Maurice Tourneur’s 1918 production of The Blue Bird feels a long way from Walsh’s Five Points. This adaptation of Maurice Maeterlinck’s 1908 play, is realized by the French director for Adolph Zukor’s Famous Players-Lasky in fantastic style. Tytyl and Mytyl are a brother and sister living up in a snow-covered village that’s located somewhere between Hansel and Gretel. Across the way lives a sick child and her mannish-looking mother. Down the road are “The Rich Children.” After the kids refuse to let the sick girl adopt their pet bird, they recieve a night visit from a fairy. The fairy brings their surroundings to life and charges Tytyl (Robin Macdougall) and Mytyl (Tula Belle) to find the bluebird of happiness.

Tytyl and Mytyl are accompanied on their search by a strange assortment of dancing fire spirits, a loaf of bread incarnated as a maharajah, and a cat who fears the bluebird’s discovery will also be his death sentence. Tourneur uses superimposition and various tricks from Melies’s bag to bring the elements and animals to life. There’s a nice use of reverse motion when Mytyl changes from night-shirt to expedition-wear. A clever use of silhouettes conveys the fairytale atmosphere of one of the Rich Children’s fetes. The Tyls’ journey gets crazier, though. First they visit the Palace of Night, where Tytyl looks in vain for the bird among the Wan Sicknesses, Shades and Terrors and even War. The children then visit The Happy Dead, where they are reunited with their late grandparents and a crowd of “my little dead brothers and sisters.” After a stop by an explosive orgy being held by the Spenserian figure of Luxury-of-Being-Rich, the Tyls finally reach the Palace of Happiness, where they survey the Joy of Living, Joys of Pure Thoughts, and the Happy Young. Seeing that these joys are represented by young women mostly in gauze, it may be more truth to say they are supposed to be the Joy of the Libidinous Producer and the Lonely Audience Member.

Tourneur draws mostly on turn of the century kitsch for his rendition of these allegorical elements. Modern audiences may be surprised to see both Sleep and Death incarnated as two naked children. The capper is a tour of children waiting to be born., prefaced by a vision of “The Greatest Joy of All — Maternal Love.” The passing of nine decades has made this high cheese indeed. The most curious inhabitants of this world are a pair of tots known as “The Lovers.” They are forcibly sundered when one is due to be born before the other. “How will I know you?” asks the precocious spirit, doomed to stay in heaven’s departure lounge a little longer. “I’ll be the saddest person alive,” says the imminent fetus.

Like The Wizard of Oz (1939) only kookier, the phantasmagoria ends back home, where the bluebird has been all along. In case the head is still spinning, Tourneur’s child heroes look into the camera to advise us to seek our own bluebird, “in your own home, WHERE HE IS APT TO BE FOUND.” (emphasis titles’ own). Where Regeneration uses realism and historical recreation to give audiences an image of the world they live in, this wartime fantasia acts a kind of pablum. Its domestic advocacy may be a protest against America’s involvement in Europe. Considering its Belgian author and French director, it’s closer to an idealized notion of what’s at stake. Tourneur and Maeterlinck would lose this particular battle. Blue Bird’s metaphysics are one of Victoriana’s last attempts to comfort antiquated mindsets while an ocean away, a new world was being born in Flanders’ fields.

Tourneur would actually adapt to the times, returning to France and eventually becoming a major player in the Vichy film industry during World War II. Bertrand Tavernier includes him in his cinematic history of the period, Laisser-passer (2001). The same year, the Norwegian-born Belle would reappear in Tourneur’s adaptation of Ibsen’s A Doll’s House as one of the Helmar children. The Blue Bird was adapted by Charles Maigne, a Richmond-born author who discovered his metier was writing and directing Westerns like The Trail of the Lonesome Pine before dying in 1929.

“Cette chronique consacrée aux DVD n’a pas du tout la prétention d’être exhaustive, elle se veut partiale et partielle, sans aucune volonté de suivre l’actualité. Elle sera composée de coups de cœur, provoquée par des visions et re-visions, des flâneries, des découvertes, des conversations ou des conseils d’amis. J’essaierai de donner le maximum de renseignements.”
DVDBlog
par Bertrand Tavernier (www.tavernier.blog.sacd.fr).
Pour les incultes que vous êtes :
Ce grand monsieur est réalisateur et scénariste et, en plus, il peut frimer à mort au regard de sa filmo assez impressionnante !!
LA PREUVE :

1964 : Les Baisers (Film à sketches : réalisation du Baiser de Judas)
1964 : La Chance et l’amour (Film à sketches : réalisation d’Une chance explosive)
1974 : L’Horloger de Saint-Paul
1975 : Que la fête commence
1976 : Le Juge et l’Assassin
1977 : Des enfants gâtés
1980 : La Mort en direct (Deathwatch)
1980 : Une semaine de vacances
1981 : Coup de torchon
1982 : Philippe Soupault et le Surréalisme (TV)
1983 : Ciné citron (Court métrage)
1983 : La Huitième génération (Court métrage)
1983 : Mississippi Blues (Coréalisation avec Robert Parrish)
1984 : Un dimanche à la campagne
1986 : Autour de minuit (Round Midnight)
1987 : La Passion Béatrice
1988 : Lyon, le regard intérieur (TV)
1989 : La Vie et rien d’autre
1990 : Daddy nostalgie
1991 : Contre l’oubli (Coréalisation, Pour Aung San Suu Kyi, Myanmar)
1992 : La Guerre sans nom (Coréalisation avec Patrick Rotman)
1992 : L.627
1994 : La Fille de d’Artagnan
1995 : L’Appât
1996 : Capitaine Conan
1997 : La Lettre (TV)
1998 : De l’autre côté du périph (Coréalisation avec Nils Tavernier – TV)
1999 : Ça commence aujourd’hui
2001 : Les Enfants de Thiès (TV)
2001 : Histoires de vies brisées : les double-peine de Lyon (Coréalisation avec Nils Tavernier)
2002 : Laissez-passer
2004 : Holy Lola
2009 : Dans la brume électrique (In the Electric Mist)
2010 : La Princesse de Montpensier
… Il en manque peut-être…

