Acabamos de llegar a los 400.000 encuentros en La Política al poder, les agradezco a todos por haberlo hecho realidad, se me ocurrió que la mejor forma de festejarlo es publicando este hermoso “poema político” de Bertold Brecht …

EL ANALFABETO POLITICO

El peor analfabeto

es el analfabeto político.

Él no oye, no habla

ni participa en los acontecimientos políticos.

No sabe que el costo de la vida,

el precio de los frijoles, del pescado,

de la harina, del alquiler, del calzado

y de las medicinas

dependen de las decisiones políticas.

El analfabeto político es tan animal

que se enorgullece e hincha el pecho

al decir que odia la política.

No sabe el imbécil que

de su ignorancia política proviene

la prostituta, el menor abandonado,

el asaltador, y el peor de los bandidos,

que es el político aprovechador,

embaucador y corrompido,

lacayo de las empresas nacionales y multinacionales.

Estas ideas inspiraron hace ya 32 meses el nacimiento de La política al poder y mantiene su vigencia plena, les agradezco esta realidad y les mando un fuerte abrazo a todos y a todas !!! Gracias….

Peça teatral “A Vida de Galileu”, adaptação do texto de Bertold Brecht, pelo grupo Vida Real, apresentada no Teatro de Belas Artes da URCAMP em 21 e 22 de novembro de 2009

Uma reflexão sobre a resistência às idéias inovadoras foi a tônica do espetáculo que lotou o teatro de Belas Artes da URCAMP por duas noites consecutivas no fim de semana. A encenação de “A Vida de Galileu”, pelo grupo de teatro Vida Real, adapta um texto biográfico de Bertold Brecht sobre o cientista. Na platéia bastante heterogênea, presenças como a do estudante de Física na Unipampa, Januário Ribeiro, que costuma freqüentar ainda as observações astronômicas no palacete Pedro Osório; além dos atores do Sarau Noturno e acadêmicos da Comunicação Social da URCAMP, Camila Romero e Antoniel Lopes.
As falas de Galileu (Gladimir Aguzzi), de alto teor filosófico, ao evocar elementos como Copérnico e Giordano Bruno, despertam interesse pelo mesmo universo que há alguns anos foi objeto dos quadros do físico Marcelo Gleisler no programa Fantástico, voltados à popularização da ciência. Após o primeiro ato, uma projeção de vídeo demonstra a comprovação posterior das teorias astronômicas de Galilei, inusitadas em seu tempo.
Aos momentos de monólogo do protagonista central intercalam-se intervenções onde o restante do elenco caracteriza um côro inquisitório, representação da consciência da época da história. Além dessa alternância, o ritmo é garantido por inserções cômicas, principalmente através da ironia: tanto aquela com que Galileu se refere aos seus contestadores e ao próprio Aristóteles; como a que o já citado coral usa para desdenhar das teorias heliocêntricas do personagem. Em uma dessas passagens, o grupo literalmente pula carnaval, com máscaras, ao som da marchinha “Galileu”, debochada letra de Aguzzi em cima de uma melodia que é uma variação da tradicional “Alalaô”. Entre os recursos criativos utilizados pelo grupo, a cena em que, estando Galileu no palco, o côro surge por trás da platéia, vociferando, em tamanha surpresa que houve quem se assustasse nas cadeiras. Em outra seqüência, o côro se aproxima a cada passo da beirada do palco, onde está Galileu, causando sensação de perigo real na medida em que acabariam por pisoteá-lo ou empurrá-lo para fora, caso ele não acatasse a imposição do “Santo” Ofício como faz na cena final.
O texto de Brecht, que trabalha com cerca de 35 atores, foi adaptado para onze. Assim, Aguzzi faz dois papéis (o outro é o Padre Clave) e o côro, como personagem coletivo, assume diferentes identidades. Segundo Gladimir, Brecht era afeto às adaptações em sua obra, como no caso de Turandot e da Ópera dos Três Vinténs. Se
a visão de Bertold já era moderna em relação ao período histórico de Galilei, ganha contemporaneidade na demonstração do grupo, que inclui sem pudor expressões cotidianas como “merda”, “bichona”, e afirma na marcha burlesca que “o Vaticano se fodeu”.

Família em cena: o casal Dilce Helena Santos e Gladimir Aguzzi, que coordena o Vida Real, trouxe para o palco o filho Luís, no papel de um coroinha.

Aguzzi justifica a retomada do texto, já montado pelo grupo em 2001: “esse ano o mundo comemora 400 anos da astronomia moderna, que tomou outro rumo desde que Galileu apontou o telescópio para o céu. Além de o texto ser muito bom, e estarmos com uma compania formada e em condições de levar adiante a idéia”. O ator reproduz depoimento que ouviu de uma dupla de professoras que saíam da exibição: “É muito atual esse texto. Quando a gente ouviu aquela frase que tu dizias: ‘contrata os melhores professores e paga os piores salários’, isso nos tocou na alma”, e acrescenta: “Galileu é professor de matemática e física. E principalmente pelas idéias, muita gente que tem idéias boas e interessantes desiste, não leva adiante. E o Galileu falava exatamente disso, uma tentativa de convencer toda uma autoridade italiana e mundial, que era a igreja, de que era preciso pensar idéias novas”. A maior dificuldade que o grupo teve para a peça foi a financeira: “Para fazer bom cenário e figurino, ter luz melhor. Detalhes técnicos e cenográficos. Mas acho que o espetáculo consegue ser bom porque os atores são legais, e o texto é bom e ajuda muito, e supera algumas coisas”. Como diretora da peça, Dilce, que na atual temporada não atua como em montagens anteriores, demonstra não apreciar o discurso que lamenta as adversidades: “quem faz teatro reclama muito, e realmente é uma coisa de gente louca, só pessoas ‘anormais’ se dedicam a esse tipo de coisa. Mesmo que passe por dificuldades, teatro é viável em Bagé e em qualquer lugar. Pela platéia a gente vê, sempre tem gente interessada em assistir, principalmente o tipo de teatro a que a gente se dedica, que é aquele que a pessoa sai com alguma coisa pra refletir. Esse texto é interessante exatamente por causa disso, sempre vai haver alguém com alguma idéia nova e pessoas que combatem essa idéia e não querem o novo surgindo. Isso é atemporal, enquanto existir o ser humano vai existir isso. O teatro mais ou menos faz isso sempre. Então acho que ele é viável nesse sentido, não é fácil mas é viável”.

