Es curioso comprobar que en las películas más premiadas del cine, la banda sonora siempre esta presente entre los diferentes galardones. Y es que la música caracteriza a cada uno de los elementos de la película y sin ella no significaría lo mismo.

1939
LO QUE EL VIENTO SE LLEVO
No se si sería el viento o la lluvia, pero el caso que esta película lo que se llevo fue diez Oscars de la Academia de catorce nominaciones a las que optava. La composición de Max Steiner para “Lo que el viento se llevo” fue nominada a la mejor música original, pero desgraciadamente ese año “El mago de Oz” se llevo la palma en esta categoría.

1959
BEN – HUR
Esta película conquisto once Oscars de doce nominaciones, superando el record de “Los mejores años de nuestra vida” con ocho estatuillas de nueve. Entre los Oscars obtenidos, Miklos Rozsa, fue premiado por la mejor música original de Ben Hur. Pero también le concedieron en el mismo año un premio BAFTA y un Globo de Oro por mejor película dramática y de aventuras. ¡Desde luego supero todas las espectativas!

1961
WEST SIDE STORY
La adaptación cinematográfica de la historia de “Romeo y Julieta” de William Shakespeare consiguió nada mas y nada menos que diez Oscars de once nominaciones. Saul Chaplin, Johnny Green, Sid Ramin, Irwin Kostal fueron los responsables de la estatuilla por la mejor banda sonora en una película musical. Los Globos de Oro también quisieron premiar a West Side Story con un globo a la mejor película: musical. Esta película alcanzó tal éxito que aun sus melodías se recuerdan hoy en día en teatros de todo el mundo.

1972
CABARET
Se conoce que West Side Story abrió las puertas del éxito para películas de género musical como “Cabaret”. Basada en la novela “Adiós a Berlín” de Christopher Isherwood, fue ganadora de ocho de diez nominaciones por parte de la Academia, un Globo de Oro y un BAFTA por mejor película de género musical.

1987
EL ÚLTIMO EMPERADOR
Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi, siguió los pasos de “Gigi” (1958) e hizo pleno en todas las quinielas de los Oscars, ya que ganó en las nueve categorías en las que estaba nominada. Además consiguió 4 Globos de Oro y un BAFTA.

1997
TITANIC
La verdad que la gran producción de James Cameron, basada en el desastre del transatlántico RMS Titanic, no se fue a pique como el barco, sino que se convirtió en una de las películas más taquilleras y más premiadas de la historia del cine. Once estatuillas de catorce, cuatro Globos de Oro, diez nominaciones en los premios BAFTA y un premio SAG.

2003
EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: EL RETORNO DEL REY
Se dice que a la tercera va la vencida, y justo haciendo honor al título, han retornado como reyes para conquistar once estatuillas de once nominaciones. Además le concedieron cuatro Globos de Oro y dos Grammy, entre otros. De este modo la tercera saga de la triología de “El señor de los anillos”, sigue siendo junto a “Titanic” y a “Ben-Hur” las más premiadas de la historia de los Oscars.

Falling Water Creek  is scenic all along its length, and it flows into Richland Creek further on, one of the most scenic areas in the state. I think the road(1205)  is pretty decent, since it is in the wilderness; I expected it to be much rougher! I’ll be back in the fall…..

Me he permitido el lujo de seleccionar los más populares y representativos compositores cinematográficos de todos los tiempos. Desde los más antiguos hasta los más actuales, todos tienen una gran importancia, pero quizá los diferentes premios obtenidos o la asimilación de las diferentes melodías en las mentes de los espectadores, marquen diferencias entre ellos. En general, todos y cada uno de los compositores han hecho posible que a través de una melodía, una película sea para siempre única y espectacular en nuestra memoria.

MIKLOS ROZSAEste húngaro nacido en 1907 hizo de su vida una melodía. El estallido de La II Guerra Mundial en Europa fue la culpable de que Rozsa se instalara en Hollywood de por vida. Sus primeras composiciones para la compañía de Alexander Korda fueron “El ladrón de Bagdad” (1940) y el “Libro de la Selva” (1942), ambas nominadas por la Academia. Tras ser expulsado de la Paramount por introducir ciertas asperezas de ritmo y armonía que causaron consternación en ciertos sectores de Hollywood, la Metro-Goldwyn Mayer se interesó en su trabajo. Para esta productora escribió grandes epopeyas históricas como “Quo Vadis” (1951), “Ivanhoe” (1952), “Julio César” (1953), “Ben-Hur” (1959), “Rey de reyes” (1961) o “El Cid” (1961). Fue nominado al Premio Óscar en 17 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por “Recuerda” (1945), “Doble vida” (1947) y “Ben-Hur” (1959).
Tras su muerte en el año 2004 Miklos Rozsa descansa bajo las colinas de Hollywood, pero su legado musical ha ido trascendiendo más y más con el paso de los años. Nuevas generaciones de amantes de la música pueden hoy día descubrir las creaciones de aquel gran maestro del lirismo que se destacó, sobre todo, por la elegancia y sofisticación de sus melodías.

ENNIO MORRICONE
Su larga carrera artística incluye una amplia gama de géneros de composición, trabajando como orquestador y director de orquesta en el campo de la grabación, y luego como compositor para teatro, cine y radio.
La carrera como compositor de música de película comenzó en 1961 con la película “Il Federale”, dirigida por Luciano Salce, pero se hizo famoso en todo el mundo con los westerns de Sergio Leone: “A Fistful Of Dollars” (1964), “Por unos dólares más” (1965), “El bueno, El Feo y El Malo” (1966), “Once Upon A Time In The West” (1968) y “A Fistful Of Dynamite” (1971).
Desde 1960, Morricone ha marcado más de 400 películas de las cuales las más famosas son: “La batalla de Argel”, “Sacco y Vanzetti”, “Cinema Paradiso”, “La Leyenda de 1900”, “Malena”, “Los intocables”, “Érase una vez en América”, “La Misión” y “U-Turn”.
En su larga carrera, Ennio Morricone ha recibido el León de Oro y en 2006 el Oscar de Honor en reconocimiento a su magnifica y multifacética contribución al arte de la música en el cine. Pero también ha obtenido: 8 Nastri d’argento, 5 Bafta, 5 nominaciones al Oscar, 7 David di Donatello, 3 Globos de Oro, 1 Premio Grammy y 1 European Film Award.

BERNARD HERRMANN
En 1911 nació en EE.UU un genio creativo, un musicólogo indiscutible, que a pesar de su muerte en 1975 recibió nominaciones póstumas de mano de la Academia en 1976 por “Taxi Driver” y “Obsesión”.
Tan complejo como cualquier personaje de las películas ningún compositor ha contribuido más a las películas que Bernard Herrmann, que en más de cuarenta Films ha enriquecido el trabajo de directores como Orson Welles, Alfred Hitchcock, François Truffaut, y Martin Scorsese. Desde su primera película “All that Money Can Buy”, galardonada con un Oscar, hasta su pasado con “Taxi Driver”, Herrmann fue un maestro en la evocación de los matices psicológicos y la tensión dramática a través de la música, a menudo utilizando inaudita combinaciones de instrumentos para adaptarse a las necesidades dramáticas de una película.
Sus partituras se encuentran entre las más distinguidas que se han escrito en la historia de la música cinematográfica, que van desde lo fantástico (“Fahrenheit 451″, “El Día de la Tierra se detuvo”) A la romántica (“Ciudadano Kane”, “Obsesión”, “El fantasma y la señora Muir”) A la terrible (“Psycho”). Además dirigió la orquesta de la CBS en varias ocasiones promocionando melodías de jóvenes músicos.

