Oil up your rubber plant leaves, we’re in for a vertiginous afternoon…

Inspired by David Cairns‘ wonderful Vertigo post, I took another look at the film (a longtime favourite) last night. And today, as fate would have it, I find myself in possession of the power and the freedom to do something about it.

But what?

I’ve read so much about this movie–and referred back to it in so many discussions (often revolving around Lynch, De Palma or 1970s Amazing Spider-Man comics)–that I’m not sure where to begin my own proper blog entry on Hitchcock’s masterpiece.

I do, at least, feel comfortable describing the film in those terms. But that’s where the comfort ends. This is a polarizing movie. And it should polarize you, as a viewer–especially if you happen to be a male gazer. When I first saw it, as a youngster, it made me really unhappy. I found it bleak, incoherent and, above all, misogynistic. (Interpretations of this sort are available in great abundance on the web.) These days, after somewhere between ten and twenty subsequent viewings, I can’t really argue with my 12-year old self–Vertigo really was built with those monstrous materials.

The difference is that, as an adult, I am willing to concede (which is not the same thing as accepting–in fact, for me, it’s quite the opposite) that bleakness, incoherence and (don’t kid yourself dude) misogyny make our sad orb go ’round. Once you make that concession, it becomes possible to understand that Vertigo itself is a plunge into the swirl of fallenness that shapes (or distorts–or both) our daily lives. Like Dostoevsky’s Underground Man, Vertigo is a sick film… a spiteful film. However, unlike our troubled Russian friend, Vertigo is very attractive indeed.

I like to think of this movie as the depressive rhyme to Emerson’s famously manic intuition of the Sublime:

Crossing a bare common, in snow puddles, at twilight, under a clouded sky, without having in my thoughts any occurrence of special good fortune, I have enjoyed a perfect exhilaration. I am glad to the brink of fear. In the woods too, a man casts off his years, as the snake his slough, and at what period soever of life, is always a child. In the woods, is perpetual youth.

Apparently, Judy-as-Madeleine Elster doesn’t agree with ol’ Waldo. Maybe tree size matters? Those East Coast woods are a lot less intimidating…

Vertigo is retrospective… everything happens too late… and it builds the sepulcher of Patriarchy–trapping our protagonist in a terrible tomb. Yes. If I have anything even moderately new to introduce to the immense discussion about Vertigo, it’s that Kim Novak’s character is the hero of the piece.

Of course it doesn’t start out that way. For more than an hour, the film lulls us into a very comfortable affinity with the subjective experience of Jimmy’s glib jerk.

What remains to be said about Stewart? He’s probably the most important male screen star of the 20th century. An incredibly complex figure–and a one-man argument in favour of the narratological usefulness of the star system. The cinematic embodiment of kindness and decency (although he played A LOT of parts that don’t bring these values into play at all)–everyone loves him, even after they discover, to their (or, at least, to my) horror, that he was a rabid right-winger, a proud carpet-bomber and a demented Vietnam hawk… And it means something, something terrible, something very hard to put into words, that “Scottie” Ferguson rasps Judy Barton to her doom in the same injured-boy tones that Jefferson Smith had used in fighting for the lost cause of democratic freedom in 1939.

But there’s no reason to mince words here.”Scottie” is an ASSHOLE. We know this right from the start. Or, at least, we know it from the moment that we see him in action with the much-put-upon Midge. We should know it, anyway–take a look at him up there, teasing his friend with his weirdly wandering innuendo. But it’s hard to see. This is Jimmy, after all. And he even does a Philadelphia Story-style comic drink take, as Midge dashes out the door to Pop Leibel’s. He might seem a bit crusty, here and there (or drop the occasional bomb), but we feel confident (the first ten times we see the movie), that there’s a good man in there somewhere. And, obviously, Midge is just as taken in by the Stewart oeuvre as the audience is–why else would she put up with his shit? The star’s track record protects Midge from seeming like a fool–allowing us to take her seriously as a character. She sees the same genial mirage that we do.

Ferguson, meanwhile, is in the grip of another, far more palpable, delusion:

This is the look Scottie ought to have been trying to recreate, if you ask me… And the fact that I’m only half-kidding about that cuts to the heart of this film’s power… Most of us, I think, know what it’s like to become more preoccupied with an image of beauty than is good for us. Vertigo can’t work at all if you don’t become complicit in Stewart’s objectification of Kim Novak. Mea culpa.

And there’s no question that, after the gloriously intersubjective promise of 1930s screwball (in which men and women actually seem to like each other), this objectifying “love” represents a massive step backward (particularly with that lovable screwball Midge relegated to the sidelines, in her cold driver’s seat, whispering: “Well now Johnny-O. Was it a ghost? Was it fun?”)

Yup–it’s the ghost of his own desire… But there’s no fun here.

This is “Romance” Midge. This is FUCKED. Get with the program.

Among other things, Vertigo is a crash course is the historiography of movie love.

And it blossoms into full-blown critique when Judy Barton, our thirties-style “shopgirl heroine” comes into focus as the subject at the core of the narrative:

Some viewers are annoyed by the supposedly premature revelation of Judy’s identity, but these people are deeply confused. I’m not the first to point this out, of course, but I want to stress that the shift to Judy’s POV is the most breathtaking narratological redirect in the history of the cinema. Or anyway, it’s right up there with the subjective jumpcuts that keep Mulholland Dr. hopping. In the blink of an eye, through the looking glass of Judy’s memory, Vertigo goes from misogynistic thriller to feminist tragedy. After the above-pictured moment, the hard decisions are all made by Kim Novak…and this sometimes-maligned actress–whom I personally love in just about everything, but especially here–rises magnificently to the task. As she later tells Ferguson, she deliberately puts herself in harm’s way during the second half of the film.

Why does she do it?

It’s because, having magnetized him once, as a prepackaged confection, she longs to repeat the feat… making him love her “for herself.” Ferguson is an automaton during the entire second half of the film… People have interpreted the Judy section as Stewart’s fantasy… That he never actually emerges from his catatonic state, and concocts this weird story as a way of assuaging his sense of failure. There’s not a lick of sense in it. If these events are the stuff of anyone’s dreams–they’re Judy’s (and, of course, they’re nightmares). It’s far easier to make the case that Elster’s erstwhile accomplice, consumed by guilt, devised this scenario as a way of punishing herself for her role in the murder. This would account for the total absence of Midge in Judy’s section (Judy doesn’t know she exists) and would also explain the nun-sensical leap off the tower (which calls back to Madeleine’s scripted memory of “Sister Theresa” scolding the children for daring to venture into their favourite play area–a commentary upon the ways in which patriarchy forces women to police each other’s jouissance?).

Ultimately, I don’t have much interest in “what’s a dream, what’s reality?”-type analyses of deliberately oneiric films (this impatience bubbled up most famously in the Mulholland Dr. debates of yore). I’m interested in exploring subjective states–and examining the preconditions (or the possibility) of intersubjectivity. Vertigo does the first extraordinarily well–making us feel both what it’s like to desire and to be desired under the dark star of patriarchy… And it confronts us with all of the questions (re: the second) that no well-adjusted person wants to ask–because we’re afraid the answers will leave us right here, on the brink of a deeply non-Emersonian Sublime:

Irene Dunne stars as the mother anyone would love in this nostalgic picture directed by George Stevens. Chronicled by her aspiring-writer daughter (Barbara Bel Geddes) Mama is the matriarch of an immigrant Norwegian family in 1910 San Francisco. She and her husband bring up their four children with great humor and hope amid genteel poverty in a new land. Meddling relatives illnesses and near-death draw the family together and all are close to Mama the one person who can make things right. Nominated for five Academy Awards this endearing and heartwarming classic brings together a flawless supporting cast including Philip Dorn Sir Cedric Hardwicke Edgar Bergen Rudy Vallee and Ellen Corby. Year:1948

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Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958) and North by Northwest (Alfred Hitchcock, 1959) 

Let’s raise a glass to the nice folks at Dalston Rio for spoling me rotten with this double bill. Screw the heat and the sunshine, I can’t think of a more rewarding way to spend one’s Sunday afternoon.

I thought one good way into talking about these two films might be to attempt a comparison -they were made back-to-back- but they’re actually very different. One is a dark love story that deconstructs love, and shows how we project our own ideas onto our lovers/victims. The other is an utterly accomplished action film, a ripping yarn located in the world of espionage; a world of poisoned umbrella tips, Tintin & Snowy, all of that. Not to belittle it; Vertigo is the one I know much better but to say that North by Northwest is no match for it is to say that Lionel Messi is no Maradona.

What they have in common is that they are mysteries; at the outset, we are as in the dark as the hero, then a device is employed to put us in the know and one step ahead of the hero- who finds out and catches up with us at a later point. Both involve lots of fretting over a non-existent person (Carlotta/Madeleine and George Kaplan). Both feature definitive Hitchcock blondes and soigné English villians, as well as an iconic Everyman leading man.

