A Festa das Flores de Joinville terá um atrativo a mais em sua 71ª edição:
uma apresentação apoteótica da maior orquestra sinfônica do mundo
formada pelas orquestras Camerata de Florianópolis, Câmara de Blumenau,
Sinfônica de Santa Catarina, Sinfônica de Florianópolis e Filarmônica
de Jaraguá do Sul. Serão cerca de 210 músicos executando composições
em cinco palcos montados no Complexo Expoville.

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- ¿Qué diferencia esta lectura de Las Bodas de Fígaro de otras versiones sobre la ópera de Mozart?

- Básicamente, es una producción hiperrealista en la que la gente ve exactamente lo que transcurre en el libreto. Normalmente Las Bodas de Fígaro se hacen muy alemanas o muy austriacas. Nosotros queríamos que la acción transcurriera en un palacio en Sevilla, que todo tuviera olor a jazmín, hasta el punto de que en el último acto lo hemos puesto en el aire acondicionado. Está inspirada en Goya y es una producción que, dentro del hiperrealismo, la luz y el calor de Sevilla cobran fuerza.

- ¿Hay alguna variación importante en las escenas?

- Hemos hecho el primer y segundo acto seguidos, y en ambos es muy importante la iluminación y el ambiente de Sevilla. Es como un hiperrealismo poético. Es una producción muy limpia y ágil cuya base es un sueño de jardín. Desde el inicio hay un tul muy barroco como telón y, a través de este tul, se ve toda la escena. Este tul se mantiene en todas las introducciones. Es un elemento muy barroco.

-¿Cree que Las Bodas de Fígaro peca de ser una producción sobrecargada en exceso?

- Las bodas de Fígaro es muy típico de la época porque España era exótica en el XVIII. Yo la he visto en varias producciones y es una producción que cuando se hace muy alemana creo que no funciona y no se entiende. Realmente creo que la ópera puede estar más cerca de una zarzuela que a esa cosa abstracta que hacen muchas veces y que le quieren dar la vuelta. Y yo creo que la lectura que tiene este Bodas de Emilio Sagi es que es fácil, que entiendes la historia de los personajes.

- ¿El libretista Lorenzo da Ponte pensaba en esto cuando hizo la versión de la obra de Beaumarchais ?

- Sí, porque si lees la traducción simultánea y las escenas te das cuenta de que todo coincide. Lo que pasa es que el realismo y el hiperrealismo es algo a lo que mucha gente le tiene miedo. Y uno piensa en el hiperrealismo y piensa en lo cursi. Pero el hiperrealismo es que tú, como espectador, reconozcas que hay un palacio, una habitación o un jardín. Cuando empecé con esta producción una de las cosas que quería hacer era resolver el jardín. Por eso, empecé el proyecto de atrás para adelante y el jardín que yo he hecho es un patio andaluz que está lleno de naranjos, jazmines, tiestos, fuentes con agua, etc.

-Cobran, entonces, mucha importancia los sentidos.

- Yo creo que la lectura es llegar precisamente a los sentidos: la vista, el olfato, la sensualidad, etc. Está llena de erotismo, pero dentro de una imagen realista, como si vieras un cuadro de Goya. Tú ves que hay de verdad ese contacto entre el conde, la condesa y querubino, y que es verdad. Intentamos llegar a la verdad, que sea lo más real. En la escena del tercer acto en la fiesta de la boda todos bailan el fandango de verdad. Tampoco es folclórica, pero transcurre en la España de Sevilla. La luz entra por la ventana y gira sobre el patio que, a su vez, tiene dos grandes puertas que dan al jardín.

- Uno de los principales problemas en esta ópera son los recitativos que, normalmente, no están bien resueltos.

- En una ópera no puede haber una diferencia entre lo cantado y lo hablado. Y en esta producción los recitativos están muy bien actuados y eso hace para que veas una línea de continuidad. Habitualmente, en estas producciones alemanas, el recitativo es como si no formara parte de la ópera, y aquí he cortado todo lo innecesario.

- ¿Se puede establecer alguna comparación con su anterior trabajo El barberillo de Lavapiés también para el teatro Pérez Galdós?

- Sólo que las dos son blancas. Este montaje es una coproducción entre el Teatro Real, el Teatro Pérez Galdós y la colaboración de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera. Es una de las producciones de las que yo he estado más orgulloso, de las que mejor ha sido el resultado.

- ¿Cómo ha sido su trabajo con Emilio Sagi?

- Emilio Sagi ha aglutinado todo y ha hecho una obra sin ningún tipo de prejuicios y por eso es divertida. Los escenógrafos tenemos un trabajo: escuchar al director, interpretarlo, luego dárselo al director y que el director lo vea, que cuando yo cerraba los ojos e imaginaba el escenario fuera lo mismo. Es una producción poética, que inspira una poesía. La cerámica del suelo es de verdad. Tengo que recordar que he sido el director técnico del Teatro Real y que cuando me marché Emilio Sagi me propuso volver como escenógrafo, que era una actividad que yo siempre hacía paralelamente. Ahora estoy en París preparando, además, The sounds of music que estrenaré el 6 de diciembre.

Se trata de una producción muy limpia y ágil cuya base es un sueño de jardín, como un hiperrealismo poético

Hoy, ‘La del Soto del Parral’, a cargo de la Compañía Lírica de Madrid

Si el otoño se dibuja con el desnudo de los árboles, el Teatro Cervantes lo identifica con la música. El clásico del género chico ‘La del Soto del Parral’, a cargo de la compañía Lírica de Zarzuela de Madrid, abre esta noche, a partir de las 22.00 horas y por 20 euros la butaca, la segunda edición del Festival Otoño, Arnedo y la Música.

Este formato es por el que ha apostado la Concejalía de Cultura para renovar los noviembres musicales en la ciudad, desde el 2007 con la cita veterana del Festival de Zarzuela. Pero esa renovación no supone aparcar el género chico, que tiene muchos aficionados en la comarca. Es por ello que el arranque de esta segunda edición es con este clásico estrenado en el madrileño teatro de La Latina en octubre de 1927.

«Todos los fieles al antiguo festival de la Zarzuela han disfrutado de esta compañía, un público que salió bastante contento en la última edición en el 2007, lo que nos garantiza calidad», ha presentado la concejala de Cultura, Juani Hernández, sobre la compañía de ballet, coro y orquesta lírica protagonista esta noche.

Otras dos citas

La segunda edición del Festival prosigue los dos siguientes sábados: el próximo con un concierto lírico de la compañía Ópera Magna y el tercero que celebrará los 25 años de Javier Segarra.

La temporada de zarzuela organizada en Irun por la Asociación Lírica Luis Mariano llega a su conclusión con la puesta en escena el 14 de noviembre (20.00) en el Amaia Kultur Zentroa de La del soto del parral, obra compuesta por los maestros Soutullo y Vert, que se presenta en una producción de la compañía Antología de la Zarzuela.

Tras la representación el pasado mes de junio de ‘Gigantes y Cabezudos’, la zarzuela vuelve a nuestro escenario para clausurar esta exitosa temporada 2009 el próximo 14 de noviembre. El título escogido para tal ocasión es La del Soto del Parral, compuesta por los maestros Soutullo y Vert.