ALEX NORTH
Alex North nació en Chester, Pennsylvania, el 10 de diciembre de 1910 y el 8 de septiembre de 1991 murió conocido como un gran innovador musical. Compositor polifacético, escribió para televisión, cine, teatro, orquesta, incluso para documentales de guerra.
La versión de la película de Tennessee Williams “Un tranvía llamado deseo” (1951) marcó por primera vez en la historia la integración plena de una melodía de jazz en un film. Es probablemente el compositor más complejo y más original de la historia, el cual revoluciono todo el panorama musical. Tuvo la oportunidad de demostrarlo en sus películas mas destacadas como “Espartaco” (1960) o “Cleopatra” (1963), o con la creación de canciones entrañables como “Unchained melody” bastante recordada y utilizada como fue en la película “Ghost”.
A pesar de crear más de 50 películas, de las cuales 15 fueron nominadas por la Academia, Alex North nunca recibió ningún premio en activo. No fue hasta 1985 cuando recibió su primera estatuilla a modo de Premio Honorífico, en reconocimiento de su arte brillante en la creación de música memorable para una serie de imágenes en movimiento distinguido.

JERRY GOLDSMITHCuando la vida del legendario compositor de radio, televisión y cine, Jerry Goldsmith, se “apagó”, en 2004 dejó un vacío enorme en el mundo de la música de la película, pero su legado de más de 50 años de música nos ha dejado un huequito en nuestros corazones.
Gracias a las enseñanzas de Miklos Rozsa y Alfred Newman su vida ha sido un ir y venir entre la pequeña y gran pantalla. Ejemplo de ello es citar que ha sido nominado nueve veces en los Globos de Oro y dieciocho veces por la Academia de los Oscars, pero sólo en 1976 con la música original de “The Omen” ha obtenido la codiciada estatuilla. También obtuvo cinco nominaciones a los Grammy, y las diecisiete nominaciones por los Saturn Awards, en los cuales ganó uno por Star Trek: The Motion Picture en 1980. Su contratación en la 20th Century-Fox le sirvieron para hacer producciones cómo “Freud”, “Un retazo de azul”, “The Sand Pebbles”, “El Planeta de los Simios”, “Patton”, “Papillon”, “Chinatown”, “El viento y el león”, “Logan’s Run”, “Islands in the Stream”, “Capricornio Uno”, “Alien”, “Star Trek: The Motion Picture”, “Gremlims”, “Under Fire”, “Poltergeist”, “L.A. Confidential”, “Basic Instinct”, “Mulán” y “La Momia”.
Bajo la tutela de la CBS o de la Revue Studios consiguió 4 premios Emmy con producciones musicales para la televisión cómo “Star Trek: Voyager”, “QB VIII” (1974), “Babe” (1975), “Masada” (1981).

JOHN WILLIAMS
En la ciudad de Nueva York, un 8 de febrero de 1932 nació una estrella condenada al éxito. Aunque en la actualidad es uno de los compositores cinematográficos mas prestigiosos, su carrera profesional comenzó en series televisivas como “La Isla de Gilligan” o “Perdidos en el Espacio” para la Fox. Pero el salto a la gran pantalla, tras varias nominaciones, le proporciono su primera estatuilla en 1971 en la 44ª edición de los Oscars por la adaptación original de “El violinista en el Tejado”.
No es un error decir que gran parte de su música ha traspasado la pantalla para asentarse en la cultura popular en el cine de los últimos 35 años y es que cinco premios de la Academia, 17 Grammys, tres Globos de Oro, dos Emmys y cinco Premios BAFTA de la Academia Británica de Cine y Artes de la Televisión confirman su talento. Grandioso compositor y director de orquesta, John Williams es el motivo de que muchos teman meterse en el mar tras ver “Tiburón” (mejor banda sonora original en la 48ª Edición de los premios Oscars en 1975) o de hacernos llorar amargamente viendo “La lista de Schindler” (mejor banda sonora original en la 66ª Edición de los Oscars en 1993 y un Grammy). Es el responsable de la inolvidable y casi perfecta partitura para el más famoso extraterrestre del séptimo arte “E.T” (mejor banda sonora original en la 55ª Edición de los Oscars en 1982), o sin ir más lejos de la composición más paradigmática de la profesión, alzada por el American Film Institute como la mejor en la historia del cine: “La Guerra de las Galaxias” (mejor banda sonora original en la 50ª Edición de los Oscars en 1977).
Hay que destacar que Williams ha hecho recurrente el uso del leitmotiv identificando a personajes tales como Superman, Indiana Jones o a Darth Vader con la “Marcha Imperial”. Pero también son destacables composiciones para películas como “Jurassic Park”, “Solo en casa” o “Salvar al Soldado Ryan” que siempre tendrán un hueco en nuestros corazones.

HANS ZIMMER
Hoy día es considerado uno de los compositores más sobresalientes e innovadores de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como “el omnipresente Zimmer” por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador con uno de sus múltiples discípulos.
Este compositor alemán nacido en el 57, es el padre de la integración de la música electrónica con arreglos orquestales tradicionales en el género cinematográfico.
El punto de inflexión en la carrera de Zimmer llego cuando en 1988 “Rain Man” ganó el Oscar a la Mejor Película del Año y Zimmer ganó su primera nominación al Oscar como Mejor Banda Sonora Original. Pero sin duda la obra maestra del compositor fue la banda sonora de “El Rey León” en 1994, ya que ha vendido alrededor de 15 millones de copias hasta la fecha, un Oscar por Mejor Música Original, un Globo de Oro, un premio American Music Award, un Tony y dos premios Grammy. En total, el trabajo de Zimmer ha sido nominado a 7 Globos de Oro, 7 Grammys y siete premios Oscar por “Rain Man”, “Gladiator”, “El Rey León”, “As Good As It Gets”, “La mujer del Predicador”, “La Delgada Línea Roja”,” El Príncipe de Egipto” y “El Último Samurai”.
Entre otras composiciones también nos ha emocionado con “Pearl Harbor”, asustado con “The Ring”, divertido con “Piratas del Caribe y “Madagascar” o ensimismado con “Matchstick Men”, “Hannibal”, “Black Hawk Down” o “Thelma y Louise”, estas cuatro dirigidas por Ridley Scott.

JAMES HORNER
Este californiano de cincuenta y seis años es actualmente uno de los compositores más populares de la música clásica.
Su primer proyecto de gran dimensión fue la música para Star Trek: The Wrath of Khan (1982), que daría lugar a numerosas ofertas cinematográficas y las oportunidades de trabajar con artistas de clase mundial tales como la Orquesta Sinfónica de Londres, George Lucas, Steven Spielberg, James Cameron, Oliver Stone, Y Ron Howard.
La sinfonía, es de lo que se nutre su estilo, al igual que Jerry Goldsmith y John Williams, pero también se atreve con el sintetizador, siendo un gran virtuoso en este estilo e integrándolo perfectamente en la gran orquesta.
Obviamente ha sido nominado al Óscar en el apartado a la mejor Banda Sonora en 7 ocasiones, como también lo fue en los Grammy o en los Globos de Oro, con películas como “Aliens: el regreso” (1986), “Campo de sueños” (1989), “Braveheart” (1995), “Apolo 13″ (1995), “Titanic” (1997), “Una mente maravillosa” (2001), “Casa de arena y niebla” (2003), consiguiéndolo doblemente con “Titanic” tanto en el apartado a la mejor música como a la mejor canción. “La leyenda del zorro”, “Gloria” o “El nombre de la rosa” fueron también grandes composiciones de Horner.

Ontem, dia 18 de novembro o filme “Ben-Hur” , de William Wyler fez 50 anos, o  maior épico de todos os tempos que foi estrelado por Charlton Heston no papel de um aristocrata judeu que é traído por seu amigo romano. O filme teve uma produção milionária e marcou a história das telonas com cenas impressionantes.