In both, the latter has a slightly adolescent view of women and their mysteries; Scottie’s fascination with the brassiere models, Thornhill studying Eve’s blusher, tweezers and leg shaver when he is locked in the bathroom. There are mother figures too; Scottie’s unrequited lover Midge comforts him with the words “Mother’s here”, and Thornhill’s closeness to his domineering mother (who “sniffs my breath like a bloodhound”) looks forward to Psycho.

Perhaps the best way to describe their differences is by looking at the Saul Bass title animations. Without wanting to get too heavily into Freudian symbols (fashionable though they were in Hitch’s heyday- see Spellbound), Vertigo is all deep, swirling circles and North By Northwest fills the screen with strident straight lines, inclined upwards. In Vertigo the spirals come after a female face and a zoom into the eye, then the pupil. The isolated eye is quivering, looking one way then another, we half expect Bunuel’s razorblade to slice it open. The human form, and the window to its soul, are under the microscope. The lines of NBNW eventually morph into the glass windowframes of gleaming skyscrapers. It’s impressive, modern, an artificial construction, a tall story; smoke and mirrors. The swirl in Kim Novak’s bun versus the phallic train on which Cary Grant takes his bride.

Anyway, Vertigo. Jimmy Stewart was always my proxy in this film, and I felt that Madeleine’s first “death”, which throws him into grief and insanity, was the point at which the film took off into the stratospheres; when he haunts their old meeting places, mistakes strangers for her, then takes it all out on the first woman he meets (who happens to be the same woman). The one close friend of mine who was as much of a Vertigo obsessive as I, however, rooted for the grey-suited blonde who was fixated on her suicide. She felt the film would be better if it ended with that first death, and often turned it off at that point. Most likely there are as many reasons to fall under the spell of this film as there are people who have done so. 

Years ago when I first discovered the film, I saw all my experiences and defects mirrored in it. There are times when I have started weeping as Scottie falls off the stool at the beginning, and not stopped the whole way through the film. But life moves you along, and one can only be disappointed in love so many times before the water table gets saturated; these days I watch it with much more objectivity. Vertigo feels perenially fresh because it changes as the viewer changes.

As you step back, other things come to the fore. For all I’ve said about the artifice of NBNW, you could say that Vertigo is equally about the artifice of cinema. The plotters manipulate Scottie as Hitchcock manipulates his audience, knowing when and how hard to tug on the heartstrings and the nervous system. On the first day of “tailing”, when Scottie follows Madeleine into a grotty back room off a grotty back alley, it’s still a shock and a surreal sight to see the door open on an ceiling-high display of brilliant flowers. Scottie has a very elaborate show laid on for him, as do we.

Something new catches your eye with every viewing. Maybe the minor characters; the English villain who gently prods Scottie to look for his weak spots (“Would you like a drink now?”). The repressed, forlorn Midge, who needs paintings to tell Scottie what she needs to tell him. We know she’s amorous from the moment Scottie idly recalls their university dalliances; the camera cuts straight to an intrusive close-up of her pout. The masochistically comic relief of the court coroner, who slaughters Scottie with an assessment of exaggerated bias and no little malice. The fruity-voiced German, the lighting in whose antique bookshop gets darker and darker and darker as he delves into the story of Carlotta Valdes.

The supreme attention to detail; the Bunuelish touch of Novak’s dangling, resistant foot after Scottie has hauled her to the top level of the bell tower. Novak in silhouette and profile, on that first night in Judy’s hotel room where the sickly green neon seeps through and makes it a ghost train of a bedroom. Novak always looking over his shoulder as they kiss at the Spanish church. The first date, where Scottie’s eyes latch onto a blonde lookalike in a grey suit and Novak realises what she’s done.

If one accepts that Hitchock films are firmly embedded in the star system and each star actor brings their own persona to their roles, you could say that Kim Novak is playing four roles-within-roles. She plays the feline-faced Hollywood actress Kim Novak, playing a dumpy shopgirl from Kansas, playing a posh and distinguished heiress, playing the restless spirit of a C19th suicide.

Her tragedy is that nobody loves her as she truly is; in a way it is the dilemma of a typecast actress. Scottie/the public fell in love with a character she played and unless she wants that love to die, she is condemned to keep playing that character for the rest of time. People don’t want you warts and all, they want a mysterious ideal which they can follow discreetly from the car behind and onto which they can project, project, project.

With its 39 Steps man-on-the-run plot and its dazzling array of locations, North by Northwest is a perhaps lighter handling of some similar problems; identity and playing a role. Thornhill is exasperated and furious when the criminals mistake him for their quarry Kaplan and are deaf to the truth (“You make this very room a theatre”). Then, like Alain Delon in Mr Klein, he gets sucked into the vortex and starts to accept his role- he introduces himself as Kaplan in the United Nations, hangs out in Kaplan’s hotel room and answers the phone. He protests vehemently when he is framed for car theft, but soon becomes a car thief to escape from the exploded oil tanker.

Then there’s the blonde, again playing parts-within-parts. Thornhill first meets Eve as the goodtime girl on the train who is upfront about her sexuality. When he follows her to the auction and sees her with Vandamme, he thinks he’s figured out who the true Eve is and becomes the “peevish lover stung by jealousy”; Thornhill rages at her. But there is still another layer to the onion; she’s acting with Vandamme too because she’s FBI. More so, in fact, as she feels something for Thornhill and her reactions to his anger have put her in jeopardy; Thornhill is contrite. She loves him, she loves him not.

I like James Mason in this film and wanted more of him; he’s a similar kind of actor to Dirk Bogarde. The first thing he does upon entering the film is to close the curtains on the daylight and illuminate the lamps- as if confirming that Thornhill has been ripped from his dull life and planted into an adventure movie. Hitchcock gives him most of the best lines too.

Where Cary Grant is alpha male action man, bedding the girl, rolling around in dust and perpetually climbing windowledges, Mason never does anything that would crumple his blue wool suit. He’s aloof, cerebral, slightly sickly. He’s got one of those faces and his performance reminds me of a line from Neil Tennant; “I wanted to give the impression that I didn’t care at all, because in fact I cared very deeply”. They way he looks at Eve, even as he plots to kill her, shows that still waters can run the deepest.

The set pieces are too well-known to merit recounting, but it’s always funny and exciting. The pace is so breakneck that there isn’t time to catch your breath, let alone scrutinise any holes in the plot. I enjoy the subversiveness of Thornhill having to go drink-driving to stay alive, pulling goofy faces as his car swerves offroad. I enjoy the surreal, Kafkaesque scene in the lift where everyone but Thornhill is laughing hysterically, just as he is seconds away from death. I enjoy the unbearable, Western-like tension of Thornhill’s wait at Prarie Stop 41 and the faceless, inexplicable terror of the crop-dusting plane.

Seeing the two films together, I wondered if North by Northwest was an attempt to atone for the rigorous pessimism of Vertigo. As Eve falls off the cliff-face at Rushmore, Thornhill reaches out and grabs her hand as Scottie failed to do with the policeman. Both are clinging on by Thornhill’s fingers, with a villian grinding his foot onto the fingers, when the cliffhanger is abruptly resolved by the deus ex machina of an FBI marksman (cut to the FBI guardian angels, the favoured James Mason at their side and still making droll remarks).

Then, the jump cut to that fairytale ending. It’s as flippant and comic as Vertigo’s finale is devastating and Wagnerian; with a dumbfounded Scottie standing on the ledge, one only hopes that the nun will do the human thing and push him over as well.

Por Bruno Pongas

Alfred Hitchcock é muito mais do que o mestre do suspense, ele vai além, muito além, é um gênio, um mito, um dos maiores – talvez o maior – cineasta de todos os tempos. Sobram exemplos para provar sua excelência; a técnica apurada, a habilidade em criar um clima tenso mesmo com elementos simples, sem exageros. Hitchcock foi um marco da história do cinema, foi o melhor do gênero, imbatível. A música que sobe nos momentos certos, que aflige o espectador, a simplicidade evidente – muito pelo ano de seus filmes – que pode até passar por tosca numa época em que vemos efeitos especiais aos montes… mas e o conteúdo? Parafernalhas tecnológicas podem ajudar, porém, genialidade se destaca mesmo sem muitos recursos. É difícil ver um filme de suspense hoje em dia que se iguale a Hitchcock… arrisco a dizer que é quase impossível.

Um Corpo que Cai é considerado uma das obras-primas do diretor, pois conta com todos os elementos necessários para se criar um bom suspense. A história gira em torno de um ex-detetive da polícia que se aposentou após um acidente por consequência de sua vertigem (fobia/medo de altura) – a cena inicial em cima do telhado é uma das mais clássicas do cinema. Mesmo fora de combate, John Scottie Ferguson (James Stewart) é contratado por Gavin Elster (Tom Helmore) para vigiar sua esposa (Kim Novak), pois acredita que ela tem alguns problemas psicológicos e tendências suicidas. No entanto, o enredo sofre um revés quando os dois se apaixonam, e o que era para ser uma coisa simples se transforma numa trama bastante complexa.

