not be John Fahey’s tribute.  The drummer and organist join in a now-you-hear-now-you-don’t pattern.  Nicolàs Diab’s bows his acoustic bass martelé style until the incipient melodic figure recurs.

Norma

Here we are confronted with an exceedingly lazy, Ry Coodish electric guitar and bells.  By way of contrast, the samples thrown into this idleness could be sourced from an operating room.  But it is dangerous to listen in closely because sudden eruption of guitar pounds forward, Steve Tibbetts’ style (limited grit, measured sustain).  After another intersection with low-key samples, a more ‘doom metallic’ guitar section crashes into an electronic echo.  In a swift progression of astonishing moods, we quickly move over to a bass & rim shot sequence.  In a pivotal moment reminiscent of Metabolist’s LP “Hansten klork”, the tempo accelerates illicitly, though time will run out for another guitar eruption.

Verònica G.

The groove is burrowed here by a stable cooperation of the electric bass, guitar, measured rim shots and hi-hat.  Will the groove erode?  Or will it flick over its momentum onto another structural lattice?  We have already learned the lesson not to trust the quieter passages.  However, this time, the dynamic progression is gradual, almost imperceptible.  A synthesized harmonic glissando expands behind, without affecting the core groove.  The flute swivels with just enough echo, a little like in Dom’s unforgettable “Edge of Time”.  Goofy samples – female backward singing – perfectly wound into the harmony and fall neatly within the beat. 

Ahora sì, chau

Another track which begins with the flavored acoustic guitar.  Its zither-like jangle is almost “pretty”.  Droll ping pong samples and radio static sounds could make it a tongue-in-cheek interlude penned by Albert Marcoeur.

Hermanas colgantes

We first hear car-less street noise samples – multiple human steps, playing children, voices.  This is Nicolas Diab’s tour de force and he appears in three roles at once – on a juicy bass guitar, a melodious Rhodes piano, and the acoustic bass played confusingly high, sul tasto on G-string.  The flute flutters over and above the piano and drum frames.  Dias mistreats his electric bass, testing its low-end capabilities by squeezing the far end of the neck.  Then the Hammond steps in, but its threat is distilled by the flute’s softening presence.  The mood darkens as this 12-note section repeats a dozen times.  Finally, a classicist coda with flute and piano terminates this honest, unpretentious piece. 

Disposable Blood Oxigenator

Hearing a dolorous glockenspiel with bass and a flute, one could be excused for recollecting Nino Rota’s poignant “Casanova” soundtrack.  Here, the band will not dwell on such throwbacks.  Instead, it engages the Hammond organ and acoustic bass con legno, where the strings are tapped with the wood side of the bow.  But the tension is quickly released by the flute and organ theme, saucily contacted by the bent (fretless?) bass guitar.  Rattling xylophone (Fernando de la Vega) will be a belated invitee to this concoction. 

La autopsia de Sandoval

This slow-metered composition first demands a construction of a full-range hexahedron supported by the bass and covered with the flute.  But they no sooner build the structure than it is stripped down to the hi-hat and very quiet bass.  Even this calm is premature.  The Hammond organ adopts a role well known from Italian movie scores by Piero Piccioni or Armando Trovajoli.  The flute now has a lot of space to improvise on top.  Sudden accelerations of the Hammond/flute duo constitute an interesting update on Supersister’s classic sound.  But Diego Suarez is more intrusive than Sacha van Geest ever was and the rhythm section really lives in the 21^st century.  The last section is a painstaking rock hymn with piccolo doing its best to live up to the Italian tradition. 

Còrdoba, Oscar

Another heated, crawling entrée, spiced with static à la Fennesz.  This is soon interrupted by a rhythm section and multi-tracked voices of the musicians pronouncing the name of the Argentina’s second largest city.  Quick guitar arpeggios with a military drum roll invite even more diverse vocal versions of “Còrdoba”, each closed by a brief synthesizer section.  In quick succession, Spanish voices cut in, disorienting the listener.  Men and women, old and young appear in dozens of cameo roles, pushing the instruments into the distance. 

***

The band has published two CDs and nothing new has reached the broader audience for almost a decade.  They are, apparently, still active and have augmented their line-up with a violinist. 

LAS OREJAS Y LA LENGUA: “La eminencia inobjetable” (1996)

LAS OREJAS Y LA LENGUA: “Error” (2000)

The new drummer Fujita Fajita was welcomed into Voluntary Mother Earth this month as official Communal Mother.

More Communal Mothers to join us in time for our next tour and recording.

And here’re other pieces of insignificant information for ordinary people with busy lifestyle and a well-paying job.

1. Right Brain Club -Expansion
The Right Brain Club, a cute name for our free newsletter with special updates and free downloads, welcomed many new members in the past month, including but not limited to, nice folks from Indonesia, Israel, Russia, and many of them from Poland. We’d love to play in your country in near future, and your support will forever be appreciated by some lousy Oriental folks that we are.
So here’s to you. MUCHO GRACIAS!!!