Bertold Brecht foi um dramaturgo alemão falecido em 1956. De influência marxista, utilizou a arte para a crítica das relações humanas no mundo capitalista. Seu nome foi “homenageado” na TV brasileira com a corruptela Bertoldo Brecha, pelo ator Mário Tupinambá.

Galileu Galilei, “o pai da ciência moderna”, emitiu enunciados que preconizaram o paradigma newtoniano, rompendo com o modelo de Aristóteles, entre os séculos XVI e XVII. Afirmava que os corpos celestes giravam ao redor do Sol e não da terra como se supunha. Galileu dá nome à revista de circulação nacional conhecida antigamente como Globo ciência.

A peça “A Vida de Galileu” é considerada o testamento de Brecht, que dirigia seus ensaios quando morreu. O enfoque do texto recai sobre o confronto das idéias do cientista com as dificuldades econômicas e a perseguição pelos inquisidores.

DU KNUT, DU KNUT: Om hundrede aar er alting glemt, men etter kun seksti er det på tide å måle krefter i cyberspace.

WordPress gir meg muligheten til å se hvilke søkeord som har sendt lesere til bloggen min. Noen søkeord går igjen, og men det fleste søker etter for å dukke opp her hos meg er Knut Hamsun.

Ja, slik er det, damer og herrer. Hovedinngangen til mitt bloggrike er en steindau forfatter med Hitler-sympatier.

Oversikten over søkestrengene fikk meg imidlertid til å se på en gammel konflikt med nye øyne. Ja, jeg fikk lyst til å trekke opp et moderne måleapparat for å ta temperaturen på en av de store forfatterkamper vi har sett her til lands.

Først litt bakgrunn. Om vi reserverer oss for nyanser (og overser en ung forfatters behov for posisjonering) kan vi si følgende: Hamsun hatet Ibsen. Knut Hamsun latterliggjorde både den lille skjeggete figuren og dramatikken som fulgte med.

I 1892 skrev han til den danske forfatteren Ove Rode: “Vær ogsaa saa venlig at sige os Deres Mening om Ibsens Indflydelse paa Rishøsten i Indien eller paa Himmelklodernes Baner”. Hamsun kalte også Ibsen for “Hs. pharmaceutiske Herlighed”, og mente den gamle dramatikeren og hans enkle karakterpsykologi burde kastes overbord fortere enn svint.

DEN SPRUKNE FJOMP: Knut Hamsun mente Henrik Ibsen var en gammel gjøk og en litterær hauk. Og skal vi dømme etter dette bildet, hvor den eldre Ibsen kan beskue seg selv på sokkel foran Nationaltheatret fra en ikke helt moderne hestedrosje, må vi jo gi ham litt rett.

Hamsuns agg fikk også utslag i skjønnlitteraturen, og i Mysterier (1892) omtaler hovedpersonen Nagel Ibsens skuespill som “det rene mekaniske kontorarbeide”.

Ok. Det var konflikten. Hva er så min moderne kikkert?

Jo, Google Trends. Dette nydelige verktøyet som lar deg se det totale søkevolumet for en søkestreng. Google Trends er en enkel framstilling av hele den søkende verdens interesse for et fenomen eller en person.

Her er mine funn. Kanskje dere bør sette dere.

IBSEN VS HAMSUN: En oversikt over søkemengden på Henrik Ibsen (rød) og Knut Hamsun (blå) over hele verden. Ibsen knuser sin yngre forfatterkollega, selv om det tar seg opp for Hamsun i inneværende jubileumsår.

Det dere ser over er en kraftmåling for de to forfatterne på verdensbasis. Henrik Ibsen er en stor dramatiker på verdensscenen, så det er kanskje ingen overraskelse at han tukter sin oppkjeftige kritiker ute i den store verden. Men vender vi blikket mot Norge, ser vi .. nei, vent litt.

Jeg må bare vise én ting til først .. bare for å vise hvor stor Ibsen faktisk er. Uvitenskaplig er det jo, men hold det nå ikke mot meg:

VERDENSDIKTER: Ja, visst pokker er Ibsen det! Denne oversikten viser det samlede søkevolum i hele verden, og Ibsen gjør seg ikke til skamme. (PS: Shakespeare er utelatt da han er så suverent mest søkt etter.)

Så der har dere Ibsen. Han kan måle seg! Han gruser både kommunisten Bertold Brecht, den nevrotiske Strindberg og banker latteren ut av Ionesco. Han sliter litt mot Samuel “Do you get it?” Beckett, men taper kun med en hårsbredd. Imponerende!