Hitchcock usa muito bem a trilha sonora, que é primordial para criar a tensão entre as personagens. A habilidade em saber os momentos certos para colocar, aumentar ou diminuir a música é parte importantíssima no suspense - nem preciso dizer que ele faz isso com primor. O roteiro é amarrado, bem construído e envolvente. A cada minuto o espectador mergulha mais e mais fundo na história querendo desvendar o mistério; à princípio temos a total impressão de que o ex-detetive é paranóico, maluco, perturbado (assim como a mulher que ele está investigando). Depois, no final, tudo é desvendado com clareza, da melhor forma possível e sem deixar furos ou dúvidas para quem está assistindo. O cineasta parece brincar de detetive com o público e aos poucos vai criando um cenário cada vez mais instigante, mais complexo.

Na parte dos personagens, Hitchcock caprichou, pois os construíu e aprofundou perfeitamente. Vemos claramente o processo evolutivo do drama psicológico de Scottie Ferguson (muitíssimo bem interpretado por James Stewart) e também observamos Kim Novak excelente em seus dois papéis – especialmente no segundo, em que conseguiu ser muito convincente ao passar um misto de amor, medo e agonia. O elenco de apoio também executa seu trabalho com competência, e aqui destaco o desempenho de Barbara Bel Geddes na pele de Midge – aquela coadjuvante de extrema importância para a trama.

No final, Um Corpo que Cai vai além de um simples exercício de detetive por parte do espectador, é uma aula de bom cinema e de como construír um suspense psicológico e perturbador. O filme ainda mostra que a acadêmia é injusta e fazedora de média, pois o longa foi indicado somente para duas categorias secundárias no Oscar de 1959. Mas quem liga para isso, afinal? O trabalho de Hitchcock ficará marcado para sempre na história, independente de qualquer prêmio pomposo do cinema americano.

Minha Nota: 10.0

Direção: Alfred Hitchcock
Gênero: Suspense/Drama/Romance
Duração: 128 minutos
Elenco: James Stewart, Lee Patrick, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore, Henry Jones, Raymond Bailey, Ellen Corby e Konstantin Shayne.

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Only one is a wanderer; two together are always going somewhere.

– Madeleine

One of Alfred Hitchcock’s greatest films, Vertigo is currently#41 of the Top 250 of all time on IMDB. It was nominated for two  Oscars.

This is a simple “howcatchher” about a detective John “Scottie” Ferguson (Jimmy Stewart). He abruptly quits the force in the beginning of the film, when chasing a suspect on top of some apartment buildings he has a bout of vertigo and the second officer with him falls to his death trying to save him.

Feeling guilty and laid up in a back brace, Scottie seeks solace by his mousy best friend, Midge (Barbara Bel Geddes). When he gets the brace taken off, he is contacted by an old college friend of theirs, Gavin Elster (Tom Helmore) that wants to hire Scottie to follow his wife.

Gavin believes that his wife, Madeleine (Kim Novak) is possessed by a spirit of a dead woman that died a century before. Scottie reluctantly agrees to it. His decision leads to a dangerous road to heartache, loss and regret.

I was impressed by the way that Hitchcock would make the woman has a memorable entrance in a movie. There was no exception in this movie was Kim Novak in a gorgeous gown.

The visual look of the film was spectacular. In some instances, it was film noir and sometimes a Douglas Sirk bedroom drama. Wonderful filmmaking.

I was never bored. The pacing was perfect. The way that the camera shows Scottie succumbing to his agoraphobia and vertigo was great.

Judgment: A fabulous movie that should be seen to believe.

Rating: *****

- I have a passion for James Mason.
- Is he good?
- Absolutely terrific. So attractively sinister! Taurus, the bull, you know.
- Very obstinate.
- Really?

Diálogo de Festim Diabólico (Rope, Alfred Hitchcock, 1948)

Certa vez li uma definição certeira de que Mason nos anos 40 era a personificação de Heathcliff, Mr Rochester e Mr Darcy num mesmo pacote, não por acaso as três personagens são criações de mulheres, explicando e muito o que nós realmente queremos. Por isso meu amor, nada de aprender a ser homem com Wayne, McQueen ou Belmondo, aprenda a ser homem com James Mason e sua natural tendência byroniana, este sim faz um estrago danado.
Relembremos alguns de seus momentos, só os que pude conferir pessoalmente, listando os filmes em ordem dos que mais me apetecem e não necessariamente de seus melhores papéis. E que todos me perdoem o deslumbramento evidente, mas a sua presença em cena me é tão divina quanto o espirito santo anunciando a Maria.

1- Intriga Internacional (North by Northwest, Alfred Hitchcock, 1959)Has anyone ever told you that you overplay your various roles rather severely, Mr. Kaplan?
Não é deveras gratificante ver dois baluartes da elegância inglesa como rivais num dos melhores filmes do mais elegante dos cineastas britânicos? Por mim, Hitch, Cary e James poderiam fazer filmes juntos por 30 anos consecutivos e jamais ficaria menos do que satisfeita. Diante de tamanha elegância, não à toa, tanto Grant quanto Mason foram cotados para encarnarem o Bond primordial, além do fato de que todos os filmes do agente 007 nos anos 60 sofreram influência clara de Intriga Internacional. Uma cena que sempre me chama atenção é a fala de Mason criticando a sobreatuação associada ao Actor’s Studio, nesse mesmo momento nota-se Martin Landau, um notório aprendiz do método, saindo de cena. Sabendo da conturbada relação entre Marlon Brando e Mason, tal cena adquire contornos ainda mais requintados, Mason sempre fora o rei da economia no ato dramático, tudo que precisava passar o fazia só com suas complexas e sutis expressões faciais e corporais, ao contrário da geração Actor’s Studio surgida nos EUA a partir dos anos 50 e pela qual Hitchcock nutria um especial desprezo. Esse negócio de engordar, emagrecer, não sair da personagem as 24 horas do dia definitivamente não era para Mr Mason que sequer usava maquiagem, por mais discreta e neutra que fosse. Portanto, qualquer pessoa que mencione James Mason como o maior ator que o cinema já apresentou, terá meu respeito eterno.

2- Delírio de Loucura (Bigger Than Life, Nicholas Ray, 1956)Childhood is a congenital disease – and the purpose of education is to cure it. We’re breeding a race of moral midgets. Esse é o Farrapo Humano da cortisona, é o Mason doidão em seu ápice e facilmente entra para a lista de suas melhores atuações. É um grande filme dos anos 50 que muito lembra o cinema de Douglas Sirk, tanto na utilização de cores quanto no drama da família aparentemente perfeita a desmantelar-se, com um porém de que o pai de família vivido por Mason vira uma espécie de Jack Torrance da cortisona, o que não era muito habitual nesses pequenos dramas de subúrbio. Acho pouco provável que seja mera coincidência Mason ter sido uma das raras pessoas autorizadas a visitar o set de filmagens de O Iluminado, como Kubrick não fazia nada à toa, é bem provável que isso tenha alguma relação com Bigger Than Life e um possível lampejo de influência em Jack Nicholson, afinal, GOD WAS WRONG!

3- O Condenado (Odd Man Out, Carol Reed, 1947)Primeiro da indefectível trilogia noir do homem em fuga cometida por Carol Reed (seguida com O Terceiro Homem e O Outro Homem) e provavelmente o mais fatalista dos três. Trabalhando pela primeira vez com o tio do Ollie, Mason interpreta um líder do IRA, ferido e acuado pelas vielas e becos escuros dos quais Reed tanto gostava. É uma jornada longa e cansativa para lugar nenhum, onde os tipos peculiares que o homem em fuga encontra pelo caminho delineiam e erguem a narrativa, sobretudo porque Mason permanece em estado constante de delírio e rastejar, é quase uma odisséia homérica quando nada mais importa além de voltar para casa e para uma cama quentinha, ou melhor, uma espécie de odisséia joyceana, não só porque se passa na Irlanda, mas porque dividem lugares, situações e personagens que muito se assemelham com os rompantes literários de James Joyce. Foi com este filme que me apaixonei por Robert Newton, um dos mais notórios bêbados do cinema inglês, aqui no papel de um pintor ensandecido e tipicamente irlandês.

4- Cruz de Ferro (Cross of Iron, Sam Peckinpah, 1977)Seguindo com a triste sina de trabalhar com os maiores cineastas de sua época, Mason vive um coronel alemão num dos poucos filmes de que participou sobre a Segunda Guerra que mostra certa afinidade com seus ideais na vida real, Mason era uma espécie de Private Joker do mundo do cinema, onde era terminantemente contra a guerra, embora tivesse participado de inúmeros filmes pró-guerra. Mesmo ocupando um alto cargo militar e despertando certa antipatia na personagem de Coburn pelo simples fato de estar numa posição de comando (num tipo de discussão que Kubrick retomaria dez anos depois com o seu Nascido para Matar), a personagem de Mason é um frescor de sensatez em meio a mais uma guerra insana, cheia de pessoas insanas, nesse amargurado, complexo e subestimado relato.

