I’m jonesing this weird thing for Pope Benedict XVI and I’m not even officially Catholic. Many of the first 15 Bennies were supposedly not all that fallable but this Holiness is something extra special. Wasn’t it just last month that he kind of magically made the centuries-old Church of England disappear in a puff of smoke so those angry Anglicans could simply become Catholic again?

His Holiness has his own website. How eternally cool is that? Yes, cool to Infinity. His website is translated into a bunch of languages. You’ll probably want to click onto The Holy See for English. Sorry, there’s not Pig Latin. That could be really fun and I swear could drive some traffic to his site. I’ll Twitter tweet him that suggestion.

This week seated under Michaelangelo’s “Last Judgment” in the Sistine Chapel, Pope Ben held an audience of 250 of the top contemporary artists, composers, filmmakers, dramatists and the like and invited them to embark on “a quest for beauty.” The group included world-class cultural creatives like the Iraqi-born architect Zaha Hadid; Italian artist, Mimmo Paladino; America’s controversial video artist, Bill Viola; and one of my favorite 21st Century sculptors, Brit Anish Kapoor.

The aim of this earth-moving event was to re-establish a dialogue between the church and artists that the Vatican called “necessary and fertile for both.” It could well mean a return of the Catholic Church as a patron of contemporary art. Roll over Raphael and give Bernini the news.

This holiday, regardless of your faith or lack of, or your denomination, Southernness encourages you to explore the beauty of your local churches, cathedrals, temples and Druid caves. It could lift your holiday spirit. For the last several years, I have gone once a week to a Catholic prayer chapel. I go at a time when I am generally alone with my thoughts semi-circumscribed by a curved wall of glorious, modern, stained glass created by man and then backlit by God’s sun. Superb collaboration.

If you are an artist, consider giving an example of beauty to your church. If you are an appreciator of artistic beauty, consider commissioning a work for your church.

When I was at my chapel this morning, I said a prayer of gratitude for the vision of groovy Pope Benedict XVI and for all artists on our earth who are pilgrims in this world of beauty.

Happy SEMISEPTCENTENNIAL Christmas Y’all,

Ben South

Southernness

I’m jonesing this weird thing for Pope Benedict XVI and I’m not even officially Catholic. Many of the first 15 Bennies were supposedly not all that fallable but this Holiness is something extra special.

Wasn’t it just last month that he kind of magically made the centuries-old Church of England disappear in a puff of smoke so those angry Anglicans could simply become Catholic again? His Holiness has his own website. How eternally cool is that? Yes, cool to Infinity. His website is translated into a bunch of languages.

You’ll probably want to click onto The Holy See for English. Sorry, there’s not Pig Latin. That could be really fun and I swear could drive some traffic to his site. I’ll Twitter tweet him that suggestion.

This week seated under Michaelangelo’s “Last Judgment” in the Sistine Chapel, Pope Ben held an audience of 250 of the top contemporary artists, composers, filmmakers, dramatists and the like and invited them to embark on “a quest for beauty.”

The group included world-class cultural creatives like the Iraqi-born architect Zaha Hadid; Italian artist, Mimmo Paladino; America’s controversial video artist, Bill Viola; and one of my favorite 21st Century sculptors, Brit Anish Kapoor.

The aim of this earth-moving event was to re-establish a dialogue between the church and artists that the Vatican called “necessary and fertile for both.” It could well mean a return of the Catholic Church as a patron of contemporary art. Roll over Raphael and give Bernini the news.

This holiday, regardless of your faith or lack of, or your denomination, Southernness encourages you to explore the beauty of your local churches, cathedrals, temples and Druid caves. It could lift your holiday spirit. For the last several years, I have gone once a week to a Catholic prayer chapel.

I go at a time when I am generally alone with my thoughts semi-circumscribed by a curved wall of glorious, modern, stained glass created by man and then backlit by God’s sun. Superb collaboration.

If you are an artist, consider giving an example of beauty to your church. If you are an appreciator of artistic beauty, consider commissioning a work for your church.

When I was at my chapel this morning, I said a prayer of gratitude for the vision of groovy Pope Benedict XVI and for all artists on our earth who are pilgrims in this world of beauty.

Happy SEMISEPTCENTENNIAL Christmas Y’all,

Ben South

Southernness

Bill Viola, Nantes tryptych, 1992

Bruce Nauman, Raw Material washing Hands, 1996

Both these works have a strong religious element to them and I find them both to be very powerful artworks, I would love to see them in real life as you cannot get the experience of an installation through a photograph.

Bill Viola’s tryptch looks directly at life and death with a newborn baby, his grandmother dying and in the middle is the artist showering in water. The pattern of 3 has obvious religious connotations but also the water. Water, and washing is a strong religios symbol and very powerful when used in these works. The monotomous act of washing hands as Nauman does in his video can be seen as a symbol for washing away sin, cleansing, it is seen as a spiritual act to become closer to God. I am very inspired by both these works and they relate well to my own project so I am going to continue to develop my ideas with the use of soap and perhaps do some more experiments with video.

Espacio Fundación Telefónica

Genealogías de cine

Lunes 23, martes 24 y miércoles 25 de noviembre de 2009 – 18hs

A cargo de David Oubiña, Eduardo Russo y Jorge La Ferla
Coordinación: Gerardo Yoel

No requiere inscripción previa

Los dispositivos que idearon los cronofotógrafos para poder descomponer el movimiento no son ajenos a ese universo de artefactos entre lúdicos y científicos que poblaron el siglo XIX con nombres tan estrafalarios como zootropo, praxinoscopio, etc., que fueron agrupados con el nombre genérico de ¨juguetes filosóficos¨. Este término de juguete filosófico encierra la expresión de una actividad en la que todavía se mantenían unidas la dimensión del juego y la del pensamiento. El cine se convertirá rápidamente en lo opuesto de la filosofía: uno será pura acción concreta allí donde la otra reclama reflexión abstracta. Al igual que el planteo del libro nos proponemos establecer en estas dos clases las relaciones que existen entre esta estética generada en los antecedentes del cine y referentes de la pintura como Marcel Duchamp, del video arte como Bill Viola y del cine como Jean Luc Godard.

No requiere inscripción previa

+54 11 4333 1300

+54 11 4333 1301

espaciofundacion@telefonica.com.ar

What do Bill Viola, Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Santiago Calatrava, Andrea Bocelli, Ennio Morricone, Arvo Pärt, Peter Greenaway, Nanni Moretti and Paolo Taviani have in common? They will all be gathering in the Sistine Chapel on Saturday to hear Pope Benedict’s appeal for a new era in relations between the Church and the art world.

