God dag, alle sammen!

Dette innlegget blir nok ikke så stort, for om få minutter, så har jeg planer om å sove litt. Denne helgen blir det nok ikke mye blogging i det hele tatt, kanskje ett innlegg i morgen også, men hvem vet?

Jeg sto opp 09:30 i dag, så jeg er ganske trøtt og sliten, kan man si. Etter å ha tatt en dusj og stelt meg litt, så gikk jeg av gårde til kinoen, hvor jeg og mange andre skulle øve til danseforestillingene som er neste helg. I kinoen har jeg nå vært fra 11:30 – 15:**, men i morgen så må jeg være mye lenger, noe som suger litt. Jeg trenger søøøøvn!!!

For å se på den lyse siden, så har det vært ganske gøy. Balletten gikk mer eller mindre bra, cheer’n gikk kjempe bra, bortsett fra akkurat da jeg klarte å skli og lande på rumpa, men det var null stress. Jazz gikk fint og hip hop gikk bra.

På vei hjem, så så jeg forresten en isbjørn. Ok, det var ingen isbjørn, men det var en helt enorm, hvit hund, så på avstand, så var “bjørn” det første jeg tenkte på. Det var helt sykt. Skumle skumle hunden.

Jeg kan ta å legge ut noen bilder senere (har ikke bildene enda), hvis dere vil?

Jeg tenkte at jeg ikke skulle hilse på dere denne gangen, men si at jeg håper dere kommenterer innleggene mine når dere likevel er her inne og titter. Jeg kan nemlig se hvor mange som leser hvert av innleggene mine, og det er langt over tjue nesten hver gang, så hvorfor i helvette kommenterer dere ikke? Uansett; dette skal ikke handle om dere, det er vel derfor jeg har en blogg. Den skal dreie seg om meg, meg, meg, meg og bare meg. Egosentrisk? En smule.

Som mange av dere vet, så danser jeg i fritiden min. Jeg danser hip hop, jazz, cheerdance og klassisk ballett, og virkelig digger det. Jo mer jeg danser og jo flere stilarter jeg prøver ut, så blir jeg nærmere og nærmere med å finne min stil. Beklager for å skuffe noen av dere, men klassisk ballett og jazzdans er mer meg enn hva hip hop og cheer er. Dog, jeg sier ikke at det er kjedelig. Langt i fra. Det å danse i det hele tatt er kjempe gøy, og det er nøyaktig dette jeg gjør når jeg trenger å “komme meg ut av hodet mitt”. Fantastisk måte å slappe av på, og bare koble helt av (i hodet, men det skjønte dere vel?..).

Før dere forsvinner helt, så ville jeg også spørre dere om hvordan dere kom dere fram til denne bloggen? Var det via en annen blogg, eller var det egentlig en ren tilfeldighet?

Zürich. Am 31. Oktober 2009 fand am Züricher Opernhaus  die zweite Ballettpremiere der Saison statt,  in der sich der Ballettdirektor des Hauses Heinz Spoerli erneut mit einem der Klassiker der Handlungsballette auseinandersetzte. Raymonda von Marius Petipa nach der Musik von Alexander Glasunow stand auf dem Spielplan. Unter den grossen Balletten von Marius Petipa ist Raymonda ein eher selten gespieltes Werk. Es war eine seiner letzten Schöpfungen; der 80-jährige Meister traf hier auf einen jungen Komponisten, den ihm der Direktor des Mariinskij-Theater nach Tschaikowkis Tod vorgeschlagen hatte: Alexander Glasunow. Der gerade 30-jährige schuf eine Musik, die mit ihrem Farbenreichtum und ihrer symphonischen Kraft an das grosse Vorbild anknüpfen kann. Allerdings tendiert das Libretto zu Raymonda, in dem mittelalterliche Romantik, eine geheimnisvolle Weisse Dame und ein exotischer Krieger die Zutaten zur Geschichte einer jungen Frau kurz vor der Heirat bilden, zu Handlungsarmut.

Heinz Spoerli versucht in seiner Neuschöpfung, der Titelfigur – getanzt von Aliya Tanykpayeva, die das Zürcher Publikum bereits in Lettres intimes erobert hat – im Spannungsfeld zwischen zwei Männern mehr psychologische Tiefe zu verleihen.

Die Ausstattung hat Luisa Spinatelli übernommen, die weltweit bekannt ist für ihre zauberhaften, vielfach prämierten Entwürfe für Oper und Ballett. Als musikalischer Leiter der Aufführung debütiert der russische Dirigent Michail Jurowski, ein ausgewiesener Kenner des russischen Balletts, am Opernhaus Zürich.

Weitere Aufführungen: 25. November 2009, 10./14. März und 18. Juni 2010.

Jugend und Reife

Das Werbeplakat ist nachtblau,düster und dunkel.Ein einsamer schwarzer Falke fliegt gerade über den erhellten Mond.Untertitel:Ballettabend von Eric Oberdorff und Ricardo Fernando.
Was verbirgit sich hinter dieser Idee?

Das Matinee heute morgen gab einen Einblick in drei Stücke die allesamt als Grundtonus eine gewisse gedecktheit in sich tragen,im “Underground” stattfinden,ja sozusagen auch im “untergrund” der menschlichen Basis.Kein Ballast oder schwere erscheint.Da stehen Menschen die leben und das intensiv.Es geht um sehr Nahe,existenzielle Beziehungen und Begebenheiten.

Die Musik von Tom Waits und die Choreografie von Ricardo Fernando “Underground”,erinnert an die moderne heutige “Hip Hop Jugend” Szene,an das Leben auf der Straße,aber eben auch an ein gereifteres Leben,das schon ein gewisse Färbung in sich trägt.
Obwohl es undergroundig ist und es U-Bahn Stationen in der Tiefe,am Bahnhsteig und kurz vorm Zug vom Bühnenbild her geben soll,immer auch lebendig mit viel Lebensenergie.Eine humorvolle Nummer ( ein Männer Deux) zu Tom Waits gecovertem “Somewhere(Bernstein) und roten Clownnasen fehlt auch nicht.
Was man heute tänzerisch kurz sehen konnte,war von höchsten zeitgenössischem Niveau.Sehr stimmig in der Gesammtheit und mit viel Weitblick gestaltet.