5- Lolita (Stanley Kubrick, 1962)Because all the best people shave twice a day. Primeiro filme de Kubrick depois do alojamento de mala e cuia na Inglaterra, o início de sua entrega à cultura britânica e no direito de nos presentear com os dois maiores atores com quem trabalhou: Mason e Sellers. Tão grandes e tão inversamente proporcionais, tudo que há de economia dramática em Mason, há de exagero em Sellers, é um duelo e tanto, especialmente porque nem dá para lembrar daquela guria que deu nome ao filme. Há um fator que precisa ser mencionado, Sellers é sem dúvida um dos meus atores favoritos, daqueles mesmo adorados, só que perto do Mason ele me irrita profundamente, pois num diálogo o meu reflexo imediato é sempre observar a reação de Mason ao interlocutor e o Sellers é aquele cara que praticamente fica pulando em cena para chamar a atenção para si no melhor estilo “filma eu, Galvão!”, o que não é de todo mal, já que Mason acaba por segurar as pontas lindamente sem cair no que para nós seria uma inevitável gargalhada diante das improvisações sellerianas. Ainda assim o filme é um desses casos dolorosos de subestimação, chegando ao absurdo de alguns afirmarem que a versão de Adrian Lyne é melhor do que a de Kubrick, o que é uma ofensa, especialmente porque a versão de 1962 sobe no meu conceito cada vez que a revejo, o que dará a possibilidade de que até o final da vida possa considerá-la como obra prima absoluta.
Reza a lenda que Kubrick chegou a denominar Mason como genial, adjetivo este que Stan não fazia tanta questão de usar para com seus atores, também pudera, de todos as personagens das obras de Kubrick, o Humbert de Mason é o único com poder real de destroçar o coração do público, um raro momento onde o coração se sobrepõe ao cérebro dentro da carreira do cineasta e a culpa é exclusiva de Mason, ele transmite tanta dor, entrega, paixão, desespero e devoção que fica impossível não se condoer pelo seu Humbert, não é passível vê-lo como pervertido ou ter obscurecida sua aura de trágico herói romântico e jamais são usados artifícios baratos para que se consiga tal atmosfera, o exemplo máximo disso é ao final quando Humbert começa a chorar e o foco fica na reação de Lolita, enquanto Mason tenta se esconder, Kubrick faz o mesmo com sua câmera em relação a ele, qualquer cineasta ou ator ordinário adorariam um aguaceiro piegas, o que evidentemente não é o caso aqui.
I want you to live with me and die with me and everything with me. Ah… Suspiros eternos.

6- 20.000 Léguas Submarinas (20000 Leagues Under the Sea, Richard Fleischer, 1954)I am not what is called a civilized man, Professor. I have done with society for reasons that seem good to me. Therefore, I do not obey its laws. Lembro quando esse tipo de filme ainda passava na Sessão da Tarde, até O Mágico de Oz cheguei a ver quando a programação de tv era mais decente, hoje em dia nem os clássicos dos anos 80 passam mais… Imagino o quão fantástico era ir ao cinema em 1954 e dar de cara com uma aventura desse porte, presumo que tinha um peso semelhente com ir ver Guerra nas Estrelas em 1977, Indiana Jones em 1981 ou O Senhor dos Anéis em 2001, talvez até com um deslumbramento maior. Aqui Mr Mason é ninguém menos que Capitão Nemo com uma barba que cai-lhe muito bem e com o poder de fazer com que o sempre suspeito Peter Lorre pareça um cordeirinho ao seu lado. Se em meados dos anos 50 o temor era crescente sobre os perigos do mal uso da tecnologia, em tempos de ascenção da guerra fria e iminência de guerra nuclear, agora continua com a mesma atualidade, mas nem por isso o McG precisa fazer sua versão com um Will Smith ou um The Rock como Nemo. Ugh!

7- Os Amores de Pandora (Pandora and the Flying Dutchman, Albert Lewin, 1951)Perhaps you haven’t found what you want yet, perhaps you’re unfulfilled. Perhaps you don’t even know what you want, perhaps you’re discontented. Discontentment often finds vent through malice and destruction. Num dos mais memoráveis romances das telas, Mason e Ava Gardner se unem no segundo dos quatro filmes que fizeram juntos, a explicação para tantas parcerias é a inevitável química que possuiam em cena, dos quais o melhor casal sem dúvida é o formado por Pandora e seu holandês errante. É sim o filme mais bonito do qual Mason participou, tanto no sentido estético quanto no poético, possui deslumbrante fotografia de Jack Cardiff, texto primoroso baseado na mitologia, além de um sentido de fantasia, de fatalidade, do que é eterno e de beleza etérea com o qual estamos pouco ligados hoje. Um exemplo máximo onde Eros encontra Thanatos equitativamente sem perdas, nem danos.

8- Crescei e Multiplicai-vos (The Pumpkin Eater, Jack Clayton, 1964)Pérola que só o cinema britânico dos anos 60 podia proporcionar. Logo depois de sua obra prima Os Inocentes, é a vez de Clayton nos satisfazer com mais um conto de uma mulher madura, só que agora trocando a histeria e o horror por crises conjugais, depressão e humor negro. Quem assume a tarefa é Anne Bancroft no que talvez seja o grande papel de sua carreira, apoiada não só por Mason com sua persona mais asquerosa, mas também por Peter Finch, Maggie Smith, Yootha Joyce e Sir Cedric Hardwicke em seu papel derradeiro.

9- Coração Prisioneiro (Caught, Max Ophüls/Robert Aldrich, 1949)Mesmo Caught sendo um melodrama, possui tratamento de filme noir e é a mão de Ophüls que faz toda a diferença. Enquanto Mason encarna uma das suas mais apaixonantes personas (algo que Ophüls lhe proporciou em dose dupla naquele ano), a personagem de Robert Ryan acaba roubando a cena com seu charme e excentricidade, no que  provavelmente seja o primeiro grande personagem intimamente baseado em Howard Hughes, Caught está para Hughes o que Cidadão Kane foi para Hearst. Ophüls foi responsável pela ida de Mason para Hollywood, logo depois o cineasta voltou para a Europa e nunca mais trabalharam juntos, uma pena, pois era passível de que formariam uma grande dupla a longo prazo, eles ainda planejaram uma outra parceria com a adaptação de La Duchesse de Langeais do Balzac contando com Greta Garbo como protagonista, mas que não deu certo, privando a humanidade de algo celestial que unisse Mason-Ophuls-Garbo-Balzac num mesmo letreiro.

10- Nasce uma Estrela (A Star Is Born, George Cukor, 1954)l destroy everything l touch. l always have. É como Norman Maine que Mason mostra toda a sua grandiosidade como ator, conseguindo nos destroçar como nunca o fizera antes, sem jamais cair em obviedades expressivas que tanto fascinam os menos atentos. Judy Garland é grande na melhor das versões da história, mas Mason é gigantesco e estamos falando de um filme de George Cukor, por quem nutro um grande respeito, mas cuja lenda propaga que o cineasta cai aos pés de suas atrizes e esquece completamente de seus atores, portanto, se um Mason “desprezado” dá nisso, tenho medo do que seria um lembrado. De todos os grande momentos dele durante o filme, um me é especial, quando Maine está a rolar na cama decidindo seu fatídico ato seguinte, poucas vezes na vida pode-se ver um ator passando tanta dor e desespero, inclusive tal momento foi homenageado pelo duo Visconti-Berger no Ludwig de 1972. Mason é tão resplandecente e inesquecível neste seu papel mais emblemático e pelo qual é mais citado, que vire e mexe em qualquer parte do mundo alguém faz alguma imitação de James Mason bêbado, aliás, ele sempre foi um prato cheio para imitadores em geral (Jon Hamm? Eddie Izzard? Mason é deus, oras), por conta de seu timbre de voz e empostação únicas.

11- Quase um Criminoso (A Touch of Larceny, Guy Hamilton, 1959) Ah, a comédia britânica dos anos 50! Ah, a comédia britânica de sempre! Mason nunca esteve tão charmoso e irresistível, essa sátira de espionagem da Guerra Fria é um exemplo perfeito do porquê Mason fora cotado para encarnar James Bond, justamente nas mãos do cineasta que nos daria o melhor filme daquele agente igualmente mulherengo e elegante. Além disso é a mais engraçada, inteligente, sexy e refinada comédia da qual participou.