The full list of participants is here and our preview is here.

Photo: Santiago Calatrava’s Ponte della Costituzione in Venice (Frenza)

I am certainly going to to try and get to this exhibit. I read about this on Amy Elkins’s Blog The imagery intrigues me greatly. The exhibit is titled Bodies of Light. Bill Viola received his BFA in Experimental Studios from Syracuse University, 1973. BIll  is is internationally recognized as a pioneer in the medium of video art. He has been instrumental in the establishment of video as a vital form of contemporary art, and in so doing has helped to greatly expand its scope in terms of technology, content, and historical reach. This show is up till December 23rd at James Cohan Gallery

If you’ve been wondering where trailerpilot has been lately, there are two answers: New York City and working like a dog.

Noodles at Super Taste Restaurant.

My annual late-summer NYC vaykay was pushed back this year due to an unusually-crazy late-summer. A good friend was celebrating her thirtieth and I was long overdue for a visit so off we went. Thursday ruled — I got my Quickly cakes and Super Taste hand-pulled noodles right off the bat — but Friday got off to a rough start as I was robbed by a pickpocket after midnight, who took me for a wad of cash, a monthly MetroCard, and my long-in-the-tooth-but-mightily-beloved G1. Much of the following day was spent with the thorough, kind, and accomodating Detective Young of New York’s 9th Precinct (a tip of the hat to you, sir!). Then, blah blah cancel blah suspend blah yadda claim claim yadda blah please hold, etc. Not the vacation-starter I had in mind.

I saw Temporary Distortion’s fun-to-say, less-to-watch Americana Kamikaze at PS 122, wishing most of the time the narrative and sequencing were as interesting as the production and set design (I want to see it again, exactly the same except with a different script). I saw the new David Hockney paintings at PaceWildenstein, which I tweeted as “Jim Woodring landscapes under Van Gogh skies in Paschke colors” and still feel that’s the best way to describe them, besides almost-overwhelmingly absorbing and inductive of an indescribable joy at the journey of existence.

David Hockney: Paintings 2006-2009 at PaceWildenstein Gallery, New York.

Bill Viola’s Bodies of Light show at James Cohan was also gorgeous and firmed up my goal of being more familiar with his ouevre — with screen resolution, color saturation and flexibility being where they are, technology is inventing an ever-more-perfect palette for his work. A few other shows in the ‘hood caught my eye as well, although I wasn’t overly ambitious on the art-scoping this time around. Walked the High Line from bottom to top — loved it — and ate delicious meals with some of my favorite people in the whole world.

Just before leaving, we were very fortunate to catch wind of, research, and score tickets to Taylor Mac’s The Lily’s Revenge at HERE. Of its many directors was Faye Driscoll, in charge of the dance-based third of its five acts — whiffs of her style as a choreographer for the stage were visible in a “dream ballet” the main characters’ Doppelgängers enact during the nearly-five-hour extravaganza, but more interesting was how she handled the integration of a movement-based subsection into a universe that also includes film, cabaret, musical theater, Midsummer-esque iambic pentameter, high drag, low drag and no drag. If you’re in or near the city between now and November 22, believe the hype and get a ticket.

Back to work.

di Cristiano de Majo

1. Avevo cominciato a interessarmi al caso MFX quando il video 2girls1cup (due ragazze una coppa) aveva travalicato i confini degli appassionati di coprofilia diffondendosi in modo virale come spettacolo di massa e alimentando il chiacchiericcio sulla rete, la curiosità delle comunità virtuali, tutto un catalogo di reazioni a quella che sembrava un’esperienza inedita ed estrema nel campo del visibile. Nel video, che è in realtà un trailer del film Hungry Bitches (puttane affamate), due ragazze, una bionda e una mora, iniziano a baciarsi e a toccarsi in una stanza. Sembrerebbe l’inizio di una canonica scena lesbo, ma questa normalità – il già visto – subisce una deviazione inaspettata quando l’inquadratura mostra una delle due, la bionda, defecare in un bicchiere – la coppa del titolo – tenuto in mano dalla mora. Il risultato è perfetto e plastico come un sundae di McDonald’s e, come un gelato, il prodotto viene leccato e mangiato, prima dall’una, poi dall’altra, le quali con un coraggio da leoni si baciano con le bocche tutte sporche, scambiandosi da bocca a bocca resti del prodotto, per arrivare infine alla scena in cui ultra-disgustate vomitano sul prodotto, ma non contente, e, con tutta evidenza, imbeccate dal regista, ricominciano a leccare il prodotto ormai ricoperto del loro stesso vomito per concludere con reciproche vomitate – una nella bocca dell’altra – a ripetizione.
Il video – anche se non si capisce perché proprio questo tra gli altri – ha improvvisamente goduto di una diffusione capillare, ed è arrivato nelle case di molti, generando un intero catalogo di reazioni reperibili su Youtube, laddove il video vero e proprio non viene – e come potrebbe essere? – mostrato, ma soltanto guardato da persone, per lo più ragazzi, che nel frattempo, mentre stanno guardando, si autoriprendono con la loro webcam, registrando in diretta e a beneficio di altri spettatori, le reazioni di disgusto e incredulità e indignazione e divertimento che questi tre minuti di trailer provocano sui loro muscoli facciali. Un po’ come il videoartista Bill Viola che nel progetto Reverse Television riprende persone, tutte immobili o in uno stato catatonico, nell’atto di guardare la televisione, quasi che lo schermo invece di essere guardato guardasse chi lo guarda, o come Thomas Struth, che nella serie Museum Photographs immortala folle di visitatori davanti ai capolavori dell’arte, questa specie di opera d’arte collettiva, per quanto in una chiave decisamente goliardica, coglie perfettamente il punto della questione: le persone che vengono guardate dentro non sono soltanto i soggetti – gli attori – di questi quadri naturalistici, che volontariamente sottopongono i loro corpi al regime dello spettacolo, ma anche noi – noi che guardiamo – veniamo a nostra volta guardati dentro, indagati e radiografati attraverso le emozioni che proviamo.
Non era stato difficile trovare il sito della MFX, la casa di produzione brasiliana dei video con merda e vomito e ricostruire quella storia di amore e squallore. Dopo la diffusione su scala globale – sfuggita come pare allo stesso controllo dei produttori – Marco Fiorito italo-brasiliano fondatore e proprietario della factory – le sue iniziali M F aggiunte a una X costituiscono la sigla della società – aveva dovuto fronteggiare una serie di grane legali non da poco. Negli Stati Uniti, terra promessa di tutte le finzioni, i video MFX erano stati banditi e Danilo Croce – un altro brasiliano di origini italiane che figurava come il distributore ufficiale della compagnia in America – era stato costretto a patteggiare una condanna di tre anni con multa di 98.000 dollari. A quanto leggevo, nel processo la difesa aveva orientato la propria strategia sull’impossibilità di dimostrare che quelle che sembravano feci fossero effettivamente feci e non, come Marco Fiorito sosteneva, cioccolata. Dunque il processo si era indicativamente imperniato su una discussione – un contraddittorio – tra vero e falso, con i produttori che avevano cercato di scagionarsi in tutti i modi dall’accusa di essere stati troppo veri.
In cerca di ulteriori indizi, avevo passato alcune ore sul sito della casa di produzione brasiliana, ricavando un consistente catalogo di perversioni – merda, orina, sputo, vomito, calpestare, lotta, scoregge, leggevo nella lista delle categorie disponibili, tradotta in italiano con un qualche genere di programma automatico – un catalogo che dimostrava l’esistenza di una pornografia in cui il sesso era quasi o del tutto assente.
C’è una scena in Troppi paradisi di Walter Siti in cui il protagonista – lo stesso Walter Siti – guarda un porno cercando di cogliere negli spasmi involontari del corpo – un piede che si inarca – un nucleo di verità, il reale sentimento, altrimenti insondabile, che l’attrice femminile ha provato sul set. Ecco, i video MFX sembrano ispirati proprio da questa considerazione. Il grado massimo della pornografia non è lo svelamento dell’atto sessuale nel suo dettaglio più intimo, ma la registrazione di un sentimento reale – in molti di questi casi un sentimento di umiliazione e disgusto profondo e dolore – che proprio per la sua caratteristica di verità genera nello spettatore un brivido di piacere e onnipotenza. Da un punto di vista concettuale, i video MFX – video in cui uomini o, più spesso, donne, vengono ricoperti di vomito, feci, urina, sputi – non hanno nessuna differenza con uno snuff movie, se non quella di evitare la morte dell’attore. Sono registrazioni di dolore – di un doloroso disgusto – in presa diretta che cercano di soddisfare la nostra domanda di carne.