Siguiendo con la moda de la época de centrar argumentos en diversas regiones españolas y resaltar su folclore, esta zarzuela se ambienta en la campiña segoviana, donde como a veces suele ser habitual en los pueblos, los cotilleos y chismorreos típicos y sin fundamento ponen en peligro amistades y amores. Aunque ‘La Leyenda del beso’ y ‘El Último Romántico’ aún se mantienen en el repertorio, se trata prácticamente de la única zarzuela de estos maestros que ha perdurado en el tiempo y que aún se representa a menudo, debido quizás a la seriedad de su argumento, pero sobre todo a la magnífica orquestación, en algunos momentos semejante a una opera en cuanto a intensidad dramática y composición.

En la obra cabe destacar la romanza de Germán ‘Ya mis horas felices’, una de las más famosas y bellas compuestas para barítono. La función será llevada a cabo la compañía Antología de la Zarzuela, que tendrá como director musical al irundarra José Antonio Irastorza, mientras que la dirección escénica corre a cargo Antonio Ramallo.

Calixto Bieito firma la puesta en escena de la ópera ‘A la casa dels morts’ que se estrena el próximo domingo 8 de noviembre en el Teatro de Basilea. El libreto de la ópera, compuesta por el checo Leos Janácek y estrenada por primera vez en 1930, se basa en la novela La casa de los muertos (1862), de F. Dostoievski sobre la vida en un campo de prisioneros de Siberia.

Bieito firma también, junto con Philipp Berweger, la escenografía del espectáculo que incluye un avión real de grandes dimensiones sobre el escenario. La dirección musical de esta producción está a cargo de Gabriel Feltz.

Este es el cuarto espectáculo que Calixto Bieito estrena en el Teatro de Basilea, después de las óperas Don Carlo, de Verdi en 2006 y Lulu, de Alban Berg en 2009, además de una antología de zarzuelas, Pasión, dirigida en colaboración con Joan-Anton Rechi en 2008. El Teatro de Basilea ha sido escogido “Teatro operístico del año 2009” por la prestigiosa revista alemana Opernwelt

Por otra parte, esta es la segunda vez que Bieito trabaja en una ópera de Janácek, autor del cual ha estrenado anteriormente Jenúfa en la Ópera del Teatro de Stuttgart en 2007 y en el Teatro Nacional de Weimar en el 2008.

El director escénico y director artístico del Teatre Romea de Barcelona, Calixto Bieito fue galardonado este verano en Basilea con uno de los Premios de Cultura Europeos que otorga la fundación Pro-Europa, por su innovadora contribución al ámbito operístico.

Enrique Thate, que por fin pudo disfrutar de un día libre, y su mujer, Mamen Arrazola, acudieron ayer por la mañana junto a sus hijos, Ibone, Jon y Ane, al teatro Arriaga, donde se ponía en escena la obra ?Allegro Vivace?, producción del Teatre del Liceu, con la que dió comienzo la temporada de Abao Txiki, que tanto éxito ha tenido en ediciones anteriores. Una manera de que los niños y niñas se inicien en el sorprendente mundo de la ópera.
Joan Font, el director de escena, crea un ambiente muy sugerente en el escenario, un sótano abandonado, ideal para el diálogo musical que se da entre una chica a la que le encanta la música y el baile techno y ska, interpretada por Marta Rosell. La protagonista busca un local para celebrar una fiesta con sus amigos y se encuentra con Vivace, un ser fantástico, encargado de guardar todos los secretos de la ópera, interpretado por Jordi Vidal, que le desvelará cómo nació el bel canto, cuáles son los instrumentos musicales que se tocan en la ópera, la importancia de la voz y algunas de las historias que se narran en las óperas.
Un juego didáctico y divertido, en el que se involucraron plenamente los espectadores, sobre todo los más jóvenes, que acudieron a disfrutar del divertido espectáculo. Un viaje mágico por el mundo de la ópera, en el que los pequeños irán descubriendo la música de Monteverdi, Purcell, Mozart, Verdi, Bizet, Puccini, Berlioz y Donizetti a través de fragmentos interpretados por Alicia Ferrer (soprano), Marta Valero (mezzosoprano), Francisco Javier Jiménez (tenor) y Xavier Fernández (barítono).
Entre quienes acudieron al Arriaga se encontraba Beatriz Estefanía, que fue con la joven Claudia Llera; Violeta López y su hijo, Jon San Sebastián; Javier Porto y Yolanda Torrico con el pequeño Pablo Porto; Raquel Mateos y la niña Candela Pérez, que lucía una divertida visera y llevaba un muñeco entre sus brazos; María Jesús González y Nahia Gómez; Natalia Goldaracena y sus hijos, Imanol y Hanna Stammer; Pedro Rebollar y las niñas Marian y Aitana Rebollar; Esther Barrena, que fue con Alejandra y Martina Ollé; y Mercedes Anacabe.
También asistieron Santiago Valcárcel y Mirian Fernández Valladares con Inés y Raúl Valcarcel; Carmen Belandia y las niñas Pilar y Mariano Martín; Miguel Peiró y Maryam Luzarraga con los pequeños Miguel, Clara y Gabriel Peiró; Yolanda Azkarate y la joven Jone Sagastabeitia; Reyes Moleres con los pequeños Luca Moleres y Mara Presa; Azucena Sanz e Irene Martínez; Roberto Llaneza y su hija Ane; Koldo Narbaiza con sus hijos Idoia y Markel y su sobrina Maddie Narbaiza; Patxi Salvador y Puri Sánchez con los niños Andrea e Imanol Salvador; Txaro Fernández, que acudió con sus nietos Iraide y Alaitz Maza; Izaskun y Marisa Bergón, que vinieron a Bilbao, desde la ciudad de Orduña, con los jóvenes Eneko Ría y Asier Castillo, expresamnete a disfrutar de la ópera.

La asociación cultural Amics de l’Òpera de Lleida organiza un ciclo de conciertos gratuitos que se irá desarrollando en la Biblioteca Pública, complementados con una charla-coloquio abierta al público en general. La primera cita será el próximo jueves día 5, a las 19.30 horas.