12- Cinco Dedos (5 Fingers, Joseph L. Mankiewicz, 1952)Mason desta vez é um mordomo, no melhor estilo “Jeeves da espionagem”, baseado no lendário Elyesa Bazna. Muito me intriga tal homem ter rendido tão poucos exemplos cinematográficos, já que é uma personagem histórica fascinante, tudo bem que a personaficação de Mason seja definitiva tanto quanto o filme de Mankiewicz o é, mesmo com as devidas licenças poéticas hollywoodianas, mas um homem que mostrou o quanto o alto escalão nazista era amplamente estúpido ao saber de todas as informações sobre o Dia D e não usá-las, talvez pudesse render mais alguns grandes filmes de espionagem, assim como rendeu uma obscura série americana dos anos 60.

Pense nas dez séries mais premiadas da história do Globo de Ouro. Arriscaria um palpite? Seinfeld? Six Feet Under? Com certeza não. Arquivo X? Sopranos? Sim, sim, talvez. M*A*S*H? Definitivamente!

Pesquisando os prêmios do Globo de Ouro, imaginem minha surpresa ao descobrir que M*A*S*H, com nada menos do que oito estatuetas, encabeça ao lado de Sex and the City e All in the Family (!), a lista das séries mais vencedoras da premiação que incluem programas para lá de bizarros como, por exemplo, o The Carol Burnett Show. Oito estatuetas pode parecer pouco para as três séries mais vitoriosas do Globo de Ouro, mas se pensarmos que a premiação tem bem menos categorias para televisão do que o Emmy e que em algumas categorias ainda concorre junto com o cinema (como os coadjuvantes), oito acaba se tornando um bom número.

O Globo de Ouro é uma premiação norte-americana criada em 1944 que visa premiar os melhores filmes e os melhores programas de televisão do ano. Não é a toa que é considerado uma prévia do Oscar: a audiência e sua tradição perdem apenas para a festinha dos tios da Academia e para o Grammy, respectivamente. A premiação, que tradicionalmente acontece no começo de todo ano, é baseada quase que por completo, nos votos de mais de 80 veículos jornalísticos de Hollywood.

Apesar do primeiro Globo de Ouro ter sido em 1943 e ter ido parar nos estúdios da 20th Century Fox, foram apenas 12 anos depois, em 1956, que surgiram na cerimônia os prêmios para os melhores da televisão. Porém, a coisa era ainda um pouco confusa, com prêmios diferentes a cada ano, sem um padrão ano após anos. Apenas em 1970, foi estabelecido o conceito que conhecemos hoje, o de Melhor Drama, Comédia/Musical, Ator, Atriz, Ator e Atriz coadjuvante. Ou seja, pode-se dizer que a história do Globo de Ouro para os aficionados por televisão tem apenas 39 anos.

Partindo desse princípio, criei uma lista com as dez séries mais vitoriosas de todos os tempos (que na verdade são 11 – calma aí que já explico) na categoria televisão. Saiba qual foi a primeira série a ganhar o prêmio, qual série mais ganhou, com quem ela concorria, quais eram as expectativas e muito mais!

Sopranos, Arquivo X, L.A. Law, Dinastia, Alice e The Carol Burnett Show

Em último lugar, com cinco votos para cada, temos seis séries. Com isso, o TOP 10 acaba virando TOP 11, pois acima dessas seis, empatadas, temos cinco séries com mais do que cinco estatuetas.

The Carol Burnett Show

De todas as dez séries, a primeira a ganhar o prêmio de melhor série (no caso programa) foi The Carol Burnett Show, em 1971, humorístico ao vivo – diferente da maioria dos programas da época que eram pré-gravados) apresentado por Carol Burnett, Tim Conway, Harvey Korman, Vicki Lawrence e Lyle Waggoner que levou ao ar originalmente na CBS 278 episódios entre 1967 a 1978.

O programa, longe de revolucionário, era até bem bacana e apresentou alguns quadros inesquecíveis como “Went with the Wind”, paródia de “E O Vento Levou” onde Burnett representava Scarlett O’Hara.

A série original acabou tendo outras versões caça-níqueis como “Carol Burnett and Friends” e “Carol & Company”, duas tentativas frustradas por parte da CBS e NBC, respectivamente, de repetir o sucesso do original. Em 1991, a CBS ainda tentou fazer um revival do programa, trazendo-o de volta para uma nova temporada. Resultado? Fracasso absoluto e apenas nove episódios exibidos.

Em seu auge, The Carol Burnett Show, que chegou a ter participações muito especiais como as de Shirley MacLaine, Liza Minelli, Cher e Vincent Price, era difícil de ser batida. Com cinco Globo de Ouro debaixo do braço, ganhou consecutivamente o prêmio de melhor atriz de comédia em 77 e 78 e também consecutivamente o prêmio de melhor ator coadjuvante 75 e 76.

Apesar dos cinco prêmios na bagagem, a estatueta de Melhor Série de Comédia foi levada pelos comediantes apenas em 1971, mesmo ano em que a série Missão: Impossível estrelada por Martin Landau sagrava-se vitoriosa em Melhor Drama.

Alice

Exibida pela primeira vez em 1976, Alice foi uma sitcom de grande sucesso. Estrelado por Linda Lavin no papel-título e exibida pela CBS, era baseada no filme vencedor do Oscar de Melhor Atriz, Alice Não Mora Mais Aqui, de 1974.

Alice contava a historia de uma mulher que após a perda de seu marido, resolve sair de New Jersey com seu filho e viajar de carro para Los Angeles, na esperança de se tornar uma cantora de sucesso. Com o carro quebrado em Phoenix e sem dinheiro para o conserto, Alice arruma um emprego como garçonete na lanchonete Mel’s Diner e de lá só sairia novamente em 2 de julho de 1985, quando foi ao ar o último episódio da série.

Mesmo com a forte concorrência da antológica série Taxi, que venceu o Globo de Ouro três vezes consecutivas de 1979 a 1981 na categoria Melhor Série de Comédia, Alice não se intimidou, “roubou” metade do Globo de Ouro de 1980, quando ao lado da série de Andy Kaufman, também consagrou-se vencedora na categoria Melhor Comédia.

No ano anterior, 1979, apesar de Taxi ter faturado o prêmio de melhor série, foi Alice quem faturou o de melhor atriz e melhor atriz coadjuvante. No primeiro prêmio, Linda Lavin desbancou a própria Carol Barnett, favorita naquele ano. Já na segunda estatueta, Polly Holliday, que concorria por sua popular personagem Flo em Alice, desbancou Marilu Henner, uma das protagonistas de Taxi.

Voltando para 1980, a história parecia fadada a se repetir. Na categoria de Melhor Série, que Taxi ganhava pela segunda vez consecutiva, também concorriam entre outras, Alice e M*A*S*H. Mas se Taxi desbancou M*A*S*H, Alice desbancou Taxi. E novamente nas categorias de Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante. Dessa vez, o páreo de Linda Lavin era acirrado: de um lado, Jean Stapleton, protagonista de All in the Family, do outro, Loretta Swit, a major Margaret Houlihan de M*A*S*H. Já na categoria coadjuvante, novamente Polly Holliday contra Marilu Henner. E novamente deu Holliday.

Dynasty

Um dos maiores equívocos da televisão é a soap opera (mais novela do que seriado – vide Desperate Housewives) Dinastia, famosa por seus cliffhangers e erros de continuidade.

Exibida pela ABC de 1981 a 1989, Dinastia tinha seus conflitos em torno de duas famílias de Denver, Colorado que se odiavam: Carringtons e Colbys.

A primeira temporada teve audiência consistente, mas foi apenas no segundo ano da série, mais especificamente em sua season premiere, que Dinasty decolou, abrindo com o episódio “Enter Alexis”, um clássico, onde o personagem misterioso da primeira temporada retirava seus óculos escuros revelando a atriz inglesa Joan Collins (muito Ugly Betty, isso).

Alguns episódios depois a série já estava no topo da audiência figurando sempre no Top 20 da Nielsen. Em 1985, na quinta temporada, alcançou o apogeu conquistando o primeiro lugar na audiência e ganhando convidados para lá de luxuosos como o ex-presidente americano Gerald Ford – também não é para tanto, nos EUA tudo quanto é político participa de seriado. Mas na mesma velocidade em que os números subiram, eles declinaram: com o revival de comédias que se estabelecia na época (Cosby Show, Cheers etc.) Dynastia acabou perdendo o primeiro lugar para nunca mais voltar ao topo.

Apesar de todos os altos e baixos, a série teve uma carreira de sucesso nos Globo de Ouro. Levou cinco estatuetas para casa, incluindo a de Melhor Série de Drama em 1984, quando bateu a concorrência de Hill Street Blues – vencedora nos dois anos anteriores. O grande feito da novelinha talvez tenha sido conquistar estatuetas em três anos seguidos – 1982-1984. Em 82, Linda Evans deu o primeiro troféu da premiação ao programa ao vencer o prêmio de Melhor Atriz em Drama empatada com Barbara Bel Geddes, sua concorrente direta em Dallas. 1983, era uma incógnita: com grandes séries como M*A*S*H, Hill Street Blues, Dallas, Magnum, Cheers e Fame na disputa, Dynastia saiu no lucro ao levar para casa duas estatuetas: as de melhor ator e atriz de drama para John Forsythe e Joan Collins, respectivamente.