Så. Hvordan var det om vi kun ser på Norge.

Jo, damer og herrer, bildet ligner kanskje det vi så først. Jevnt over er nok Ibsen mer populær og mer ettersøkt. MEN Hamsun holder seg tett, svært tett, på sin museale rival.I 2006 regjerer riktignok Ibsen alene, men det var også hans store jubileumsår – med oppsetninger i Kairo og Gud vet hvor.

Men se her:

NÆRMER SEG: På oversikten over søkemengden kun i Norge, er bildet mellom de to likere, selv om Ibsen jevnt over har flere søk og flere nyhetstreff. Hamsun et hestehode foran i jubileumsåret. Husk at Ibsen selv hadde jubelår i 2006.

Ser vi på den mer nøytrale perioden mellom siste halvdel 2007 og 2008, jevner det seg egentlig ganske greit ut. Da Hamsuns jubileumsåret tar til i 2009, går modernisten forbi og blir mer ettersøkt enn Ibsen. Og som Robert Ferguson er inne på i mitt intervju med ham: Hamsun er for alvor på vei inn i verdenslitteraturen igjen. Jeg spår en ny vår for Hamsun i 2010. Google will show.

Litt kaldt vann i blodet og benpipene likevel: Knut selv vrir seg nok uansett i graven. For han ville nok ikke vært fornøyd med å være “en god nummer to”. Eller som han selv sa det: «Jeg er en stor mand i Paris, jeg slår Ibsen i hjel. Begrav ham!».

Hadde han imidlertid skrevet det samme fra en annen by enn Paris, foreksempel Bodø, hadde han vært nærmere sannheten. For som neste plansje (neida, bilde) viser, søker folket i Nordland mer på Hamsun enn på Ibsen.

En annen detalj: Både Ibsen og Hamsun bodde lenge i Aust-Agder, mitt hjemfylke, og det er også her det søkes mest etter de to forfatterne.

Og en tredje: Oslo-folk søker ikke stort på de to forfatterne.

Ja, ja, mer var det ikke.

God kveld videre!

A quanto  mi si dice, questo signor Galilei toglie l’uomo dal centro dell’universo per relegarlo in un punto imprecisato ai margini. E’ evidente perciò che il sig. Galilei è un nemico dell’umanità e va trattato in conseguenza. L’uomo, lo sanno anche i bambini, è la gemma del creato, la suprema e prediletta creatura di Dio. Ed è concepibile che Dio abbia voluto   affidare un simile capolavoro, la sua più sublime fatica ad una piccola stella fuori mano e in perpetua corsa? Che abbia inviato in simile luogo il suo Divin Figlio? Esistono cervelli pervertiti fino al punto di prestar fede alle parole di questo schiavo della tavola pitagorica? Qual creatura può tollerare tanto affronto?”

(vita di Galileo – Bertold Brecht)

link: http://www.youtube.com/watch?v=2RwJemF_9tY

Texto do génio do teatro mundial Bertolt Brecht, O analfabeto Político.

Em tempos obscuros como os que vivemos nos dias de hoje, é sempre bom recordar e recitar Brecht…

Você não conseguirá pensar decentemente se não quiser ferir-se a si próprio.

(Wittgenstein)

Há situações extremas que, vistas de fora e de longe, parecem-nos – e de fato foram – absurda e inexplicavelmente desumanas. Mas elas não pareceram assim aos olhos de todos aqueles que, de dentro e de perto, as viveram, as justificaram para si mesmos e as perpetraram. Era gente terrível, covarde, assustada e sinistra, porém tão humana quanto qualquer outra gente. A experiência de situações de extrema adversidade na história da humanidade – guerras, fomes, epidemias, hiperinflações, tiranias, pânicos, catástrofes etc. – revela, com raras exceções, comportamentos e traços de caráter que desmentem as ilusões que alimentamos sobre nós mesmos em tempos de paz e normalidade.

A pergunta desagradável é: quantos de nós teríamos sido “os outros”, os inexplicavelmente desumanos, omissos e cruéis? Quantos de nós teríamos agido como eles agiram em circunstâncias análogas? É provável que os mais suspeitos e perigosos sejam, precisamente, aqueles que não têm ou não se permitem nenhuma dúvida. O pior cego é o que está seguro e convicto de que vê. Não há nada mais fácil do que apontar os erros, preconceitos e fanatismo dos outros enquanto permanecemos cegos e insensíveis para os nossos próprios.

A passagem do micro ao macrocosmo do auto-engano – o fio secreto unindo na mesma trama a realidade individual da parcialidade de cada um por si próprio e a resultante agregada de um mundo estranho e errado – aparece de forma clara e inadvertidamente sugestiva no poema “Viajando num carro confortável”, de Bertold Brecht:

Viajando num carro confortável

Por uma estrada chuvosa do interior

Avistamos ao cair da noite um homem rústico

Solicitando-nos condução com um gesto humilde.

Tínhamos teto e tínhamos espaço e seguimos em frente

E ouvimos a mim dizer num tom de voz árido: “Não,

Não podemos levar ninguém conosco”.

Tínhamos avançado já boa distância, um dia de viagem talvez.

Quando subitamente fiquei chocado com esta voz minha

Com este comportamento meu

E todo este mundo.