Von dem erfolgreichen Choreographen Eric Oberdorff(Leitder der  Compagnie Humaine in Nizza)wird es “Libre” und “Absence” zu sehen geben zu Musiken von Arvo Pärt(Spiegel im Spiegel) und Giya Kancheli.
Sehr human geht es auch hier zu;in Absence geht es um einen Zustand der Abwesenheit,einen Zustand den man evtl.durch  einen plötzlichen seelischen Schock hineingeraten ist.
Im gezeigten Ausschnitt ist eine Frau diese Person.Zart,zerbrechlich fällts sie immer wieder wie Blätter hin und her schwankend fast zu Boden.Eine innere Wunde ist geöffnet;schutzlos und verletzbar nach Außen.
Doch ein Mann fängt sie immer wieder auf,hält sie fest oder weist ihr sanft eine Richtung.
Zarte,sanfte,kleine,langsame Bewegungen belassen dieses Stück als etwas sehr authenitsches und kostbares.

“Libre” beinhaltest die Freiheit des Choreografs und des Tanzes ansich.Tanz der sich aus der Musik entwickelt und mit der Bühnentechnick harmonisiert.

Nighthawks als einen Ballettabend der insgesamt im Untergrund stattfindet,im bedeckten abgegrauten Bereich,dennoch bunt,lebendig,augenzwinkernt humorvoll und vor allem menschlich.
Jugendlich mit reifer Färbung.

Ricardo Fernando und Dr. Maria Hilchenbach erklärten mit viel sagendem Blick es werde noch viele Überraschungen geben….

Judith Le Hurray: Tanz mit Spannung

Am 1. Oktober ist das neue Jugendbuch der Geschichtenweberin Judith Le Hurray erschienen. “Tanz mit Spannung” gliedert sich in die SMS-Reihe des Schenk Verlags. Es ist also eine Starke-Mädchen-Story.
Schon die ersten Sätze machen das auf, wie ich finde, geniale Weise deutlich:

Du wärst gerne reich? Kein Problem. Du kannst meine Mutter haben. Geschenkt. Die ist reich. Und deshalb meint sie, die Welt gehöre ihr.

Und die Mutter ist nicht das einzige Problem:

Die dreizehnjährige Deborah hat große Probleme mit ihrer herrschsüchtigen Mutter. Die darf auch auf keinen Fall erfahren, dass ihre Tochter außer Ballett noch Jazztanz und Hip Hop macht. In Deborahs Jazzgruppe sind zwei Jungs: der hübsche Marco und der unscheinbare Florian. Wer darf mit Marco bei der Vorführung tanzen? Der Pas de deux mit dem Mädchenschwarm führt zu Stress mit Freundin Sarah. Dann taucht auch noch Deborahs Mutter während der Hip Hop-Stunde im Tanzstudio auf. Auch hübsche, reiche Mädchen haben Probleme und sind manchmal arm dran. Darf Deborah bei der Aufführung mittanzen? Kann sie ihre nervige Mutter ändern? Und wird das was mit der ersten Liebe?

Also unbedingt mal in die Leseprobe (1. Kapitel) schnuppern.

Judith Le Huray
Tanz mit Spannung
Schenk Verlag
ISBN 978-3-939337-68-3
176 Seiten, Softcover, 12 x 18,5 cm
SMS-Buch, Band 11.

Als unser Programmheft in Druck ging, stand der Termin für die Führung durch das Nationaltheater in München leider noch nicht fest.

Heute morgen wurde uns vom Nationaltheater das Datum mitgeteilt:
Die Führung findet am Freitag, 27. November 2009 von 14 bis circa 15 Uhr statt. Treffpunkt ist die Eingangshalle Nord (Marstallplatz).

Die Führung vermittelt Wissenswertes über den personellen, organisatorischen und logistischen Aufwand, der für eine Opern- oder Ballett-Vorstellung erbracht werden muss, sowie interessante Informationen über bauzeitliche Daten und wegbereitende Personen, die die über 350jährige Geschichte der Oper und des Balletts in München historisch einrahmen.

Der Rundgang durch das Nationaltheater beinhaltet unter anderem die Besichtigung des Königssaals, der Ionischen Säle sowie des Zuschauerraums.

Weitere Informationen und Anmeldemöglichkeiten finden Sie auf unserer Webseite.

Home and Home/Ptah/This is your life

Wie in den Nachbarstädten Dortmund und Hagen gibt es jetzt in Essen auch einen dreiteiligen Ballettabend;das Special hier:Acht Junge Choreografen der Essener Comapnie sowie aus Kiel und Hagen präsentieren ihr Eigenwerk erstmals vor vollem Haus.(Betitelts nach “Ptah”-dem ägyptischen Gott der Schöpfung)
Zu Anfang und am Ende jeweils ein Stück des Ex-Cullbergballett Direktors Johann Inger(Home and Home) und der südkoreanerin Young Soon Hue(This is your life).

Wer Unterhaltung mag,unterschiedliche Ideen,vielfalt und modernen Tanz,für den ist dies genau richtig.

Themen aus dem alltäglichen Leben,Metamorphose,Schmerz,Leben und Tod,und Humor standen im Vordergrund.
So auch zu Anfang Johan Ingers Stück Home and Home.
Dieses Stück pendelt ständig zwischen Leben und Tod.Als ein Stück der “Grenzgebiete” bezeichnet es Inger auch selbst ” Sinn und Sinnlosigkeit.Bedeutung und Bedeutungslosigkeit.Vorder und Rückseite.Sicherheit und Unsicherheit.Leben und Tod” Situationen aus dem Leben,Beziehungen die nicht gewollt werden,Kampf zwischen zwei Männern und einer Frau,Kampf mit dem Tod….immer gibt es beide Seiten jeweils in Verbindung mit der anderen,doch durch das Stück zieht sich die unterschwellige düstere Todesstimmung.Die Bewegung hat stets große Spannung in sich,ist sehr impulsiv und fließend.
Musik für das “lebendige” jazzig und für den “Tod”Violoncello Suite” von Bach.
Zum Schluss ist die Frau an die Wand gehängt.Begräbnisstimmung.Der Vorhang senkt sich.Eine Blume die zu Anfang links auf der Bühne stand,steht jetzt rechts.
(Yoo-Jing Jang,Ana Sánchez Portales.Michelle Yamamoto,Tomás Ottych,Nwarin Gad,Dragan Selakovic,Oleksandr Shyryayev,Denis Untila,Igor Volkovsky)

Nun begann “Ptah”, der Teil mit den Werken der Jungen Choreografen.Jeweils mit einer sympatischen Videoeinspielung stellte sich der “Schöpfer/Schöpferin” kurz vor und gab ein Statement zu seiner Inspiration ab.
So Cleiton Dionkinas :”Im Leben kann niemand zurückgehen und einen neuen Anfang schaffen.Aber jeder kann anfangen,ein neues Ende zu schaffen”.
Dazu die Gedanken wie man mit Horrornachrichten des täglichen Geschehens umgehen soll und das viele Menschen nicht wissen wie sie ausdrücken sollen was sie ängstigt und schmerzt.
Das Ergebnis ein Tanz des unendlichen schmerzes,eine Figur die sich versucht auszudrücken,es aber nicht ausdrücken kann, und dafür einen Weg sucht.Musik: “Requiem for a dream” von Clint Mansell.
Das Gefühl kommt sehr gut rüber,auch sehr eindrücklich,allerdings bekommt das ganze einen kitschigen Touch der die ernsthaftigkeit weg nimmt.Der Kitsch entseht durch einen Sciencie Fiction artigen Anfang:lautes Atmen einer Gestalt in weiß wehendem Mantel die geisterhaft vom Publikum auf die Bühne steigt sowie dem zugeschnürten Mund mit einem Tuch.