2. Nel programma più odiato e allo stesso tempo amato della televisione, Uomini & Donne, che da diversi anni mantiene stabilmente il primato di ascolti nella fascia pomeridiana, con medie che si avvicinano al 30% di share, quaranta, cinquanta ragazze (o ragazzi) precedentemente scremate da una lunga trafila di casting – le corteggiatrici (o i corteggiatori) – vengono chiamate in studio per un appuntamento al buio. Di regola, è questo l’inizio di un trono, vale a dire un ciclo di puntate in cui uno o due tronisti (o troniste) entro un certo periodo di tempo – tre mesi – devono scegliere la compagna (o il compagno) della loro vita. In studio le corteggiatrici devono presentarsi e fare in modo di farsi notare portando regali, dedicando canzoni, molto più frequentemente innescando violentissime polemiche con le loro rivali. In questo modo il tronista può notarle e decidere di portarle in esterna, che sarebbe un appuntamento fuori dallo studio, ma sempre al seguito di una troupe televisiva, che serve allo scopo di conoscersi meglio, e spesso, di baciarsi. Progressivamente il tronista elimina le corteggiatrici fino a lasciarne tre o quattro per la dichiarazione finale, quando dopo mesi di litigi, baci, smascheramenti dirà finalmente: «Ho scelto te». Un momento conclusivo definito appunto la scelta che non sempre si risolve in un happy end, dal momento che la corteggiatrice (o il corteggiatore) ha sempre la possibilità di esprimere un rifiuto, che generalmente corrisponde alla tacita ammissione di aver finto di essere interessata al tronista per tutta la durata del suo trono. Il programma ha subito un’evoluzione nel corso del tempo e mentre all’inizio era effettivamente una filiazione ancora piuttosto ingenua della vecchia idea di Agenzia matrimoniale – programma guarda caso condotto da un’altra delle mogli di Maurizio Costanzo, tale Marta Flavi, e trasmesso nella stessa fascia oraria – ora, soprattutto dopo l’esplosione del personaggio Costantino e di altri personaggi, si è trasformato in un laboratorio di corpi televisivi e viene utilizzato dagli aspiranti personaggi per entrare nel mondo dello spettacolo da una delle porte principali, obiettivo che confligge chiaramente con quello che dovrebbe essere il sentimento ispiratore del programma: l’innamoramento. Quest’evoluzione in senso spettacolare avrebbe in qualche modo minato la credibilità del programma, perché il pubblico è portato naturalmente a chiedersi e si chiede: se queste persone sono qui per sfondare nello spettacolo che attendibilità avranno le storie d’amore di cui si renderanno protagonisti? Se non fosse che per ovviare a questo inconveniente non da poco, invece di nascondere il problema, Maria De Filippi e i suoi sgherri, che vengono collettivamente indicati come la redazione, hanno intelligentemente fatto in modo che il discorso sulla credibilità diventasse il fulcro stesso del programma. Di qui il dubbio, che a regola d’arte viene di volta in volta sollevato sui corteggiatori ma anche sui tronisti, che essi non stiano partecipando al programma per trovare l’uomo o la donna della loro vita, ma per le telecamere. (Notare il geniale paradosso: si fa un programma televisivo dove si costruiscono personaggi della televisione e poi si criticano quei partecipanti che sono lì per le telecamere.) Ma chiaramente il discorso è funzionale a quella specie di realismo fittizio che si vuole costruire e in mano alla regia occulta della trasmissione, che poi si traduce nella demoniaca capacità di Maria De Filippi di manipolare gli esseri umani senza passare per manipolatrice, si delineano così due specie di partecipanti/personaggi: da un lato sinceri e potenziali fidanzati, i veri, dall’altro opportunisti cercatori di notorietà, i finti, che generalmente sono trattati con sdegno da Maria e dal pubblico, sia pure tutti indistintamente si trovino sotto l’occhio delle telecamere e tutti indistintamente siano interessati ad apparire in televisione, perché la televisione è quello che questi ragazzi e ragazze senza arte né parte vogliono fare, il luogo sintetico in cui vorrebbero trasmigrare. Lungi dall’interpretare un sentimento reale, la distinzione amore sincero/amore interessato si basa allora sulla capacità di queste persone di essere sufficientemente televisive. Chi riesce a emergere – il/la tronista che sfonda e diventa famoso/a – oltre a certe indubbie doti fisiche, deve infatti essere in grado di dissimulare il proprio desiderio di apparire davanti alle telecamere e risultare il più naturale possibile, deve in altri termini essere televisivo, perché solo così – altro paradosso – la sua storia d’amore assomiglierà a una vera storia d’amore. Da cui si evince che Uomini & Donne non è tanto un programma sull’amore, quanto un concept sulla televisione stessa, su chi la può fare e su come si fa. A dimostrazione di questo, una delle principali regole etiche del programma – una regola che viene evocata sempre dal pubblico in studio e non da Maria che è troppo intelligente per esporsi