O viajante-protagonista olha para trás, reflete e não se reconhece no que fez. Dois momentos, duas vozes: a primeira, que nega ajuda no momento em que a oportunidade de oferecê-la se oferece, e a segunda, que conta o ocorrido e não se reconhece na outra voz. A voz audível, entre aspas no poema, que nos causa repugnância, e a voz silenciosa que narra, expressa remorso, condena este mundo errado e conquista nossa simpatia ao castigar a outra.

O problema, contudo, é a relação no tempo entre essas duas vozes. A situação descrita no poema, cabe indagar, assinala a conversão do viajante? Ela registra a passagem definitiva de uma voz egoísta que morre (a primeira) para uma voz generosa que nasce e toma o lugar da outra (a segunda)? Ou ela ilustra, antes, um padrão de alternância estratégica entre duas vozes aparentemente opostas, mas no fundo siamesas? Até que ponto a comoção sincera e a reflexão sutilmente confortadora da segunda voz garantem que a outra voz foi mesmo silenciada e que, da próxima vez, será diferente?

Nossos sentimentos e auto-imagem têm a propriedade singular de se ajustarem, sem nos darmos conta, às circunstâncias que nos cercam. Mais que fácil, é doce imaginar-se firme, generoso e solidário no abstrato, enquanto a tentação de não sê-lo é remota e o desafio é apenas hipotético. Por que não banhar-se ao sol da auto-aprovação e de uma imagem generosa de si mesmo enquanto a tempestade anda longe? O tempo, contudo, vira. E, quando ele vira – quando a oportunidade concreta por fim se oferece de provarmos na prática que somos de fato tudo aquilo que imaginamos ser -, a voz que ouvimos deixa, com frequência, de ser a nossa. Ações falam. E o que nossas ações falam nem sempre é o que nos acostumamos a ouvir, em silêncio, enquanto o futuro é algo em aberto, a promessa, generosa, e o desafio, remoto.

(Eduardo Giannetti, em Auto-Engano)

Großer Dankchoral

Lobet die Nacht und die Finsternis, die euch umfangen!
Kommet zuhauf
Schaut in den Himmel hinauf:
Schon ist der Tag euch vergangen.

Lobet das Gras und die Tiere, die neben euch leben und sterben!
Sehet, wie ihr
Lebet das Gras und das Tier
Und es muß auch mit euch sterben.

Lobet den Baum, der aus Aas aufwächst jauchzend zum Himmel!
Lobet das Aas
Lobet den Baum, der es fraß
Aber auch lobet den Himmel.

Lobet von Herzen das schlechte Gedächtnis des Himmels!
Und daß er nicht
Weiß euren Nam’ noch Gesicht
Niemand weiß, daß ihr noch da seid.

Lobet die Kälte, die Finsternis und das Verderben!
Schauet hinan:
Es kommet nicht auf euch an
Und ihr könnt unbesorgt sterben.

Grande coral de graças

1
Louvai a noite e a escuridão que vos abraçam!
Vinde de montão
Olhai o céu acima:
Já vosso dia passou.

2
Louvai a grama e os bichos que vivem e morrem a vosso lado!
Vede, como vós
Vivem a grama e o bicho
E convosco também têm que morrer.

3
Louvai a árvore que jubilante surge da carniça para o céu!
Louvai a carniça
Louvai a árvore que a devora
Mas também louvai o céu.

4
Louvai de coração a péssima memória do céu!
E que ele sequer
Vos conheça de nome ou rosto
Ninguém sabe que ainda vos encontrais aí.

5
Louvai o frio, a escuridão e a podridão!
Olhai para cima:
Nada tem nada a ver convosco
E podeis morrer despreocupados.

(tradução de Antonio Cícero)

Una mattina presto, molto prima del canto del gallo,
mi svegliò un fischiettio e andai alla finestra.
Sul mio ciliegio – il crepuscolo empiva il giardino -
c’era seduto un giovane, con un paio di calzoni sdruciti,
e allegro coglieva le mie ciliege. Vedendomi
mi fece cenno col capo, a due mani
passando le ciliege dai rami alle sue tasche.
Per lungo tempo ancora, che già ero tornato a giacere nel mio letto,
lo sentii che fischiettava la sua allegra canzonetta.

 Bertolt Brecht, 1956
trad. di Franco Fortini

 musica : genesis

buon compleanno

SÃO PAULO TEATRO
Esther Góes volta ao palco com peça sobre a vida e a obra de Heléne Weigel

A obra de teatro “A excepción é a regra” visita o Centro Artístico Sportivo de Ponteareas o vindeiro sábado día 10 de outubro.A representación teatral será ás 20:30 horas. Nesta obra actuará o actor ponteareán Humberto Longueira e a actriz ponteareana Tere Neves, ademais de distintos actores do concello do Porriño.
A obra que dirixe o profesor e actor Alex Sobrino comezou a súa xira en setembro de 2009 e agora viaxa ata Ponteareas.
O actor Humberto Longueira ten a súa propia compañía pero ademais colabora coa Escola Municipal de Teatro do Porriño. Nesta obra de Bertold Brecht interpreta o papel de Culi.

It’s difficult to imagine a production which has generated more binary responses than Deborah Warner’s Mother Courage and Her Children at the National Theatre.  Even before it opened it was controvertial, with The Guardian at least, and this has been followed up by a remarkably diverse set of reviews.

The Independent was smitten, awarding four stars.  Praising the “extraordinary vitality of Deborah Warner’s modern-dress production” it was deemed “a creatively controversial production” with a “wonderful, aggressively disguised sensitivity” from Shaw in the title role.