Als zweites Nwarin Gad mit seiner “Einzigen Wahrheit” den “Circle of Life”.Als Hintergrund der Gedanke dass jeder Mensch nackt geboren wird und nackt stirbt und es somit in dieser Hinsicht keinen Unterschied zwischen den Menschen gibt.
In sehr einfacher kindlicher und leichteter Tanzsprache beginnt Nwarin Gad seine Choreografie.Rein,unschuldig wächst er auf.Sprünge und virutose Bewegungen folgen zu klängen eines kinderliedes und Lisa Gerrad “sacrifice”.Insgesamt tänzerisch gut,aber eine eher “dünne” Choreografie.
Alle Leid der Welt scheint sich zu relativieren bis am Ende die Friedenstaube eingeblendet wird und der Mensch wieder so liegt wie zu Lebensbeginn.

Nun rasant wird es bei Deniz Cakir.In Lichtquadraten verirren sich drei Tänzer,suchen Orientierung.Abhängig der Quadrate sind sie in einer gewissen Enge.
Akrobatik,Breakdance Elemente und enorme Schnelligkeit zeichnen dieses Stück aus,was die Tänzer auch gekonnt umsetzen!
(Musik:Linkin Park,Session)
(Tomás Ottych,Oleksandr Shyryayev,Emil Wedevang Bruland)

Bei Adeline Pastor hingegen wird es sehr brav.Die Metamorphose einer Schmetterlingsraupe zu dem flatternden hübschen Insekt ist ihr Thema.
Hübsch klassisch und nett modern tanzt sie das wachsen und das Form verlassen des Tieres.Grand Jetes, Pique Tours und Bodenbewegungen sind häufig.

Michelle Yamamoto zeigt auf satirische Art,dass gleichförmige und routinierte,Z.B wenn alle in der Diagonalen einen Plie watschel Gang hinlegen und sich die Socken anziehen.
Später dann gibt es ein Individuum das sich von den anderen abhebt.Ein schönes Bühnenbild aus Licht,Seifenblasen und den Tänzern zu langsamer minimalistischer Pianomusik.
(Tacina Cascelli,Alena Gorelcikova,Yulia Tsoi,Wataru Shimizu)

Eine geniale Nummer ist Wohl “Game” von Denis Untila.
Schon beim Intro weis man das es gut wird:Musik und Tanz passt perfekt,sowie das Timing aller Vorgänge .Die Dynamik eines Kartenspiels ist die Grundidee.
Die schwofige Stimmung,das Austricksen und spielen untereinander und miteinander,das raten und die leise “Gier” kommen durch unterschiedlichen Spannungszustände zur Geltung.
Tänze am Tisch sowie in der Gruppe im Raum fehlen auch nicht und reißen einfach mit.
(Yoo-Jing Jang,Michelle Yamamoto,Tomás Ottych,Oleksandr Shyryayev,Denis Untila)

Von André Baeta und Marcelo Moraes vom Theater Hagen gibt es eine gefühlvolle,intensive auseinandersetzung von einer Person und dessen inneres “Motherless Child” (Musik: Van Morrison)
Ein innerer Dialog als Männer Pas des Deux,das Dichte und Gehalt auszeichnet.Ruhig und doch “ist städnig was los”.
(Deniz Cakir,Emil Wedervang Bruland)

Zuletzt Tenald Zace bei dessen Pas des Deux es um zu einer Trennung kommt.
Musik von Vivaldi(Natalia Korneeva,Marat Ourtaev)

Zum finalen Schluss “This is your life” von Young Soon Hue.Hier treten Figuren aus dem normalen Leben mit ihren Geschichten in einer Talkshow auf:Z.B das streitende Ehepaar,ein Mann der seinen Beruf verfehlt hat,ein verlassener Mann…und wohl Publikumsliebling: Der schräge abgedrehte Schönheitssalon besitzer(Cleiton Diomkinas)…
Zu Tangomusik von Astor Piazolla,Henri Mancini,Jacob Gade und Sexteto Mayor ergeben sich verschiedene Geschichten auf Unterhaltungsniveau.Hierbei werden aus der Tangomusik die humoristischen und melancholischen Elemente besonders für die Gesamtwirkung genutzt.
(Emil Wedervang Bruland,Alicia Olleta,Yulia Tsoi,Oleksandr Shyryayev,Yoon-Jing Kang,Adeline Pastor,Michelle Yamamoto,Cleiton Diomkinas,Denis Untila,Alena Gorelcikova,Wataru Shimzu,Tacina Cascelli,Tomás Ottych,Deniz Cakir,Nwarin Gad,Vardan Khachtryan,Tomás Ottych,Dragan Selakovic,Igor Volkovsky)

Matinee “Three Faces” Theater Hagen

neues und weiteres

Matinee Theater Hagen “Three Faces” 01.03.2009

-neues und weiteres-

Es wird spannend:pur,abwechselungsreich und modern sind die Worte die kurz die gezeigten Auschnitte umschreiben.Dieser Ballettabend (alles Uraufführungen) der durch die drei Choreografen Henrique Talmah,Yong Soon Hue-Simon und Ricardo Fernando auf experimentielle Weise enstand,ist ein mutiges experiment das einen Schritt in eine neue Richtung erahnen lässt.
Nicht unerwähnt sollte dabei der junge Komponist bear McCreary, der in den USA sehr erfolgreiche für das Fernsehn arbeitet.
Er schuf basierend auf seine Komposotion für die Science-Fction Serie “Battlestar Galactica” eine neue Version für das Ballett Hagen,das live vom Orchester Hagen gespielt werden soll.