in prima persona nella definizione dei confini – è il rispetto per la trasmissione. Avere rispetto per la trasmissione significa che i tronisti e i corteggiatori sono formalmente liberi di comportarsi come vogliono, ma non possono avanzare dubbi sulla veridicità del programma, né mentire alla redazione su aspetti considerati essenziali della loro vita privata, anche perché la stessa redazione si avvale di un apparato che, per capacità di infiltrazione e spregiudicatezza delatoria, ricorda molto da vicino la Stasi e quindi è molto difficile che una menzogna possa resistere per tutta la durata di un trono. C’è tutta una casistica di corteggiatori e tronisti che non hanno avuto rispetto per la trasmissione e per questo sono stati sanzionati in vario modo, a seconda della colpa di cui si erano macchiati, fino all’espulsione dal programma: ragazze che corteggiavano nonostante fossero già fidanzate da dieci anni; ragazzi che alzavano la mano per dire che insomma alcuni corteggiatori erano favoriti o sponsorizzati o godevano della spintarella di un agente famoso (quasi sempre Lele Mora); ragazze che avevano un figlio, ma lo tenevano nascosto; ragazzi che venivano seguiti segretamente fino in discoteca o sulla soglia di casa, laddove si scopriva che non avevano tenuto nella giusta considerazione quella specie di voto di castità che Maria De Filippi chiede a tronisti e corteggiatori; più semplicemente, ragazzi e ragazze che si davano appuntamento fuori dal programma, in una richiesta di realtà continuamente frustrata. La conclusione di tutto questo è che in Uomini & Donne l’amore, quello potenzialmente vero, viene sempre sbugiardato, perché amare qualcuno fuori dal programma significa non avere rispetto per la trasmissione. Una formula che in certi casi viene emblematicamente condensata da una voce sguaiata che si leva dal pubblico e urla: «Qui c’è gente che lavora».
Di regola lo smascheramento dei finti avviene attraverso un altro topos: la segnalazione, uno strumento di delazione, messo a disposizione del pubblico, che rende ancora più incerti i confini tra realtà e irrealtà. Succede spesso, infatti, che spontaneamente qualcuno da casa chiami la redazione per segnalare un comportamento scorretto o una situazione che riguarda il tronista, o più spesso, il corteggiatore. La telefonata viene poi ripetuta nel corso della registrazione, quando il delatore, dopo aver premesso che stima moltissimo Maria De Filippi e crede nel programma e ha un grande rispetto per la trasmissione, racconta di aver visto il tronista/corteggiatore in una situazione equivoca, abbracciato a qualcuno in discoteca per esempio, ovvero è a conoscenza di tutta una serie di aspetti della sua vita privata che non sono ancora venuti alla luce; ricorre con una certa frequenza anche la delazione a opera del diretto interessato, come il fidanzato che telefona alla redazione per avvisare che quella corteggiatrice che si sta facendo strada nelle simpatie del tronista è in realtà la sua fidanzata da cinque anni e lui è piuttosto stufo delle sue ambizioni televisive, e l’aveva avvisata che, se non fosse andata via dal programma, avrebbe fatto una segnalazione. E insomma, succede – ancora paradossalmente – che tutte le discussioni intorno alla credibilità del programma e dei suoi protagonisti, poiché vengono portate alla luce, poiché appunto se ne discute, servono a restituire credibilità al programma stesso, e questo anche a causa del continuo scambio di fluidi tra realtà e irrealtà, fuori e dentro il programma – la segnalazione, l’esterna, il pubblico come voce del popolo, le telecamere che seguono la coppia ormai formata durante il viaggio di fidanzamento – che Maria De Filippi ricerca come elisir della sua idea di televisione reale.
Ma il vero miracolo di Uomini & Donne è che durante o alla fine del trono certe persone, certe coppie s’innamorano davvero. Anche se in tutti continua a rimanere il dubbio che quelle persone continuino a stare insieme per le telecamere – un’espressione che in questo caso indica genericamente un certo grado di esposizione al sistema dei media, essendo la coppia uscita da Uomini & Donne ormai istituzionalizzata come personaggio e quindi ricercata dai giornali scandalistici e invitata per le cosiddette ospitate – c’è gente che attraverso Uomini & Donne si è sposata, o ha addirittura fatto un figlio. Questo, io credo, non dimostra tanto la possibilità dell’esistenza dell’amore televisivo, né il fatto, come spesso viene sostenuto all’interno del programma, che queste persone s’innamorino più che dell’essere umano che hanno di fronte, del contesto – un’altra parola che ricorre nel vocabolario dei tronisti – questo dimostra piuttosto la mostruosa potenza del meccanismo messo in piedi da Maria De Filippi. Noi, il pubblico, vogliamo guardare dentro le persone e, in certi casi particolarmente fortunati, ci sono persone che riescono a innamorarsi per il pubblico, finendo per trasformare la loro vita – il vero – in una stabile conseguenza del falso.