2. Ready to Purchase our CD?
Save $10 from your next paycheck and purchase of copy of our latest album “Unacceptable Vegetable” and join all Voluntary Mothers scattered throughout the world.
To buy the album, go to CDBaby.com, or Apple iTunes, or Amazon.com, and other famous CD/MP3 stores online.

3. No? Then how about some free songs?
Or if $10 is too much at this moment, join Right Brain Club and get 5 songs for free. To join, simply go to http://www.voluntarymotherearth.com and use the simple sign-up form on the left side of the page.

In the meantime, more CD reviews in the U.S. and Europe are scheduled to come out soon.
Stay tuned!

Hugs,
Aki
Voluntary Mother Earth
http://www.voluntarymotherearth.com

Our newest album “Unacceptable Vegetable” received another great review from another great reviewer in Poland!

Check it out on Radio SAR’s Website at
http://www.sar.pg.gda.pl/index1.php?dzial=news&view=kat&id=6

Thank you Adam for the review!

If things go well, we’d love to play in Poland sometime in near future.
Stay tuned!

Aki
Voluntary Mother Earth

Voluntary Mother Earth is VERY excited to announce you that some of
our songs are getting aired on the radio in Poland on,, ahh,, TODAY!
(April 15th Tuesday)
Check out the station: http://www.radiosar.pl

It’ll be on the program called “Trojwymiar”, on the air from 6pm Polish time.

The DJ of the show is called Adam. We recenlt ran into each other
online and I asked him if he’d take a minute to check out our music.
Next thing you know, he’s so very cool to offer to play our songs.

If you live in Poland, make sure to tune in to http://www.radiosar.pl
at 6pm on Tuesday the 15th!

If you live elsewhere, I can’t read Polish, but it looks like you can
stream the station from the URL above as well.

Thank you Adam! Let’s all move to Poland!

(Above is the excerpt from V.M.E. Right Brain Club Newsletter. Wanna get our news and updates faster than everybody else? Join Right Brain Club at http://www.voluntarymotherearth.com!)

Hi Darling,

We’re currently holding auditions for a new drummer.
Hopefully we can introduce you to a new Voluntary Mother in a month or two.

After the new Mother joins, then we’ll start auditioning guitarists or keyboardists in place of Yuko, who left the band last fall.

In the meantime, eat a few more cheese burgers, and all will be well.

Talk to ya soon,
Aki

Voluntary Mother Earth’s new website is now up and running!
Newly included are
1) VME Updates
2) Last.fm radio
3) Reuter’s “Oddly Enough News”
embedded directly on the top page.

Hope you dig it as deep as deep south.
Let me know what you think.

Keep in touch!
-Aki

Hi Darling,

It’s Aki from Voluntary Mother Earth.

You know that sometimes I sing about The Penis, don’t you? If you didn’t, then I must ask you this,

“When’s the last time you heard a Japanese experimental rock band perfom a 12-inch-long Penis Duology?”

Probably never.

That’s why you should DOWNLOAD IT FOR FREE NOW and FEEL IT growing on your body!

So, Download “Penis Duology Pt.1 – Forgive My Penis” from Voluntary Mother Earth’s brand-new album “Unacceptable Vegetable” for FREE!
Come and ADD INCHES to YOUR PRIDE!

Here’s how, takes less than a minute. Faster than ramen. Simple. (Slower than when I was a teenager. But that’s a secret.)

1. Come to www.voluntarymotherearth.com. This is where you can stream MP3s of all songs on the album for free.

2. Join our “Right Brain Club” for FREE on the very same page.

3. Then, all of a sudden, you’ll get 5 FREE DOWNLOADS including the Penis song from 2 of our albums!

4. After you’ve added that another inch (by downloading), kindly forward this blog post to your friends. Just “Copy and Paste” this post into your email and let your friends know! You know at least 3 people that’ll appreciate a Free Penis Download, don’t you?

You never know if your friend’s friend’s friend’s brother’s wife was my best friend’s brother’s substitute math teacher who is extremely hot. God works in a mysterious way, they say.

So please kindly spread this post and see what happens. Heck, you can even email it to ALL of your friends!

Again, it’s all on www.voluntarymotherearth.com.

Thanks for taking the time to read this. Hope you’ll enjoy our Penis Duology.

So, are you ready to ADD INCHES NOW?
Go add ‘em goddamn inches!

Hugs,
Aki
Voluntary Mother Earth
-eccentrock for those who refuse to conform!
www.myspace.com/voluntarymotherearth

P.S.
- Make sure you copy and paste this blog and send it to your friends NOW so they can download the music right from their computer, too!

-Are you a blogger? Feel free to copy and paste this post to your blog! Just mention it came from here, and all is good!

Now, go start adding INCHES on www.voluntarymotherearth.com!