Auch lustig ging das Matinee von statten,ob nun die Tänzer Hosen hatten die im Schritt gerissen waren,ein Krabbeltier sich auf der Bühne verirrte,etwas lustiges entstand durch Sprachschwierigkeiten,ein Tänzer zu früh die Bühne verließ…die Athmosphäre hielt sich locker und lud zum schmunzeln ein.
Den ersten Teil der öffentlichen Probe gehöhrte dem brasilianer Henrique Talmah.Gezeigt wurden drei Ausschnitte seiner Choreografie,einmal ein Stück mit den Herren,dann ein weiteres etwas weicheres Stück mit den Damen und ein gemischtes.Ganz in Contemporary Technick und besonders viel mit den Armen getanzt.
Hier geht es einfach um “Bilder” zu Musik.
Henrique Talmah erklärte-der in Brasilien eine Compagnie leitet dass es ihm besonders gefällt in Deutschland mit einem “richtigen” Theater zu arbeiten dass auch viel mehr Technische Möglichkeiten hat.Die Musik stammt stets von Beethoven als “Symbol der westlichen Musik”.Er nimmt die Musik als Verbindung zur Entwickelung einer Körpersprache.
Fernando verriert noch,dass bei dem Bühnenbild Videomaterial und Tücher zum Einsatz kommen werden.

Als nächstes kam Young Soon Hue-Simon zu Wort die eine Choreografie Namens “Glashaus” erarbeitet hat.
Ihre Idee dazu stammt aus einer Begegnung mit Kindern aus einem Weisenhaus womit sie in der Choreografie die traurigen,fröhlichen und kindlichen Aspekte darstellen möchte.Entmündigung,Widerstand und übermut gehöhren ebenfalls dazu. Die Musik dazu hat sie von verschiedenen Komponisten gewählt.(Pachelbel,Delibes,Bizet und Karl Jenkins)
Gezeigt werden drei Ausschnitte wobei alles sehr klar,kindlich und deutlich mit Gefühlen gefüllt ist. Bei dem Pas de Deux mit dem Thema “Erste Liebe”gibt es viele Hebefiguren,viel mit “Fallen und Auffangen”.Bei einem Frauen Trio mit der Musik einer Spieluhr geht es sehr spielerisch zu,bis dann jemand “Erwachsenes” kommt und die Spieluhr abstellt.Bei dem dritten Stück zur Musik von Karl Jenkins geht es sehr energie geladen zu.
Alles ist sehr pur und emotional-die Choreografin selbst verbindet mit “Glashaus” selbst auch einen Ort wo man nichts verstecken kann oder wie bei Kindern wo alles sofort sichtbar ist.

“Prelude to War” heißt der dritte Teil des Ballettabends der etwas interessantes neues erahnen lässt.Heute kam die Musik nur vom Band,jedoch soll die Musik von Bear McCreary vom Orchester gespielt werden,wobei der Dirigent Bernhard Steiner noch betonte,dass es sehr eindrucksvoll wird.
Nicht gewöhnlich ist die Musik im Science-Fiction Style,denn die Orchestrierung forderte einige sehr ungewöhnliche Instrumente “von denen man noch nie etwas gehöhrt” hat-so Dirigent Bernhard Steiner.
So war es auch recht schwierig überhaupt Leute zu finden die die riesigen Taiko-Trommeln spielen können und mit dem Orchester zum Einklang zu bringen.
Die Choreografie hierzu stammt von Ricardo Fernando wobei es auch hier wieder einige Ausschnitte zu sehen gab.Galaktisch und schwerelos,aggressiv und dynamisch…eine große Pallette verschiedener Situationen die sehr harmonisch,klar und sehr sehr mit der Musik übereinstimmen.

….der Geschmack:etwas neues weiteres ist herangereift!

Krieg und Frieden Theater Dortmund

Ballett von Xing Peng Wang

“Krieg und Frieden” Theater Dortmund 22.02.2009

Ballett von Xing Peng Wang basierend auf Motiven aus “Krieg und Frieden” von Leo Tolstoi und Christian Baiers “Panzerschlacht”

Ein Szenraio dass das Thema Krieg beleuchtet wird getanzt.
Krieg als Ausnahmezustand.Nichts gilt mehr,alls gesellschaftlichen Gesetztmäßigkeiten werden ausgeschaltet und nur der instinktive Kampf ums Überleben zählt…
Schemenhaft bewegen sich die Körper in halber Beleuchtung,düster gehalten die Stimmung auf einem dumpfen Niveau,dass zugleich aggressiv mit vielen Schritten zum Ausdruck kommt.
In der gesamten Choreografie spiegeln sich die Brutalität,die Kraft und Anspannung “etwas zu tun”,die Angriffslust,die Starre und Verwirrtheit,Menschenmanssen und Soldaten,die Sehnsucht nach Halt und die Gebrochenheit der Seelen,der Verlust,die Nacktheit,Verletztbarkeit und Leere.Sowie auch letztendlich das wiederfinden der Menschlichkeit auf dem Schlachtfeld.
Die Musik von Dimitri Schostakowitsch unterstreicht das geschehen sowie die Kostüme (Elke Walter) die in dumpfen Tönen gehalten sind,gleichzeitig vom Stoff her edel aber zerfleddert sind.

Krieg eben als eine Feierlichkeit und Leidenschaft zerflossen mit der Grenze zum Wahnsinn und dem hohen Preis der Opfer und des Grauens.Der Krieg,als Chance etwas zu tun was sonst unmöglich wäre,etrwas zu bekommen was sonst nie möglich wäre quasi wie eine Feierlichkeit oder Erlaubnis in den so mancher Soldat mit großer Hoffnung maschiert.Gleichzeitig der hohe Preis der anfangs blind übergangen wird.
Genau mit dieser Zweiseitigkeit fängt das Ballett auch an.Es beginnt mit dem “kalten Fest”,einer kleinen Standszene die die Nacktheit und enge,das pure und die Armut zeigt.Kriegsbeginn.”Ein Fest für die Lebenden oder die Toten?” steht im Programmheft.Das ist eben die Frage!
Dann kommen die vier Protagonisten ins Spiel,eine Ehepaar und ein Paar(Adrian Robos,Vittoria Valerio und Roberta Borges Vieira,Yuri Polkovodtsev) wobei sich wie in Tolstios Roman jeweils begegnen und in verschiedene Spannungszustände geraten.Einmal die Begegnung zwischen Mann und Frau,Ehefrau und Geliebter und Ehemann und Geliebtem.Diese Zustände finden jeweils in Pas de Deux alleine statt oder werden noch von dem Äußeren Krieg umrandet.Die “Kriegserklärung” aufgrund von Eifersucht und die Kreigserklärung im Außen finden gleichzeitig statt.
Dieser “innere” Krieg der Paare wird im “äußeren” gespiegelt durch den Krieg und auch umgekehrt.
Das Ensemble tanzt das marschieren,die Stzarrheit und den Starrsinn.Die Spannung “gleich in den Krieg zu ziehen”.Gleiche Bewegungsfolgen,teilweise Steif und Straff, immer energisch aufegladen dem Krieg etgegen.
Die “Kriegserklärung” aufgrund von Eifersucht und die Kreigserklärung im Außen finden gleichzeitig statt.
Dann als Abschluss des 1. Aktes in blutrotem Licht,der “feierliche” Einzug in den Krieg.Die schwarzen schemen der Tänzer am marschieren zu der feierlichen Musik,der rasche Abschied voller Hoffnung…