“Este concierto será el primero de una serie que rodará por las comarcas de Lleida, con intérpretes leridanos y música de base, también de músicos de la tierra”, señala el presidente de la asociación, Francesco Brugnoli.
El primero de los conciertos líricos correrá cargo de las sopranos Eva María Ruiz Correa y Maria Josep Rúbies Biscarri, que actuarán acompañadas al piano por el profesor del Conservatori de Música de Lleida, Eduard Espinet.
El repertorio previsto para la ocasión se abrirá con las Goyescas de Enric Granados –Las currutacas modestas, Elegía eterna y La maja y el ruiseñor– que darán paso a otras composiciones de Mozart, Donizetti, Cilea, Barbieri, Sorozábal y Penella.
La sevillana Eva María Ruiz formará dúo con Maria Josep Rúbies, que es de Balaguer y se inició en el canto con la soprano leridana Maria Rosa Tamarit. Más tarde, con la soprano barcelonesa Núria Aragonés se introdujo en el mundo del belcanto y asiduamente asiste a másters con el tenor Pedro Lavirgen.
Actualmente, está perfeccionando su técnica vocal con la soprano leridana Josefina Lupiáñez, que será precisamente la protagonista del coloquio que se hará a continuación, coordinado por el propio Brugnoli.
El pasado día 15 de octubre, la asociación Amics de l’Òpera rindió homenaje a Ainhoa Arteta, una de las voces más admiradas de la lírica pese a su juventud. El barítono Luis Santana y el pianista Juan Antonio Álvarez Parejo fueron los encargados de ofrecer un concierto que estuvo abierto a toda la ciudadanía.
Ainhoa Arteta se suma así a los nombres ilustres condecorados con la insignia de oro de Amics de l’Òpera, que la asociación anfitriona quisiera poder dar el próximo año a Plácido Domingo.

Crítica La traviata En una nueva producción de Juventus Lyrica, la soprano Soledad de la Rosa compuso una memorable Violetta, dentro de un alto nivel general.

Es conocido el gran fracaso que fue La traviata, hoy el título más popular de Verdi, en su primera representación. Y aunque seguramente la causa principal del fiasco estuviera en la novedosa ambientación contemporánea -con su capacidad de convertir la escena en un pulido espejo en el que el público pudiera verse a sí mismo- sin duda la actuación de Fanny Salvini-Donatelli, la soprano excedida de peso que inauguró el rol, obró de catalizador.

Afortunadamente, la ópera ganó en cuidados de los aspectos visuales de su representación, pero esa dedicación tal vez trajo como contrapartida la indeseable consecuencia de preferir un cantante cuyo timbre no se adecue al personaje, a otro cuyas medidas -especialmente si se trata de una mujer- no coincidan con el ideal. Y en este sentido resulta reparadora la elección de Soledad de la Rosa en el trágico papel de Violetta para la nueva producción de La traviata que Juventus Lyrica subió este viernes como cierre de temporada. Sus condiciones vocales excepcionales y la naturalidad de su actuación consiguieron que la platea cambiara el frívolo comentario sobre sus dimensiones por una cerrada ovación a su talento. Soledad de la Rosa tiene un dominio técnico notable, no sólo por la naturalidad con que resuelve los pasajes de coloratura sino por la perfecta sujeción del color y volumen de su voz al ánimo del personaje.

Por lo demás, la representación fue pareja en todos los terrenos.

La escenografía de época sugiere una lectura más o menos lineal del libreto. La simetría axial no sorprende: una estructura de líneas despojadas que se reviste para enmarcar los distintos actos y un mobiliario entre cuyo inventario produce algo de extrañeza el piano de cola, demasiado moderno pero también deteriorado, que adquiere cierta relevancia durante el primer acto, el de la fiesta en la sala principal de la casa de Violetta, cuando los invitados sobreactúan un improbable acompañamiento a cuatro manos en el célebre brindis.

El tenor Santiago Bürgi, el Alfredo Germont del segundo elenco, tuvo que asumir el rol para este estreno, en reemplazo de Norberto Fernández. Bürgi tiene un registro desparejo: terso en el registro medio, algo destimbrado en el agudo y un poco flojo en los graves, y aunque suelto corporalmente, su juvenil Alfredo necesita ganar aplomo.

El barítono Enrique Gilbert Mella compone un impecable aristócrata Giorgio Germont. Es cierto que su voz registra el paso de los años y que él, un poco a la antigua, articula prolijamente y se preocupa menos por su gestualidad. Pero es en esa actitud contenida donde se manifiesta su potencia expresiva.

El resto del elenco mantiene el nivel. Eugenia Fuente compone una Flora con brillo propio, y María Eugenia Caretti, una más que convincente Annina. Entre los comprimarios masculinos sorprende por la profundidad y calidez vocal Alejandro Di Nardo, el doctor.

El coro sonó bien aunque por momentos resultaba una masa demasiado grande para un escenario tan pequeño. La orquesta, dirigida por Russo, sonó ajustada y tuvo un comienzo mágico en el agudo de las cuerdas, un sonido que antes de subir del foso parecía descender de alguna otra parte. «

FICHA:

La traviata

Autor: Giuseppe Verdi

Director: Antonio Russo; régie: Ana D’Anna. Juventus Lyrica.

Muy bueno

Un elenco encabezado por Larry Harris, María Alejandre y Enrique Patrón de Rueda, estarán en el teatro Pablo de Villavicencio

Con un elenco internacional, encabezado por el barítono estadounidense Larry Harris, el tenor uruguayo Juan Carlos Valls y la soprano mexicana María Alejandre, dirigidos por Enrique Patrón de Rueda, con la Orquesta Sinaloa de las Artes y el Coro, hoy se llevará a la escena la ópera Rigoletto, de Giuseppe Verdi. a las 20:30 horas, en el teatro Pablo de Villavicencio.
Celebrando 30 años de carrera, Patrón de Rueda dijo estar contento de encabezar una de las obras maestras de Verdi, parte de la trilogía famosa y más gustadas por el público, La Traviata, Rigoletto y El Trovador.
"Es un elenco de primer nivel, estamos haciendo un trabajo muy interesante en escena, que es el futuro de la ópera, con muy pocos elementos, acentuando todo en el drama y el canto, apoyados en una iluminación, efectos, luces. La OSSLA está haciendo esta ópera complicada, el coro de Sinaloa hace un trabajo muy interesante, con la voz imita el sonido del aire".
La ópera forma parte de la temporada de la Sociedad Artística Sinaloense y el Instituto Sinaloense de Cultura y la segunda función será mañana, misma hora y lugar, y una tercera se ofrecerá en el teatro Ángela Peralta de Mazatlán, a las 20:00 horas.
Participan además Rosendo Flores, como Sparafucile; Óscar Velázquez, como el conde Monterone; Oralia Castro, como Maddalena; Ana Laura Rojas, como Giovanna; Wendy García, condesa Ceprano; Andrés Carrillo, Matteo Borsa; Fernando Martínez, Ceprano; Armando Piña, Marillo; Perla Orrantia, Paje, y Francisco Castro, Ugier.
Harris dijo estar contento de colaborar en Rigoletto, pues de todos los roles para barítono verdiano, él es el más interesante porque tiene muchas facetas.
"El personaje es una gran tragedia en sí, porque trata acerca de seducción y lujuria a cambio de poder. Al principio uno como espectador puede odiar a Rigoletto, porque es tan malo como toda la corte, se burla de los sentimientos, humilla, porque es el bufón de la corte, tiene un gran remordimiento constante de esa doble vida que lleva, cuando se desdobla y vemos el gran amor que tiene por su hija lo hace interesante", comentó.
María Alejandre (antes Katzarava) señaló que Gilda ha sido un personaje muy importante en lo personal, porque con él ha debutado en muchos teatros.
"He tenido oportunidad de trabajarla desde puntos de vista diferentes, dependiendo del director, hacer una Gilda diferente, no la clásica tontita que se deja enamorar. Es un personaje lindo, que pasa por muchos matices, de ser una niña, cuando se enamora, se vuelve una mujer rebelde, con fuerza, entregada por amor, un papel interesante, con muchos colores y una tendencia fuerte".
Valls manifestó su agradecimiento por haber sido invitado y dijo que su personaje, a diferencia de Rigoletto que al final lo quieren, a él lo odian hasta el final, porque es muy vil. Y Velázquez por la oportunidad y la confianza que le dieron para participar en la producción, pues en el país son pocos los que se arriesgan a dar oportunidades.
Leonor Quijada, directora de la SAS, destacó la presencia de cantantes sinaloenses, como Oralia Castro, quien habló de su personaje, la villana de la historia, junto con Sparafucile, dos seres que se dedican a ultrajar gente, asesinar y robar.
Gerardo Ascencio, director de compañías, reconoció que han tenido problemas económicos y ha sido una labor titánica en la que han tenido que colaborar todos.
"Ha habido obstáculos, pero finalmente estamos aquí con el trabajo seguro y funciones seguras, incluyendo una función en Mazatlán".

