A group of musicians, designers, dancers, writers, producers, coreographers and world dance champions are planning to take this dream to the stage so we can all enjoy a little taste of the Colombian salsa and the amazing stories that happen there all the time.

Imagine a working boy who gets the VISA to come to US and ends up in New Jersey and discovers that he is not too far from home because HOME IS HERE. Yes it might have all the social cliches we´ve seen in so many musicals. But that doesn´t make it any less good as the others.

So many musicals about so many social cliches have found success in the theatrical business why this one should be different?

This is a good idea for a good visual product, all they need to find is the executive producer or sponsors. Best whises for the team. The dream is about to come true I believe. I will be watching their develop in this story that has all the drama of a good play.

Merecedora sin duda del homenaje realizado en el Palacio de Bellas Artes en donde la comunidad de danza expresó su pesar por la pérdida de un importante integrante, pero sobre todo un profundo respeto por una destacada artista. Las diferencias o las ausencias constantes entre los miembros de la comunidad de danza se dejaron atras para acompañarle por un momento y así decirle el cariño que se le tiene.

La magnitud de la obra y creaciones de la maestra me obliga sólo a recomendar la biografía que de ella ha escrito Patricia Camacho. Desde ahí encontraremos más detalles de esta “vida dedicada a la danza” esa frase acuñada por los de su generación  de investigadores y que hoy es de obligada aplicación. De muchas formas cumplió con ese paradigma de los grandiosos en la danza. Uno de ellos fue su preocupación en el de rescate de testimonios y la revaloración del apasionante momento del arte en México que le tocó vivir.

Revalorar la época de oro de la danza mexicana no sólo fue su propósito sino un logro que permitió recordar la pasión con que se acometía la creación en esos días. A pesar de los prejuicios de quienes quieren borrar lo hecho antes o lo hecho por otros, sólo para hacer lucir su propia obra. Esta actitud no la tuvo la maestra Lavalle.

Más aún promovió un proyecto que ya es mito y también un ejemplo de los absurdos de la política cultural: FONADAN una investigación para el registro y análisis de las danzas tradicionales de nuestro país. Ahora que se habla tanto del patrimonio cultural intangible un registro de esta naturaleza sería muy útil para la preservación y la difusión de la importante riqueza cultural de México manifiesta en sus danzas. Algunas instituciones tienen esfuerzos particulares de regiones, danzas o grupos étnicos, pero no el intento del mapa general del patrimonio de la danza, como lo pretendía este proyecto.   Y lo más vergonzoso, es la otra parte del mito: su destrucción. Algunas menciones de restos del registro en bodegas del CONACULTA, rumores no aclarados, pero ejemplos de la ignorancia y menosprecio que algunos tienen de nuestro patrimonio.

Claro que sobre todo Josefina Lavalle es una muestra de la integración de nuestras raíces a lo moderno.  Y no sólo el folklore, sino lo cotidiano pujante y latente transformado en hecho escénico que buscaba formas novedosas; que además aprovechaba la colaboración de destacados artistas y las expresiones más contemporáneas del momento que le tocó vivir.

Ahora que se habla de homenajes y se confunde la oportunidad para “crear” coreografías. Bien valdría la pena seguir su espíritu. Si los coreógrafos actuales siguiendo el impulso de una realidad y un patrimonio cultural propio, y no sólo la moda de técnicas importadas, estarían dando un buen homenaje. Entonces las obras de Raúl Flores Canelo, los buenos momentos del Forion Ensamble, las coreografías bizarras de Raúl Parrao o las muestras de arqueologías posmoderna de Lidya Romero cumplirían el requisito. Lo mexicano que abreva en lo contemporáneo.

Aunque aquí hay una gran paradoja, pues lo contemporáneo es cambiante y su fluidez nos da nuevos rostros sobre todo los de los días por venir. Que hacen el repertorio de la época de oro y otras menciones que he hecho ejemplos de obras furas de moda. No sólo probablemente, fuera del contexto que las vio nacer y que las potencia aún más. Así vi el gran propósito de la maestra Lavalle de revivir La coronela. Si la viéramos con los ojos de la actualidad alguien la sentía arcaica.