Der zweite Teil als Sinnbild für das ähnlichwerden der “Feinde”. Die Ehefrau und die Geliebte im Labyrinth(dargestellt aus Lampengittern auf der schwarzen Bühne) des Krieges gefangen,jeder in seinem Raum,jeder Kämpft,die Sehnsucht grüßt.Als Zuschauer der Szene erkennt man,wie ähnlich sich doch beide Feinde sind!
Der zweite Teil ist etwas ruhiger und nicht mehr so aggressiv,brutal,kriegslustig wie der erste.
Das sieht man dann auch im “Winterfeldzug”.Die Bewegungen werden kreisiger und runder.
Es ist noch ein Kampf,aber der Kampf jedes einzelnen um zu überleben zwischen Krieg und Feldzug der Masse.
Kampf und Sehnsucht;lansgam wird man wieder menschlich und erkennt die Sinnlosigkeit.Doch es ist schon zu spät…..noch scin Schuss aus der Pistole…doch es ist lange schon zu spät.Tote liegen schon auf dem Boden,verletzte rollen sich seitlich von der Bühne.
Und wieder das “kalt Fest”….der Krieg ein Fest? Ein Fest für Lebende oder für die Toten?

TangoMania

Gehaltvoller Tangoabend

TangoMania Premiere 25.10.2008

Mit Standing Ovations und Zugaben endete am Samstag die Premiere von TangoMania in Hagen.
Premierenunsicherheit war bei einigen Ensemblemitgliedern zu merken,doch das gehaltvoll zusammengestellte Programm und dennoch recht solide Leistung der Tänzer
machten dies wieder wett.

Eingestimmt wurde man am Anfang durch ein Gedicht auf Spanisch(Mi viejo Piazolla-Mein alter Piazolla) und durch die Fassade einer Tango Bar
in die sich die einzelnen Leute-mit einer dicken Prise Humor- begeben….des weiteren öffnet sich ein wenig die Türe zur Tango Bar und versucht die Zuschauer
zu reizen indem es den tiefroten Boden und die Beine tangotanzender Paare freigibt.
Schließlich befinden wir uns in der Tango Bar (Bühnenbild Malte Lübben,Ricardo Fernando) mit einer Theke,Tischen und Stühlen,und roten “Parkett”.

Ausgangssituation ist immer die Tango Bar mit den Gästen aus denen sich immer wieder im ausgewogenen Verhältnis
Duette,Trios,Quartette und Solos enwtickeln.
Zu beginn sitzen die Gäste (Ensemble) in U-förmiger Stuhlreihe und beginnen zur Musik”El Choclo” (Angel Villado).
Die Bewegungssprache basiert ab hier auf Elementen des zeitgenössischen und klassischen Tanz und natürlich zahlreichen Elementen aus dem Tango damit der Tangoabend auch
seinem Character entspricht und so wird auch die Ausdrucksmöglichkeit erweitert und geht über den des “gewöhnlichen Tangos” hinaus,denn dieser Abend basiert nicht auf den Tangoklischees “Erotik”
und “sexy”,sondern zeigt den Gehalt,die Tiefe,Nähe und Stimmung des Tanzes der aus den unteren Gesellschaftsschichten(gente del pueblo) in Argentinien entstand.
(Choreografie Ricardo Fernando,Carla Silva Assistenz)Halt eben durch und mit den verschiedensten Szenen die in der Tangobar entstehen.
Unterstützt wird dieses durch die Kleidung die jeden Gast (Tänzer) trägt die diesen als Individuum erscheinen lässt und eben nicht das Hauptmerkmal auf eine erotische Komponente liegt.(Kostüme Ricardo Fernando,Christiane Luz)Getanzt wird auf Absatzschuhen,sowie schwarzen Jazzschuhen für den Mann wobei wohl die gebieterische Solonummer auf Spitze zusammen mit Herren des Ensembles (Caroline de Oliveira) zu einem der Höhepunkten des Abends zählt(Una musica Brutal-Wotan Project).
Zu weiteren Besonderheiten kann man auch das Herrenduett auf der Theke von Leandro Fronseca und Marcelo Moraes nennen,ein wohl freundschsaftliches Rangen
um den Platz an der Theke( passend musikalisch: La Beba-Osvaldo Pugliese);die (Ballada para un loco-Astor Piazolla),eine “verrückte” in Buenos Aires, wild gesäuselt getanzt von Giulia Fabris unterstützt durch das Ensemble mit einer Brücke aus Stühlen.
Oder auch den anrührenden,vorsichtigen Beziehungsdialog der dreier Konstellation Viola Crocetti,Giula Fabris,Carla Silva melancholisch untermalt von Astor Piazollas Primavera portena.
Auch Carla Silva(Ein einsames Solo mit Stuhl:La misma Pena-Astor Piazolla) behielt den ganzen Abend über die Spannung und sehr mit der Musik verbunden,es schien teilweise so,als ob sie das gesamte Ensemble “mitzog”.

Die Bandbreite der Tangomusik war auch noch eine Komponente der Fülle der Tangoabends mittels verschiedenen Werke verschiedener Interpretetn der Jahrzehnte ( Astor Piazolla/Homero Exposito,Angel Villado,
Gerado Matos Rodriguez/Roberto Firpo,Gotan Project,Mariano MoresOsvaldo Pugliese).

Nervosiät der Tänzer zeigte sich etwa in falschen Einsätzen,Unischerheiten und fehlender Musik verbundenheit in den Ensemblenummern,
doch das ließ am Schluss und in den Zugaben die Zuschauer nicht weniger Kräftig applaudieren.

La vie En Rose Premiere Aalto Theater

Leben im Traum

Pünktlich am 45.Todestag der französischen Chanson Sängerin Edih Piaf,feiert Ben van Cauwenbergh mit seinem Ballettabend “La vie en Rose” sein Debut am Aalto Theater in Essen als neuer Ballettdirektor.
Gezeigt wird hier ein Ballettabend zu unterschiedlichen französischen Chansons voller Lebendigkeit,Träumerei die zugleich zutiefst realistisch wirkt,erzeugt durch fließende Handlungsübergänge und starker Publikumsanbindung des alten Clochards “Jef” (Schauspieler Zygmunt Apostol).