A SABER
* Rigoletto tendrá una duración de 2 horas con 20 minutos y dos pequeños intermedios.
* La dirección escénica es de Miguel Alonso Gutiérrez.
* La dirección del coro de Sergio Martínez.

BOLETOS
Los boletos están a la venta en los módulos de TicketSAS en Forum y en los teléfonos 717 95 13 y 14, a un costo de 300, 400, 500 y 600 pesos.

Luego de la exitosa apertura, el sábado 7 de noviembre a las 14 se concretará una nueva transmisión desde el Metropolitan Opera House de Nueva York, con “Turandot” de Puccini producida por Franco Zefirelli.

Denominada “MET Live HD” en Mar del Plata, la transmisión se realizará con imágenes de alta definición, captadas con 13 cámaras y con sonido cinematográfico. De esta manera, el Teatro Auditorium de Mar del Plata es el primer teatro del interior del país que se suma a la red de 850 salas en 35 países que reciben en directo la temporada Live in HD del Metropolitan de NY.

“Turandot” es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Adami y Renato Simoni. La ópera, inconclusa por la muerte de Puccini, fue completada por Franco Alfano y estrenada el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán.

En España se estrenó en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona el 30 de diciembre de 1928.

Cuenta con las actuaciones de Maria Guleghina (Turandot), Marina Poplavskaya (Liu), Marcello Giordani (Calaf) y Samuel Ramey (Timur). Cuenta con la batuta de Andris Nelsons y ñas coreografías de Chiang Ching.

Una de las partes más difíciles de la ópera se encuentra en el segundo acto y se inicia con la frase In questa reggia, cuando Turandot explica la razón de su comportamiento. Musicalmente, esta parte exige sobreagudos por parte de la soprano, que combinados con la capacidad wagneriana que requiere el personaje, la hacen particularmente difícil. En el tercer acto se encuentra una de las arias más conocidas para tenor, Nessun dorma, que representa la victoria del amor sobre el odio, donde Calaf canta que nadie duerma para descubrir el nombre del joven héroe. Otro aspecto musicalmente notable es el enfrentamiento entre tenor y soprano, en el segundo acto, que muchos comparan con lo que hizo antes Puccini en Tosca, también en el segundo acto, cuando enfrenta las voces del barítono y la soprano, Scarpia y Tosca.

Vale mencionar que la llegada de este acontecimiento es un esfuerzo conjunto de la Fundación Beethoven y el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Puesto que el Teatro Real es de todos hay cierta lógica en ver un día a Lulú y otro a la Italiana. Al fin y al cabo es lo mismo. Philip Gossettt, especialista en temas rossinianos, dejó escrito que «por muy diferentes que puedan parecer, la Isabella de Rossini y la Lulú de Alban Beg tienen en común la misma facultad de seducir a los hombres». Aquel que dude del entrecomillado puede comprobarlo en el programa del Teatro de la Zarzuela de 1994. También en el que ahora edita el Real, donde «L’italiana in Algeri» se ofrece hasta el 18 de este mes. Nada menos que una «ópera normal», como bien señaló un espectador en el estreno de ayer.
Sin duda se refería a que en ella pueden escucharse detalles de noble y vieja cantabilidad en la magnífica voz de Vesselina Kasarova cuyas maneras algo sofisticadas, su oscura personalidad vocal y el dominio de la agilidad y la expresión la convierten en una protagonista única. Imponente el «Per lui che adoro» o «Pensa alla patria». También a Carlos Chausson, impecable en las maneras, el tono y el acento. Una vez más, una agradable garantía. Incluso, se admirará a Michele Pertusi, algo delgado pues le falta anchura, o a Maxim Mironov un tenor de admirable corrección y pusilanimidad.
Hasta aquí, de acuerdo con el buen espectador, quien, sin embargo, omitía algo interesante como es que esta ópera además de normal es «giocosa» y a poco que se haga con gracia hasta hilarante. Porque en este detalle se tuerce lo esperado ya que el maestro Jesús López Cobos de puro estilizar deja a Rossini en los huesos y temblando, lo que obliga a fijarse mucho para no desperdiciar el talento de tan notables intérpretes. Acompañados minuciosamente, eso sí, pero sólo acompañados. De ahí la mortecina sinfonía de entrada, los apagados concertantes, lo sosito que queda el Coro de la Comunidad o la inmensa tristeza del «Pappataci» que tantas alegrías podría llegar a proporcionar.
Los Comediants (Joan Font) lo saben y es en ese punto y en el «Pensa la patria» donde echan el resto de su talento escénico, aunque también midiendo las fuerzas y centrados en su estética colorista, cándida, evocadora e infantiloide. ¿Posible? Por supuesto, aunque le falte soltura en el movimiento escénico que tan buen resultado podría dar en el final del primer acto. De manera que, ya como cierre, únicamente queda añadir que de una aburridísima «Lulú» magníficamente representada hemos pasado a una divertidísima «Italiana» aburridamente resuelta. El público decide.

Juventus Lyrica cerró un gran año con una propuesta repleta de hallazgos

Opera La Traviata. De Verdi.Elenco: Soledad de la Rosa (Violeta) Santiago Bürgi (Alfredo), Enrique Gibert Mella (Germont), Eugenia Fuente (Flora). Puesta escénica: Ana D´Anna. Director de orquesta: Antonio María Russo. Juventus Lyrica. Teatro Avenida (Nuevas funciones, hoy, a las 17.30 y el jueves, viernes y sábado, a las 20.30).
Nuestra opinión: Excelente

La consagrada soprano Soledad de la Rosa fue, en la versión ofrecida por Juventus Lyrica, una intérprete exquisita desde el punto de vista vocal del complejo personaje de Violeta, que implica afrontar en cada acto caracteres dramáticos diferentes en una sucesión que va desde la frivolidad (soprano de agilidad) a la dramática (soprano spinto), pasando por la realidad de una mujer frágil y a la deriva (soprano lírica). Ella, por otra parte, con esa sinceridad y franqueza que la distingue, hizo gala de la belleza de su voz y la infalibilidad de su afinación, don que proviene de un oído absoluto.