Em 1984, além do prêmio de Melhor Drama do ano, John Forsythe viria a ser coroado novamente como melhor ator do ano em drama.

Sua grande contribuição para a TV foi o surgimento de um personagem gay – que tinha até amante – em uma trama noturna de grande audiência, fazendo com que as pessoas olhassem para a situação dos gays em plena era da AIDS.

L.A. Law

Criada por Steven Bochco, criador de Nova York Contra o Crime (NYPD Blue), L.A. Law pode ser considerada a mãe das séries de tribunal e sem dúvida, dá um show em qualquer criação de David E. Kelley, que participou aqui como escritor e produtor executivo e alcançou a glória com Emmys de Melhor Roteiro em 1990 e 91.

Vencedora de cinco estatuetas do Globo de Ouro, a série teve uma longa duração de nove temporadas e é considerada até hoje uma das séries mais populares do final da década de 80, início da de 90.

Mostrando o dia-a-dia de uma firma de direito de Los Angeles, a série deu bastante sorte em 87 e 88 quando venceu consecutivamente o prêmio de Melhor Drama do ano barrando concorrentes como Murder, She Wrote, drama/suspense que havia vencido também consecutivamente o prêmio de melhor série de drama nos dois anos anteriores.

Ainda no ano de 1988, talvez na maior zebra daquele ano, L.A. Law consagrou a atriz Susan Dey, vencedora do prêmio de Melhor Atriz de Drama, batendo a favorita da noite, Angela Lansbury (de Murder, She Wrote). Já em 1989, a historia se fadava a repetir e Jill Eikenberry acaba saindo-se a grande vencedora da noite na mesma categoria, batendo de novo Lansbury.

1990 e 1991 foram os grandes anos de Cheers e Twin Peaks e L.A. Law acabou saindo um pouco dos holofotes. Apenas em 1992 a série retornou como favorita em alguma indicação: Amanda Donohoe levou a estatueta de Melhor Atriz Coadjuvante, derrotando as protagonistas de The Golden Girls e Cheers.

L.A. Law durou até 1994 e acumulou diversos prêmios em sua bagagem, incluindo três Emmys consecutivos de Melhor Série de Drama entre 1989 e 1991.

Quem já viu L.A. Law sabe que David E. Kelley vem copiando pequenas coisas da série em todas as séries.

Arquivo X

Arquivo X, uma das grandes séries de todos os tempos, é uma criação de Chris Carter e foi ao ar pela primeira vez em setembro de 1993. O seriado é considerado um dos primeiros hits da Fox americana e ficou famoso por emplacar slogans mundialmente famosos na cultura pop como “The Truth Is Out There”, “Trust No One”, “Deny Everything” e “I Want to Believe”, como Heroes hoje em dia com o seu precoce “Save the cheerleader, save the world!”.

A série rodava em torno da vida dos agentes Fox Mulder (David Duchovny) e Dana Scully (Gillian Anderson), responsáveis pelas investigações dos chamados “arquivos x”, arquivos marginalizados pelo FBI devido a seu conteúdo paranormal. Duchovny fazia o papel do agente de mente aberta enquanto a personagem de Anderson havia sido originalmente transferida para o departamento para investigar as ações do trabalho inconvencional de Mulder. Apenas originalmente, pois mais tarde eles acabam virando parceiros, amigos e, bem… marido e mulher.

O auge da série foi no meio dos anos 90 e depois de cinco temporadas a série ainda gerou um filme de sucesso (“Arquivo X: O Filme”) para depois encerrar com mais quatro temporadas e um outro filme: “Arquivo X: I Want to Believe”. Nas duas últimas temporadas, a série teve um significante declínio, principalmente pelo esgotamento criativo dos roteiristas que não sabiam mais onde levar aquelas personagens e pela vontade de Duchovny de sair da série para se dedicar a sua carreira no cinema.

Na época de seu episodio final, em maio de 2002, Arquivo X era em toda a história, a série de ficção cientifica a mais tempo no ar (nove temporadas e 201 episódios) mas eventualmente perdeu o posto para Stargate SG-1. É considerada pelo TV Guide como a série de maior culto de todos os tempos, atrás apenas da franquia Star Trek. Estamos falando de um culto americano, pois mundialmente falando, perderia para Dr. Who e O Prisioneiro.

A carreira de Arquivo X no Globo de Ouro teve quatro anos de duração, sendo que em três, sendo eles 1995, 97 e 98, a série saiu-se vitoriosa na categoria Melhor Série de Drama. Em 95, a concorrência não era lá essas coisas e a série só teve que passar por cima de ER.

Em 97, houve a grande consagração da série, que levou para a Fox os três mais importantes prêmios da noite. Na categoria de melhor drama, 95 se repetiu, só que aqui a disputa foi mais apertada, mas não com ER e sim com Party Of Five que havia vencido na categoria no ano anterior. Em Melhor Ator, Duchovny passou de bom ator para grande celebridade do ano ao vencer ninguém menos do que George Clooney que concorria por ER. Interessante aqui, é que quem também concorria na categoria, era Lance Henriksen, protagonista de Millennium, série também criada por Carter. Já em Melhor Atriz, Gillian superou a incrível Christine Lahti que começava a se destacar por seu papel em Chicago Hope. Um dia inesquecível para qualquer “excer”.

O final ainda estava longe, assim como seu declínio, mas 98 chegou e foi o último ano que ganhou alguma coisa na premiação. Sem os prêmios de Melhor Ator e Atriz, parecia que Arquivo X sairia com as mãos abanando, já que dessa vez era a série que corria por fora no prêmio de Melhor Drama enquanto ER e Law & Order disputavam os holofotes. Doce engano. Somava ali, sua quinta e última estatueta na premiação.

The Sopranos

Uma das séries mais importantes dos últimos anos The Sopranos é ambientada na terrível New Jersey. O seriado mostra o dia-a-dia de Tony Soprano (James Gandolfini), ítalo-americano que tem como desafio comandar duas famílias. De um lado, sua mulher, seu filho e sua filha. Do outro, a máfia. Grande marco da HBO ao lado de Six Feet Under, a série estreou no final da década de 1990 para no ano seguinte já conquistar quatro estatuetas do Globo de Ouro.

Desde que foi ao ar em 1999, o seriado se tornou um fenômeno cultural ganhando popularidade pelo mundo ao mostrar com exatidão a comunidade ítalo-americana, os efeitos da violência e a tênue linha que divide o certo e o errado na sociedade.

Além da notável habilidade de atuação por parte do elenco, alguns atores também se destacam por um lado mais negativo: o de quando a vida imita a arte. Como exemplo, o ator Robert Iler, que da vida a Anthony Jr., que em 2001, foi preso por assaltar à mão armada dois turistas brasileiros. O ator foi condenado a quinze anos de prisão, mas por ser menor de idade e ter alegado culpa, ganhou uma condicional de três anos.

Sopranos começou com o pé direito no Globo de Ouro. Em 2000, levou para casa os principais prêmios da cerimônia: Melhor Drama, Melhor Ator de Drama e Melhor Atriz de Drama, sem falar no prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. Sem dúvida a maior concorrente da série no ano, era a premiada The West Wing, porém, o prêmio ficou mesmo com James Gandolfini.

Na categoria feminina parecia certo que o prêmio iria para Sopranos. A verdadeira questão, era para quem: Edie Falco ou Lorraine Bracco, que interpretavam Carmela Soprano e Dra. Jennifer Melfi, respectivamente. No fim, melhor para Falco. Ainda em 2000, o show levou outra estatueta: a de Melhor Atriz Coadjuvamente, pelo brilhante papel de Livia Soprano, mãe de Tony, interpretado pela incrível Nancy Marchand.

Com os anos seguintes monopolizados por The West Wing e Six Feet Under, Sopranos acabou levando apenas mais uma estatueta: Melhor Atriz em Drama, de novo para Falco, em 2003, derrotando nomes como Jennifer Garner e Rachel Griffiths.

Cheers

Cheers estreou na NBC em 1982 e tinha como ponto de partida um bar de Boston onde um grupo de pessoas se reunia para beber e se divertir. Quase cancelado ainda em sua primeira temporada devido a péssima audiência, os produtores apostaram um pouco mais e Cheers acabou durando 11 temporadas e 273 episódios.

Vencedora de 26 Emmys, a série teve uma bela carreira no Globo de Ouro, sendo a quarta maior vencedora da história da premiação, e responsável pela consagração de Kelsey Grammer que interpretava a personagem Frasier, que eventualmente ganhou seu próprio show. Frasier também teve passagem pelo Globo de Ouro com dois prêmios para o próprio Grammer na categoria Melhor Ator em Comédia.