Jef steht früh morgens mit seinem Akkordeon in einem Boulevard in Paris und schwelgt spielend in den Zeiten von Edith Piaf,Gilbert Bécaud und Jaques Brel und “erzählt” kurz auf den Punkt gebracht über ihr Leben bis das moderne Paris erwacht und das treiben auf den Straßen losgeht( Corps de Ballett zu Musik von John Adams) und er darin mit seinem Akkordenospiel “untergeht”.
Bis er wieder alleine in seiner Straße steht und einen alten Strohhut findet und sich an Maurice Chevalier erinnert,daraufhin in die Welt der Chansons eintaucht,aufblüht und lebt.
Zuerst treffen wir auf Edith Piaf (Adelina Pastor) die mit “La vie en rose”, “Padam,Padam”, “Milord”,”Mon dieu” “Hymne á la mour” und “Non, je ne regrette rien” ihr Leben erzählt.
Die Tänzerin selbst singt immer wieder Teile der Chansons selbst und neben ihrer sehr starken tänzerischen Darbietung zeigt sie sich auch schauspielerisch,wobei man allerdings etwas den Tiefgang und die Leidenschaft vermisst.
Folglich treffen wir auf Gilbert Bécaud(Denis Untila) in seinem typisch blauen Anzug,eingeleitet durch eine humorvolle Szene von Jef,der hier klavierspielend das Publikum einlädt mit ihm zu singen.(“Quand il est mort,le poet”/”Wenn er tot ist der Poet” )
Es folgt Bécauds Leben mit den Liedern “Nathalie” “Je reviens te chercher”,”L’important c’est la rose”
“Jef” schafft es den ersten Akt mit gesanglicher Begleitung des Publikums zu beenden.

Der zweite Akt findet in einem Bistro statt und bezieht sich auf vom Character her unterschiedlicher Chansons von Jaques Brel(Ivan Korneev).
Eingeleitet durch “So viele Züge” von Gilbert Bécaud geht es um das Aufeinandertreffen eines Paares bis es zum Schluss um Jef selbst geht und im Finale sich nach “Ne me quitte pas”-Verlass mich nicht-hinter Jef,Edith Piaf ,Gilbert Bécaud(sein Leben) der Vorhang senkt.

Das Bühnenbild(Dimitrii Simkin) besteht hauptsächlich aus einem großen Schirm auf den jeweils Bilder projeziert werden,was einen mehrdimesionalen Effekt auslöst.
Nicht zu üppig und nicht zu dünn,sondern es dient als Unterstreichung des gesamten Geschenes auf der Bühne.

Stars&Steps Dortmund

Mit “Stars&Steps” zeigt das dortmunder Ballett einen sehenswerten Ballettabend der beiden führensten Choreografen des 19. und des 20.Jahrhunderts,nämlich von George Balanchine und Mauro Bigonzetti als kontrastreiches Programm zweier verschiedener Ballettstile.
Der zweiteilige Abend beginnt mit George Balanchines “Who Cares?” als Anlehung an die immerzu schillernde Broadwaywelt,wie auch schon der Titel mit seiner Doppeldeutigkeit anmerkt.Passend dazu die Musik von George Gershwin.
Und wer Balanchine kennt,der weis das er den Tanz in den Mittelpunkt stellt,nicht etwa Kostüme,Bühnenbild oder genaue Handlungen,sondern verknüpft stark die Musik mit dem Tanz um den Tanz allein hervorzuheben.So dienen das Bühnenbild-ein Broadway Bild mit Klaviertatsatur- und die kurzen Glitzerkostümchen der Damen und schwarzen Anzüge der Herren nur als Untermalung des eigentlichem.Und das eigentliche-den Tanz zeigt das dortmunder Ballett Broadwaymäßig perfektionistisch schillernd,wobei die technisch perfekten Fouettes einer Tänzerin in grünem “Kleidchen”ebenso dem Bild entsprechen.

Im zweiten Teil serviert uns fast wort wörtlich -Mauro Bigonzetti mit musikalischer unterstützung durch Giacomo Rossini(teilweise Live Klaviermusik)-mit “Rossini Cards”ein italienisches Abendessen-Viel emotionalität, viel Humor,Vielfalt und Sprache,wobei uns in einer Szene wirklich ein Kochrezept in italienischer Sprache angepriesen wird.
Collagenszenen sind im ganzen zweiten Teil aneinander gereiht.Jede Szene hat ihren Witz und Wärme,ihr Thema und Tanz,wobei die erste Collagen auch auf die letzte bezogen ist und auch hier der Witz nicht fehlen darf.
Ob es Sprünge in den Orchestergraben in Unterhose,ein sehr emotionales intimes sehr gelungen getanztem Pas de Deux in Unterhose, oder die Frau oben ohne ist,muss man hier mit viel Freizügigkeit rechnen,denn auch diese Tatsachen lenken nicht von dem eigentlichn geschehen ab.Viel mehr bleibt einem ein starkes Männer Pas de Deux im Kopf oder etwa die Operngesangsversuchsszene zweier Tänzer oder ein Diagonalenwalzer des Corps de Ballett und auch eine Anspielung auf eine gesellschaftliche Tischszeremonie…Immerwieder wird der ganze Raum der Dortmunder Bühne genutztund zu allerletzten Schluss auch wieder der Orchestergraben,doch springen wieder alle?

Hagens Ballettchef Ricardo Fernando hat sich hier mit Giselle an ein Meisterwerk des klassichen Balletts gewagt,dass in der gleichen Liga wie “Der Nussknacker” oder “Schwanensee” spielt.Und wieder einmal schafft die nur 17 köpfige Companie eine sehr schöne athmosphärische Version rüberzubringen.

Fernando brilliert mit einer Vesion die das klassiche mit dem modernem verbindet,so hinterlässt das Stück einen geerdeteren authentischeren Eindruck.
Wer hier den weißen Akt,die Spitzenschuhe und die wallenden weißen Kostüme sucht,sucht hier vergebens.Sowohl in der Tanztechnick als auch im Bühnenbild in den Kostümen und in der Handlung wurde das Stück fundiert in eine moderne Version gepackt.
Giselle stirbt hier nicht wie in der romantischen Version aus wahnsinnigkeit eines gebrochenen Herzens,sondern aus einem versehentlich gelösten Pistolenschuss,währens sie in den Streit zwischen Hilaron und Albrecht eingreift.
Bunt,zahlreich und schlicht sind die Kostüme im ersten Akt die den zweiten Akt-den der Willis-kontrastieren.Genauso “bunt” und angemessen kraftvoll zeigt sich auch die Hagener Truppe in dem ersten “Bauern”Akt,dessen Bühnenbild ebenfalls aus nicht zu üppigen Dekorationen und bauten besteht und eine angenehme leichtigkeit spiegelt.
Das Bühnenbild im zweiten Akt zeigt eine bläuliche Waldathmosphäre,die das Reich der Willis präsentiert.Die Willis sind hier nicht nur die Frauen,sondern auch Hagens Ballerinos-hier wurden gleich zwei Fliegen mit einer Klappe geschlagen:zumal wird hier gezeigt dass Willis sowohl Männer als auch Frauen sein können und das Problem das es zu wenig weibliche Willis geben würde wird gelöst.
Kostümiert sind die “vor der Hochzeit verstorbenen Bräute und Bräutigame” mit silberfarbenden langen Tüllröcken und silberfarbenden Ganzkörpertrikots.