Luego otra forma de homenaje podría ser el remontar, con estudiantes de escuelas parte del repertorio de la época de oro y de grupos independientes para ser presentadas a estudiantes, ayudarían a tener un conjunto de obras capaces de contribuir a la formación de públicos. Vencer el prejuicio en coreógrafos y funcionarios que las obra que ayudó a crear la maestra Lavalle y luego a rescatar son viejas y que sólo lo “nuevo” puede contribuir a difundir al cultura. Y también el otro prejuicio de que la danza contemporánea no puede crear repertorios.

Un homenaje a la maestra Lavalle es un intento general de preservar la danza, ese arte contradictorio por su carácter efímero, pero grandioso por el conjunto del patrimonio que ha construido.

El arte necesita de las posibilidades materiales y de los recursos para plasmar  ideas, sensaciones o estados de ánimo. El arte puede ser una inspiración pero también necesita de su realización, en esto hay cómplices de los artistas que los apoyan para llevar a cabo proyectos.

En el arte escénico siempre aparece el fin de estar en contacto con el público. La relación con los otros siempre es una cualidad en las artes escénicas a pesar del espacio que se defina para el encuentro: un teatro, un salón, una plaza u otros.

Ya sea en la producción de ideas o en el apoyo para que el público se acerque, los artistas tienen a menudo colaboración de los llamados promotores.

Desde luego hay diferentes acepciones que el concepto promoción, pero por lo general se define desde la perspectiva de la práctica profesional y desde luego las características que cada disciplina artística determina. Y sobre todo desde la definición de una vocación, esto ha sido más claro en la promoción de la danza.

La promoción de la danza suele ser un campo amplio y fértil, lleno de retos y responsabilidades, de posibilidades creativas y de un desarrollo personal que ha provocado la existencia de una serie de profesionales que han colaborado en importantes proyectos de la danza en nuestro país.

Aunque también hay que admitir que su número no ha crecido en la medida que lo ha hecho la danza misma. Hay más grupos, escuelas, coreógrafos, maestros, pero no más promotores, no al menos de manera proporcional a las necesidades de un gremio.

La promoción de la danza también se ha movido entre dos aguas: lo público y lo privado.  En lo privado ha tenido el rostro de la autonomía, el de los proyectos grupales e independientes que buscan las posibilidades de desarrollo de sus ideas; mucho más que el entendimiento de las empresas comerciales como suele ser en otros sectores.  Sólo en años recientes se ha considerado la organización de empresas culturales, pero estas aún no llegan a los propósitos meramente comerciales.

En el territorio autónomo de la promoción de la danza tenemos ejemplos diversos desde las compañías con la trayectoria del Ballet Nacional de México, Ballet Teatro del Espacio o Ballet Independiente o el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández hasta grupos independientes de danza contemporánea o ballets folklóricos más recientes. En los primeros ejemplos se puede destacar la existencia de colaboradores que han trabajado por la consolidar la organización, por la búsqueda de recursos, por realizar giras, construir o buscar sedes.

De lo autónomo se ha pasado con frecuencia a lo público. La promoción de la danza a partir de las instituciones de difusión de la cultura que el Estado ha creado no sólo por generación espontánea, sino por una respuestas a las necesidades de una comunidad y por los proyectos que promotores han creado. Dentro de la promoción pública de la danza se cuenta ya con instituciones surgidas de propuestas de la comunidad y de profesionales.

El ejemplo principal de este fenómeno son las estructuras y las instancias de apoyo a la danza: la Dirección de Danza de la UNAM la Coordinación Nacional de Danza del INBA o el Centro de Documentación e Investigación “José Limón” son consecuencia del desarrollo de la propia danza, pero quien le dio forma y permitió su desarrollo son promotores de la danza que han estado ahí. A la Coordinación Nacional de la Danza del INBA le da forma Ignacio Toscano, la fundación del Cenidi “José Limón” es una idea de Patricia Aulestia.