Os anos dourados de Cheers foram 1990 e 1991. Porém, foi em 1983 que a série ganhou pela primeira vez. Concorrendo com nomes de peso como Loretta Swit de M*A*S*H, Shelley Long não era favorita por ser o primeiro ano de Cheers no evento, mas a zebra rolou e Long venceu, dando a Cheers não apenas sua primeira estatueta no Globo de Ouro, mas a primeira na historia do seriado em premiações.

Em 1985, a série levou um prêmio mais importante: o de Melhor Atriz de Comédia. O engraçado aqui, é que novamente a vencedora foi Shelley Long, já que os produtores resolveram apostar e indicá-la como Melhor Atriz, uma vez que sua personagem havia crescido consideravelmente de importância durante os anos.

Depois de um longo sumiço, em 1990 a série voltou a figurar entre as vencedoras ao levar o prêmio de Melhor Ator em Comédia, faturado por Tad Danson que desbancou o grande favorito da noite, o grandalhão John Goodman, que concorria por Roseanne.

Sem dúvida, 91 foi o grande ano para Cheers no Globo de Ouro que faturou a tríplice coroa: Melhor Série, Ator e Atriz de Comédia. Na categoria de melhor ator, Danson novamente superou Goodman (e Burt Reynolds!) e levou a melhor. Já em Melhor Atriz, a vencedora foi Kirstie Alley por Cheers, ela mesma, de Fat Actress e Veronica’s Closet.

Murder, She Wrote

Apesar de ter sido um sucesso em sua época, vencedora de seis Globo de Ouro, série de suspense de maior longevidade da história, e ter tido doze temporadas, Murder, She Wrote sempre foi renegada pela crítica.

Murder, She Wrote era assim: uma série de suspense sobre Jessica Fletcher (Angela Lansbury), famosa escritora de romances policiais que sempre, e por sempre eu digo SEMPRE, esbarrava com assassinatos em todos os lugares que ia. A polícia então começava a investigar, sem muito êxito culpando alguém qualquer, e Jessica não satisfeita com a resolução, dava uma de detetive e resolvia o crime sozinha.

Não me levem a mal, a série era sim muito boa, mas doze temporadas, ou 263 episódios é dose.

Claro que sempre rolava aquele negócio da polícia vir e mandar Jessica largar o caso por não fazia parte das investigações, mas a escritora, acabava conseguindo uma vaga de perita por ter algum fã de seus livros dentro da polícia.

Iniciada em 1984 na CBS, Murder, She Wrote foi sucesso absoluto de público, porém, ao longo de suas temporadas, foi declinando na audiência pelo esgotamento criativo dos roteiristas que até tentaram dar uma nova guinada na série mudando Jessica para Nova York, mas era tarde demais: Em 1994 estreava Friends na televisão e por dois anos “Murder” teve que concorrer diretamente com a comédia. Os índices começaram a despencar até que eventualmente, em 1996, o show deu seu adeus definitivo.

A carreira da série no Globo de Ouro começou em 1985 quando levou os prêmios de Melhor Drama do Ano (derrotando as favoritas Dinastia e Hill Street Blues) e Melhor Atriz de Drama para Lansbury. Em 86, novamente a série fatura o prêmio, dessa vez, deixando para trás Miami Vice e Dinastia entre outras.

Em 1987, 90 e 92, Lansbury novamente ganhava o prêmio de Melhor Atriz de Drama consolidando-se como uma das grandes atrizes da televisão do final dos anos 90. Suas principais concorrentes em cada ano foram John Collins de Dinastia, Susan Dey e Jill Eikenberry por L.A. Law e Dey novamente por L.A Law, respectivamente.

Ao longo de Murder, She Wrote, diversos rostos conhecidos do grande público passaram pela série, dando ao público oportunidade de rever seus atores favoritos da infância e adolescência.

Sex and the City

Sex and the City, também conhecida como “a série que todo mundo já viu no Brasil”, estreou em 1998 e teve seis temporadas, terminando em 2004.

Mostrando a vida de Nova York através dos olhos de Carrie Bradshaw, colunista de sexo de um jornal da capital, a série foi um enorme sucesso no mundo todo e foi uma das mais revolucionárias e divisoras de águas da televisão, ao falar tão abertamente sobre sexo. Algo que claro, só a HBO trazia na época (hoje em dia temos outras como FX, AMC e Showtime).

A série, baseada no livro homônimo de Candace Bushnell, focava a vida de quatro melhores amigas de trinta e poucos anos e suas desventuras com os homens, o sexo e a noite nova-iorquina regada a muitos cosmopolitans.

Por ter sido um verdadeiro marco da televisão, foi um arrasa quarteirão no Globo de Ouro: nomeada 24 vezes a premiação e levou nada menos do que oito estatuetas. Em 2000, 2001 e 2002 não teve para ninguém e o programa faturou consecutivamente o prêmio de Melhor Comédia do ano. Na categoria de Melhor Atriz de Comédia, mesma coisa: Sarah Jessica Parker faturou três vezes consecutivas. Durante os três anos, a atriz teve como grande concorrência Calista Flockhart por Ally McBeal e Debra Messing por Will & Grace. Já a série, teve como concorrentes favoritas, Ally McBeal, Will & Grace e Spin City (vencedora do prêmio de 98 a 2000 e em 2001).

Em 2003 e 2004 a série saiu da premiação com um prêmio em cada ano. No primeiro, o de Melhor Atriz Coadjuvante para Kim Cattrall, dona do papel de Samantha, personagem inesquecível na mente de qualquer marmanjo. Em 2004, novamente o de Melhor Atriz de Comédia para Sarah Jessica Parker, tornando-a a maior vencedora da categoria na história da premiação.

All in the Family

Voltemos para 1971, um ano após a revolução do formato do Globo de Ouro. A série All in the Family, clássico da televisão, foi vencedora de também oito estatuetas e foi ao ar pela primeira vez em 12 de janeiro de 1971 na CBS.

Baseada na série britânica Til Death Us Do Part, era protagonisada por Jean Stapleton e foi revolucionário em seu tempo por abordar verdadeiros tabus da sociedade como racismo, homossexualismo, liberdade da mulher, estupro, câncer e impotência.

Em 2002, buscando as 50 melhores séries, o TV Guide apontou All in the Family como o quarto melhor programa de todos os tempos e apontou Archie Bunker, personagem da série, como melhor personagem de todos os tempos. Por falar em Archie Bunker, em 1979, a série foi reformulada e simplesmente mudou de nome (!) para Archie Bunker’s Place. Quatro anos se passaram até que foi finalmente cancelada em 1983.

Os oito prêmios aconteceram entre 1972 e 1978, sendo quatro para Melhor Série de Comédia (72-74 e 1978), dois para Melhor Atriz de Comédia (1973 e 1974), um para Melhor Ator de Comédia (1972) e um para Melhor Atriz Coadjuvante (1975).

Em Melhor Comédia, não teve dificuldades para vencer três anos consecutivos. Suas maiores concorrentes foram The Carol Burnett Show e M*A*S*H. Em Melhor Atriz, a concorrência foi mais apertada. Em 1973, Jean Stapleton teve que passar por cima de Carol Burnett e Julie Andrews (ela mesma!). Em 1974, de novo Carol Burnett, e Cher! Na categoria de Melhor Ator, de volta a 1972, Carroll O’Conner não teve dificuldades para sair-se vencedor, porém, passando pelo talentosíssimo Dick Van Dyke.

Em 1975, a série ganhava seu sétimo prêmio: o de Melhor Atriz Coadjuvante para Betty Garrett que concorreu com Vicki Lawrence de The Carol Burnett Show, entre outros. Por fim, o último prêmio da série no Globo de Ouro: o quarto de Melhor Comédia, em 1978. A concorrência no ano não era tão forte: apenas The Carol Burnett Show já em descenso. Sua verdadeira oponente naquela noite era Happy Days, que faturou o prêmio duplo de Melhor Ator de Comédia para Henry Winkler e Ron Howard (sim, ele mesmo, que como diretor, era um ótimo ator…).

No Brasil, All in the Family foi exibida por apenas um ano, com o título de Tudo em Família. Depois, foi retirada do ar pela censura.

M*A*S*H

Criada por Larry Gelbart em 1972, a série era inspirada no livro Catch-22 e baseada no filme de mesmo nome dirigido por Richard Hooker em 1970.

Foi através de M*A*S*H que surgiu o termo “dramédia”, devido ao seu conteúdo parte drama, parte comédia, sem uma linha de segmentação fixa. O programa, produzido pela 20th Century Fox para a CBS, acompanhava um time de médicos e seus funcionários em um hospital de Uijeongbu, durante a Guerra da Coréia. Apesar da sinopse, é visível que a série tinha como verdadeira inspiração, a Guerra do Vietnã.

M*A*S*H não foi inesquecível apenas por seus oito Globo de Ouro, mas também por ter tido a series finale de maior audiência da historia da televisão mundial. A “dramédia” teve 251 episódios e durou onze temporadas, cobrindo um período de três anos de guerra.