Passend zu dem Kontrast “Große klassische Ballettmeisterwerk” zu “kleines Ensemble”,stehen auch die zwei Solisten Simona Tartaglione (Giselle) mit ihrer kleinen Körpergröße und Marcelo Moraes(Albrecht) der im Gegensatz zu ihr relativ groß ist. Doch beide Tatsachen lassen überhaupt keine Fragen offen,sowohl als das gesamte Ensemble und Simona Tartaglione beweisen,dass Größenverhältnisse überhaupt nicht auffallen können indem man einfach seine Stärken präsentiert.Und das hat das Hagener Ballettensemble mit seiner starken Version der Giselle,alle Solisten die den Charakteren jeweils eine eigene Note verliehen haben (Daria Dergousova als gebieterische Myrtha mit zackigen Bewegungen,Viola Crocetti als adelige eifersüchtige Verlobte des Albrecht,Carla Silva als gutmütige herzliche Mutter,Leonardo Fronseca als verärgerter Bauer und Freund von Giselle,Marcello Moraes als jugendlich witziger und verliebter Albrecht,Simona Tartaglione als gewitzte,neugierige Giselle)
sowie alle weiteren Mitarbeiter die das Stück zu der Vesrion gemacht haben die es unverwechselbar in Hagen zu sehen gibt.

Pixie Lott ist gerade einmal volljährig geworden und wird schon als der neue britische Pop-Superstar bejubelt. Die zierliche Blondinne mit dem Retro-Schick-Lolita-Style hat viel vor und will es ganz nach oben schaffen!

Foto: ZonaMusica.Us

Schon mit 5 Jahren begann Victoria Lott Ballett-Stunden zu nehmen und studierte später sogar Gesang, Tanz und Schauspielauf der renommierten “Italia Conti Academy of Theatre Arts“ in London. Man möge es also kaum glauben, dass Pixie Lott kein typisches Pop-Playback-Püppchen ist, sondern eine richtig gute Soul-Stimme vorzuweisen hat. Ihre erste Single „Mama Do (uh oh, uh oh)“ gibt sie in diesem Video unplugged zum Besten und überzeugt so jeden von ihrem Talent.

In der neuen Ausgabe des FHM wird Pixie Lott mit ihren sexy Posen so manchen Männern die Schweißperlen auf die Stirn treiben und die Frauen vor Neid erblassen lassen. Ja, das Popsternchen ist also dick im Geschäft und die Medien reißen sich um sie – Pixie hier, Pixie da. Vor zwei Tagen startete sie ihre Album-Promo-Tour bei der sie mit ihrem eigenem Flugzeug und im heißen Piloten-Outfit von London nach Berlin und wieder zurück flog, um in beiden Städten ihr Debütalbum „Turn it up“ (Release-Date: 25.September) vorzustellen. Leider gibt es noch keine Videos der zwei Gigs online, dafür aber eine gelungene Cover-Version des Lady Gaga’s Hits „Poker Face“:

Vom Aussehen her wird die junge Britin oft mit Duffy verglichen, vor allem in dem Video zu ihrem Song „Boys and Girls“ sieht Pixie ihr sehr ähnlich:

Man braucht also keine wahrsagerischen Fähigkeiten zu besitzen, um vorhersagen zu können, dass der Longplayer von Pixie Lott die Top-10-Charts erobern wird – ein neues Pop-Sternchen ist geboren!

Schon vor 20 Jahren bin ich oft und gerne ins Ballett gegangen. In der Deutschen Oper in Berlin kann man von jedem Platz aus gut sehen. Ganz vorne kann der Besucher Ballerinas Wadenmuskeln vortrefflich beobachten. Weiter hinten bietet sich ihm ein Überblick über das Gesamtgeschehen.
Das Ballett inspiriert mich seither immer wieder zu Zeichnungen. Bei der orangen Zeichnung haben es mir die Netzstrümpfe besonders angetan, während mir es bei der Zeichnung vom letzten Jahr auf die Wadenmuskeln ankam.

Vor zwei Jahren habe ich eine Ballerina im Sprung mit Tusche auf eine mit Gesso geweißten Leinwand gezeichnet. Wichtig ist, dass die Leinwand wegen der Tusche mit Firnis geschützt wird. Diese Ballerina befindet sich in der Sammlung Itha Bonitz (siehe unter Blogroll „Feldpost“)

When dance meets science

http://entertainment.timesonline.co.uk/tol/arts_and_entertainment/stage/dance/article6817265.ece

oder “Wo getanzt wird, da ist der Teufel.”[1]

Giselle zählt neben Schwanensee zu den erfolgreichsten Balletten überhaupt. Ballett war das große Ereignis der französischen Romantik, und Giselle markierte den Höhepunkt dieser Epoche, die auf der Ballettbühne mit La Sylphide (1832) begonnen hatte.

Uraufgeführt am 28. Juni 1841 als Giselle ou Les Wilis in der Pariser Oper, basiert das Ballett auf einem Ausschnitt aus Heinrich Heines Elementargeistern sowie auf einem Gedicht von Victor Hugo (Fantômes). Diese Vorlagen wurden von Théophile Gautier und Jules-Henri Vernoy de Saint Georges zu einem Ballettlibretto geformt, das, von Adolphe Adam vertont, in der Choreographie von Jean Coralli und Jules Perrot immer noch zu den Standardwerken aller klassischen Ballettkompagnien zählt.

Zur Handlung: Giselle lebt in einem Winzerdorf[2], in dem eines Tages ein gewisser Loys auftaucht, bei dem es sich in Wirklichkeit um den Herzog Albrecht handelt. Giselles Leidenschaft ist das Tanzen, allerdings hat sie ein schwaches Herz. Sie verliebt sich in Loys, der ihr den Hof macht. Als sie am Ende des ersten Aktes von seiner wahren Identität und seiner Verlobung mit der standesgemäßen Bathilde erfährt, verliert sie den Verstand und stirbt. Im zweiten Akt wird Giselle in die Gemeinschaft der Wilis aufgenommen, der schönen Untoten, in die sich die gestorbenen Bräute verwandeln, deren Liebe vor ihrer Hochzeit verraten wurde, und die sich des Nachts an den Männern rächen, indem sie sie zu Tode tanzen. Giselle jedoch verzeiht Albrecht und rettet ihm das Leben.