Lógicamente que, para el logro de estas variables del personaje central y la concreción de una versión jerarquizada, tuvo relevancia la faz musical de Antonio María Russo por el logro de amalgama entre orquesta y cantantes, la aplicación sutil de una expresión cálida y refinada en el discurso musical, con la evidencia auditiva de haber llevado a cabo un trabajo de preparación meticuloso que apuntó a no permitir en ningún pasaje una interpretación vulgar o aparatosa.

El tenor Santiago Bürgi como Alfredo, acaso la figura central que hizo honor a los postulados de la institución ?esto es promover a los jóvenes valores para que adquieran experiencia?, cumplió su cometido con solvencia en la faz actoral y dando ejemplo de poseer musicalidad, segura entonación, voz de grato color y de volumen que destaca el decir con refinamiento y delicadeza.

Por su parte, el barítono Enrique Gibert Mella fue un Germont de lujo, no sólo por su experiencia, sino por la idoneidad de su canto, la nobleza de su entrega para afrontar sin reticencias las exigencias de un autor que a los barítonos les legó una interminable serie de momentos vocales que forman un corpus de exquisita inspiración dentro del repertorio italiano. Fue admirable su versión de la siempre comprometida “Di Provenza il mar…” e impecable en los dúos y concertantes. En una palabra, la ratificación de méritos de una figura que forma parte del ramillete más destacado del arte lírico nacional.

Un detalle significativo lo aportó María Eugenia Caretti, encarnando al personaje episódico de Annina, simplemente porque pocas veces como en este caso, se observó y escuchó un trabajo de actriz de tanta naturalidad y emotividad. Claro está que la Flora de Eugenia Fuente y los personajes de flanco destacaron por su sobriedad y buena presencia escénica. Del mismo modo el coro preparado por Miguel Pesce fue muy efectivo y los bailarines en las pinceladas de danzas, flexibles y desenvueltos.

Desde el punto de vista teatral, Anna D?Anna logró una sugerente ambientación en cada uno de las escenas, no sólo por el acertado diseño y la muy buena utilización de la iluminación, sino también por el magnífico vestuario diseñado por María Jaunarena y lo cuidado del maquillaje y los peinados. En definitiva, un espectáculo que ha de quedar para el recuerdo de la actual temporada, que además, por el lleno total de la sala y el entusiasmo del público, sirvió para reafirmar la vigencia y triunfo de la ópera y la justicia del Premio ACE recibido recientemente por la entidad.

Esto ocurre mucho en los coros o con maestros que aplican el metodo clasico. Una vez que “identifican” la clasificacion de tu voz, debe seguir la regla de que no puedes ir mas alla de donde esta permitido. Aunque la idea es de evitar que te lastimes, ese consejo a veces se convierte en una orden y al mismo tiempo un limite para todo cantante.

Si no sabes la clasificacion vocal clasica de un cantante aqui van,

Comenzando con los hombres, de mas grave a agudo:

Bajo, Baritono, Tenor

Y luego las damas:

Alto, Mezzo-Soprano, Soprano

Y aunque muchos no lo sepan,hay clasificaciones dentro de esas clasificaciones, osea se dividen en diferentes ramas. (aunque es mas aplicado a la opera). Si tu meta es ser un gran cantante de musica clasica o lirica, entonces sigue las instrucciones de tu maestro o maestra. Si eres un cantante que va mas a la musica moderna y busca lo extremo sin poner en riesgo las cuerdas vocales.

Los Tenores son muy famosos por alcanzar notas altas aun manteniendo su resonancia de pecho, donde los baritonos y bajos solo han sido limitados a alcanzarlas con voz de cabeza.

Pero la realidad es otra, y tanto los Bajos como Baritonos pueden alcanzar la Famosa Do del Tenor (Do5), y el registro de silbido que hace no mucho era limitado a mujeres tambien puede ser alcanzado aun por Bajos. De las misma manera, los Altos y Mezzos, pueden alcanzar la Do del Soprano (Do6) y seguramente el registro de silbido.

Por esa misma manera no hay que preocuparse por saber si eres un Bajo o no, o frustrarse porque no puedes alcanzar esos altos tan deseados. Puede tomarte el doble de tiempo, pero se puede hacer. Todo depende de la guia adecuada y de la practica constante. No hay atajos para la expasion (o mas bien recuperacion) del rango. Nunca es tarde para comenzar, la voz madura con el tiempo y se hace mas fuerte y rica en sonido. consigue un maestro que cumpla con tus expectativas, que no se limite en la clasificacion vocal y tenga el conocimiento necesario para demostrartelo.  No dudes en apartar unas clases pronto.

Salma Hayek

De acordo com a Folha Online, Salma Hayek e Jessica Biel fizeram parte dos testes para a versão da Broadway para “Mulheres À Beira de um Ataque de Nervos”:

As atrizes Salma Hayek e Jessica Biel participaram dos primeiros testes para a versão musical que Broadway fará do filme “Mulheres À Beira de um Ataque de Nervos”, do diretor espanhol Pedro Almodóvar, afirmou a imprensa local.

Segundo o site da revista “Variety”, as atrizes participaram durante o último fim de semana dos testes preliminares que foram realizados no Centro Cultural Lincoln de Nova York, assim como outros atores de musicais como Matthew Morrison e o barítono brasileiro Paulo Szot.

Ambos são atores do premiado musical “South Pacific”, por cuja interpretação Szot ganhou um prêmio Tony.

Leia mais clicando aqui.

Este es el blog del Coro Polifónico Municipal de la ciudad de Nogoyá. Aquí podrán encontrar información, fotos, videos, audio y todo lo referido a este coro.

Sean todos bienvenidos!!!!

El Auditorio de Tenerife cae “conquistado” por más de 1.400 escolares en la primera función mañanera de “La Cenicienta” de Rossini. La experiencia de mostrar este género a los menudos puso a prueba la paciencia de los músicos.

Lo peor que le puede pasar al propietario de un hermoso jarrón de cristal de Bohemia es que aparezca un menudo y lo transforme en un “salpicón” de brillantes lentejuelas. En resumen, que la joya acabe hecha picadillo por una travesura. Relatar un cuento a través del lenguaje operístico es un ejercicio de concentración absoluto. Una clase magistral para no perder la paciencia ante una “tormenta” de ruidos y movimientos incontrolados.

El segundo pase de “La Cenicienta” de Rossini (el primero que se organizó exclusivamente para escolares) que albergó el Auditorio de Tenerife puso a prueba no sólo el temple de los músicos, cantantes y presentador del espectáculo, sino al personal encargado de velar por el orden en la Sala Sinfónica. Nunca una ópera provocó tantas “expediciones” a los baños, bostezos y ríos de SMS. La producción artística y musical encabezada por Giancarlo del Monaco y Mariano Rivas es exquisita. Un lujo para los que estén verdaderamente interesados en sumergirse por primera vez en el universo del bel canto.