The Guardian liked it too, with another four stars. Mr Billington thinks that this show “frees Brecht’s play from pious reverence and releases its dynamic energy” and “brings Brecht up to date”, but does acknowledge that “not everything is right” and that the final image “misses the key point”.

The FT thinks it’s a solid three stars, asking “Over the top?” and answering “Perhaps”, but saying that “Shaw’s Mother Courage fits the bill here” and that the translation has “raw energy that makes its depiction of endless conflict seem bang up to date”.  Nevertheless, Ms Hemming does conclude that the production is “distinctly patchy” and that there are “big problems: it belabours the play’s relevance too much, is too loud (a great deal of shouting) and it lacks shape and cohesion”.

The Times concurs, awarding a somewhat grudging three stars, saying of Shaw that ”she has her moments” but finding little to be enthusiastic about.

Reuters says that the show “shoots blanks”.  Despite there being “much to admire”, “some sequences drag”, the language “lacks memorable lines” and thinks that “pacing might be at fault”.

All of which is pretty generous compared with Charles Spencer in The Telegraph, who opens with a sentence unlikely to win him friends at the National. “Here she comes again, Mother Courage and her bloody cart, condemning audiences to three-and-a-quarter hours of hectoring lectures, unrepentant Marxism, tiresome alienation devices and a bucketful of condensed misery” and plumps for a single solitary star.  And that’s not all.  Shaw, singing “abysmally”, is “one of the most embarrassing spectacles I have ever seen in a theatre”.  He even guns for Duke Special, the amiable musician who escapes almost unscathed through most reviews, saying he has the “silliest dreadlocks” and finishes up by calling the show “merely idiotic, full of sound and gimmickry, and signifying almost nothing”.  Ouch.

Lies, lies, lies, says The Stage. “Fiona Shaw’s Mother Courage dominates the Olivier stage”, “it is a stunning performance” and the music of Mr Special is the “outstanding innovation”. Mr Shenton, blogging from the front lines of the same publication has a different view, wishing that he “could report that it was worth the wait, but there’s an awful lot of waiting to be done as Fiona Shaw trundles that infernal cart around the battlefields of Europe” and suggesting that the preview audience released at the interval “had a mostly lucky escape”.

The Evening Standard says that “doom-mongers will be disappointed” and deemed the show “competent, confident, if ultimately underwhelming”.

In terms of blogs, The Whingers seem to be newly appointed UN envoys and have yet to opine, as has Life in the Cheap Seats and A Younger Theatre, but the newly named Tyro Theatre Critic didn’t love it, declaring “tedious doesn’t cover it”, decrying its “horrifically limited effect”, confronting the elephant in the room when he says that “the easily avoided key mistake is letting Fiona Shaw sing” and concluding that the play is “just abysmally served in this production”.

I won’t even repeat my views.

Não sei o que é pior: fundar um banco ou assaltá-lo. (Bertold Brecht)

PORTO ALEGRE AGENDA CULTURAL
Projeto Teatro Aberto apresenta A Decisão na Sala Álvaro Moreyra
A Secretaria Municipal da Cultura, através da Coordenação de artes cênicas
promove, entre os meses de setembro e dezembro, o projeto Teatro Aberto
que abre espaço para encenações experimentais de grupos novos da cena local.
O espetáculo que abre esta programação é ‘A Decisão’, considerada uma
das peças mais polêmicas de Bertold Brecht e encenada pelo Grupo Trilho
que tem sua sede no Grêmio Esportivo e Cultural Ferrinho, no bairro Humaitá.
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Going On a Tear With Bertolt Brecht

EP Theater presents:

Baal
by Bertolt Brecht
directed by A.J. Ware and Hunter Kennedy
through October 3rd (ticket info)

reviewed by Paige Listerud

One thing you can say about EP Theater’s production of Baal–they do nothing by halves. They flounder and flop like a fish out of water in the first act, only to snap into riveting concentration and power with the second.

Written in 1918, when Bertolt Brecht was twenty years young, snapping a whip against his thigh as he accosted women in the streets, Baal clearly shows Decadent and Aesthetic movement influences—the dark side of 19^th century Romanticism. Its action is raw and scandalous; its language is thickly poetic – so thickly poetic that character motives can be obscured. So if the actor hasn’t made clear choices about what the words mean, there’s no way the audience will ever deduce it. It’s a production you can both love and hate, kind of like the eponymous character himself.

But, in the final analysis, what’s not to love about two bad-boy artists tearing through women, booze, money, towns, and finally each other–violating every convention, assaulting morality to the last breath? It’s been quite while since I’ve witnessed dramatic characters with this much absolute thinking and vehement passion. That’s what makes it so groovy. The addition of The Loneliest Monk, a Chicago rock-art duo, playing a live original score, creates the perfect unifying and satisfying bohemian touch.

What’s not so groovy is the monstrously amateurish first act. “We tweaked and tweaked and tweaked the writing to get it to the point it is now,” says Executive Director, Jason Ewers. “There were scene sections we just didn’t know what to do with. But what attracted us to this early Brecht work was just how raw it was.”

Perhaps then, that obnoxious term, work-in-progress, still applies here. The actors still have to gain better mastery of Brecht’s language. Some actors do not have the heft and projection to deliver it, while others attempt to build dramatic tension by shouting lines. The ensemble cast is cohesive and meaningfully responsive to each other, but work on clarifying and personalizing the subtext to all that heavy-duty poetry remains the bulk of unfinished work for the first act.