Die Pariser Uraufführung verwirklichte die von dem Autor und Theaterkritiker Gautier postulierten Idealvorstellungen des romantischen Balletts, indem es die komplementären Seiten einer romantischen Haltung auf die Bühne brachte. Dem ersten Akt, der auf einer realen Ebene das Leben Giselles in einem Winzerdorf zeigt, entspricht im zweiten eine irreale Ebene der Luftgeister, womit gleichzeitig der so genannte Weiße Akt (ballet blanc), in dem die Tänzerinnen lange weiße Tutus tragen, endgültig etabliert wurde. Auch die dramaturgische Verknüpfung von Tanz und Tod findet sich in beiden Akten wieder.

In romantischen Balletten stand die Solistin im Mittelpunkt des Bühnengeschehens, und es begann die Zeit der großen Ballerinen. Zu ihnen gehörte auch Carlotta Grisi, die Uraufführungs-Giselle. Das ewig Weibliche schwebte auf Spitzenschuhen, die Erde kaum mehr berührend, und verkörperte geisterhafte Wesen, Wilis, Nymphen und Sylphen. All die Märchenwesen, von denen Heine  in seinen Liedern erzählt hatte (Romanzen), finden sich im romantischen Ballett wieder, auch die Staffage der Sagen, Mondscheinnächte und Friedhofsszenen, das geheimnisvolle Waldesdickicht und die Seen und Sümpfe mit ihren Irrlichtern.

Der Tanz gehörte zu einem der Lieblingsmotive der Romantik, besonders seine gefährlichen und abgründigen Seiten, und auch Heinrich Heine ließ sich von ihm “jener stumme[n] Musik des Leibes” inspirieren: sie sei “göttlich liederlich, dann wieder ätherisch erhaben und immer hochpoetisch. Ich liebe dergleichen, wie ich die Poesie selbst liebe, und diese melodisch bewegten Gestalten, dieses wunderbare Menschenkonzert, das an mir vorüberrauschte, fand sein Echo in meinem Herzen und weckte darin die verwandten Töne.” (Die Reise von München nach Genua, Kap. XVII). (…)

siehe auch Giselle, hg. von der Deutschen Staatsoper Unter den Linden Berlin, Insel Taschenbuch 2914 (2001).

[Die Sage von den gespenstischen Tänzerinnen]

“Die Willis sind Bräute, die vor der Hochzeit gestorben sind. Die armen jungen Geschöpfe können nicht im Grabe ruhig liegen, in ihren todten Herzen, in ihren todten Füßen, blieb noch jene Tanzlust, die sie im Leben nicht befriedigen konnten, und um Mitternacht steigen sie hervor, versammeln sich truppenweis an den Heerstraßen, und Wehe dem jungen Menschen, der ihnen da begegnet! Er muß mit ihnen tanzen, sie umschlingen ihn mit ungezügelter Tobsucht, und er tanzt mit ihnen, ohne Ruh und Rast, bis er todt niederfällt. Geschmückt mit ihren Hochzeitskleidern, Blumenkronen und flatternde Bänder auf den Häuptern, funkelnde Ringe an den Fingern, tanzen die Willis im Mondglanz, eben so wie die Elfen. [...]”

Heinrich Heine, in Elementargeister, und De l´Allemagne

^[2] “Um ein wenig mehr Freiheit zu haben, wurde die Handlung in einer nicht näher benannten Gegend in Schlesien oder Thüringen oder gar in    einem jener `Seehäfen Böhmens´, für die Shakespeare eine Vorliebe hatte, angesiedelt.” Théophile Gautier an Heinrich Heine, Brief abgedruckt in La Presse, Paris, 5. Juli 1841.

Nach Art der besten Filmkomponisten, so die Los Angeles Times, schrieb Jon Magnussen die im Jahr 2001 fertig gestellte Partitur für die Wiederaufführung von José Limóns Choreographie Psalm.

Der 1967 in Sierra Leone geborene und auf Hawaii aufgewachsene amerikanische Komponist war schon zuvor von der Limón Dance Company mit der Neukomposition von Limóns Ballett The Winged beauftragt worden, das von demselben Ensemble anlässlich seines 50jährigen Bestehens 1996 in New York aufgeführt wurde. Befragt nach der Schwierigkeit, Musik für eine präexistente Choreographie zu schreiben, verglich Jon Magnussen seine Arbeit mit der eines Filmkomponisten, dessen Kreativität gerade durch einen feststehenden Rahmen stimuliert werden könne. Der Reiz bestehe für ihn darin, eine Partitur zu entwerfen, die einerseits sowohl technisch als auch emotional genau zu den Zeitabläufen der Choreographie passt, andererseits aber flexibel genug ist, um von den Tänzern transportiert werden zu können.

Sein formales Bewusstsein kam Jon Magnussen auch bei anderen Ballettkompositionen zugute. Neben originaler Ballettmusik wie Altered Path (1994) finden sich unter seinen Bühnenwerken auch Bearbeitungen von Musiken Schumanns und Chopins, die er für Robert Hills Ballett Dorian einrichtete. Das auf Oscar Wildes Roman Das Bildnis des Dorian Gray basierende Stück wurde vom American Ballet Theatre in Auftrag gegeben und 2003 uraufgeführt.

Bei seinen Kompositionen für den Konzertsaal, wo er auch als Dirigent eigener Werke in Erscheinung tritt, bedient sich Jon Magnussen gelegentlich auch elektronischer Mittel. Seine Ausbildung diesbezüglich erhielt er am Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris, das ihm 1993 das Diplôme d´Écriture Musicale verlieh. Nach seiner Rückkehr in die USA studierte Jon Magnussen an der Juilliard School in New York, wo er auch Kurse über elektronische Musik leitete.

Von 2000 bis 2007 war Jon Magnussen Artist in Residence am Institute for Advanced Studies in Princeton/New Jersey, dessen jährliche Konzertreihe sowie alle mit ihr in Verbindung stehenden Vorträge und Workshops er organisierte. In Princeton begann er auch die Arbeit an seiner ersten Oper.

The elements of the artist Caravaggio’s tumultuous life, his artistic achievement, and historical perspective, are all reflected in the DVD of the Berlin State Ballet’s DVD production of Caravaggio, choreographed by Mauro Bigonzetti, with a new score by Bruno Moretti drawn from the early Baroque music of Claudio Monteverdi.  READ MORE ON LEE’s MCBLOG

Contemporary ballet by Mauro Bigonzetti, Music by Claudio Monteverdi in an adaptation by Bruno Moretti

STAATSBALLET BERLIN, 20-22 november and 02, 05, 17, 19, 23, and 27 december 2009