imdb | allmovie | wikipedia

Tavernier never urges his story upon us, and has no great plot to unwind. He simply wants to observe his characters during the course of a long day during which we find that none of them are very happy with their lives. The son cannot please the father, hard as he tries, and the daughter cannot disappoint him, hard as she tries. To find comparable attention to the subtle forces within a family, you would have to turn to Yasujiro Ozu, who made almost all of his films about Japanese families. The Japanese term mono no aware, which suggests a bittersweet awareness of the beauty of life and the inevitability of death, applies to Ozu, and here to Tavernier. –Roger Ebert, Chicago Sun-Times

BERTRAND TAVERNIER’S ”A Sunday in the Country” is exquisite – purposefully and almost painfully so – from beginning to end. Set at the turn of the century, on a single day at the country home of an elderly French gentleman, it records the particulars of a visit from his children.

The overpowering visual approach makes the actors work within narrow confines; each of them says as much through appearance as through word, thought or deed. The cast has been well-chosen with this in mind. Miss Azema and Miss Chaumette are particularly adroit. So is Mr. Ducreux, who makes the old gentleman rueful and affecting without sentimentalizing him. Even Miss Mnich, in the unflattering role of Marie-Therese, gives Mr. Tavernier exactly what is called for. He seems in full control of every performer, every image, every frame. -Janet Maslin, The New York Times

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Oyez, oyez. La Maison de l’Image, à Aubenas en Ardèche (voilà pour le rappel géographique) organise depuis 1999 les Rencontres des Cinémas d’Europe. Durant une semaine en novembre, une cinquantaine de films sont programmés dans les 6 salles des cinémas Navire et Palace d’Aubenas. Cette manifestation (sans compétition) a pour vocation de porter un éclairage particulier sur les films réalisés et produits dans les différents pays du Vieux Continent (qui ne manque pas de talents neufs en revanche), en diffusant une cinématographie peu connue et peu médiatisée.
De nombreuses figures du 7e Art européen ont déjà fréquenté l’événement, de plus en plus prisé (près de 15 000 visiteurs l’an dernier !) : Jacques Audiard, John Boorman… Ils seront encore nombreux pour cette onzième édition, où sera entre autres célébré Ingmar Bergman.

La programmation suit les axes suivants :
- Hommages ;
- Panorama de films européens de l’année ;
- Rétrospective (cette année, donc : Ingmar Bergman) ;
- Films jeune public ;
- Débats quotidiens ;
- Activités en relation avec le travail à l’année de la Maison de l’Image : documentation, librairie, stage de réalisation audio-visuelle, accueil et encadrement de scolaires et d’étudiants.

VERSUS est partenaire de la 11ème édition des Rencontres des Cinémas d’Europe du 15 au 22 novembre prochain.
Rendez-vous très bientôt au cœur de ce carrefour culturel incontournable !

Il était temps que notre jeune blog se dote d’une blogroll digne de ce nom, autrement dit une liste de blogs dont la lecture est fortement conseillée. Pour notre part, nous avons choisi 10 blogs qui parlent cinéma. 10 parce que c’est un chiffre rond, et cinéma parce que c’est ce dont on parle ici, voyons !

Et puis, pour ne pas vous lâcher une liste de noms qui ne voudrait rien dire, on vous explique les raisons pour lesquelles ils font partie de nos chouchous :

Vodkaster le blog

Parce que c’est la famille. Parce que le concept est quand même génial. Et puis parce qu’on est dans la leur (de blogroll).
A lire : Le Top 5 des films que je n’ai jamais vus

Matière Focale

Parce qu’ils sont fous et que ça fait du bien !
A lire : Fish Tank : Dans la brune électrique

Sancho does Asia

Parce que c’est la référence en matière de cinéma asiatique.
A lire : Big Man Japan

Focus on animation

Parce qu’on est fan d’animation et que ce blog contient tout ce qu’il faut sur les projets en cours avec en prime de très bons dossiers.
A lire : Focus on : Metropia

Marivaudage

Parce que c’est la famille là aussi et qu’il est toujours bon de découvrir un autre cinéma.
A lire : Nude on the Moon

Les Nouveaux Cinéphiles

Parce qu’il a été le premier à nous supporter. Et parce qu’on adore les courts-métrages régulièrement mis en ligne.
A lire : Court-métrage : L’ami y’a bon de Rachid Bouchareb

Fred MJG blogue and bulle

Parce qu’on l’a connu via Twitter et qu’on aime regarder les jolies photos des “Garçons de la semaine” toujours soigneusement choisies.
A lire : Les garçons de la semaine

Ecrans (Fluctuat)

Parce que c’est toujours bien vu et passionnant.
A lire : Une heure avec Alfred Hitchcock

Le DVDBlog de Bertrand Tavernier

Parce qu’en matière de cinéphilie contagieuse, il n’a pas d’égal.
A lire : Cinéma asiatique et cinéma roumain

Une dernière séance ?