El tema de la promoción de la danza en México es muy complejo y rico. La experiencia de algunos, pero muy importantes promotores nos ayudarán a comenzar la historia, como registro, y la reflexión, como reto.

El tema de la promoción de la danza los tocamos en las mesas redondas:

VOCACION Y PROFESION POR LA DANZA. La promoción de la danza en el México Contemporáneo

Ojalá nos acompañen y nos acompañen el próximo lunes

18 de mayo

13:00 hrs.  17:00 hrs y 19:00 hrs.

Sala Carlos Chávez. Centro Cultural Universitario. Insurgentes sur 3000

ENTRADA LIBRE

En general el impacto económico será entre el 0.3 y 0.5 según cálculos de Hacienda, esto significa reducción de ingresos en recaudación de impuestos y desde luego para la gente por que el consumo se ha inhibido.

Al sector cultural al igual que el de espectáculos se le pidió cerrar puertas dentro de la medida llamada de “distanciamiento social” para evitar que las personas acudieran a concentraciones.

Es más, ahora que se retiran las medidas no se autoriza hacerlo aún en cines, centros de diversión nocturna, ni en teatros ni auditorios. Esto probablemente suceda en una semana más. Por fortuna las escuelas de arte y academias ya lo podrán hacer.

Así los bailarines podrán regresar al entrenamiento, también se podrá impartir clases de danza, lo que le permitirá a algunos miembros de la comunidad recuperar parte de sus ingresos. Las funciones tendrán que esperar.

El impacto de la contingencia sanitaria se sentirá de manera inmediata en el bolsillo de los profesionales de la danza con las semanas, de dos a tres, que las instalaciones para clases y teatros permanecieron cerradas. Sin embargo, el impacto se prolongará primero porque la confianza de los consumidores tiene que recuperarse. Algunos alumnos y muchos más espectadores se la pensarán dos veces para acudir a las instalaciones de danza.

Sobre todo los espectadores, ya ausentes de por sí de los escenarios, serán los más difíciles de recuperar. Aquí hay un punto a favor: pocos escenarios de danza dependen de los ingresos de taquilla para vivir.

Algunos viven con relativa tranquilidad por la beca en turno. Pero no tener beca es una situación difícil y esa es la mayoría de los artistas y profesionales de la danza.

También hay que considerar los diversos géneros y manifestaciones locales que se verán afectadas por que el interés de los gobiernos se concentrará  por supuesto a lo prioritario. Así será más importante campañas y subsidios para que la gente vuelva a comer carne de puerco mucho más que para que practique la danza, aunque sea un medio para fortalecer su salud.

Diferentes secretarías hacen planes para atenuar los efectos de la contingencia sanitaria. Habría que preguntar a Conaculta y el INBA que hará al respecto. O habrá el punto de vista de que no ha pasado nada, de que los grupos y artistas salen fortalecidos de esta crisis o inclusive los artistas después de días de encierro habrán comprendido que necesitan cada vez menos del público. Una contradicción que desde luego nos ubica en una actividad no prioritaria, al menos para el gobierno.

La danza, como arte escénico, sí necesita del público para crecer y desarrollarse. También para establecer vínculos con la sociedad.  Para mostrar su importancia y ser parte de las prioridades de los gobiernos y de la gente, y no sólo de nosotros mismos.

Lo valioso del arte, al igual que otras actividades de la sociedad, es que no vio afectada su planta productiva. Los teatros, escuelas, museos, los artistas, los maestros, los alumnos ahí están de pie con el orgullo, la capacidad y el talento. No creo que haya sucedido así con los espectadores, con la gente que quiera seguir los pasos de las propuestas de arte, mucho menos por los efectos del famoso “distanciamiento social”.

De hecho, las propuestas para integrar arte y sociedad no necesitaban de una contingencia sanitaria para existir, siempre son necesarias. La actualización de políticas culturales a las necesidades de la gente siempre son necesarias; así como su proyección para permitir el desarrollo integral de las personas