Há filmes que ficam para a história e o épico “Ben-Hur” é um deles. Foi o filme que ganhou pela primeira vez 11 Oscars, a mesma quantidade conquistada por “Titanic” (1997) e “O Retorno do Rei” (2003), parte da saga “O Senhor dos Anéis”.

O filme, máximo expoente de um cinema artesanal já extinto, rendeu um Oscar de melhor ator a Heston e de ator coadjuvante a Hugh Griffith, além de ter recebido o prêmio pelas categorias de melhor filme, melhor diretor, melhor direção artística a cores, melhor fotografia, melhor figurino a cores, melhores efeitos especiais, melhor montagem, melhor trilha sonora e melhor som. Também foi o primeiro remake – existem dois outros “Ben-Hur”, ambos mudos: um curta de 15 minutos de duração filmado em 1907 e outra versão de 1925, dirigida por Fred Niblo – a ganhar a estatueta dourada de melhor filme.

Os três trabalhos são baseados no livro homônimo de Lewis Wallace, publicado em 1880. O filme contou com uma equipe de 8 mil figurantes, mais de 300 peças de cenário e 100 mil de figurino, e não fez sentido utilizar efeitos especiais de computador em sua espetacular recriação do livro. Tudo foi criado à base da imaginação.

Fonte: uol.com.br

                                                                                              Kamila Buccelli

Onze Oscars, 8 mil figurantes, mais de 300 peças de cenário e 100 mil de figurino e um valor de produção recorde na época — US$ 15 milhões — multiplicado por cinco. “Ben-Hur”, de William Wyler, protagonizado por Charlton Heston, completa hoje, 18.11.2009, meio século de estreia nos Estados Unidos. Da Folha Online, em reportagem de Antonio Martin Guirado, da Efe:

Há filmes que ficam para a história e o épico “Ben-Hur” é um deles. Foi o filme que ganhou pela primeira vez 11 Oscars, a mesma quantidade conquistada por “Titanic” (1997) e “O Retorno do Rei” (2003), parte da saga “O Senhor dos Anéis”.

O filme, máximo expoente de um cinema artesanal já extinto, rendeu um Oscar de melhor ator a Heston e de ator coadjuvante a Hugh Griffith, além de ter recebido o prêmio pelas categorias de melhor filme, melhor diretor, melhor direção artística a cores, melhor fotografia, melhor figurino a cores, melhores efeitos especiais, melhor montagem, melhor trilha sonora e melhor som.

Também foi o primeiro remake — existem dois outros “Ben-Hur”, ambos mudos: um curta de 15 minutos de duração filmado em 1907 e outra versão de 1925, dirigida por Fred Niblo — a ganhar a estatueta dourada de melhor filme.

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Ficha no IMDB:
http://www.imdb.com/title/tt0052618/

Não é todo dia que é possível ver em um filme milhares de personagens, sem que estes sejam repetitivos ou evidentes cópias digitais.

Se formos transformar em números Bem-Hur é: 100.000 figurinos. 8.000 extras, 300 sets de filmagem e 11 Oscars ( a mesma quantidade que Titanic e Retorno do Rei).

Considerado o maior épico Bíblico de todos os tempos, a película tem como estrela principal nada menos que Charlton Heston, que traz uma presença física e moral irrepreensível na pele de Judah Ben-Hur, um judeu de família nobre na Palestina.

O filme, máximo expoente de um cinema artesanal já extinto, rendeu um Oscar de melhor ator a Heston e de ator coadjuvante a Hugh Griffith, além de ter recebido o prêmio pelas categorias de melhor filme, melhor diretor, melhor direção artística a cores, melhor fotografia, melhor figurino a cores, melhores efeitos especiais, melhor montagem, melhor trilha sonora e melhor som.

Também foi o primeiro remake de um filme que manteve, ou melhor, melhorou muito uma produção (existem dois outros Ben-Hur, ambos mudos: um curta de 15 minutos de duração filmado em 1907 e outra versão de 1925, dirigida por Fred Niblo – a ganhar a estatueta dourada de melhor filme).

Os 212 minutos do filme foram gravados em sua maioria, durante nove meses, nos estúdios Cinecittà, em Roma, e uma das cenas mais famosas da história do cinema – a corrida de bigas que provoca a derrota de Messala, amigo de infância de Judah Ben-Hur – foi filmada em três meses. Esta cena foi muito copiada e satirizada ( cena que uma lâmina na roda da biga tenta destruir a roda do adversário), até no pica-pau (desenho) teve esta cena.

O sucesso do filme salvou da quebra os estúdios da Metro-Goldwyn-Mayer, que arriscaram a investir na produção um valor recorde na época – de US$ 15 milhões -, que terminou por faturar cinco vezes esse total, e muito mais até hoje.

A trilha sonora foi composta pelo húngaro Miklos Rozsa e a fotografia de Robert Surtees fizeram o resto,

Hoje em dia, parece impossível imaginar outro ator com o rosto de Ben-Hur, mas a MGM ofereceu o papel a Paul Newman, Burt Lancaster e Rock Hudson.

Todos rejeitaram a oferta. Newman porque não conseguia se imaginar  em uma túnica, Lancaster porque era ateu e não queria ajudar a promover a Cristandade, e Hudson quase aceitou, até que seu agente chamou sua atenção ao subtexto homossexual na relação entre Ben-Hur e Messala, o que poderia pôr sua carreira em risco. E pode ter certeza que se arrependeram muito, mas muito mesmo.

O leitor se pergunta, “mas o filme é muito antigo”, sim antigo, porém imperdível, imagina se hoje em dia, se poderia reunir esse números de pessoas? Seria impossível e inviável.

Concluindo, assista a película, não por ser modinha de 50 anos de produção, mas sim para aumentar seu acervo e conhecimento cinéfilo, pois a experiência vale a pena, se não achar nas locadoras, com certeza acha nessas lojas populares por um preço menos que uns 15 reais.

Curiosidades:

• - Gore Vidal declarou certa vez que o roteiro original previa um relacionamento homossexual entre Ben-Hur e Messala. Como o diretor Wyler sabia que Heston nunca aceitaria interpretar um personagem assim, Vidal sugeriu contar apenas a Stephen Boyd (Messala) sobre esse relacionamento — o que pode ser notado nas interpretações de Ben-Hur e Messala.
• - A MGM queria que um autêntico barco romano fosse utilizado nas cenas de batalha. Para tanto, contratou um engenheiro que se dedicava à arquitetura romana. Quando ele apresentou o design do barco aos engenheiros da MGM, estes disseram que o barco afundaria, pois era muito pesado. Ainda assim o barco foi construído e, ao ser colocado no oceano, inicialmente flutuou. Porém uma pequena onda foi suficiente para afundar a embarcação. Por causa disso, as cenas foram rodadas em um gigantesco tanque, com cabos prendendo o barco ao tanque.
• - Após a construção do tanque, era preciso dar à água (que estava marrom-escura) o tom azul-mediterrâneo necessário para que as cenas parecessem reais. Foi utilizado um composto químico que realmente azulou a água, mas também formou sobre ela uma crosta, que precisou ser toda retirada do tanque por operários da MGM.
• - Durante as filmagens no tanque, um dos figurantes caiu na água e lá ficou por muito tempo. Ao sair, ele estava totalmente azul, e teve seu salário pago pela MGM até sua pele voltar ao normal.
• - Só a construção da arena para a corrida de quadrigas (na Cinecittà, em Roma) custou um milhão de dólares. Nessa seqüência – dirigida em 94 dias por Andrew Marton, Mario Soldati e Yakima Canutt, especialista em cenas de perigo –, utilizaram-se cinco câmeras, oito mil figurantes e 76 cavalos.
• - Para a entrada dos corredores, o diretor de fotografia Robert Surtees usou uma grua de mais de trinta metros de altura: o espectador vê as quadrigas desfilando na pista como se sobrevoasse a arena. O efeito é realçado pela utilização do processo cinematográfico Camera 65, um aperfeiçoamento do CinemaScope.
• - Apesar de na Itália haver cavalos brancos, os quatro que foram utilizados nas filmagens vieram da Tchecoslováquia, trazidos na primeira classe de um avião fretado e que teve seus assentos retirados.
• - O estádio confeccionado para Ben-Hur seguiu detalhes do que fora utilizado na versão de 1926.
• - Após as filmagens, os cenários de Ben-Hur foram todos destruídos por ordem de Sam Zimbalist, que temia que eles fossem utilizados em produções italianas menores.
• - Miklós Rózsa compôs a trilha sonora de Ben-Hur em oito semanas.