Parce qu’on y fait un tour chaque mercredi, et que c’est très bien fait.
A lire : I love Michael Cera

Les semaines se suivent… mais ne se ressemblent jamais dans le bac des nouveautés dvd fiction !

Côté détente, “La Nuit au Musée 2” de Shawn Levy qui est la suite logique du premier opus  “La Nuit au musée” et qui ravira les jeunes et les moins jeunes !

Côté polar noir, le fort attendu “Dans la brume électrique” de Bertrand Tavernier, l’adaptation du roman noir de James Lee Burke intitulé Dans la brume électrique avec les morts confédérés. Une enquête qui sent bon le bayou et le cajun. Un rôle taillé sur mesure pour Tommy Lee Jones !

Côté drame, l’adaptation du roman de Marguerite Duras par le réalisateur cambodgien Rithy Panh : “Un barrage contre le pacifique“. Ce réalisateur avait abandonné la fiction depuis 1994 (voir “Les Gens de la rizière“) pour se consacrer au documentaire. Il a d’ailleurs réalisé en 2004 “S21, la machine de mort Khmère Rouge“, une enquête témoignage du génocide perpétré par les Khmères rouges sur le peuple cambodgien.

A remarquer aussi, deux films du réalisateur-acteur turque Nuri Bilge Ceylan; “Les Trois singes“, son cinquième long métrage et qui a remporté le prix de la mise en scène au Festival de Cannes en 2008, ainsi que “Les Climats” présenté deux ans auparavant au même Festival.

Qu’on se le dise.

Brigitte Segers

Tavernier surprinde bine atmosfera de sud toropit, cu iz de blues, dar scenariul se pierde in ploturi si sub-ploturi, avansand greoi catre un final anti-climactic. Tommy Lee Jones e (again) seriful batraior, sobru dar bun la suflet care incearca sa desluseasca itele unor crime vechi si noi. Ite care se intrepatrund inutil de alambicat. Avem uraganul Katrina, tensiuni rasiale, coruptie in show-biz, viziuni cu soldati morti, si peste toate idea ca trecutul bantuie mereu prezentul. Quite boring.

imdb

Regia: Bertrand Tavernier

Cu: Tommy Lee Jones, Peter Sarsgaard, John Goodman

Lunes / “50 años de cine norteamericano” por Bertrand Tavernier y Jean-Pierre Coursodon

“Para todos los interesados en el cine, y en especial en el norteamericano, el presente es un texto imprescindible. Obra de consulta fundamental y excelente herramienta de trabajo, es además un libro de lectura tan amena como apasionante. La obra contiene entre otros elementos un ‘Diccionario general de directores’ del periodo sonoro junto a un ‘Diccionario de guionistas’ del mismo periodo, incluyendo en ambos casos un comentario crítico de lo más importante de sus obras y una completa filmografía de cada uno de los autores. Pero asimismo la obra traza una visión global de otros muchos aspectos esenciales, como un análisis de la situación del cine norteamericano en 1939, un largo estudio sobre la evolución de Hollywood en el periodo 1940-1993 en el que se incluyen las concesiones anuales de los Oscars y un análisis de la política artística e industrial de los grandes estudios, un ensayo sobre la evolución de la censura y un útil informe sobre la situación del cine norteamericano. El texto se completa con una amplia sección de bibliografía y un índice de doble entrada de las películas citadas y analizadas, proporcionándose sus títulos en su versión original y de doblaje. “

 Extraído de la editorial Akal.

Ver además:

http://www.imdb.com/name/nm0851724/

Los títulos recomendados están en la Biblioteca del Instituto Internacional. Si te interesa leer ésta recomendación puedes consultar su disponibilidad en el catálogo la biblioteca del IIE.

50 años de cine norteamericano / Bertrand Tavernier, Jean-Pierre Coursodon ; traducción de Francisco Díaz del Corral ; edición española, César de Vicente Hernando. — Madrid : Akal, [1997]. — 2 v. (1296 p.) ; 25 cm.

D.L. M 19544-1997 — ISBN 84-460-0780-0 (O. C.)

PN 1998.2 .T3818 1997

Ça commence aujourd’hui.

Director: Bertrand Tavernier.

Guión: Bertrand y Tiffany Tavernier, Dominique Sanpiero.

Intérpretes: Philippe Torreton, Maria Pitarresi, Nadia Kaci, Verónique Ataly, Nathalie Bécue, Emmanuelle Bercot.

Música: Louis Sclavis.

Fotografía: Alain Choquart.

Francia. 1999. 110 minutos.

Una mirada honesta

Haciendo un símil muy fácil podría empezar diciendo que los propósitos de Bertrand Tavernier no están muy alejados a los del protagonista de la película, profesor de esa escuela de barrio, respecto de sus alumnos, a los que intenta hacer algo más que entretener. Ça commence aujourd’hui es una obra honesta, calibrada en términos de cercanía expositiva, sencilla en el tratamiento de un tema complejo. Es un ojo abierto a la realidad educativa del día a día en un entorno de exclusión -muy cercano a nosotros, espectadores del llamado primer mundo-, cuya mayor virtud radica en su compromiso: esa mirada no guarda ningún deseo de atajar por el estómago del espectador, sino que opta por recorrer el camino más largo, la búsqueda de la empatía desde un punto de vista intelectual, analítico y crítico.