©Cristiano de Majo

(http://on1.zkm.de/zkm/stories/storyreader$587)

©Samara Croci

Questa domenica sono andata a vedere la mostra “Lagrimas de eros” al museo Thyssen di Madrid. Ci sono 120 opere esposte per raccontare l’eros e i suoi risvolti nell’arte religiosa e non. La mostra prende il nome dal libretto di uno dei più grandi esperti sull’argomento: George Bataille.

Ma che cos’è l’eros e quali altri temi sono relazionati? In realtà l’eros, un po’ come il tema della morte. Sono due di quei pochi argomenti che fagocitano quasi tutto. Ogni cosa sembra relazionata con questi grandi temi trasversali e ogni comportamento umano sembra inspiegabile se non si mette in relazione con queste due entità, che in questa mostra, si fondono insieme: eros e thanatos.

Secondo un bellissimo articolo di Mario Vargas Llosa, uscito proprio domenica 1 su El Pais, l’eros rappresenta il momento culminante e risolutivo di quel conflitto che da sempre oppone natura e cultura. Da un lato abbiamo appunto la cultura e le caratteristiche dell’essere umano, e dall’altra, l’istinto animale, l’indole irrazionale e distruttiva di thanatos. L’eros ha saputo tenere a bada l’istinto animale e trasformare l’atto sessuale in qualcosa di più creativo, di condiviso, qualcosa che diventa opera d’arte grazie ai rituali, ai dettagli e alle piccole raffinatezze. Ed ecco come nascono tutte queste opere d’arte. Però la verità è che le opere non sono erotiche in sé. E’ anche lo sguardo a renderle tali, perché l’erotismo non è qualcosa che etichetta per sempre e inequivocabilmente. L’erotismo nasce nello sguardo dello spettatore su una cosa o una persona. Di qui, la convinzione che anche una donna o un uomo “brutti” (perché non rispettano i canoni della bellezza perfetta), possano essere erotici. Siamo noi che erotizziamo la realtà ed è per questo che l’idea di erotismo così come l’atteggiamento nei confronti della morte, sono grandi temi che se analizzati ci restituiscono una storia della nostra civiltà che si evolve, che cambia i suoi costumi e che investe di significati differenti, oggetti ogni volta diversi.

©Samara Croci

La mostra inizia logicamente dalla base dell’erotismo che è quell’equilibrio così precario tra tabù e trasgressione. Secondo Bataille, la proibizione illumina ciò che è proibito, con una luce che è insieme sinistra e divina, una luce religiosa. Di qui la sua convinzione che la battaglia tra eros e thanatos si spieghi solo alla luce del sacro, dell’arte religiosa e dei miti rappresentati nell’arte.

Per questo tutta la mostra è organizzata in forma di percorso attraverso i grandi miti di cui si è servita l’arte erotica. Inoltre, il percorso è pensato per essere un’evoluzione o, involuzione, nella spirale degenerativa dell’eros.

©Samara Croci

Iniziamo con l’INNOCENZA, tra le onde del mare, nella spuma, da cui nasce, vergine, la bella e intoccata Venere, la cui forza erotica è legata proprio alla purezza, alla possibilità di macchiarla e di trasgredirla. Si passa allora alla TENTAZIONE. Qui è forte la proibizione e il rischio di trasgredirla che ben conosce Sant’Antonio, ritiratosi ventenne nel deserto come eremita, e che viene tentato dal maligno con, tra le altre cose, una bellissima donna nuda. Ma altre immagini di tentazioni vengono dalle numerose rappresentazioni delle Sirene e delle Sfingi, figure duplici tra l’animalesco e l’umano, mostri in grado di portare gli uomini alla follia. La tentazione, sfocia allora nel SUPLIZIO DELLA PASSIONE, il momento in cui è più visibile il sacrificio insito nella tentazione e la violenza dell’erotismo, che diventa dominazione e sottomissione con le figure mitiche di San Sebastiano trafitto dalle frecce e di Andromeda, offerta al mostro marino ed incatenata in mezzo ai flutti.

La mostra poi sembra darci una tregua più pacifica. Arriviamo alle delizie della COPPIA, un duo che si fonde in una cosa sola. Ma in realtà, questa fusione implica una violenza, che sfocia nella passione cannibale e vampiresca del “divorare l’altro” per fondersi totalmente.

©Samara Croci

In ultimo, tocchiamo il punto più cupo dell’arte erotica. Oggetto dell’erotismo, diventano, infatti, i corpi morti, che scatenano grande attrazione. Esemplari sono i casi delle commoventi scene di Apollo disperato per aver ucciso, per sbaglio, il suo amato Giacinto o quelle del pastore Endimione condannato ad un eterno sonno dalla bella Venere che vuole rimanere ad ammirarlo eternamente. Infine, simboli per eccellenza, sono i corpi inerti, ma pieni di potenza erotica, di Cleopatra e di Ofelia, le belle suicide che giacciono immobili a beneficio del voyeur, che può infine godere indisturbato della loro bellezza.

©Samara Croci

E qui finisce il percorso, ma merita accennare anche ad una piccola riflessione sull’acqua, che così dolcemente abbraccia la bella Ofelia. Dall’acqua, è iniziato il nostro percorso con Venere, e nell’acqua termina, con l’amata di Shakespeare. L’acqua è la materia prima dell’erotismo, così come della vita stessa, come ben si apprezza dal video di Bill Viola: “Incarnation”. Una coppia, nuda, avanza in un ambiente di interferenze, verso di noi. Poi ad un tratto passa una barriera, che presto si scopre essere una cascata d’acqua e luce. Lentamente e impauriti, i due amanti passano la barriera d’acqua e si guardano intorno. Lei, all’inizio più timorosa di lui, è quella che per più tempo è attratta da questa nuova realtà, è curiosa, guarda fiera verso di noi, verso la realtà. Lui invece, da coraggioso esploratore, si tramuta improvvisamente in un ometto impaurito e trascina prontamente indietro anche la donna. Lei sembra opporre un po’ di resistenza, ma poi torna indietro, oltre la cascata, nel mondo delle interferenze.

Non so se l’opera di Bill Viola rappresenti parte di quell’arte moderna dell’eros che Vargas Llosa tanto disprezza nel suo articolo. A me quest’opera sull’incarnazione è piaciuta, anche se, è vero che si distanziava un po’ dal tema dell’erotismo. Sono d’accordo con Vargas Llosa che malgrado gli sforzi del curatore, l’arte moderna dimostra di mancare di quell’erotismo tanto sottile che c’era ancora fino ai primi del ‘900. La spiegazione di Llosa è che la modernità, eliminando gradualmente i freni e le censure, ha annullato anche la trasgressione dell’eros, banalizzandolo, portandolo sull’arena della quotidianità, sulla piazza pubblica. E la banalizzazione dell’eros, ha fatto sì che emergesse il suo lato più volgare, ha lasciato via libera all’istinto animale che per anni era stato imbrigliato dalle proibizioni ma che, proprio per questo, ci aveva spinti a sfruttare la creatività come arma per superare ogni tabù. L’erotismo quindi, non sembra poter esistere senza la trasgressione. Ricordo una battuta di qualche filmetto di amori adolescenziali in cui un’amica diceva all’altra che il 50% del bello del sesso era parlare di sesso. Ed effettivamente, questa è una componente forte soprattutto agli inizi, durante l’adolescenza, quando si comincia a parlare di qualcosa di cui non si potrebbe parlare, di un tabù. Oggi invece, di sesso si parla ovunque e quando Vargas Llosa cita il fatto che l’eros sia arrivato nella piazza pubblica, non posso fare a meno di pensare alla tv italiana. Ci si può quindi ancora emozionare per l’infrazione del tabù di parlare di sesso alle amiche? Forse no, forse è uno dei tanti argomenti quotidiani e noiosi che siamo stufi di vederci propinare attivamente o passivamente dalla pubblicità e dalla tv. Mi ricordo anche di un intervento ascoltato ultimamente al festival di Internazionale, dove interveniva la regista iraniana, Firouzeh Khosrovani, e raccontava come a lei piacessero molto di più le feste dei giovani a Theran perché essendo tutto proibito, l’evento diventa più eccitante, più trasgressivo e c’era la costante tensione dell’essere scoperti.