A história de M*A*S*H no Globo de Ouro começou em 1974, quando McLean Stevenson levou o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante em Comédia. Em 1975 e 1976, Alan Alda levou o prêmio consecutivamente ao derrotar nomes de peso como Carroll O’Connor e Johnny Carson. De 1977 a 1979, Alda continuou concorrendo, mas sem nenhuma vitória. Os anos dourados estavam por vir: Em uma incrível sucessão de prêmios, Alda levou a estatueta de Melhor Ator em Comédia em quatro anos consecutivos: de 1980 a 1983, sendo que em 82, M*A*S*H ainda consagrou-se como Melhor Série de comédia do ano.

M*A*S*H foi a primeira série da história da exibir um episódio com a narrativa em tempo real. Escrito por Alan Alda, em 1978, o roteiro mostrava médicos realizando uma cirurgia em 20 minutos. No canto inferior da tela, um relógico cronometrava tudo.

Que venham as próximas…

Bem capaz que esta lista permaneça intacta por alguns bons anos enquanto não surgir uma nova Sex and the City, uma nova All in the Family ou uma nova M*A*S*H. A conferir.

Planilha

Criei uma planilha com os vencedores de todos os anos nas principais categorias do Globo de Ouro. Para consultar, clique aqui ou na imagem acima.

We watched the 1948 movie “I Remember Mama,” a masterpiece directed by George Stevens. I started to watch this on TMC a few weeks ago, but it would have ended at 2 a.m., so I gave up and put it in the Netflix queue. This film was based on Kathryn Forbes’ novel, a fictionalized memoir titled “Mama’s Bank Account.” The novel inspired a play that ran on Broadway for two years. The play led to this rather expensive movie, and the movie led to a successful television series – “Mama” – and an unsuccessful musical play, the last work of Richard Rodgers.

In all cases, the story concerns a Norwegian family living in San Francisco shortly after the turn of the 20th century. The central figure is Martha Hansen, the “Mama” of the title, played in this film by Irene Dunne and in the TV series by Peggy Wood. Irene Dunne was perfect in the role – as was Peggy Wood – and Dunne’s contributions were complemented by the fact that the rest of the casting was just as highly inspired. That included Barbara Bel Geddes as one of the Hansen daughters – Katherine – who narrates the film. Other choices that turned out to be strokes of genius were Rudy Vallee in the poker-faced role of a doctor who performs mastoid surgery on young Dagmar Hansen and Edgar Bergen in the comical role of a funeral director who courts one of Martha Hansen’s sisters.

ELLEN CORBY

That sister, Trina, was played by Ellen Corby, who later played the grandmother on the TV series “The Waltons,” and appeared in nearly 230 movies and TV shows. In this film, she is charming in her earnestness and naievete. A pivotal member of the cast was the prolific Austrian actor Oskar Homolka as Chris Halverson, the blustering uncle of Martha Hansen and her three sisters – but, it turns out, the most complex figure in the film. Dunne, Homolka, Corby, and Bel Geddes were nominated for Oscars for this film, and Nicholas Musuraca won the award for black-and-white cinematography. He certainly deserved that for the evocative images of both turn-of-the-century San Francisco and the intimacy of a work-a-day home.

Everything about this film was carefully done. It deals with the most commonplace of issues, but does it with profound insight. The story is a reflection on the resources of the human spirit, presented in a manner that is both uplifting and convincing.

I’ve been racked with a nasty cold the past couple of days, and this morning I found myself unable to remain in bed as late as I had wanted, what with all the coughing and congestion.  I turned on the television to see what was on TCM, and was disappointed to see that Limelight (1952) had just ended.  Up next was a crime drama from Fox called Fourteen Hours (1951), starring Paul Douglas, Richard Basehart, Agnes Moorehead, Barbara Bel Geddes, and very early appearances from Debra Paget, Jeffrey Hunter and Grace Kelly (both in their film debuts).  I never heard of the film, but was sufficiently intrigued within the first five minutes to stay tuned for the next hour and a half.

The film is based on a true incident wherein a man, John Warde, threatened to commit suicide by jumping off the ledge of a New York hotel.  In this film adaptation, Richard Basehart plays the troubled young man, Robert Cosick.  I don’t recall seeing any of his other work, but I was very impressed with his desperately agitated performance.  Paul Douglas, too, stands out as the Irish traffic officer who spends much of the standoff’s fourteen hours trying to get Cosick to relent and find some reason to go on living.

Grace Kelly makes her film debut as Mrs. Louise Ann Fuller, a woman who is delayed on her way to a divorce attorney’s office because of the mayhem in the street below the hotel.  A very young Debra Paget is one of the spectators in the crowd amassing in the street, and finds herself romantically connecting with Jeffrey Hunter (also in his film debut).  Barbara Bel Geddes really shines while on screen, even though she is introduced in the film’s final twenty minutes.  As Virginia, she and the suicidal Cosick have a kind of nervous chemistry, and it’s easy to see how fragile their relationship must have been (and probably will continue to be).

I liked this film in the way that I liked Union Station (1950).  It’s a grade “B” drama, but it features some strong performances from several lesser-known actors.  Both films take what they can and really work with the material as fully as possible, without appearing too deliberate or stylized.

TITULO ORIGINAL	Vertigo
AÑO	1958
DURACIÓN	120 min. Trailers/Vídeos
PAÍS
DIRECTOR	Alfred Hitchcock
GUIÓN	Alec Coppel & Samuel Taylor
MÚSICA	Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA	Robert Burks
REPARTO	James Stewart, Kim Novak, Henry Jones, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore, Raymond Bailey, Henry Jones, Ellen Corby, Lee Patrick
PRODUCTORA	Paramount Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA	Intriga / SINOPSIS: Scottie Fergusson es un detective de la policía de San Francisco que siente miedo a las alturas y se ve obligado a retirarse cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un viejo amigo del colegio, Gavin Elster, contrata a Scottie para vigilar a su esposa Madeleine, una bella mujer que está obsesionada con su pasado. (FILMAFFINITY)

Tras revisar Vértigo con una lectura más profunda, es imposible dejar de cuestionarse los supuestos logros argumentales de los trhillers psicológicos actuales. Películas que nos maravillan con sus inesperados giros de guión, donde nada acaba siendo lo que parece y donde el personaje principal sucumbe ante una crisis mental que le está alejando de una realidad que sólo el espectador cree conocer. Hace más de cuarenta y cinco años Hitchcock cocinaba con ese material… borx

Hitchcock nos presenta una historia que parece simple: un policía retirado que debe vigilar la esposa de un amigo. Sin embargo desarrolla el guión de tal forma que nos va atrapando con cada minuto que pasa y a pesar de ser una la idea principal, en nuestra cabeza se tejen innumerables incógnitas.
Con esta película, este estupendo director da una clase magistral de como utilizar un reparto escaso en cantidad pero enorme en calidad. Además no le es necesario crear una intriga insostenible como en las películas Premoción o Deja Vu, sino que el suspense se genera espontáneamente por el espectador a ver las escenas.
Sin duda es una película que yo recomiendo para los amantes del suspenso y la intriga, créanme que no los va a defraudar. NicoWilton Mdq

James Stewart

There is something about this film, something in the atmosphere of it, which is quite unique.  It isn’t quite dreamy and it certainly isn’t surreal, I’m guessing the best word is hypnotic.  The film lasts about two hours but feels longer because it immerses the viewer within- it doesn’t interest or intrigue or engage me, it enraptures me.  Everything contributes- the storyline with its twists and juxtapositions, the cinematography which somehow makes contemporary San Francisco look ethereal (and this isn’t the lustre added by the intervening years, I am sure), the performance of James Stewart with conflicting emotions of guilt and confusion and love and hope writ large across his brow, the direction which is confident, controlled and unhurried and finally- perhaps most importantly- Bernard Herrmann’s haunting score.

There is such a great deal of depth to ‘Vertigo’ that you really can find new things to consider with each watch.  Here’s what I mean: watching this yesterday I was, for the first time, pondering the control that the male characters exercise over the female characters in their lives- Gavin Elster over Judy, ‘Scottie’ over Judy, ‘Scottie’ over ‘Midge’ and the unknown man from the bookseller’s story over Carlotta (his comment “they could do that back then” being ironic in that context).  Juxtaposed with this are the supposed obsession with Carlotta which Madelaine portrays and the obsession with Madelaine which leads ‘Scottie’ to possess Judy.  The film examines these relationships without drawing conclusions- these are left to the viewer- in each instance the man is rich and substantially older, the girl becomes a plaything or a means of passing the time, to be moulded and shaped in whatever image suits the man’s mood.  What this says about patriarchal relationships for Hitchcock is unimportant, he posits the question for the viewer to consider without guiding those thoughts.

There are culture snobs who claim that cinema isn’t art.  If Goya or Rembrandt created anything that betters Hitchcock’s ‘Vertigo’ then I’ll eat my hat- 10/10.