Radiografía de personajes

Lo primero que debe anotarse es que el guión de la película es  espléndido y está perfectamente estructurado. Abre la historia a sus personajes, y alambica la narración a partir de una trama familiar, protagonizada por la novia del profesor y el hijo de ésta, cuyas relaciones con él son difíciles, así como con los padres del primero, a quienes el filme presenta como guardianes de una generación anterior no mejor pero tampoco peor a la actual. Y esas tramas sirven de vestido (que no corsé) para ir desplegando una estimulante, y por momentos dolorosa, miríada sobre personas enfrentadas a la precariedad, y sobre instrumentos educativos y sus proveedores, en una cadena que va de los padres al Estado, pasando por profesores y graduados sociales. Tavernier va cuajando así un lúcido retrato de la realidad social descrita, guardando ciertas distancias con el estilo documentalista, combinando la concisión con los necesarios espacios abiertos a la reflexión del espectador, y apuntillando la historia con la justa dosis de dramatismo, introducida en ocasiones de forma explosiva, aunque siempre con sumo cuidado para no descompensar el tono ni el continuo afán por avanzar en sus postulados que caracteriza a la narración.

http://www.imdb.com/title/tt0186730/

http://www.auladecine.com/recursos/hoy_empieza_todo.pdf

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article775.html

Todas las imágenes pertenecen a sus autores.

Earlier this week, I mentioned two articles on romantic crime films that I’d written for the current and upcoming issues of Mystery Scene, but I’ve also been thinking about crime films in another direction recently. Over the past few weeks, I’ve been finishing up a course proposal for George Mason University tentatively entitled “Crime Stories: From Page to Screen,” an idea that was first suggested to my by my good friend and fellow writer and teacher John Copenhaver, who will be teaching a similar topic at a local private school this fall. He and I are diverging a little in the books and films we’re considering for our respective courses, but the thrust of the course is the same: to look at film adaptation as an act of interpretation (just as many of our students interpret texts themselves) and to examine both the thematic and stylistic choices that each author or director makes and the different tools available in each form/medium.

The first book/film combo that jumped to my mind for this was The Long Goodbye — Raymond Chandler’s longest book (and some might argue, his best) and then Robert Altman’s delightfully different take on the book, updating a ’50s hero to the early 1970s and making some significant changes not just to the tone and the character but to the plot itself in the process. Another good combo that boasts different treatments of the story is In A Lonely Place by Dorothy B. Hughes, which got a reworking as a vehicle for Humphrey Bogart, and I personally would love to discuss the two different treatments of Patricia Highsmith’s The Talented Mr. Ripley: Rene Clement’s Purple Noon and then the Anthony Minghella version with Matt Damon in the title role. And Memento is a must, of course, looking at how an unpublished short story (from a college course!) became an instant classic. 

Other lists of pairings soon started popping to mind, as John and I talked:

• An American Tragedy, Theodore Dreiser’s 1925 novel, and A Place in the Sun, George Stevens’ 1951 film
• The Big Sleep: Raymond Chandler’s 1939 novel and Howard Hawks’ 1945 film (and maybe a slightly postmodern treatment of Chandler style stories, Brett Halliday’s 2005 film Kiss Kiss Bang Bang, or Rian Johnson’s 2005 film Brick?)
• Strangers on a Train: Patricia Highsmith’s 1950 novel and Alfred Hitchcock’s 1951 film
• Pop. 1280, Jim Thompson’s 1964 novel, and Coup De Tourchon, Bertrand Tavernier’s 1981 film
• In Cold Blood: Truman Capote’s 1966 book and Richard Brooks’ 1967 film

Even Bonnie and Clyde would offer some interesting possibilities, maybe looking at original newspaper accounts and what the screenwriters did with those “texts” to write Arthur Penn’s 1967 film.

The key, to my mind, is not just to find a book that’s been made into a film — there are a blue million of those out there — but rather an adaptation that does something significantly different in “revisioning” one text into a new medium.

Any other suggestions?

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“Je ne pouvais pas voir le fond, mais je pouvais voir très loin dans le mouvement de l’eau avant que mon œil ne devînt impuissant, puis j’ai vu une ombre suspendue comme une flèche épaisse au fil du courant.” William Faulkner, Le Bruit et la Fureur

Opinion sacrilège,  détournement d’un genre qui ne me divertit plus depuis des années et dont les codes finissent par m’ennuyer, lassitude peut-être -  toujours est-il que pour moi, les meilleurs policiers, films ou romans, sont ceux dont l’enquête n’est que la mise en forme, le substrat d’une œuvre parasite, qui est réellement son objet principal, inavoué : une idée, une histoire, un portrait… Je pourrais longuement parler  de Faulkner, des romans monstrueux de Dostoïevski, Crime et Châtiment, Les Frères Karamazov, Les Démons, de ces intrigues dont la dialectique s’accorde à un questionnement abstrait (le suspense comme agrément philosophique) ; je pourrais encore évoquer le recyclage , opéré par Lynch, d’éléments disparates  (fantasmes, objets transitionnels, interdits, paranoïa) comme déroute profonde et interne de la rationalité, mais je me contenterai ici d’aborder le dernier film de Bertrand Tavernier, qui, d’emblée par son beau titre, voile évidences et gestes et instille une énergie artificielle dans une langueur délétère.