©Samara Croci

Un’ultima nota la dedico ad un fatto che mi ha lasciata un po’ dubbiosa. Dopo aver visto la mostra presso il Thyssen sono uscita arrabbiata per il fatto che, a parte una statua e poco più, tutte le altre opere d’arte rappresentavano corpi di donne o nel caso di San Sebastiano, un uomo simbolo dell’amore gay. Infastidita, mi chiedevo se la spiegazione fosse che noi donne non eravamo considerate meritevoli di contemplare dei corpi erotici di uomini o se forse, era stata una scelta un po’ limitata del curatore. O forse, il fatto che nella storia gli artisti siano stati sempre più uomini che donne, ha fatto si che il corpo della donna fosse maggiormente rappresentato. Solo visitando l’altra parte della mostra, quella che si trova presso il palazzo della Fondazione Caja Madrid vicino a Callao (peraltro gratuita), mi sono tirata un po’ su di morale, e non per il video di Beckam che dorme, ma per i bei quadri e le statue di Endmione, il pastore amato da Venere. E finalmente, anche il nostro eros di donne, ha potuto avere delle soddisfazioni, dopo essere state private di San Sebastiano e di Giacinto, entrambi simboli dell’arte erotica omosessuale. Rimane in ogni caso il mio dubbio sulla minor presenza di arte erotica dedicata alle donne. Propendo però per una leggerezza del curatore, perché non posso fare a meno di ricordare alcune bellissime sculture di guerrieri ed eroi mitici, che sono custodite per esempio in Italia, sparse per i vari musei. Ricordo inoltre una scena bellissima del film Orgoglio e pregiudizio di Joe Wright. Il film finisce senza neppure un bacio tra i due amati, solo carezze caste e sguardi. Eppure, la passione non manca. Il regista decide di esprimerla con le stesse limitazioni che aveva avuto Jane Austen nei primi dell’800: con il divieto di fare riferimento a qualunque scena di eros. Per questo, tutta la passione erotica, si concentra in due scene del film. La prima è quando la protagonista, Elizabeth Bennet, sogna di essere su una scogliera con il mare in tempesta e la natura in subbuglio. La seconda si svolge durante la sua visita alla casa di campagna di Mr. Darcy. La giovane, e ormai innamorata Elizabeth, si aggira silenziosa tra le statue di marmo bianco della galleria d’arte della villa. E’ estasiata, gira attorno ai corpi nudi, e noi con lei. La telecamera sfiora i solchi del marmo, gira intorno, si avvicina e si allontana, esita in alcuni punti. E vediamo la giovane Bennet quasi arrossire mentre, sicura e curiosa, avanza in esplorazione di quei corpi. E la visita termina con l’estasi di Elizabeth di fronte ad un busto del suo innamorato, Mr. Darcy. L’ultima scultura di Mr Darcy, serve solo per dare infine, un’immagine tangibile del destinatario e della causa di quella potenza erotica accumulata nelle immagini precedenti, tra le statue di marmo mollemente sdraiate. La scena, per me, è magistrale e, ricordarla, mi mette in pace con il pensiero che esista anche dell’arte erotica destinata alle donne.

©Samara Croci

Consiglio quindi vivamente la mostra, nelle sue due parti, al Thyssen (8 euro) e alla Fundación Caja Madrid (gratis). E’ curioso vedere la gente che qui a Madrid visita una mostra del genere. Io sono stata domenica, all’ora di pranzo ed era pieno di bambini con i genitori e di tante vecchiette che passavano curiose tra queste immagini erotiche e borbottavano divertite quando nei cartelli espositivi si paragonava l’orgasmo alla “piccola morte”. Ci sarebbe stato lo stesso pubblico per esempio a Milano? E sarebbe costata anche lì 8 euro, prezzo pieno e 5, ridotto, con una metà della mostra in una sede (Caja Madrid) che sempre offre entrata gratuita? Lo dudo mucho.

Samara Croci

Microsite del Thyssen sulla mostra http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2009/Lagrimas-de-Eros/

L’articolo de  El Pais di Mario Vargas Llosa http://www.elpais.com/articulo/opinion/desaparicion/erotismo/elpepiopi/20091101elpepiopi_12/Tes

Video di Bill Viola simile a quello citato come trattamento video http://www.youtube.com/watch?v=eTakwOpWqG4

Il frammento a cui mi riferisco di Orgoglio e Pregiudizio di Joe Wright http://www.youtube.com/watch?v=zBdsr3cFnBU

Le foto non sono di opere della mostra, sono foto fatte da me presso il museo d’arte di Bogotà (Colombia). Altre sono scattate presso l’hotel Art Suite di Bogotà.

<<<<<<<Lugares que merece la pena visitar en Madrid>>>>>>>

(referidos por categorías

-y sin ningún orden en particular-):

a) arte contemporáneo (de vanguardia):

No se pierda la última tendencia del arte español de vanguardia: acciones artísticas efímeras que tienen lugar todos los fines de semana en la capital.

Muchos jóvenes creadores, en especial los más inquietos de la villa y corte ya la practican con asiduidad y destreza.

Le recomendamos que se pase el viernes por la mañana por los aledaños del edificio de Alumnos de la Universidad Complutense (metro Ciudad Universitaria).

b) Urban art:

Las reivindicaciones feministas más transgresoras las encontrará en la Calle Olavide (distrito de Malasaña).

c) arte museístico:

De entre las exposiciones que albergan los museos y centros de arte de la capital en estos momentos, le recomendados dos:

c.1) La muestra temporal “Lágrimas de Eros”, en el museo Thyssen-Bornemisza [Paseo del Prado, 8] (hasta el 31 de Enero de 2010).