“Ben-Hur”, de William Wyler, protagonizado por Charlton Heston no papel de um aristocrata judeu que é traído por seu amigo romano, completa hoje meio século de estreia nos Estados Unidos.

Há filmes que ficam para a história e o épico “Ben-Hur” é um deles. Foi o filme que ganhou pela primeira vez 11 Oscars, a mesma quantidade conquistada por “Titanic” (1997) e “O Retorno do Rei” (2003), parte da saga “O Senhor dos Anéis”.

O filme, máximo expoente de um cinema artesanal já extinto, rendeu um Oscar de melhor ator a Heston e de ator coadjuvante a Hugh Griffith, além de ter recebido o prêmio pelas categorias de melhor filme, melhor diretor, melhor direção artística a cores, melhor fotografia, melhor figurino a cores, melhores efeitos especiais, melhor montagem, melhor trilha sonora e melhor som.

Também foi o primeiro remake – existem dois outros “Ben-Hur”, ambos mudos: um curta de 15 minutos de duração filmado em 1907 e outra versão de 1925, dirigida por Fred Niblo – a ganhar a estatueta dourada de melhor filme.

Os três trabalhos são baseados no livro homônimo de Lewis Wallace, publicado em 1880. Os 212 minutos do filme foram gravados em sua maioria, durante nove meses, nos estúdios Cinecittà, em Roma, e uma das cenas mais famosas da história do cinema – a corrida de bigas que provoca a derrota de Messala, amigo de infância de Judah Ben-Hur – foi filmada em três meses.

O filme contou com uma equipe de 8 mil figurantes, mais de 300 peças de cenário e 100 mil de figurino, e não fez sentido utilizar efeitos especiais de computador em sua espetacular recriação do livro. Tudo foi criado à base da imaginação.

E essa inspiração salvou da quebra os estúdios da Metro-Goldwyn-Mayer, que arriscaram a investir na produção um valor recorde na época – de US$ 15 milhões -, que terminou por faturar cinco vezes esse total.

A trilha sonora do húngaro Miklos Rozsa e a fotografia de Robert Surtees fizeram o resto, dentro de uma história situada no Império Romano de Tibério, que narra a passagem do amor ao ódio entre Judah Ben-Hur e Messala, amigos de infância.

Poucos acreditavam que Wyler seria o nome mais indicado para levantar e controlar um projeto tão faraônico. Sua carreira confirmava seu talento em obras íntimas e diferentes, nas quais dirigiu com mão professora talentos como Bette Davis, Olivia de Havilland e Montgomery Clift ou Laurence Olivier.

“Me pediram para que me encarregasse do filme. Não era o estilo cinematográfico que vinha fazendo, mas senti curiosidade para ver se era capaz de fazer algo ao estilo de Cecil B. DeMille”, disse o cineasta, em alusão a filmes como “Os Dez Mandamentos” (1956).

“Além disso, pensei que este filme faria muito dinheiro e que eu poderia ficar com algo”, acrescentou Wyler, que cobrou US$ 1 milhão para dirigir o filme.

Hoje em dia, parece impossível imaginar outro ator com o rosto de Ben-Hur, mas a MGM ofereceu o papel a Paul Newman, Burt Lancaster e Rock Hudson.

Todos rejeitaram a oferta. Newman porque não conseguia se imaginar em uma túnica, Lancaster porque era ateu e não queria ajudar a promover a Cristandade, e Hudson quase aceitou, até que seu agente chamou sua atenção ao subtexto homossexual na relação entre Ben-Hur e Messala, o que poderia pôr sua carreira em risco.

No final, “Ben-Hur” se tornou uma obra para a eternidade, que décadas após sua estreia segue atual, como demonstra a espetacular produção teatral homônima que dá a volta ao mundo desde setembro.

(Original aqui.)

Wie kürzlich durch die “New York Times” bekannt wurde, steckt das Hollywood-Studio Metro Goldwyn Mayer bis über beide Ohren in Schulden – von etwa vier Milliarden US-Dollar ist die Rede. Angesichts dieser Schuldenlast stehen nun ernsthafte Überlegungen an, das Filmstudio zu verkaufen.

Der Wert des 1924 gegründeten Unternehmens wird von Finanzexperten auf bis zu drei Milliarden US-Dollar geschätzt, wobei das Familiensilber des Filmstudios vor allem aus über 4.000 Filmklassikern wie zum Beispiel “Ben Hur” (mit Charlton Heston), “Meuterei auf der Bounty” (mit Marlon Brando), “Das war der wilde Westen” (mit Gregory Peck, James Stewart, Henry Fonda, John Wayne, Spencer Tracy, Richard Widmark und Karl Malden), “Doktor Schiwago” (mit Omar Sharif), “Manche mögen’s heiß” (mit Marily Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon) oder auch “Rocky” (mit Silvester Stallone) besteht sowie den Lizenzrechten an der bislang 22-teiligen James-Bond-Reihe. Bond Numero 23 war eigentlich für das Jahr 2011 geplant. Sollten sich jedoch die Besitzverhältnisse bei MGM drastisch ändern oder lässt sich womöglich gar kein Käufer finden, steht die Zukunft des Doppelnull-Agenten wohl vor einer ungewissen Zukunft.

Seit fünf Jahren gehört MGM unter anderem den Finanzinvestoren Providence Equity Partners (29 Prozent) und TPG (21 Prozent) sowie dem japanischen Elektronik-Konzern Sony und dem Kabel-Provider Comcast mit je 20 Prozent. Damals sollen rund fünf Milliarden US-Dollar in die Kassen von MGM geflossen sein.

Erst im August musste der MGM-Boss für eine Dreierspitze inklusive einem Sanierungsexperten seinen Platz räumen, worauf erste Gerüchte über eventuelle Geldnöte von MGM auftauchten.

Am 30. Oktober durfte ich in der Olympiahalle in München ein Spektaktel der besonderen Art erleben.

Die Geschichte erzählt vom Juden Judah Ben Hur und seinem römischen Freund Messala.  Die beiden waren in Kindertagen die besten Freunde, obwohl sie unterschiedlicher Herkunft waren. Genau diese Umstände lassen sie später zu unerbittlichen Rivalen werden.

Ein gigantisches Schauspiel

Der Zuschauer fühlt sich um 2000 Jahre zurückversetzt – mittendrin…

Ob es der arabische Bazar ist – mit den vielen Gauklern und Artisten, bei denen man nicht weiss, wo man zuerst hinschauen soll…

Die Seeschlacht der Galeeren, die durch Lichteffekte so echt erscheinen, dass man glaubt die Seeluft riechen zu können…

Die Gladiatorenkämpfe, die man gespannt als Zuschauer des “Circus Maximus” verfolgt – und sogar geneigt ist den alles entscheidenden Daumen zu heben oder zu senken

oder

das legendäre Wagenrennen, das einem -  mit 5 Quadriga-Gespannen, die mit Höchstgeschwindigkeit durch die Arena rasen, den Atem stocken lässt…

Wer es irgendwie möglich machen kann, der sollte sich diese gigantische Show nicht entgehenlassen.