C’est d’abord un lieu, la Louisiane. Un mythe : le Sud, ancestral, appauvri, raciste ; une atmosphère humide, poisseuse, alcoolisée. Sur cette région le regard d’un étranger est précieux, en cela qu’il en éprouve plus intensément, plus avidement  le climat, le mystère, n’étant habitué à rien, ni aux bruits ni aux odeurs ni aux coutumes. Tavernier filme la Louisiane avec une profusion de détails qui enchante le récit. Il descend dans le bayou (et l’on prolonge mentalement ses images de  celles du magnifique Louisiana Story de Flaherty avec le raton laveur en trait d’union), il plonge dans la vie sociale typique de cette région, indolente mais intranquille, se décalant juste un peu – par honnêteté – vers un plateau de cinéma, mise en abîme de son statut d’observateur. Seul hiatus : l’accent. Les personnages – Tommy Lee Jones en premier, pourtant excellemment lui-même comme toujours – parle un américain moyen, sans couleurs ni relief. Là-bas, on le sait, les mots s’étirent à l’infini, les voyelles s’ouvrent en plein milieu, les r se confondent aux w, les inflexions chantent leur paresse et la langue n’attend pas le souffle pour s’alanguir sur la parole. Manifestement Tavernier n’en a pas voulu, c’est dommage.

Puis il y a l’histoire, l’Histoire et l’histoire. La première c’est la nécessaire toile de fond : crimes sexuels immondes, riches libidineux, vieux flic tourmenté, femmes angéliques et désirables, beauté, pourriture… Déjà vu. La seconde gagne en pertinence à mesure qu’elle dérange les époques, bouleverse les réalités, trouble les nostalgies : que reste-il de la splendeur du Sud ? Un racisme tenace encore virulent ou la fierté du pionnier, intègre, courageux et juste ? La dernière histoire enfin, celle que j’ai préférée, je l’ai peut-être rêvée… En tout cas elle ne se raconte presque pas. Immanente, elle se sent, palpite langoureuse et mélancolique, pourtant si différente des atmosphères à la Tennessee Williams qui me sont chères… Les hauts chênes tortueux, la mousse qui s’effiloche des branchages, les maisons en bois avec leurs porches paisibles, l’eau stagnante et les cris angoissants de la forêt. D’une certaine façon, Tavernier filme ses sensations, il choisit des musiques adéquates, des visages fatigués, puis il laisse la poésie du milieu œuvrer à sa place, de sorte que sa contemplation nous remplit d’émoi.

In the Electric Mist / Dans la Brume Électrique de Bertrand Tarvernier, avec Tommy Lee Jones, John Goodman, Kelly MacDonald, Peter Sarsgaard, Mary Steenburger – au cinéma.

Filmographie de Bertrand Tavernier sur le site de la médiathèque.

Pour les amateurs de musique populaire américaine, la présence au générique de Levon Helm, le batteur de The Band (qui accompagna souvent Bob Dylan dans les années 60-70), et de Buddy Guy, l’un des plus grands bluesmen vivants, sont déjà deux raisons incontournables de ne pas rater Dans la brume électrique, le nouveau film de Bertrand Tavernier.
Mais l’intérêt de ce film ne se limite pas au plaisir de voir ces deux légendes musicales réunies dans un même film. Superbement filmé, Dans la brume électrique nous fait découvrir,, au-delà des clichés, ce Bayou country que chante si bien John Fogerty. Ce film bénéficie d’une histoire policière passionnante quoique souvent difficile à suivre. Le fantôme du général sudiste (interprété par Levon Helm, en clin d’oeil à The night the drove old Dixie town de the Band ?) suscitera interrogations et débats (hallucination ou pas ?). A saluer aussi le casting impeccable, avec un Tommy Lee Jones impérial et la joie de retrouver John Goodman ou Mary Steenburgen, excellents comédiens rarement présents à l’écran.

Mais les critiques et les avis du public sont très partagés sur ce film. Alors, si vious n’êtes pas d’accord, n’hésitez pas à vous exprimer !

Réalisation : Bertrand Tavernier
Distribution : Tommy Lee Jones, John Goodman, Peter Sarsgaard
Scénario : Mary Olson & Jerzy Kromolowski d’après l’oeuvre de James Lee Burke
Synopsis : Dans une petite ville de Louisiane, le corps d’une jeune femme est retrouvé déchiqueté près des marais. Dave Robicheaux, chargé de l’enquête va s’investir corps et âme au point d’aller déterrer des cadavres que tout le monde s’était empressé d’oublier …

Le dernier film de Bertrand Tavernier est dans les salles et, pour l’occasion, un contributeur extérieur, Mikl, a voulu se joindre à nous et y aller de sa critique. On l’accueille volontiers d’autant plus que le film ne l’a pas franchement laissé insensible… Exceptionnellement, “Dans la brume électrique” aura droit à un billet en deux parties : Pour et Contre.

Pour (par Mehdi)

Ne passons pas par quatre chemins : “Dans la brume électrique” est une réussite totale. Adapté d’un roman de James Lee Burke, cette collaboration aussi inattendue que maîtrisée entre Bertrand Tavernier et Robert Mitchum Tommy Lee Jones s’impose comme l’un des grands films du premier semestre 2009.