Thank goodness the difference between first and second acts is like night and day. Thank goodness A. J. Ware and Hunter Kennedy’s direction brings on full-bore pansexuality, as well as the physical and emotional devastations of amoral excess. Baal and Ekart are a fabulously doomed couple, even if Baal is the more fabulously doomed of the two.

Finally, it needs some nudity. Seriously. That’s not a prurient suggestion. Okay, it is. But is it in keeping with the spirit of Decadence.

One can shake ones’ head in astonishment at the way this particular show swings from depths to great heights, but no one can deny EP Theater’s ability to take risks. Its capacity for daring and risk wins it respect, even with this significantly flawed and unfinished production.

Rating: ««

Earlier this year, British Airways launched an offer whereby buying an economy ticket to certain destinations earned a free upgrade on the return flight. With Mother Courage and Her Children the National Theatre seems to be trying something similar: during the first half we were all packed in to the Olivier like cattle, but after the interval it was a positively business class: no annoying neighbours to worry about, privacy, acres of legroom and even what seemed to be fully flat beds in some parts of the stalls where previously there had been audience.

Even this salubrious comfort, however, couldn’t stem the exodus of theatregoers fleeing the oppressive ennui of Deborah Warner’s production. My neighbours for instance, exited at the interval with the following wonderful verdict on subsidised arts: “Ugh. Theatre. Never again.”

This production comes close to being the worse received by an audience that I have ever seen (let us pray that the particular brand of unpleasantness experienced by Daphne and Celeste at Leeds Festival in 2000 is never repeated, ever).  Sitting, staring blankly ahead, arms crossed and subdued, the Olivier audience has never been so unexcited or unresponsive.

I should be clear: the production wasn’t all bad. The set, in particular, was superb: fluid, striking, unpretentious and intensely functional. It was Brechtian: pretentiously so, obviously expensively so, but Brechtian none the less and worked superbly.

But the singing. The singing. The horror, the horror. As they rolled out the first big musical number around half way through the play (or at least I thought it was half way through; not even close actually, about an eighth of the way through) it became clear that citizens Brecht, Warner and Shaw were unlikely to form a triumvirate ready to unseat Cameron Mackintosh anytime soon. As if that wasn’t bad enough, they then proceeded to repeat the effort at the end of each scene (except the one in which nothing happened except the cart being dragged through the Central German highlands, which was my personal favourite). They rolled on a dreadlocked musician to provide some tone once in a while, but even this didn’t make the musical additions anything more than an excuse to check the time on your phone.

I should be clear, the production wasn’t all bad. There was a gun at one point which was really very very loud and realistic indeed. And I quite liked the sound effects done à la Police Academy; although, admittedly, the dog did sound pretty ropey and garner almost the biggest laugh of the evening.

The actual biggest laugh came towards the end (it had to end sometime) when the priest delivered the immortal line “I’m just going to change my clothes; don’t’ say anything interesting while I’m away” which I guarantee will be answered by some wag in the audience before the end of the run with “Don’t worry”.

This production wasn’t all bad. But it is fantastically long, and stupefying boring (I mean, it’s no Fram, but it’s still really, really boring). The whole effort feels like a noble failure waiting to happen, with a wonderful set and cast and director being thrown at something that must have been obvious, even from the very start, would have almost no appeal whatsoever.

–

This is a review of a preview performance which I’d be a little shy about publishing normally – but trust me, this one isn’t going to get fixed in three days twelve days.  Looks like the press night has been pushed back to 25th September from the 16th due to technical problems.

As an aside, strictly sotto voce, it seems the Guardian had a worse experience than me at a preview. Or actually, if you think about it, a better one. This play might not have been all that bad at two hours long.

Tudo muda. De novo começar
podes, com o último alento.
O que acontece, porém, fica acontecido: e
a água que pões no vinho, não podes mais
separar.

O que acontece, fica acontecido: a água
que pões no vinho, não podes
mais separar. Porém,
tudo muda: com o último alento podes
de novo começar.

Bertold Brecht

Precisei de um alemão para sacar que a água posta no vinho não se pode mais separar. Ainda bem que sempre dá pra recomeçar. Pena que isso não adianta muito se for para continuar estragando o vinho sempre.

Oficina Popular do Bairro Restinga:

“Aquele Que Diz Sim” e “Aquele Que Diz Não” de Bertolt Brecht

“Aquele Que Diz Sim” e “Aquele Que Diz Não”, baseada em um conto japonês, foi escrita em 1930 por Bertolt Brecht, um dos maiores autores alemães do Século XX com uma arte politizada e obras voltadas a denúncias de injustiças sociais. O texto fala sobre a importância da reflexão e de como o ser humano se comporta diante de determinadas situações. O texto apresenta duas situações extremas, aparentemente muito parecidas entre si, mas com desfechos diferentes em função das reações das pessoas envolvidas, onde se debate o direito de ir contra as normas e costumes sociais, e o direito de se dizer “não” a estas normas. Um menino aceita ir a uma expedição de estudantes que irá atravessar as montanhas para buscar remédios e salvar a vida de sua mãe enferma. Porém, manda a tradição de seu povo que, se um dos membros da expedição ficar doente, deverá ser jogado do precipício pelos outros para morrer e não atrapalhar o andamento da expedição. O menino acaba ficando doente durante o percurso, e o grupo decide jogá-lo do precipício, porém, a mesma tradição permite que o menino decida se aceita ou não seu destino cruel.

Post. Guilerme

Fotos. Cleber

Sinopsia. André

                                                                     São Paulo, 24 de Agosto de 2009. nublado.