No le defraudarán las tres piezas que se exhiben del prestigioso artista del videoarte Bill Viola.

c. 2) La inquietante y genial instalación que el griego Jannis Kounelis ha creado expresamente para el espacio Abierto x Obras, en el Centro de Creación Contemporánea El Matadero de Madrid (Paseo de la Chopera, 14 -Distrito Legazpi-).

d) arte sacro:

Para los que gusten de la mística o el fetiche, recomendamos la Parroquia del Padre Jesús de Medinaceli. Declarada Basílica menor por Pablo VI en 1973.

La imagen del Cristo que alberga la basílica es del siglo XVII, tallada en Sevilla, y mide 1´73 cm. Es la más venerada por los madrileños.

Se dice que posee cualidades milagrosas.

No deje que la gripe A le frustre el beso a los pies del cristo.

e) arte natural:

No se pierda la vista de la luna llena con el cielo despejado, a la caída de la tarde, sobre el Hotel Westin Palace (plaza de las cortes, 7).

f) actuaciones artísticas en el entorno urbano:

Dedíquese unas horas del día a pasear por el centro y verá actuaciones artísticas que le sorprenderán en cada esquina. Seguro no le defraudará la experiencia.

g) arte (neo)folclórico:

Un nuevo espectáculo que mezcla la zarzuela con los más trepidantes ritmos sucios del punk [Zarzuelapunk (esponsorizado por Nokia)]

Por el momento -y hasta que no firmen 50.000 personas en su web- no hay actuaciones en directo.

g) arte filosófico

No deje de visitar la mítica farmacia del licenciado Deleuze, sita. en la calle San Bernardo, 39.

h) arte libresco:

Le recomendamos en especial tres librerias:

h.1) Arrebato Libros (libros de lance).

La encontrará en la calle La Palma, 21.

h. 2) la ya clásica librería Antonio Machado (del Círculo de Bellas Artes). Puede visitarla en C/ Marques de Casa Riera, 2.

h. 3) la librería especializada en relato Tres Rosas Amarillas

(Calle San Vicente Ferrer, 34).

h.4) las mañanas del fin de semana encontrará también el visitante puestos al aire libre de libros de viejo, vinilos, pósters y camisetas en la plaza del dos de Mayo (distrito de Malasaña)

i) arte de ejercitar la vida de artista en los bares

Ya conoce el dicho: “Donde ver y dejarse ver…”

i.1) Si le apetecen unas tapas, vaya sin pensarlo a Ladrón de Tinta (sus mejillones a la marinera son deliciosos). Lo encontrará en el número 2 de la calle de Noviciado.

i.2) Si, por contra, prefiere un café o una copa, o acaso busca un lugar donde poder escribir o leer a gusto, el bar más in de la capital sigue siendo el Pepe Botella, en la Calle de San Andrés, 12 (enfrente de la Plaza del dos de Mayo)

j)  arte de la pereza

Para cuando ya no le queden más fuerzas, le recomendamos que descanse en el mismo Aeropuerto de Madrid.

Quizá esto el resulte extraño y piense Vd. que mejor opción sería un hotel, pero tóme en cuenta que, dentro de nada, será el único lugar público de la capital donde estará permitido fumar.

]]> http://rainfall8.wordpress.com/2009/10/30/friday-night-gallery-chat-returns-viola-and-paik/ Fri, 30 Oct 2009 21:47:22 +0000 BJ Halliday Crawley http://rainfall8.wordpress.com/2009/10/30/friday-night-gallery-chat-returns-viola-and-paik/

” A Pale Green Mermaid Blog”

Good evening ,when I last left you we were discussing the work of Bill Viola and Nam June Paik – hopefully you have attempted to form an opinion on what you think is the crux of their work.

Video installation for Nam June Paik and Media/Installation for Bill Viola.

Nam June Paik is an interesting artist and always has a new idea or concept for his work, the elements are disparate and symbolic.  There is a tinge of spirituality to his work  mixed with reflection.

here is another example,

Image from wikipedia

From Wikipedia

Nam June Paik (July 20, 1932 – January 29, 2006) was a Korean-born American artist. He worked with a variety of media and is considered to be the first video artist.^[1] He may have been the author of the phrase “Information Superhighway”, which, according to his own account, he used in a Rockefeller Foundation paper in 1974^[2].

Nam June Paik
The picture was taken by Lim Young-kyun in 1983 while Nam June Paik was in New York City
Korean name
Hangul	백남준
Hanja	白南準
Revised Romanization	class=”hiddenSpellError” pre=”">Baek Nam-jun
McCune–Reischauer

Bill Viola was more of a straight contemporary artist for whom process was more important than the art, by that I mean- the actual engagement  with the medium, the working on the piece was more important to him than the end result. 

Sometimes in art the underlying meaning to the artist and the viewer is more significant than the piece itself.

Art is not a simple thing there are many layered interpretations, if it is done well…

an example,

From Wikipedia,

Bill Viola (born United States of America, 1951) is a contemporary video artist. Viola is considered a leading figure in the generation of artists whose artistic expression depends upon electronic sound and image technology New Media.^[1]

Have a pizza ladened night!

I know I am going to stuff myself silly!

LÁGRIMAS DE EROS
Del 20 de Octubre del 2009 al 31 de Enero de 2010

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid reciben el otoño con la que es su primera gran exposición de la temporada, “Lágrimas de Eros”, una gran muestra dedicada al lado oscuro del deseo sexual.

Un escaparate integrado por 119 obras en la que los maestros antiguos conviven con los artistas contemporáneos para mostranos y transmitirnos los tormentos y laberintos de la pasión en diferentes formatos. Desde lienzos de Paul Cezanne o  Gustave Courbet, a fotografías de grandes mitos como Andy Warhol, pasando por las esculturas de Auguste Rodin o el vídeoarte del estadounidense Bill Viola.

La exposición ha tomado prestado el título del último libro publicado en vida por Georges Bataille, “Les armes de Eros” (1961), una obra en la que el autor indagaba en la conexión entre la pulsión sexual y el instinto de muerte.

Esta muestra “sin precedentes” y arriesgada”, en palabras del director del Museo Thyssen, Guillermo Solana, aborda cómo el mundo del arte ha plasmado la íntima relación entre Eros y Tánatos, entre la pulsión sexual y la muerte. Dos figuras que “íntimamente han comprometido a la humanidad” y a las que ha recurrido Solana para organizar una exhibición que pudiera llegar a todo el mundo.