Plus jeune, je détestais quand quelqu’un disait d’un film qu’il était étrange ou bizarre. Chacun est bien évidemment libre d’apprécier un film, et toute autre œuvre artistique d’ailleurs, à sa façon mais ces termes ne renvoient à rien de bien défini, à aucun concept, aucune idée. On dit d’un film qu’il est bizarre quand on n’a pas compris grand-chose à l’intrigue ou que la réalisation est trop (ou pas assez) sophistiquée pour nous. En gros, “Mulholland drive” et la plupart des films de David Lynch sont bizarres, “Les lois de l’attraction” est un film réalisé de façon étrange, idem pour “Brazil” ou “Blade Runner”. Alors que dix mille autres expressions seraient parfaites pour décrire ces films, le spectateur désarçonné préfère tristement les réduire à une œuvre bizarre et/ou étrange.

Si je fais cette précision, c’est justement que l’envie m’est venue de qualifier “Dans la brume électrique” d’œuvre étrange. Avant de me rappeler que ça ne signifiait pas grand-chose. Toutefois, il y a dans le dernier film de Tavernier quelque chose qui n’est pas sans rappeler l’atmosphère des films de David Lynch. Comme dans “Sailor & Lula” ou, évidemment, “Mulholland drive”, à plusieurs reprises on ne sait pas vraiment si l’on est dans le rêve ou la réalité, si les personnes avec qui l’on s’entretient sont vivantes ou en live de l’au-delà. Parce qu’en plus d’être un policier remarquablement mené, “Dans la brume électrique” est un film sur les morts, ces corps reposant sous terre dont les esprits et leurs souvenirs continuent de perturber les vivants. Ces fantômes qui ne sont pas là pour vous terroriser mais simplement pour faire en sorte que vous n’oubliez pas, que vous ne les oubliez pas.

Hormis cela et les scènes déroutantes que ça engendre, “Dans la brume électrique” est un policier magnifiquement mené de bout en bout. Tavernier nous emmène dans une longue et lente ballade dans cette Louisiane ravagée par Katrina dont les habitants paraissent absolument seuls au monde. Un vieux guitariste qui a le blues, un acteur alcoolique au fond du trou, un gangster qui investit ses billes dans la production de films… Des personnages haut en couleurs qui ont tous un rôle à jouer au fur et à mesure que l’intrigue se déroule.

“Dans la brume électrique” repose aussi sur les larges épaules de Tommy Lee Jones qui semble avoir fait sienne la célèbre phrase de Robert Mitchum : “This is not a tough job. You read a script. If you like the part and the money is O.K., you do it. Then you remember your lines. You show up on time. You do what the director tells you to do. When you finish, you rest and then go on to the next part. That’s it.” Charismatique à souhait, Tommy Lee Jones donne l’impression de ne rien faire ou si peu. Il se contente simplement d’être là comme s’il honorait le spectateur de sa présence. Et ça fonctionne terriblement bien.

Film anachronique tant par sa mise en scène que par son personnage principal – Dave Robicheaux qui emprunte un peu à la brutalité de Cagney et beaucoup au flegme de Bogart -, “Dans la brume électrique” tient le spectateur en haleine pendant plus de deux heures. Et non sans un certain brio. Si l’on peut regretter un dénouement un brin trop rapide en comparaison de la durée du film, la scène finale finit de nous convaincre que l’air de la Louisiane fait du bien à Tavernier.

P.S : Ca doit tout de même lui faire bizarre au père Tavernier de passer de Phillipe Torreton à Tommy Lee Jones.

Contre (par Mikl)

Depuis “Da Vinci Code”, l’heure est à l’adaptation de best-seller. Soit.
Le cinéma Hollywoodien paye bien et surtout permet une reconnaissance artistique internationale, que ce soit pour l’acteur ou, et c’est ici le sujet, pour le réalisateur (en l’occurrence français). Soit.
Mais là, non !

A la vue de la bande-annonce de son dernier film, “In The Electric Mist”, Bertrand Tavernier nous laissait présager du gros, du très gros. Un Tommy Lee Jones au sommet de son art après des cartons ( “Space Cowboys”, “Men in Black” ou plus récemment, (plus sérieusement aussi !), “No Country for Old Men” et “In the Valley of Elah”), une intrigue parfaite pour son énorme charisme (un ancien détective alcoolique se lance sur les traces d’un tueur en série dans un village au fin fond de la Louisiane). Sans oublier un John Goodman souvent très bon, notamment dans les “Blues Brothers” ou dans SON film référence “The Big Lebowski”. Bref, du lourd en perspective.

Mais dès le début, c’est le drame. A peine le film débuté, on a le droit à une scène on ne peut plus banale pour mettre en situation la caractère du personnage : Tommy Lee Jones repousse le verre d’alcool qu’il vient d’acheter au bar dans lequel il est seul face à lui-même, ça va sans dire. Virilité, force de caractère, solitude : tout est bon, hormis la mise en scène digne d’une série B.