Am 27. und 28. November wird das Spektakel in der VELTINS Arena in Gelsenkirchen gezeigt.

Infos zur Beginn und Tickets unter  www.benhurlive.de

Im kommenden Jahr wird es BEN HUR LIVE sogar als Open Air Event geben

Vollübung “Eifelgold” des Landkreises Ahrweiler
am 31. Oktober 2009 am Fuße der Nürburg
mit den Freiwilligen Feuerwehren und THW-Ortsverbänden,
dem Deutschen Roten Kreuz und der Polizei.

Der MAN mit Ladekran
des THW-Ortsverbandes Sinzig.

Periódicamente un servidor tiene que discutir, más o menos acaloradamente, con lectores y comentaristas de éste y otros blogs cuando uno se queja amargamente de la dependencia del cine-espectáculo actual de los aparatitos con teclas, botoncitos, pantallitas y numeritos. En esos casos, uno generalmente recibe amables calificativos que van desde el tan manido “gafapasta” hasta sarcasmos e ironías bastante ridículos en cuanto a la supuesta avanzada edad de mi menda o a la antigüedad de los gustos de uno aplicables a otras esferas de la vida más personales, hechos que, según estos humanoides, dificultarían la adaptación de un servidor a la vida moderna, eso por no hablar de las proclamaciones públicas como ignorantes de quienes no sabemos apreciar las virtudes del cine colonizado por el videojuego.

Quien escribe no es enemigo, ni mucho menos, del empleo de efectos especiales ni del uso de las nuevas tecnologías aplicadas al cine (sí de cruzar, eso sí, los límites insalvables de la dependencia de la tecnología contra los que ya nos advirtió, por ejemplo, Luis Buñuel, hábito de nuestro tiempo cuyo único fin suele ser recaudatorio y no artístico); lo contrario sería una estupidez: es propio del cine la investigación y la experimentación técnica y creativa como vehículo de retroalimentación. Lo que no entienden los partidarios del cine “de muñequitos” (término en absoluto despectivo con el que aquí nos referimos a esos circos de pirotecnia que copan por aplastamiento las multisalas) es que a veces hay modos mejores y más efectivos (y también más baratos) de hacer las cosas que el recurso al ordenador, y que muchas veces éste es una coartada para la falta de talento y de capacidad de los promotores de un filme. Los efectos digitales pueden apabullarnos la vista, cortocirtuitar nuestros cerebros, colman nuestras retinas, llenan nuestros ojos, pero rara vez, por no decir nunca, pasan de ahí, casi nunca llegan al alma o tocan el corazón: nada más espectacular e impactante que Matrix. Y también nada más frío, mecánico, distante y vacío.

Y lo que no entienden, y no entenderán jamás porque hablamos casi de una secta, los hooligans del actual cine “de muñequitos”, sea de superhéroes, adaptaciones de los tebeos o demás productos casi siempre prescindibles, es que una computadora, cueste los dólares que cueste, y un ingeniero, ídem de ídem, jamás podrán igualar el grado de perfección técnica y de emoción y calidez narrativas que ofrecen escenas como ésta, creada por ese genio de los efectos especiales y maestro del oficio de especialista que fue Yakima Canutt (el indio que cae a los pies de los caballos en La Diligencia de John Ford, 1939) para la nueva adaptación que del best-seller de Lewis Wallace, Ben-Hur, filmó William Wyler en 1959, protagonizada por Charlton Heston (la primera versión es de 1925 y no es menor en cuanto a espectacularidad y perfección técnica). La película ganó, entre muchos otros, el Oscar de la Academia a los mejores efectos especiales y hoy, cincuenta años después, no tenemos ninguna duda de que si optara al premio volvería a ganarlo de calle. Porque el cine de verdad posee un valor y, sobre todo, un estilo y una fuerza, en suma, un poder, que las vulgares imitaciones mecánicas del cine, hoy por hoy no van a igualar. Aunque claro, para estos esclavos de modernidad, 1959 es la prehistoria, y no digamos ya el cine en blanco y negro (pobres, no saben lo que se pierden), y como tal, hay que despreciarlo. Modernos que son, oye, aunque no se den cuenta de que no se es moderno sólo por parecerlo. Y también son, tristemente, un poco inconscientes.

Y en cuanto al cine “de muñequitos”, mientras no sea capaz de crear un prodigio técnico como el que sigue a continuación, seguirá siendo de segunda categoría.

Fifty years after the first screening of the legendary film starring Charles Heston, Ben Hur dazzles the audiences once again with a breathtaking combination of light, sound, water, wind and pyrotechnic effects in a show performed in the round, like an ancient arena. Ben Hur Live, the major arena extravaganza continues its European tour with thirty-five shows in the UK, Germany, Italy, Switzerland, Portugal, Austria, Hungary, France, Spain and Belgium selling out fast. Check out when and where the show performs until the end of January 2010 and book in advance.
more…

Caramba… faz um bom tempo que não escrevo aqui.

É, em tese, o problema básico: eu queria viver disso aqui. Sério… virar blogueiro. As organizações O Lobo Guará se organizarem e eu ficar rico escrevendo. MAS, ainda não dá. MAS, dará.

Esse tempo que fiquei fora daqui, trabalhei bastante, curti as férias da minha namorada e vi filmes… muitos filmes. E, poxa!, eu amo cinema… é algo que ainda trabalharei e viverei disso um dia, não tem como.

E uma coisa que eu sempre faço, não adianta, eu choro em alguns filmes. Não é de desesperar, mas encho o olho de lágrima, corre uma lágrima ali e tal… não adianta. E também não é filme de amor, algo específico para se chorar, como “O óleo de Lorenzo” ou Titanic (nem vou linkar esse, pois nem curto esse filme).

Exemplo… Ratatouille. Primeiro que é uma animação para adultos – como se isso fosse amenizar para quem acha que chorar em filme é gay – e é muito bom ao meu ver porque junta uma ótima história, com um animalzinho adorável e duas coisas pelas quais eu tenho um amor incondicional: comida e bebida.

Quando o Anton Ego prova o ratatouille feito pelo Remy… e faz aquele flashback (eita molequinho feio), a caneta cair, aparece o Remy, o Ego lendo a última crítica dele, a abertura do novo restaurante… pô, é chorar do início ao fim… mas, de leve, nada desesperado. Só um chorinho que tem várias nuances: a primeira inveja… “por que não pensei nisso antes?”; a segunda… negação… “cisco no olho do car*lho!” ; a terceira… aceitação… “porra, é legal demais, mano! Fod*-se!”. Quando o filme é excelente, não tem jeito, eu sinto algo diferente, tenho uma noção maior, eu acho, das coisas que ele quer passar.

O finzinho então… legal o sonho se realizar, tudo aquilo. É um filme que lhe anima, para quem gosta daquela atmosfera. Tá entre meu top 10 de filme fácil fácil!

Outro que é bravo é Ben Hur, que é o top 1 da minha lista de melhores filmes. Tá… eu poderia falar horas desse filme, eu já o vi mais de vinte vezes… tá que ele é um marco em efeitos especiais, tem a cena da corrida de bigas… tudo mais… mas, tem alguns momentos nesse filme que entram na minha lista de grandes momentos.

Na verdade, eu tenho vários top 10… exemplo:

• top 10 “eu te avisei”: é o top 10 de cenas que cê pode tirar o personagem que tá cobrando do outro a merda que esse outro fez e por a sua mãe, ou figura materna mais próxima, com uma ou duas pestanas levantadas, queixo pro alto, dedo indicador pro alto e falando “EU TE AVISEI”. Exemplo: depois da cena da corrida de bigas, o Messala tá arregaçado e o médico diz: “cara, tenho que arrancar suas pernas senão cê vai morrer, véi!”… então o Messala diz: “não posso receber o Ben Hur desse jeito, não seria digno…”. Esse top 10 pode ser misturado com o “vai paiaço”… mas eu separo bem.