Querido Diário,

sábado eu fui ao Teatro. a peça foi bem interessante, de Bertold Brecht. se passava na China, o nome se não me engano é “A alma boa de Setsuan”. Acho que era uma comédia. Mas como a gente só ri do que nos é familiar, acho que tudo não passou de uma grande crítica…na realidade o espetáculo é longo e um tanto arrastado,só achei simpático que na entrada são os próprios atores que entregam o folheto.Mas enfim, no caminho passei andando na frente de uma igreja. Estava acontecendo bem naquela hora um casamento, e era o momento de entrada dos padrinhos. Do lado de fora dava p/ ouvir o tenor cantando lá de dentro. Achei aquilo tão bonito,quase comovente, aí eu lembrei que um em cada quatro casamentos terminam em divórcio…

ai rs

kkk nada a ver..ANIMACIÓÓÓN..aff acho que eu tenho lido muitos poemas melancólicos,estou ficando meio deprê, tipo hj eu estava passando por um viaduto,aí eu olhei p/ baixo e pensei “hum,será que essa altura é suficiente p/ morrer?” -q iso, acho que estou precisando cortar a minha franja, pq pelamordedeus vou confessar faz tempo q eu não corto o cabelo,to parecendo uma samambaia aqui. mas tudo que eu falei p/ o meu diário é verdade oks,a peça é legalzinha mas depois de um tempo começa a encher o saco blz? kk mas o que eu queria falar MESMO é na verdade uma dica. alô você que um dia pretende realizar um feito heróico: quando você fizer algo extraordinário e entrar para a História, provavalmente vão tirar uma foto de você, é nessa hora que você tem que TER CUIDADO ok, p/ ter pelo menos uma foto digna que p/ por na wikipédia, e não algo terrivelmente humilhante, que te faça por exemplo, se arrepender de ter sido a 1° coreana no espaço:

tá?

beijos.

Foto: Alice Drogoreanu

XX. Cealaltă Elise

De la o vreme, Crescentia constată cu stupoare că descoperă o altă Elise. Trecea pe la ea mult mai rar, începuse să recite din poeţi străini liricii de limbă germană şi, ceea ce era mai grav, începu să vorbească cu futu-i. Toate aceste modificări comportamentale apăruseră, ca o coincidenţă, cam de când tânăra începu să discute cu mine pe messenger.

- Oricum, tu eşti moştenitoarea… – reluă contesa o idee mai veche. Nu văd de ce nu te-ai purta mai amabil cu rudele noastre când trec pe aici…

- De ce?… Futu-i în gură! Vin doar să se gudure, sperând că o să apuce ceva din averea mea… Nici pişat de gargară nu le dau!…

- Întâi – observă Crescentia – averea este a mea, cel puţin deocamdată… Apoi, mă îngrijorează modul în care-ai început să vorbeşti! Cred că este influenţa negativă a valahului ăluia împuţit cu care vorbeşti pe computer…

- Nu-i valah – îmi luă Elise apărarea – tatăl lui este rus, iar mama vieneză.

- Sigur că da, o fi vreun ţarievici!… E un ţigan împuţit, care te îmbrobodeşte!

- Nu-i ţigan împuţit! – bătu tânăra din picior.

- Ba este! – se încăpăţână protectoarea.

- Ba-i un suflet nobil şi-un rafinat estet!

- E un derbedeu şi-un ticălos pervers!

În astfel de momente tensionate, se întâmpla să intervină valetul Vlador:

- Domnişoara doreşte ceva?

- Da, să nu mă plictiseşti cu întrebările! Te chem eu când am nevoie de ceva…

- Dar, nu m-aţi mai chemat de două săptămâni…

- Şi-mi ţii socoteala? Am, cumva, vreun grafic după care să te chem? Sau lucrez la normă? Nu crezi că-ţi depăşeşti atribuţiunile?…

„Hormonii!” – gândi bătrâna aristocrată, cu o oarecare îngrijorare. „Dacă nici de serviciile lui Vlador nu mai are nevoie, însă, e ceva mai complicat! A îmbrobodit-o ţiganul…”.

În afara acestor ieşiri, Elise începu să găsească ciudate conexiuni cu prilejul meselor, momente ale zilei în care, vrând-nevrând, se reîntâlnea cu Crescentia. Astfel, o friptură de porc cu sos de coacăze îi stârneau versuri pe care, în mod obişnuit, n-ar fi avut de unde să le cunoască:

Simţind că pe deasupra pluteşte ora gravă,

Grăsunul York se-nalţă săltând copita sură

Şi ocolind flăcăul cu-o bruscă săritură

El tropăie pe vatra din cocina jilavă.

Şi grohăind strănută, întărâtat, prin pleavă,

Când funia-i se strânge pe gât mereu mai dură;

Urechile căzute în troaca cu fiertură

I-acoperă privirea şi spaima ei grozavă.

Îl târâie cu forţa, în plină zi cu soare,

Şi porcul simte vatra că-i fuge sub picioare,

Dar lama se împlântă şi mi se prăbuşeşte.

Cu vocea răguşită el urlă că-l omoară

Şi pe câmpii tristeţea atât de mare creşte

Că urlă lung un câine morţiu şi se-nfioară.

- Frumoasă! – aprecie contesa. Ce este?

- Măcelul, de Alfred Desrochers…

- Ăsta ce-i, franţuz?

- Canadian… Însă, da, scrie în franceză.

„Doamne, Dumnezeule, s-a apucat şi de canadieni!” – îşi spuse bătrâna, dar continuă să mănânce în tăcere.