****DELETED****
Brilliant composer and accordionist Lars Hollmer performs his wonderful tunes with a 20 piece orchestra, with the arrangements by Jean Derome. Great melodies, wonderful orchestrations and arrangements and a the amazing sound that only a large ensemble can produce. Highly recommended!
“Recorded “live” in the studio, Karusell Musik delivers 17 compositions by and with Swedish accordionist Lars Hollmer, orchestrated by Jean Derome for the Fanfare Pourpour. The Fanfare — an authentic large dance ensemble like they don’t make ’em anymore, with a brass section, saxes, clarinets, guitars, banjo, accordions, violins, and percussion — invites you to discover or rediscover the songs and tunes of Lars Hollmer. Lars Hollmer has travelled the world with his timeless melodies full of naive beauty and dancing lyricism, in a number of musical projects. Egged on by Jean Derome, the Fanfare Pourpour embarked on this adventure with Hollmer. In October 2006, Hollmer was back on Québec soil for a week of rehearsals and recordings: the Fanfare backing up Lars; Lars writing for the Fanfare. A double rapture where the Swede’s tunes find a new home and the Quebecois Fanfare is given pieces that were clearly meant for it.

01 – Ännu Ingen Pelle
02 – En grekisk faster
03 – Änte Flöttar ja te sjöss
04 – Arvevals
05 – Karusell musik
06 – Inte Quanta
07 – Avlägsen strandvals
08 – Skiss Mellan Brest och Segosero
09 – Experiment
10 – Cirkus 1
11 – Cirkus 2
12 – Sarasnoa
13 – Eyeliner
14 – Det måste bli gjort
15 – Boeves Psalm
16 – Pompen
17 – Simfågeldans

Lars Hollmer: Accordion, Composer, Vocals, Voices, Melodica, English Translations

Jean Derome: Flute, Piccolo, Sax (Alto), Sax (Baritone), Orchestration, Mixing, Musical Direction
Luzio Altobelli: Accordion
Lou Babin: Accordion
Suzanne Babin: Clarinet
Marie-Soleil: Bélanger Violin
Eric Bernard: Guitar, Mandolin
Guido Del Fabbro: Violin, Violone
Jacques Duguay: Percussion, Grosse Caisse
Normand Guilbeault: Bass, Contrabass
Roy Hübler: Banjo, Guitar
Nicolas Letarte: Cymbals, Caisse Claire
Stéphane Ménard: Sax (Baritone), Sax (Tenor)
Pierre Emmanuel Poizat: Clarinet, Clarinet (Bass), Vocals, Voices
Jean Sabourin: Trumpet, Sousaphone, Trumpet (Bass)
Pierre Tanguay: Percussion
Némo Venba: Trumpet, Vocals, Voices
Claude Vendette: Flute, Sax (Tenor)

Right now I’m listening to “Five Suns” by Guapo, a British band moving in and about the avant-prog and alternative rock circles. They are absolutely to my taste (Bourdieu suggested that taste is actually a distaste for other tastes). It takes more to please me these days, as I journey deeper into a genre I’ve had a love for since my early teens. I keep King Crimson as base camp for this ongoing adventure, the prog band that never stopped evolving.

Listening to the radio the other day I discovered Battles, a band touching experimental rock, but more than that math rock and post-rock. When I heard the track “Race In” from the album “Mirrored“, I immediately thought of This Heat, another favourite of mine. So I had to get the album, and even my female counterpart liked it.

I also have to mention Ain Soph, a prog-rock act I’ve listened to for some time, and also The Art Bears and Birdsongs of the Mesozoic, two avant-prog bands. Ambient has also entered my ear canals lately, though mostly Brian Eno and Robert Fripp.

Capitalism will eat itself.

**** DELETED ****
One of those typically French or Belgian group evolving on the outer fringes of rock and even prog rock, and clearly fitting in Avant-prog. Generally these groups are at least four or five musos, but here Volapuk chose to evolve as a trio, which I think limits them over a whole album, but certainly if they go beyond this album and on to a second one.
But there are some superb elements that make Volapuk in general, but also this album in particular, endearing to us progheads: the dual sound of the cello along with the bass clarinet give a warm near-orgasmic ambiances, the superb overall musicianship. Some of Mandel’s synths sound (few and far between) could’ve been more appropriate, and his sax playing (unannounced in the credits) is apt. Around the half mark of the album, the music becomes more experimental (atonal or dissonant) and arduous, but the end of the album regains the excitement of of the first track, namely El Sombrero, which is truly the highlight.
Volapuk is close to group in the UZ or Miriodor, but unfortunately, their tiny line-up also limits their sound, therefore being relatively monotonous on the length of the album.
-Sean Trane (ProgArchives)-

01. Le Feu Du Tigre (2:35)
02. We Can (3:48)
03. Coca Cola (3:55)
04. Bach Is Back (4:50)
05. Des Objets De La Plus Grande Importance (3:33)
06. Pil Poil (0:35)
07. La 7e Nuit (5:55)
08. Aimables Innommables (1:20)
09. Meldola (1:38)
10. Catafalque (3:59)
11. A Coin (1:04)
12. Chandelle Verte (3:59)
13. El Sombrero (4:21)
14. C’est La Crise! (1:50)
15. Brooklyn Bridge (1:17)

Michel Mandel: clarinet
Guigou Chenevier: percussion
Guillaume Saurel: violoncello