• top 10 “vai paiaço”: é quando o cara faz uma merda idiota. Sem precedentes e se ferra de maneira homérica. Tipico vilão de final de novela. Exemplo: o filme “O último dragão” – um clássico da sessão da tarde. A cena final é inenarrável de tão boa… se fode, Sho’nuff! Eu odeio o Sho’nuff!

• top 10 “fudeu”: é a cena que alguém viu que a coisa tá feia. Aí, salve-se quem puder…
• top 10 “podia ser eu”: é a cena que o ator deveria ser vocÊ e aquilo deveria ser vida real. Para mim, Shia LaBouef em qualquer cena de Transformers… não pela Megan Foz, mas pelos Bumblebee e sua turma do maaaaaaal!
• top 10 “tchuque-tchuque”: cena que é tão bonitinho que nem o mais machão não dá uma suspirada.
• top 10 “desculpe, mas eu vou chorar”: essa é fácil, né!
• top 10 “meu nome é cobra, stallone cobra”: rá! Só os fodões tão nessa!
• top 10 “para, senão eu me borro de rir”: assistam “quanto mais quente melhor”, com a Marylin Monroe, e aí entenderão.

Mas, depois eu falo mais desses tops, no próximo post.

Voltando ao top 10 “desculpe, mas eu vou chorar” tem o Ben Hur. Que é tudo aquilo que falei acima e muito mais, tem um babaca – como pessoa, no meu ponto de vista – como o Charlton Heston sendo o Ben Hur, etc. etc. etc… e ainda tem em algumas cenas bárbaras para mim. E elas nem são as mais faladas ou badaladas. O nascimento de Jesus, o Ben Hur conhece os cavalos brancos (Aldebaran, Altair, Antares e Rigel), e por aí vai… e o fim é emocionante. Como 90% de todo filme antigo, o final é bem feliz, mesmo com a morte de Jesus (que foi paia , e ainda assim é um dos melhores finais que já vi nada vida e tenho certeza que não farão nada igual.

Por isso essa minha paixão por cinema. Se eu fosse ficar aqui falando de Ben Hur, Ratatouille e outros mais… nossa! Eu ia ficar bem rico se puxar saco em blog desse dinheiro.

E não tenham medo de chorar, quando não for filme  de amor!

5 movies that were better than the book:

We all know them, heck some of us ARE them, those people who huff as soon as the credits roll and scoff, “The book was sooooooo much better!” Nothing wrecks the after-glow of a good movie quite like that line. OF COURSE the book was better, its a BOOK! There is a level of intimacy you experience with characters in a book that is rarely rivaled via the medium of movies. But there are a few exceptions where the movie really does come off better than the book, here are my 5 picks of movies that are actually better than the books they are based on:

1) Where the Wild Things Are:

Might as well come out of the gate swinging. Yes, i know Where the Wild Things Are is a beloved and timeless children’s book, a Caldecott winner and that Maurice Sendak is an artistic Genius. i love the book! i think it’s great. But when i read the book it feels like the story of a bratty kid who gets sent to his room, spends a few hours fantasizing and returns to reality to find his dinner waiting for him. When i saw the movie it felt much more profound: Bratty kid acts like brat, gets in trouble and embarks on a journey of imagination that reminds us all that our ideal life may not be exactly what we think it is, that we need to face down our inner demons because if we don’t we’ll deal with them till we do.

Book:     93% Awesome

Movie:    95%  Awesome

2) Ben Hur:

One of my all time favorite movies. This movie is an Epic movie in every sense of the word. i don’t think any other movie even touched on the scale of it’s story-telling until Peter Jackson took a break from making horrible slashers and took the risk of putting Tolkien’s trilogy onto film (L.O.T.R.: Book better than the movie: Book 110% Awesome. Movie: 98% Awesome).

Charlton Heston really gets absorbed by Judah Ben Hur in the movie, quite a feat considering Heston’s stature. The movie takes a few minutes to wind up, but then grabs me by the guts and won’t let me go till the ending. The pacing is slower than modern movies, but it’s got that golden age of cinema pacing that makes everything feel so much more grandiose. The book on the other hand has this slower pacing that makes it feel well, just slow. If you haven’t seen the movie watch it! And remember, that chariot race is 0% CGI & cost human lives to film!

Book: 33% Awesome

Movie: 98% Awesome

3) Flowers for Algernon (Charlie)

When i was in High School, for some reason that is beyond me, we were forced to watch Flowers for Algernon in my 10th grade health and P.E. Class. Knowing the nature of P.E. teachers who teach us not only their passion of propelling various spherical & near spherical objects of varying resiliencies through the air for competitive reasons; but also are forced by school boards to teach us miscellaneous facts about how our bodies work*, i’m sure that at least to some extent their motivations were: Hey, watching a movie would eat up 90 minutes of class time OR a week of health class (with the alternation between “Gym Days” & “Class Days”).

i remember it was quite an affair, they herded all the Health and P.E. classes into the auditorium (my school had 3 gyms & therefore i think as many health and P.E. classes running simultaneously) and for three days one week we sat on those dark stained wooden seats and watched Flowers for Algernon. The tale of a mentally retarded man, Charlie (which is the name of the book),  who receives an experimental treatment that augments his intelligence to Hawking-esque levels. But alas- only temporarily. i remember shedding tears as it wound down, and tears in a 10th grade Health & P.E. class are the equivalent to throwing a lacerated hemophiliac into a shark pool. It’s a tough movie to find, but worth the time to watch it, the book on the other hand feels like it was written by Charlie after his experimental treatments have concluded.

Book: (aka: Charlie)  20% Awesome

Movie: (aka: Flowers for Algernon)  75% Awesome

By the way; Algernon is a lab mouse that also receives the treatments in the story.

*why any legitimate educator would pick P.E. teachers to teach  us Sex Ed is beyond me! We take the men who were the jocks in their own school career and task them with laying the foundation for the budding sexual awareness of the youth of our nation? On what level does this seem like a good idea? English teachers are the ideal choice for that job, the same people that teach you to de-code Shakespeare, it’s scandalous some of the things they required us to read, and aspire to be novelists would be much more equipped to share what is euphemistically referred to as the birds and the bees.

4) I Am Legend

The Movie I Am Legend is a great little Sci-Fi romp into a post-apocalyptic world where a modified virus has transformed humanity into a sort of zombie/vampire jacked up on PCP sort of monstrosity. It follows Robert Neville, played by Will Smith* (who is a class A action movie guy- if you don’t hold Wild Wild West against him), as he seeks to find a cure for the virus. In the movie  he has depth and does things that i confess i would probably do if i lived in an abandoned NY city, like set up a small population of mannequins  at his most frequent haunts and do things just because you could, like tearing through Central Park in a super-charged GT Mustang or hitting golf balls of the U.S.S. Intrepid into the city.

Really the movie came of as smart and engaging and i rooted for Neville through the whole thing, crying when Sam (his beloved dog) dies and literally sitting on the edge of my seat earlier when he searches for her in a building packed full of the infected.

The book on the other hand… well it felt like it was written by a 17 year old to target an audience of 17 year olds. Humanity had turned into what is closer to more traditional vampires and well, there really wasn’t anything wildly creative about it. Had i read the book first i would have skipped the movie altogether and that would have been a mistake on my part. When i read the book, instead of rooting for the main character, i found myself anxiously waiting for the vampires to finally get around to killing his boring self. When he finally does die it is boring and inglorious.

Skip the book, rent the movie

Book: 10% Awesome

Movie: 95% Awesome

* Will Smith is also one of the few human beings that if, via a tear in the time space continuum found himself in a no-holds barred cage match against himself, 40 years old vs 25 years old; the 40 year old version would literally break the 25 year old version. Literally. Break. Him.