Y el cuerpo que dará vida a esta idea son un conjunto de obras que cubren el amplio espectro de todo eso a lo que llamamos deseo, sin hacer feos a ninguna orientación. El voyeurismo y el exhibicionismo, el bondage y el sadomasoquismo, los diveros fetichismos, lo hetero y lo homo, la mirada masculina y la femenina, etc. a la vista de todos. Un extenso catálogo que confiere a esta exhibicón un carácter que el propio museo Thyssen ha calificado de “carácter total y pansexual”. “Lágrimas de Eros” nada ente pinturas, esculturas, y como novedad, entre fotografías y vídeos.

El recorrido de la muestra, con clásicos como Delacroix, Ingres o Rodin, nos lleva desde el romanticismo al simbolismo, y de éste al surrealismo y  a los autores contemporáneos como Louise Burgeois, Robert Mapplethorpe, Nan Golding  o el videoartista Bill Viola. El paseo por las salas de la Fundación Thyssen también propicia saltos atrás, flashbacks artísticos hacia el Renacimietno y el Barroco.

Un completo paseo por el mito de Eros y su simbología

Un gran repertorio de los mitos de Eros, y su pervivencia hasta nuestros días, que los visitantes de la muestra verán reflejados a través de las diversas épocas y medios artísticos. Un intenso recorrido por el deseo y todos sus símbolos, las lágrimas, la ola y la espuma del mar, la cabellera o la serpientes, que el museo ha organizado de forma temática en las diferentes salas de su sede y de la Fundación Caja Madrid.

Así esta particular ruta del deseo arranca en una primera sala dedicada al nacimiento de Venus, con delicatessen como la famosa fotografía de Man Ray, “Las lágrimas”, o la “Venus” de  Amaury Duval. 

Caras conocidas y Beckham como Apolo dormido

El siguiente paso nos encamina a un conjunto de obras centradas en “Eva y la serpiente”, con rostros famosos como el de Rachel Weisz fotografíada por James White, o el de Nastassja Kinski en el objetivo de Richard Avedon. 

Sucesivos espacios ocupados por obras bajo epígrafes tan sugerentes como  ”Esfinges y sirenas”, “El beso”, “Andrómeda encadenada” o ”Cazadores de cabezas”, completan esta exhustiva mirada sobre el concepto de  la pasión en la que no falta uno de los hombres más deseados, David Beckham. Todos tendremos la oportunidad de verle dormido, durante una hora, en un vídeo del artista Sam Taylor-Woody filmado en un hotel madrileño en 2004.

Leído en rtve.es

‘Information is in a way the opposite of garbage, although in our contemporary  commercialized world they may at times appear identical.’ For anyone who has been subjected to relentless spamming and advertising on a daily basis, this notion would ring true. It appears than any information while being taken in is ultimately open to being discarded as garbage unless value can be determined within in eventually. I personally find myself automatically withdrawn mentally from the television during commercial breaks. It’s almost as though I’ve been conditioned to take in only that which I wish as everything else is  an intrusion. I find this is the case with most art forms I encounter. The downside to this, as Viola mentions, is the loss of intake or rather investment in potentially beneficial information. Viola feels this is not unlike those ‘purist’ artists today that insist on working with only ‘video’ thus closing themselves off to a great deal of potentially valuable work done in other fields, notably film. Out of this concept comes the notion of perhaps being less selective with how much information we take for the fear of losing out to potentially beneficial mediums.

 ” A Pale Green Mermaid Blog “

Good Evening on this cold rainy day,

Tonight something different-

Below are 2 video artists.

(Video art is named after the video tape, which was most commonly used in the form’s early years, but before that artists had already been working on film, and with changes in technology Hard Disk, CD-ROM, DVD, and solid state are superseding the video tape as the carrier. Despite obvious parallels and relationships, video art is not film.  FROM WIKIPEDIA)

Look at the images and think about what they are trying to say…although it is just a section of the video one can still get a sense of the focus… then next Friday we will discuss the meaning that the artist was trying to convey.

 Here they are, have a cricket trapped in your house free night…grrrrr…!

Nam June Paik

Nam June Paik

Bill Viola

Another Bill Viola

IMAGES FROM Goggle

Absolute genius. We saw this in my photography class.

“Ocean Without a Shore is about the presence of the dead in our lives. The three stone altars in the church of San Gallo become portals for the passage of the dead to and from our world. Presented as a series of encounters at the intersection between life and death, the video sequence documents a succession of individuals slowly approaching out of darkness and moving into the light. Each person must then break through an invisible threshold of water and light in order to pass into the physical world. Once incarnate however, all beings realise that their presence is finite and so they must eventually turn away from material existence to return from where they came. The cycle repeats without end.

Bill Viola
25 May 2007
Text © Bill Viola 2007″

What an incredible execution of such an almost simple idea and it’s a wonderful use of old and new technology.

I think that The Catacombs in Paris would be a perfect setting for this. In “Des Catacombs” there are altars at different points of the tunnels and I think it would fit in nicely with how eerie the catacombs are but it would also act to counteract that feeling of creepiness if you actually thought about Viola’s concept.

Just as I’m typing in this I realised how perfect the catacombs would be, not only because of the Halloween approaching but also because the catacomb’s ceilings drip of water for whatever reason. It would be like an amazing art installation.

Videoclip de los japoneses Nujabes. Nos recuerda un poco a “Sient Mountain” de Bill Viola

EXHIBITION – artist: Bill Viola, location: James Cohan Gallery New York, date: 23.10.09 / current exhibitions at: James Cohan Gallery New York 2009. Artistinformation and biography-text from: Bill Viola James Cohan Gallery New York CATEGORY: art, modern art, projects: TEXTPORTRAITS Bill Viola by Ralph Ueltzhoeffer and Laura May. More information about Bill Viola Exhibition James Cohan Gallery New York, United States.

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Andy Warhol / Portrait (TEXTPORTRAIT).

textportraits by Ralph Ueltzhoeffer.

AKTUELLE AUSSTELLUNG: James Cohan Gallery New York; Künstler: Bill Viola; Betitelung: Bodies of Light – Zeitraum der Ausstellung: 23.10.09. Kunstausstellungen (USA) aktuell: James Cohan Gallery New York (2009). Weitere Informationen über: Bill Viola: Biografie/Biography — | Galerieninformationen/Gallery: Bill Viola — Weitere geplante Ausstellungen: James Cohan Gallery New York von Bill Viola — Bill Viola Kunstportal: Wikipedia (http://de.wikipedia.org). Mehr aktuelle Informationen über Bill Viola James Cohan Gallery New York.

Beitragsforum Kunst & Kultur allgemein:

Textportrait: Andy Warhol.

Textportraits – Ralph Ueltzhoeffer.