Laura espera en silencio a que ascienda por primera vez el telón. A su derecha, Raquel dibuja una sonrisa en su boca en cuanto identifica al maestro Fernando Argenta. “¿Este señor es el de la tele?” Sí. El que sale en los conciertos en los que los niños suben disfrazados al escenario”. Las dos permanecieron atentas durante el noventa por ciento de la función. La emoción de oír un cuento, aunque nazca en un pentagrama, estuvo presente durante la hora y pico de representación. En una ópera infantil no ganan las mejores voces; salen airosos aquellos personajes que hacen menos ruindades.

Exquisita sencillez

Tanto Laura Godoy (Tisbe) como Paloma Silva (Clorinda) sabían de antemano que iban a terminar siendo abucheadas por el público. Las dos hermanastras de la dueña del zapatito de cristal acumulan mucho protagonismo hasta que don Magnífico, su padre, lee en la portada de El Día que el príncipe prepara una recepción real para elegir esposa.

La trama, cuya música se ajusta con la misma finura con la que la Cenicienta recibe su zapatilla cristalina, comienza a tomar cuerpo en cuanto despierta el barítono Jeroboam Tejera. A estas alturas, Carol García (Cenerentola) sabe perfectamente que, salvo milagro, no va a estar presente en la fiesta de don Ramiro (Jorge Cordero).

La amplitud, rapidez, agilidad, lo que los expertos denominan una ópera de coloratura, dominan un guión en el que ya figuran Víctor del Castillo (Dandini) y Abelardo Cárdenas (Alidoro). En ese punto, “La Cenicienta” de Rossini acaricia su zenit. Los componentes del Ensemble Villa de La Orotava, dirigidos por el gijonés Mariano Rivas, fusionan los elegantes sonidos de sus instrumentos con voces que se pisan creando un efecto que deja boquiabierto a Óscar.

Únicamente el bullicio que recorre de norte a sur y de este a oeste el graderío logra amenazar la fragilidad de unas voces que parecen estar fabricadas con cristal de Swarovski. Lo dicho. Demasiado débiles para estar al alcance de tantos inocentes. Laura y Raquel ni pestañean. De vez en cuando, acercan sus cabezas y comentan una frase de Argenta, quien desde su sillón agita las manos para reclamar unos segundos de sosiego. Una tregua.

El baile está a punto de empezar y las opciones de que la joven Cenicienta pueda participar en él son casi tan remotas como las de un apostante de La Primitiva, es decir, que hace falta que ocurra un milagro para cambiar la suerte de la humilde sirvienta.

El hormigueo de los espectadores estalla cuando un Audi descapotable cruza el escenario de lado a lado para transportar a Cenicienta a Palacio. La calabaza que el hada madrina de Charles Perrault convirtió en un espectacular carruaje ahora se ha mutado en un descapotable que Alidoro utiliza para llevar a Cenerentola hasta los brazos de su enamorada majestad. Ésa y la sustitución de la madrastra del libreto originario por un padrastro son las dos diferencias que hallaron algunos de los asistentes entre el cuento y la ópera. ¿Cuándo sale el hada madrina? le traslada una niña que no aparenta tener más de siete años a un adulto que trata de controlar a una docena de alumnos. “Alidoro es uno de los buenos”, le contesta.

Mañana de emociones

Después de una hora de función las emociones están a flor de piel. En los pasillos nadie habla de la calidad de las voces, de lo bien que han estado los músicos o incluso de las intervenciones de Fernando Argenta. Camino de las guaguas, los menores destacan la escena en la que uno de los personajes lee un periódico descansando sus posaderas sobre un W.C., del vestido tan bonito que lució Cenicienta en su misteriosa cita en palacio, del “cochazo” que sale en este cuento, de lo divertido que ha sido pasar una mañana fuera del colegio… Así que colorín colorado este día en la ópera ya se ha terminado. Hoy y mañana, más.

Nacido en San Sebastián donde recibe su formación, es miembro del Coro Easo de la capital guipuzcoana. Como integrante de este coro ha actuado en diversas ciudades españolas como Madrid, Bilbao (Lohengrin, Zigor, Der Fliegende Holländer, etc), San Sebastián, A Coruña (con la OSG con V. P. Pérez), y en varios festivales europeos de Rusia (San Pertersburgo), Alemania (Réquiem de Verdi) y Francia.

En calidad de solista ha cantado “Marullo” de Rigoletto , el “Comisario Imperial” de Madama Butterfly y “Morales” de Carmen en la Quincena Musical Donostiarra. El “Marqués D’Qbigny”de la Traviata, ”Antonio” de Las Bodas de Figaro y ”Marullo”, para la Asociación Lírica Luis Mariano de Irún. Y el rol del “Acomodador” en el estreno de la ópera El Acomodador de Javier Jacinto, dirigido por el propio compositor para la Asociación Musical Illumbe-Auditorio de Barañáin. Así como la obra ‘Via Crucis’ de Franz Liszt en el festival de Mendigorria.

El romano interpreta el papel de Mario Cavaradossi en la ‘Tosca’ de Puccini que estrena mañana el Campoamor

La Ópera de Oviedo continúa su calendario con el Puccini más desgarrador, interpretado por voces de primera fila

DIANA DÍAZ En «Tosca», ópera con la que continúa este mes la LXII Temporada de Ópera de Oviedo, Giacomo Puccini agudiza un lenguaje musical propio para ilustrar un argumento de gran carga dramática. El elemento teatral en «Tosca» es imprescindible. Como animales enjaulados, los personajes de la ópera luchan contra la opresión y la muerte. Pero hay una sombra que permanentemente nubla la salida. Entre la oscuridad se adivina un destino fatal irremediable. El vacío es el nudo y el desenlace.

Puccini regresa así al ciclo con una de las óperas más representadas en el coliseo ovetense. Junto a «La Bohème», también de Puccini, «Tosca» sostiene el récord en la programación, de manera que el título se recupera, tras un paréntesis de nueve años, en la temporada que patrocina, entre otras entidades, LA NUEVA ESPAÑA. El estreno se celebrará el jueves, prolongándose las funciones los días 11, 14, 16 y 17. La penúltima función será fuera de abono, con la actuación del segundo reparto.

El drama firmado por Victorien Sardou que inspiró a Puccini quedó superado por la ópera, a través de la economía de medios con la que se construyeron música y libreto; este último a cargo de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, habituales en las obras maestras del compositor italiano. El realismo y el contenido crítico de la obra se revisten de una música que entreteje un marco poderoso para los personajes.

La ópera, estrenada en el teatro Costanzi de Roma en 1900, está ambientada originalmente en la Roma napoleónica de 1800. Scarpia, jefe de la policía vaticana en época contrarrevolucionaria, aprieta y ahoga. Se trata del malo malísimo que hoy día recupera la cartelera de cine y cuya inteligencia y maneras provocan repugnancia. Al otro lado, «un volteriano» -como dice el libreto-, el pintor Mario Cavaradossi, que es condenado a muerte por ayudar al noble fugitivo Cesare Angelotti. Floria Tosca lidera la batalla por la libertad. Pero se condena a sí misma con la sangre del tirano.