5) The Princess Bride

For two weeks running one of the greatest movies of all times makes an appearance in my senseless ramblings!

It’s hard to best a master-piece. Honestly i almost skipped this one (although i do think the movie is better than the book) because comparing the movie to the book is like comparing the Mona Lisa (painting) to whoever the real Mona Lisa (the model) was.

Like Where the Wild Things Are, there is nothing at all wrong with the book, it’s just that the movie is so near to perfect that it almost “goes the way of Enoch”- it walked with God and was no more! The book fills in some gaps, and by claiming to be an “abbreviated version of S. Morgenstern’s longer tale” peppered with Goldman’s commentary it pulls off the same schticky feel that the movie pulls off by cutting to a protesting Fred Savage, “Wait there isn’t more kissing is there?”

Read the book and watch the movie; or watch the movie and read the book; or watch the movie, read the book and watch the movie again; or read the book and watch the movie between chapters- over and over again…

Book:   99.8% Awesome

Movie:  100% Awesome (not from concentrate)

Well, there’s my 5 picks for Movies that are better than the books. My fellow humans ; do you have any picks for movie over book? If so let me know (so i can enjoy the movie without feeling guilty for skipping the book it’s based on!)

Megashow „Ben Hur Live“ in der Schleyer-Halle Stuttgart

Sandalenfilm war gestern. Der letzte Dreh ist auch schon 50 Jahre her. Es scheint also an der Zeit, die alte Story von Ben Hur mal wieder neu aufzulegen. „Ben Hur Live“ heißt das Megaspektakel (Konzept / Produktion: Franz Abraham), das in der Stuttgarter Schleyer-Halle bestaunt werden kann und vor Superlativen strotzt: größte Tournee-Arena der Welt (2500 Quadratmeter), erstes 360 Grad-Erlebnis mit lokalisierbarem Surround-Sound, 62 Trucks und 20 Busse, um 1050 Tonnen Gesamtgewicht (davon 620 Tonnen Sand, 12 Tonnen Licht-, 24 Tonnen Ton- und 51 Tonnen Effekttechnik sowie 50 Kilometer Kabel) zu transportieren. Überdies 400 Akteure in über 1000 verschiedenen Kostümen, dazu 4000 Requisiten, 50 Szenenbauten mit einer Höhe bis zu elf Metern, 46 Pferde, Ponys und ein Esel.

In Frack und Zylinder wandert Ben Becker als Zirkusdirektor durch die Arena, erzählt mit sonorer Stimme die Rahmenhandlung entlang der amerikanischen Romanvorlage (von Lew Wallace aus dem Jahr 1880). Der Text ist fiktiv. Er schildert das Leben des jüdischen Prinzen Judah Ben Hur, der wegen eines angeblichen Attentats auf den römischen Statthalter in Judäa zur Galeerenstrafe verurteilt worden sein soll. Zurück in seiner Heimat plant er, laut Autor, einen Aufstand gegen die Römer. Seinen ehemaligen Jugendfreund und späteren Widersacher, den Römer Messala besiegt er schließlich im Wagenrennen – dank der Schönheit der Reittiere die einzig wirklichen spannende Szene der Show, die im Übrigen vor Klischees kaum gehen kann.

Hier die fröhliche Betriebsamkeit im gottgefälligen Jerusalem, da eine lasterhafte Orgie der dekadenten Römer, hier, auf weißem Pferd, der Repräsentant eines unterjochten Volks, da der imperiale Unterdrücker auf schwarzem Ross, der im ehemaligen Freund und Galeerensklaven das Potential eines Gladiators erkennt. Ob Piraten die Galeeren kapern oder Kämpfer mit dem gesamten römischen Waffenarsenal aufeinander losgehen, auf Distanz wirkt der Erzählzirkus wie ein niedliches Sandkastenspiel.

In Latein rufen sich die Kontrahenten Sätze zu wie: „Quid me odisti?“ (Warum hasst du mich?) Und der Römer antwortet: „Virtute ego semper antistiti. Tu favore.“ (Ich war immer der Bessere. Aber du wurdest mehr geliebt.). Ein zehnköpfiges Creative Team aus Männern, verstärkt durch eine siebenköpfige Altherrenriege wissenschaftlicher Berater hat’s gebraucht, um derart steinalte, männliche Denkmuster fröhlich Urständ feiern zu lassen. Samt Happy End à la Hollywood: Jesus, die biblische Lichtgestalt heilt am Palmsonntag die leprakranke Mutter und Schwester der Familie Hur.

Gestern war ich in Ben Hur. Diese Bühnenshow tourt ja zur Zeit durch ganz Deutschland, also dachte ich, ich geh da mal hin…Erwartet hatte ich ein Wagenrennen und ein paar Schwertkämpfe – mehr nicht.

Bekommen habe ich ein sehr fesselndes Erlebnis mit Ben Becker als Erzähler, lateinisch und aramäisch sprechenden Darstellern sowie genialem Einsatz der Bühnenelemente. Es passierte so vieles gleichzeitig, dass ich kaum wusste, wo ich hingucken sollte.

Kritikpunkt ist lediglich, dass mitunter der Fortlauf der Geschichte zugunsten akrobatischer Einlagen (fast wie im Zirkus) unterbrochen war.

Sehr zu empfehlen, auch wenn ich die Unterhaltungen der Darsteller (trotz meines mittelmäßigen Lateins) kaum verstehen konnte.

“No regresé a Los Ángeles hasta 1972, con motivo de la presentación en el festival de El discreto encanto de la burguesía (…). Un día, recibí de George Cukor una invitación a comer, invitación extraordinaria, pues no le conocía. Invitaba también a Serge Silberman y Jean-Claude Carrière, que estaban conmigo, y a mi hijo Rafael, que vive en Los Ángeles. Irían también, nos decía, “varios amigos”.

Fue una comida extraordinaria. Llegados los primeros a la magnífica mansión de Cukor, que nos recibió calurosamente, vimos entrar, medio llevado por una especie de esclavo negro provisto de poderosos músculos, a un viejo espectro vacilante, con un parche en el ojo, a quien reconocí como John Ford. Nunca habíamos coincidido. Con gran sorpresa por mi parte, pues creía que ignoraba hasta mi existencia, se sentó a mi lado en un sofá y dijo alegrarse de mi regreso a Hollywood. Me anunció, incluso, que preparaba una película -a big western-, cuando habría de morir pocos meses después.

En este momento de la conversación, oímos el arrastrarse de unos pasos sobre el parquet. Me volví. Hitchcock entraba en la sala, todo rechoncho y sonrosado, y se dirigía a mí con los brazos extendidos. Tampoco le conocía personalmente, pero sabía que en varias ocasiones había cantado públicamente mis alabanzas. Se sentó junto a mí y, luego, exigió estar a mi izquierda durante la comida. Con un brazo pasado sobre mis hombros, casi echado sobre mí, no cesaba de hablar de su bodega, de su régimen (comía muy poco) y, sobre todo, de la pierna cortada de Tristana: “¡Ah, esa pierna…!”

Llegaron luego William Wyler, Billy Wilder, George Stevens, Rouben Mamoulian, Robert Wise y un director mucho más joven, Robert Mulligan (…). Se celebraba en mi honor una extraña reunión de fantasmas que nunca se habían encontrado así reunidos y que hablan todos de los good old days, de los buenos tiempos. De Ben-Hur a West Side Story, de Some like it hot a Notorious, de Stagecoach a Giant, cuántas películas alrededor de aquella mesa…

Después de la comida, alguien tuvo la idea de llamar a un fotógrafo de prensa para que tomase el retrato de familia (…). Desgraciadamente, John Ford no figura en ella. Su esclavo negro había ido a buscarlo en medio de la comida. Nos dijo débilmente adiós y se marchó para no volver a vernos más, tropezando con las mesas.