Et là commence le labyrinthe cérébral mal orchestré par Bertrand : Tommy Lee Jones, en plus de retrouver la femme tuée par le serial killer, retrouve le corps d’un noir mort en 1965. Pour élucider ces mystères, il interroge ses amis, dont un noir âgé qui lui répond sans lui répondre car “on est toujours en Louisiane ici”, mais aussi son ennemi avec qui il est allé en classe et qui est aujourd’hui un truand local (interprété par Jonh Goodman qui n’est pas arrangé par le film, voir notamment sa sortie de piscine).
Attention spoiler : Bien évidemment, on tente de tuer notre cher ancien détective que ça a l’air de laisser mais alors complètement indifférent, à tel point qu’on se demande même s’il comprend qu’on veut sa peau. Ca nous donne d’ailleurs la scène assez grotesque du bateau dont on comprend dès le début la fin. Il passe son imperméable à une femme déjà trempée qui, ô surprise, se fait tirer dessus par une balle tirée d’une voiture présente depuis un bon quart d’heure, la fenêtre baissée depuis autant de temps alors qu’il pleut à torrent, ce qui ne nous laisse pas présager du tout ce qu’il va se passer.
A cela s’ajoute des petites scènes, qui m’apparaissent comme étant des petits délires, dans lesquelles Tommy parle à un général, qui n’ajoutent que peu à l’intrigue déjà moyenne.
La fin se passe de commentaires, surtout qu’on ne comprend pas (ou en tout cas je n’ai pas compris) qui a tué la jeune fille du début…

En conclusion, on retrouve un film à l’intrigue assez tordue limite parfois grotesque, au prétexte de vouloir créer une atmosphère de thriller à laquelle on n’accroche que 15 minutes, un film où il y a des personnages complètement anodins ce qui en soit n’est pas grave mais qui ici favorisent l’incompréhension générale, un film où l’on a l’impression qu’ils n’ont pas eu le temps de tourner une fin digne de ce nom.
Je dirais donc que si vous êtes, comme moi, fasciné par ce grand acteur qu’est Tommy Lee Jones et ses prestations une fois encore bien au-dessus de la moyenne, allez le voir, mais pour le film… ne vous attendez surtout pas à être électrisé.

Cette semaine, bien qu’il y ait très peu de sorties strasbourgeoises, nous n’avons pas pu nous résoudre à tout voir. Quel est le film sur lequel nous avons fait l’impasse ?  Est-ce l’argent ou l’amour qui dirige le monde ? Qui est Roger Corman ? Qu’est-ce que le capitalisme ? Est-ce utile d’être utile ? Est-il possible d’être habile du début jusqu’à la fin ? Voilà autant de questions auxquelles l’émission de cette semaine apporte, ou non, réponse.

OSS 117 – Rio ne répond plus (Michel Hazanavicius), Rachel se marie (Jonathan Demme), Adoration (Atom Egoyan), Let’s make money (Erwin Wagenhofer), Dans la brume éléctrique (Bertrand Tavernier).

Avec Jenny, Fanny, Mathias, FX.

Enfer ! Les bandes, et ce qu’elles annoncent…

« What a lovely way to burn »

Mille excuses, amis lecteurs, pas de T.T. digne de ce nom cette semaine. Pourquoi ? demanderont certains. Parce que, répondrai-je, à l’heure tardive où j’écris d’habitude mes lignes, dans la pénombre de mon cabinet d’étude, j’attendais le rédacteur en chef de cette même revue, qui a la méchante habitude d’avoir des horaires invraisemblables. Etant une hôtesse irréprochable, je ne peux pas tout faire, j’en suis bien désolée.

Un mot tout de même : cette semaine, j’irais volontiers voir Tommy Lee Jones tâtonner dans une brume électrique (la Louisiane, nous le savons tous, est télégénique, et Tavernier fort doué). Et surtout, surtout, Adoration d’Atom Egoyan. Car je brûle de savoir si le père du joli petit est un assassin, si sa mère est une victime, son grand-père un monstre et son oncle un lâche.

Mais si j’avais de fantastiques habiletés, je renverserais le cours du temps et je ferais sortir cette semaine Near Dark, aka Aux Frontières de l’Aube (Kathryn Bigelow, 1987), remarquable film de vampires poisseux du Midwest. L’une des plus belles scènes de fusillade (westerns compris). Le plus beau rôle de Bill Paxton à n’en pas douter, et le meilleur sale gosse/vampire de l’histoire du cinéma.

Dans la bande-annonce, j’inclurais le dialogue suivant :
« – You have any idea what it’s like to be a big man on the inside and have a small body on the outside ?
- You have any idea what it’s like to hear about it every night ? »
Ma bande-annonce finirait sur cette réplique culte :
« It ain’t what’s going on, son, it’s what’s coming off. Your face. Clean off. »
Rictus ; sang ; fondu au noir.

Dire qu’on nous en ourdit un remake ! S’il fallait une seule raison de maudire ce projet : les préadolescents sanguinaires ne fumeront plus jamais de Marlboros à l’écran, c’est une chose que nous avons perdue à jamais. Alors franchement, si on ne peut plus voir de tête à claques de onze ans fumer, boire du whisky, jouer au poker et insulter les femmes (le tout barbouillé de sang) – à quoi bon ?

Si seulement j’avais ce genre de facultés ! Near Dark sortirait ce mercredi, et tous les cinéphiles blasés se rueraient dans les salles. Certains passeraient la nuit devant leur cinéma préféré, de peur d’être mal placés. Mais comme chacun le sait, mon super-pouvoir à moi, c’est la force d’inertie.