Antricotul de vită cu portocale îi aminti moştenitoarei de-un alt poem:

E carne unde trecea sângele, carne

Unde tremura miraculoasa

Căldură de neînţeles a trupului.

Mai dăinuie

Ceva din licărirea fundului de ochi.

S-ar putea încă mângâia această coapsă.

S-ar putea încă pune capul pe ea

Şi fredona un cânt contra spaimei[1].

- Aş zice ca mai bine să mănânci, decât să mângâi carnea şi să-ţi aşterni capu-n blid! – sugeră Crescentia, renunţând să mai întrebe despre provenienţa versurilor.

Îngheţata de cireşe de la desert fu un nou prilej pentru poezie:

Într-o dimineaţă, cu mult înainte de strigătul cocoşilor

Trezit de un fluierat, mă dusei la fereastră.

În cireşul meu – zorile se revărsau în grădină –

Sta un tânăr cu pantaloni peticiţi,

Şi vesel aduna din cireşele mele. Zărindu-mă,

Dădu din cap salutând, cu amândouă mâinile

Îndesa în buzunare cireşele de pe crengi.

Reîntors în pat, încă o bucată de timp

Îl auzii fredonând cântecelul său vesel[2].

„Măcar, asta-i de limbă germană, dar tot un decadent!” – se întristă contesa.

- Elise, ce-ar fi să te mai vezi şi tu cu tineri de vârsta ta?…

- Ce tineri?… – replică moştenitoarea, tonul său dând de înţeles că, prin Viena, toţi sunt o apă şi-un pământ.

- De pildă, Sir Thomas Cat[3]… Într-o vreme, discutai destul de mult cu el…

- E poponar! – scurtă tânăra discuţia, spre surprinderea contesei, acest detaliu nefiindu-i cunoscut.

„De fapt, la ce să te aştepţi? Englez!…”

- Sau Elliot Strug[4]… – îşi încercă bătrâna şansa.

- Ăla o frige cu secretara, Creea Sim[5]…

- Mă rog, am auzit. Dar, poate e doar ceva trupesc. În definitiv, şi tu mai apelezi la serviciile lui Vlador…

- Este cu totul altceva! Crea are ochi spălăciţi, încadraţi de gene precum o pensulă roasă, şi are dinţii de rozătoare… Când e tensionată, ochii i se bulbucă, iar dinţii îi clănţăne fără control, de-ai zice că are proteză mobilă. Cum m-aş putea apropia de unul cu astfel de gusturi?…

- Sau August… – mai încercă Crescentia, dar se corectă singură: Adică, August iese din discuţie! A crezut că mă poate manipula… Lasă, că vede el cine pe cine manipulează!…

Elise nu era la curent cu toate mişcările mamei sale adoptive, însă o mulţumi profund faptul că August fu scos din calcul. Un tip de-o rigiditate, suficienţă şi platitudine deconcertante.

- Totuşi, mătuşă, de ce nu vrei să-l cunoşti pe Vania?…

Elisei nu prea-i venea să-i spună mamă protectoarei sale şi, în general, prefera să spună ce are de spus, formulându-şi adresările cât mai impersonal cu putinţă. Uneori, însă, când dorea să intre în inima contesei, uza de acest paliativ, mătuşă, cu tot caracterul său impropriu.

- Of, tot la ţiganul ăla-ţi stă mintea! Precis ar veni doar cu gândul cum să fure şi te-ar înşela în prima săptămână!…

- Nu-i adevărat! Cunoaşte muzică, poezie, are o exprimare aleasă…

- De unde ştii? – se gândi contesa la un vicleşug. Poate-i dictează cineva ce să scrie…

Din fericire, Crescentia căzu în propria-i capcană:

- Tocmai! – făcu moştenitoarea radioasă.  Să-l chemăm aici şi ne vom lămuri dacă, ce spune, spune de la el!…

Bătrâna cedă în cele din urmă, nutrind gândul ascuns că va reuşi să mă compromită în vreun fel, chiar dacă aceasta îi va aduce oarecare cheltuială, iar Elise mă invită chiar în aceeaşi seară, rămânând stabilit să sosesc peste o săptămână.

[1] Bou jupuit de Eugene Guillevic.

[2] Bertold Brecht, Hoţul de cireşe.

[3] Personaj din În spatele oglinzii, roman în manuscris de Oana Stoica-Mujea.

[4] Personaj din În spatele oglinzii.

[5] Personaj din În spatele oglinzii.

Helena Ignez

Uma matéria de Marco Tomazzoni no Último Segundo fala sobre a exibição de “Canção de Baal”, que fechou a noite de segunda, 10.08.2009, no Festival de Gramado:

Filme adentro, diversas pessoas levantaram-se das cadeiras e deixaram a sala. Mas muita gente seguiu firme no longa experimental de Helena Ignez e, gostando ou não, pôde conferir uma obra de espírito diferente, em desuso no cinema brasileiro.

Adaptado da primeira peça escrita pelo alemão Bertold Brecht, “Canção de Baal” tem o esqueleto do texto original e é fiel à sua maneira – mantém diálogos, personagens e cenas, mas processados pela lente de Ignez, tornando a trama quase que episódica. O roteiro ainda cita a passagem de Albert Einstein pelo Brasil, cujo céu teria “inspirado” o físico a concluir a teoria da relatividade, e o áudio do depoimento de Brecht ao Comitê de Atividades Anti-Americanas por suspeitas de atividade subversiva, no auge do macarthismo.

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