En el momento de su presentación, «Tosca» marcó la diferencia frente a las anteriores óperas de Puccini. A través de un lenguaje progresista, en armonía con sus ideas políticas, el compositor creó un mundo sonoro ilimitado, a través de arriesgadas soluciones armónicas y la combinación de diferentes densidades orquestales. Los motivos melódicos y los timbres de los instrumentos definen no sólo a los personajes, sino también las situaciones. De modo que el oyente queda atrapado en un tejido rico y fino, que se convierte en un fluir musical sin más concesiones que la intimista aria «Vissi d’arte» de Tosca en el segundo acto. El impacto se propicia con los elementos veristas que dan autenticidad y crudeza a la ópera, así como con guiños expresionistas de efecto a través de la protagonista. Todo ello potencia el contenido lírico que no falta en ninguna ópera del maestro.

La Ópera de Oviedo revivirá la tragedia de «Tosca» en la producción de la Ópera de Escocia, originalmente de Anthony Besch, maestro de la escena fallecido en 2002. Jonathan Cocker será así el responsable escénico en el Campoamor.

En el trío de voces protagonistas, Floria Tosca estará interpretada por Hasmik Papian, soprano lírica especialmente valorada hoy en Verdi y Puccini -además de tener la «Norma» de Bellini en su repertorio habitual-, que pondrá a prueba su flexibilidad vocal. En el trabajo dramático principal de la ópera está, además de Tosca, el barón Scarpia, personaje que precisa de un verdadero ejercicio actoral, también a través de la voz, con un catálogo ambicioso de matices y estados psicológicos. Juan Pons, uno de los barítonos dramáticos españoles por antonomasia, será el encargado de este papel. Como Mario, completará el triángulo principal Roberto Aronica, tenor italiano que actualmente pasea por los principales teatros internacionales. En la parte musical, la batuta la llevará Friedrich Haider, titular de la Orquesta «Oviedo Filarmonía», que suma otro reto más en el foso de la temporada lírica. Por su parte, el Coro de la Ópera de Oviedo comienza su participación en la temporada.

La mujer silenciosa. Ópera cómica en tres actos con música de R. Strauss y libreto de Stefan Zweig. Solistas: Franz Hawlata, bajo (Sir Morosus); Barbara Bornemann, contralto (Ama de llaves); Klaus Kuttler, barítono (el Barbero); Bernhard Bercthold, tenor (Henry Morosus); Julia Bauer, soprano (Aminta); Elena de la Merced, soprano (Isotta); Karolina Gumos, mezzo (Carlotta); Alfredo García, barítono (Morbio); Felipe Bou, bajo (Vanuzzi); Pavel Kudinov, bajo (Farfallo). ROSS. Director musical: Pedro Halffter. Director de escena, escenografía e iluminación: Marco Arturo Marelli. Vestuario: Dagmar Niefind. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Sábado 3 de octubre. Aforo: Casi lleno.

Un año más, el Teatro de la Maestranza se convirtió en foco de atención de los medios nacionales al presentar por primera vez en España un título lírico del repertorio centroeuropeo. Esta vez tocó turno a un peso pesado, Richard Strauss, cuya Mujer silenciosa no se había ofrecido nunca en un teatro español, un hecho ciertamente extraño, pues aunque la ópera no esté quizá a la altura de los mejores títulos del compositor, se trata de una obra muy estimable, que cuenta con un libreto excepcional, una rica orquestación y cuyos orígenes estuvieron marcados por la censura nazi, con el interés añadido que siempre provoca el morbo de la barbarie política.

Sea por la razón que fuere, La mujer silenciosa no se había podido ver en España hasta ayer, cuando el Maestranza la presentó 74 años después de su estreno. Cabe felicitarse por que la presentación viniera con una producción estupenda, que pese a los años pasados desde su concepción (Viena, 1996), se mantiene fresca y dramáticamente eficaz.

Marco Arturo Marelli ha diseñado un espacio central limitado por una estructura cilíndrica, con una gran escalera de caracol y unos ojos de buey por toda apertura al exterior, simulando acaso un faro, lo que reduce considerablemente el espacio útil de la escena e incrementa la sensación claustrofóbica que está detrás de la manía del protagonista (su horror al ruido, lo que provoca su aislamiento del exterior), germen de la trama.

Colores fríos y apagados (especialmente al principio) para una comedia que se adentra en el terreno de la soledad, la incomunicación, los conflictos intergeneracionales y que, con buen criterio, Marelli trató de forma naturalista y sin forzar sus perfiles más chocarreros y grotescos. Magnífica dirección de actores y detalles teatrales muy hermosos, como cuando al final del primer acto las máscaras convertidas en candilejas se dejan sobre el suelo, enmarcando así el inicio de la farsa dentro de la farsa.

Si dramáticamente la producción fue un triunfo, en el terreno musical cabe lamentar un elenco no del todo a la altura del reto. Brillante resultó Julia Bauer, una soubrette llena de encanto y con un instrumento resplandeciente y luminoso. En cambio, Franz Hawlata mostró una voz pequeña, engolada y sin los graves que requiere su personaje. Con problemas de proyección también el tenor Berchtold, demasiado opaco y plano de matices, con fiato no muy sobrado. Klaus Kuttler logró en cambio una muy correcta recreación del Barbero, con voz vigorosa y juvenil, y un registro agudo de notable prestancia. Entre los secundarios, resultaron estupendas las dos comediantes (Elena de la Merced y Karolina Gumos) y bastante convincente el bajo Felipe Bou. Desde la chispeante obertura, Pedro Halffter marcó con absoluto sentido el ritmo fluido de la comedia y supo extraer gran variedad de matices de una orquestación compleja, manteniendo las dinámicas siempre al servicio de unas voces con problemas de volumen, lo que restó espectacularidad al cometido orquestal.

Un grupo de cantantes líricos recién salidos del horno deciden emprender su camino con un producción de ópera propia.

Compañeros de conservatorio y otros entornos musicales, estudiantes de canto y licenciados. Todos ellos forman parte del elenco de una producción de ópera que se llevará a cabo a mediados de Marzo del año que viene. Pero no es una producción cualquiera; es la suya.

Iker Casares es el cabecilla de esta pequeña rebelión lírica, y hemos estado con él para que nos hable de ella.

- ¿De dónde nace esto de producir una ópera entre compañeros?

- Bueno, no sé de dónde nace, pero sí el porqué nace. La cosa se me ocurrió sin más pensando el lo difícil que lo tenían varias de mis compañeras del conservatorio, que se licenciaron el curso pasado, para poder empezar a trabajar en el mundillo de la ópera. Audiciones, coros… Puf! Es terrible lo que hay que pasar para que alguien te dé una oportunidad. Así que pensé: ¿porqué no hecemos nuestra propia producción y así enseñamos lo que hay? Y así empezó. Lo propuse a los compañeros y les gustó la idea.

- Ya, pero de tener la idea a hacerlo hay un buen camino.