A la semaine prochaine. Je parlerai sans doute de cet ami de cœur, qui s’est mis en tête de danser comme Christopher Walken dans The King of New York.

Jakuts

(imagem: Flickr)

por Natália Albertoni

De 21 de abril a 15 de novembro de 2009, o Brasil acolhe o Ano da França com ações por todas as capitais do país. O espetáculo de abertura acontece no Rio de Janeiro apenas no próximo mês, mas em território paulista já é possível entrar no clima à la française.

A partir desta semana até novembro, será exibida uma sessão de cinema francês no Reserva Cultural, na Av. Paulista, sempre um domingo por mês, às 11h. Desembolsando R$ 5,00, você poderá assistir ao filme e ainda tomar um café da manhã no local.

Como as salas estão sujeitas a lotação, fique atento para garantir o seu acesso. Os ingressos podem ser retirados na bilheteria na sexta-feira anterior à apresentação, da 13h às 22h ou no próprio dia do evento, às 10h30.

O primeiro ciclo de longas tem como tema “A Escola na França: diversidade e dilemas contemporâneos”. Neste domingo, o escolhido é “A Esquiva” (2004), de Abdelattif Keniche, ganhador de cinco prêmios César (o Oscar francês), incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor,

Ainda no mesmo circuito, “Quando tudo começa…” (1999), dirigido por Bertrand Tavernier e recompensado pelos prêmios da Crítica Internacional e do Júri Ecumênico no Festival de Berlim, e “Ser e Ter…” (2002), de Nicolas Philibert, documentário com sucesso histórico de bilheteria na França, podem ser assistidos nos dias 26 de abril e 24 de maio, respectivamente, também no Reserva Cultural.

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Vá:

Ciné-club Aliança Francesa, Fnac e Reserva Cultural
De março a novembro, um domingo por mês às 11h
Reserva Cultural – Av. Paulista, 900
Entrada R$ 5,00 – retirar o ingresso na sexta-feira anterior à exibição das 13h às 22h

29/03
“A Esquiva” (2004)
De Abdelattif Keniche
Duração 117’. Censura 12 anos

26/04
“Quando tudo começa…” (1999)
De Bertrand Tavernier
Duração 117’. Censura 12 anos

24/05
“Ser e Ter…” (2002)
De Nicolas Philibert
Duração 107’. Censura Livre

Capitaine Mystère (Captain Lightfoot), de Douglas Sirk (éd. Carlotta)

Capitaine Mystère respire la bonne santé. Celle d’un réalisateur connu pour ses mélos qui grâce à quelques films de détente – dont Captain Lightfoot en est le plus bel exemple – se fait plaisir, celle d’un tournage en plein air loin des studios alors tout puissants, celle d’un Rock Hudson qui, tout auréolé de son nouveau statut de Star, virevolte sautille et bondit parfois pour rien, si ce n’est pour le plaisir des yeux.

Vous l’avez compris, les enjeux sur ce film sont moindres, et même si le fond historique qui oppose les Irlandais aux Anglais au début du 19e siècle nous rappelle que la querelle ne date pas d’hier, Captain Lightfoot ne sera pas pour autant proposé aux classes de lycées pour mieux cerner le sujet. Il s’agit là de se divertir.

Michael Martin, bandit de grands chemins se retrouve poursuivi par les dragons britanniques après avoir pillé l’intendant de Lord Devereaux. Il est sauvé par John Doherty, le chef des partisans irlandais et devient très vite son second.

Si ce film devait un jour passer sur nos chaînes de TV nationales, ce serait un 25 décembre à 16h/16h30 sur France 3. L’heure où l’on sort de table fourbu et légèrement alcoolisé, l’heure où les dernières lumières du jour annoncent déjà le repas du soir. Oui ce serait un bon jour pour voir Captain Lightfoot car il y a un évident effet Badoit dans ce film là, un effet digestif. Car Douglas Sirk allie le rythme et les grands espaces, l’ironie et le Cinémascope flamboyant. Les plus jeunes pourraient immédiatement utiliser leurs costumes de capes et d’épées à peine sortis de l’emballage, les plus anciens pourront se souvenir d’un temps où la sortie du samedi soir au cinéma emplissait leur semaine de légèreté. Les autres seraient contents de voir les autres contents.

Et puis quand même, il y a dans Captain Lightfoot une jolie scène de fessée sur le popotin de Barbara Rush que chacun pourra interpréter à sa manière, des poursuites trépidantes (pour l’époque) dont une vraiment flippante sur une rivière où l’on se demande si notre héros va s’en sortir. Mais ça va.

La partie romantique du film est un peu le point faible de Captain Lightfoot – ce qui est un comble pour le roi du mélo qu’est Douglas Sirk – même si la complicité du couple Hudson/Rush fonctionne bien lors des phases de séduction, l’ironie du film étant là à son sommet. Mais ça retombe très vite dès les premiers baisers. Et oui c’est parfois comme ça les premières fois.

En bonus, l’inaltérable avis de Bertrand Tavernier, bel exemple d’équilibre entre analyse filmique et amour d’un réalisateur pour un de ses auteurs fétiches et une bande annonce qui a le tort de montrer le fameux dernier plan du film à mourir de rire. Mais malgré cela nous ne saurons jamais pourquoi Captain Lightfoot a été traduit par Capitaine Mystère, ce qui reste le vrai mystère de ce film à acheter maintenant et à offrir à Noël.

Stef