En el transcurso de la comida se hicieron varios brindis. George Stevens, en particular, levantó su copa “por lo que, pese a nuestras diferencias de origen y creencias, nos reúne alrededor de esta mesa”.

Yo me levanté y acepté brindar con él, pero, siempre receloso de la solidaridad cultural, con la que siempre se cuenta demasiado, “bebo -dije- pero me quedan mis dudas”.

Al día siguiente, Fritz Lang me invitó a visitarlo a su casa. Demasiado fatigado, no había podido asistir a la comida celebrada en casa de Cukor. Yo tenía entonces setenta y dos años. Fritz Lang rebasaba los ochenta.

Nos veíamos por primera vez. Charlamos durante una hora, y tuve tiempo de decirle el decisivo papel que sus películas habían ejercido en la elección de mi vida. Luego, antes de separarnos -y ello no entra dentro de mis costumbres-, le pedí que me dedicase una fotografía.

Bastante sorprendido, buscó una y me la firmó. Pero era una fotografía de su vejez. Le pregunté si no tendría, además, una fotografía de los años veinte, de la época de Der müde Tod y de Metropolis.

Encontró una y escribió una magnífica dedicatoria. Luego, me despedí de él y regresé al hotel.

No sé muy bien qué hice de esas fotografías. Una se la di al cineasta mexicano Arturo Ripstein. La otra debe de estar en alguna parte”.

Luis Buñuel. Mi último suspiro.

Fotografía. De izquierda a derecha, arriba: Robert Mulligan, William Wyler, Georges Cukor, Robert Wise, Jean Claude Carriere y Serge Silberman; abajo: Billy Wilder, Georges Stevens, Luis Buñuel, Alfred Hitchcock y Rouben Mamoulian.

 Here is a little video Kelly Pettit  and I made.
It’s a mixture of the “Really Bad Things” series with a bunch of new ones thrown in too!

 note: a very very very very special “thank you” to Kelly Pettit  who did all the work on this one: director, producer, cinematographer, sound engineer, and most especially editor. I really couldn’t have done this with out his expertise in things I know nothing about.
He also carried half the pool table around with me looking silly for a few hours.
Kelly rocks!!!!

double note: I should have smiled more in this video.

triple note: Really Bad Things, More Really Bad Things, and Still More Really Bad Things are still being bad.

notes to myself #10

When you are 9 years old do not do Morris’ paper route for him. He’s not going to pay you; and him and his dad are douche b … oh! … you don’t know those words yet! … they are jerks.

By Linda Tancs

Better hurry to O2 if you want to see the Ben Hur multimedia experience. A live stage adaptation of the classic film, which premiered on 15 September, resumes today and tomorrow only. Set to a full symphonic soundtrack, the event features 400 performers, 100 animals and five racing chariots amidst a setting reminiscent of a Roman arena. Combine that with light, water, wind and pyrotechnic effects to create a majestic desert landscape and you have a majestic topper to the epic’s 50th anniversary.

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This is a continuing series of lists dedicated to the endangered art of movie posters. Each volume of Magnificent Movie Posters will contain five evocative, hand-picked examples intended to show just what movie posters are supposed to look like. Other volumes can be found here, and please click on each image for a larger version!

Anatomy of a Murder | Otto Preminger, 1959
American One-sheet by Saul Bass

One of America’s foremost poster artists of recent times, who was perhaps better known for his work on title sequences rather than posters, was New York-born graphic designer Saul Bass. Bass came to fame after creating the controversial title sequence Otto Preminger’s The Man with the Golden Arm in 1955, and later went on to work closely with Alfred Hitchock, contributing to the films North By Northwest, Psycho and Vertigo. The style Bass usually employed for poster design concentrated on primary colours and the use of bold shapes. It is a style that is entirely unique, and has birthed many an iconic poster including this 1959 one -sheet for the Preminger movie Anatomy of a Murder. Once again, the design is very much a simple one – two basic colours and an image of a man lying prone – yet is strikingly effective. It is a design that was actually copied in 1995 for the Spike Lee film Clockers – an act that Bass regarded as theft despite it being intended as an homage.

Barry Lyndon | Stanley Kubrick, 1975
American One-sheet by Charles Gehm

This intricate poster for the Stanley Kubrick film Barry Lyndon was created by American artist and illustrator Charles Gehm in 1975. Unfortunately for Gehm, it is a poster that has been largely overlooked in favour of Jouineau Bourduge’s classic black and white print, which is actually the illustration still used for DVD covers today. In this case it may well be that the poster was deemed “too intricate” for wide usage, which is unfortunate considering the attention to detail and obvious work that has gone into it. That said, it can be noticed that the font used on both posters and during the opening credits of the film itself is in fact always the same – perhaps something decided on by Warner Bros. before hiring both artists – as is the depiction of both a pistol and a rose. Gehm’s poster might not be quite as iconic as Bourduge’s creation, but for me it better represents the epic and ultimately timeless nature of Kubrick’s celebrated tale.

The Shawshank Redemption | Frank Darabont, 1994
American One-sheet by Intralink Film Graphic Design

Emotional figures standing boldly in the rain is a common theme both in movies and on movie posters: from Cool Hand Luke to The Matrix, it is an image that has been re-imagined time and time again. Perhaps the most memorable of all these scenes is the moment in Frank Darabont’s The Shawshank Redemption when our protagonist, Andy Dufresne, finally escapes from Shawshank Prison after crawling through half a mile of raw sewage. The climactic music soars, the camera pulls out, and Andy drops to his knees to embrace the free world once again. The rain is there, as usual, to add something cinematic to what is a dramatic moment, but it also helps illustrate this idea of escaping from the prison and embracing nature after so long. It is by far and away the most iconic moment in a film full of memorable ones, and thus was probably the obvious choice to be immortalised in the poster.

Fargo | Joel & Ethan Coen, 1996
American One-sheet by Creative Partnership/Optic Nerve

I’ve heard some say that this poster is too gimmicky to be great, but for me the gimmick is precisely what makes it so wonderful. It was one of the early posters attached to Joel and Ethan Coen’s Fargo, and is of course a play on the film’s tagline: “A Homespun Murder Story” which essentially just points out – if the title isn’t enough of a hint – that the setting of Fargo, North Dakota is an important aspect of the story here. Unfortunately for all of us, distributors Gramercy Pictures pulled the poster from theaters very early on for fear that movie-goers would think the film too “arty”. Instead, it was replaced with a bolder and more accessible poster with the infinitely less entertaining tagline of  “Small town, big crime, dead cold”. While we should perhaps be thankful that this move only exposed more of the American public to what is an excellent film, it is still a shame that such a unique poster was lost to the corporate winds in such a way.

Attack of the 50 Foot Woman | Nathan Juran, 1958
American One-sheet by Reynold Brown

Reynold Brown was a prolific American artist who began his career drawing comic books in the thirties before moving on to magazine and advertisement illustrations and the designing of book covers after the second world war. Following this, Brown became a teacher in California which led to him landing a job designing posters for Universal Pictures. Throughout the fifties and sixties he painted a number of memorable posters for such Universal hits as Creature from the Black Lagoon, Cat on a Hot Tin Roof, Ben-Hur, Spartacus, The Alamo and of course Attack of the 50 Foot Woman. Brown’s roots in art are of the realist mould, and I believe this is an influence you can clearly see in most of his poster work, especially here. There is a painstaking quality that can be found in each of his many posters, despite the often fantastical nature of the films upon which these posters are based.

Thank you for reading, and be sure to look out for new editions of Magnificent Movie Posters! Meanwhile, please feel free to list your own “magnificent” examples. Who knows? Perhaps we’ll use your choices as inspiration.

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