- Sí, sí. Claro. He tenido la suerte de tener relación con la Asociación Lírica Luis Mariano de Irún. Les propuse el proyecto y les gustó. Encajaba con su filosofía de dar oportunidades a jóvenes cantantes, y después de varias conversaciones y demás… Clic! El 14 de marzo la haremos en el Teatro Amaya de Irún. Es de agradecer, y mucho, que asociaciones como ésta se mojen en estos asuntos. Les estoy muy agradecido, por ésto, y porque me han dado muchas oportunidades de hacer pepelitos en diferentes producciones de su temporada de ópera.

- La Finta Giardiniera. ¿Cómo así esta ópera?

- Bueno. Esto viene del conservatorio. Es una ópera que escogieron los profesores para trabajar escena. Normalmente en los conservatorios suele haber muchas más chicas que chicos, así que hacía falta una ópera con muchos papeles para chicas. La Finta Giardiniera está escrita para tres sopranos, una mezzo, dos tenores y un barítono. Así que con esta ópera teníamos parte del trabaja medio hecho. Claro que luego hay que cambiar el chip cara a hacerlo en un teatro.

Además la Finta Giardiniera tiene varias cosas buenas, y una de ellas es que es de Mozart. Siempre se ha dicho que aprender a cantar Mozart es aprender a cantar. Los recitativos de Mozart son difíciles de hacer (si se quieren hacer bien), tanto por el estilo como por lo escénico. Hay que darles gracia a la vez de cantarlos como es debido, y hay mil intenciones que se pueden trabajar con ellos. En resumen. Es un aprendizaje estupendo a todos los niveles.

- Y ¿cómo os habéis organizado para realizar la producción?

- Bueno. Al principio cuentas con lo básico: los cantantes y alguien para la escena. Después vas buscando un iluminador, alguien que pase los subtítulos, el vestuario… Creo que nos hemos juntado un buen equipo. El director Musical será Arkaitz Mendoza, muy buen pianista y estudiante de dirección. La directora de escena será Ohiana Regüela, que también es soprano, pero que se ha decantado por los asuntos escénicos. Y el tema del decorado y producción lo llevo yo.

- Además de ti ¿qué me puedes decir del resto del elenco?

- Pues que todos somos jóvenes y tenemos muchas ganas de hacerlo bien. El presonaje protagonista (Sandrina) lo hará Elena Barbé, soprano lírico-ligera de. También lo es Serpetta, que lo cantará Abenauara Graffigna. El papel de Arminda lo hará Miren Urbieta y el de Ramiro Ainhoa Franco, las dos son sopranos líricas. El jardinero Nardo lo interpretará Rubén Ramada, barítono, y el Contino lo cantará Mario Cerdá, tenor. Yo interpretaré al único personaje que termina la ópera sin pareja, El Podestà.

- ¿Son todos de San Sebastián?

- No. Todos nos conocemos de Donosti. Mario es de Valencia, y Abenauara es canaria.

- ¿Cómo es la producción?

- Bueno. El propósito principal de nuestra Finta es el de entretener. Es un obra temprana de Mozart y, junto con Lucio Silla, marca la frontera del Mozart maduro. Es un encargo que le hicieron después de estar componiendo varia obras obras bufas en Italia. Así que esta ópera tiene la forma de esas obras anteriores. El esquema es simple, aria, recitativo, aria, recitativo… y número concertante. Lo realmente simpático de esta obra son los recitativos y los enredos amorosos entre los personajes, que permiten hacer una escena muy divertida y entretenida.

El vestuario está sin terminar de definir, pero la idea es que vaya en consonancia del libreto, es decir, disparatado. Y el decorado es simple pero funcional y bonito. No nos podemos permitir un escenario Cefirelli… (se ríe). Se puede ver un dibujo de la idea del decorado en nuestra página web operagazte.com

- ¿Tenéis página y todo?

- ¡Jaja! Sí. Soy muy aficionado a Internet y enseguida me preparo un página. Creo que es interesante que la gente pueda tener información de primera mano de lo que vamos a hacer.

- ¿Después de Irún?

- Trabajo en ello.

Oscar Garrido, baritono, è nato in Messico, dove ha iniziato lo studio del canto  con il M° Manuel Peña, perfezionandosi poi in Italia con diversi Maestri come Rina Malatrasi, Franca Mattiucci, , Carlo Bergonzi, Giuseppe Bianca, Bruno Pola, Giuseppe Scandola, Maria del Fante. Il suo debutto ufficiale è avvenuto in Messico nel Palacio de las Bellas Artes, con il “Pipistrello” di Strauss, in seguito “La Vedova Allegra di Lehar; “Carmen” di Bizet; “Don Giovanni” di Mozart;“Andrea Chenier” di Giordano, 9° Sinfonia di Beethoven; Oratorio Christus di F .Liszt; Carmina Burana di Orff.È interprete anche di qualche Zarzuela. Nel 1997 incide in prima mondiale un CD dell’opera “Una Favola per caso” di Gregoretti e Sani, opera contemporanea interpretando il ruolo principale del Caso. Nel Marzo 2001 ha debuttato in Canada a Toronto interpretando Escamillo in “Carmen” di Bizet ed Enrico in Lucia di Lammermoor di Donizetti, riscuotendo un gran successo di pubblico e critica. Nel maggio 2002 è stato scelto per interpretare per prima volta a Torino lo “Stabat Mater” di Szymanowski. Nel 2004 e 2005 ha interpretato la  Missa Solemnis di Beethoven nel Duomo di Cremona e nel Duomo di S.Stefano a Vienna.
Vincitore del 1° premio nel “Concorso Internazionale Toti dal Monte di treviso e del 2° premio nel “Concorso Internazionale di Busseto” per voci verdiane. Finalista Europeo Concorso Internazionale Luciano Pavarotti. In dicembre del 2006 a Modena gli e stato consegnato il premio Ettore Bastianini 2006 dall’Associazione culturale amici della lirica Giuseppe Verdi di Rovereto. In seguito la sua carriera lo porta  a cantare in Canada, Francia, Germania, Ungheria, Australia, Cecoslovacchia, Turchia, in Africa a Città del Capo, ecc In Italia,debutta con “Le Nozze di Figaro” di Mozart nel  Teatro Comunale di Treviso,in seguito canta  Sociale di Rovigo, Comunale di Adria, Comunale di Lonigo, Vittorio Emanuele, di Messina, La Verdura de Palermo, Gran Guardia di Livorno, Verdi di Pisa, Verdi di Padova con il ruolo di Amonasro nell’Aida di Verdi, Rendano di Cosenza, Verdi di Piacenza, Festival di Ravenna, Festival di Martina Franca.
Ha collaborato con Direttori d’orchestra come Tiziano Severini, Bruno Aprea, Peter Maag, Massimo de Bernart, Renato Palumbo ed altri importanti Maestri anche per produzioni di musica sacra quali l’Oratorio Christus di F .Liszt, Messe di Mozart, Tedeum di Charpentier, 9 sinfonia di Beethoven, Petite messe sollennelle e Stabat Mater di Rossini, Stabat Mater di Szymanowski, Missa di Gloria di Puccini.