Lataa Ohjelma (MP3)

Eeppisen mittaisessa juhlajaksossamme esitellään uusi tunnari, palkitaan kommentoijia ja ennen kaikkea käydään läpi panelistien Top 10 suosikkielokuvat kautta aikojen. Mittaa jaksolle tosiaan venähti melkein kolme ja puoli tuntia, mutta älkää säikähtäkö. Annamme tämän kuunteluun kuuntelijoille muutaman viikon kuunteluaikaa ennen uusia jaksoja ja podcastia voi kuunnella vapaavalintaisissa osioissa.

Juhan Top 10 elokuvat:
- Modern Times
- Amélie
- Seven
- Pulp Fiction
- Á Bout de Souffle
- Apocalypse Now
- Dr. Strangelove
- Mies Vailla Menneisyyttä
- Annie Hall
- Requiem for a Dream

Henrikin Top 10 elokuvat:
- WALL-E
- The Great Dictator
- Metropolis
- The Incredibles
- Galaxy Quest
- Close Encounters of the Third Kind
- Manhattan Murder Mystery
- 2001: A Space Odyssey
- Star Trek: The Motion Picture
- Finding Nemo

Django and Emile, eating foods taken from garbage.

For me, Ratatouille is easily the best movie. This is Brad Bird’s best yet. Its plot is very simple, yet brilliant when it’s mixed up with the idea of a rat who got what it takes to be the best chef. I also fall in love with the animation. It’s fantastic. The objects texture, the drawings, the furs. Not to mention, the best angles and composition yet in an animation movie. It’s just so colorful, detailed and alive. I was like watching moving paintings, which is so full of art sense. Even you may be overwhelmed by just watching how the rat’s heart beats.

The story is one of the most original scripts. It’s very solid with humor that’s not pushed over the limit. It’s classic in many other ways. The character development is also one of the best in Pixar’s. The director once again succeeds to build characters that are gray, not the typical black or white characters as seen on many other children movies. And I’m personally in love with Remy! Remy is talk-active, smart, enthusiastic, passionate, perfectionist, but also a bit cocky, pushy, crafty.

Remy’s father, Django is against the idea of getting too close to humans. From his point of view, humans are dangerous. But Remy thinks the other way. Humans are interesting. “They create,” said Remy. Having the differences in opinions, Remy often has fights with his father. I still remember how Django warned Remy of how dangerous the human world is for rats.

Django: This is the way things are. You can’t change nature.
Remy: Change is nature, Dad. The part that we can influence. And it starts when we decide.

(This is the part when Remy turns to leave Django)

Django: Where are you going?
Remy: With luck, forward.

Remy’s so rich and natural in his character. For me, he’s also one of the best Disney’s character because of his heroic thing. There aren’t many Pixar’s movies who have the identical ideation as other previous Disney’s character, but Remy has it. From time to time, Disney’s characters always tend to be different and be something or someone that stands out in the crowd, and against all odds. And that idea of being different is brilliantly drawn in Remy, that I don’t see also being drawn that brilliantly in any other Pixar’s character (except maybe WALL-E).

Remy's watching Gusteau in TV, while holding a small jar of saffron. I love this frame so much cause it shows perfectly how much passion Remy has to create new things. It inspires me to do the best with my talents.

I also love Emile. He’s with his tummy is so cute. And speaking about cuteness, the rest of the rats are also very cute, with their tiny bright sparkling eyes. Yes, as I said, if you speak about the animation; the camera angle, the composition, the artworks of the movie are the best ones amongst all Pixar’s movies. It’s just so artistic and delightful.

The quality of the animation is well accompanied with the warming music from The Incredible and Up’s Michael Giacchino. Even besides, the sound editing is very good. All the characters seem to fit the voices. I love how Patton Oswalt voices Remy. Just perfect. Or how Ian Holm voices Skinner. Fantastic.

(The parts below contain spoilers)
But above all the praises, what I like most from the movie is the second half part of the movie which I think, excels in many ways. You are first offered the feel of happiness when Linguini officially owned the restaurant and fired Skinner. Then all of a sudden, there are lots of conflicts like when Remy couldn’t accept the fact that Linguini started to deny his capability, over Colette, Linguini’s girlfriend. It continued as when Remy brought the whole colony to steal foods, that made Linguini really disappointed and said harsh words to him and kicked him away out of the kitchen.

Remy and Linguini figuring out what way they can work together nicely making dishes.

All of the desperation continued when all the gourmet employees quitted their job when they think that Linguini was out of his mind for trusting a rat, and even Colette walked away from him. It’s all in the night when it was the most important night for them and Gusteau’s. Gladly, Colette is an important character so she’s brought back to the whole ending scenes, along with the movie essensial slogan “anyone can cook” which she had believed from the very beginning.

And after all the desperations, out of nowhere, Django gently spoke to Remy in a very fatherly way. And boom! This is the part I’m talking about. It’s when the rats colony get into the kitchen and help to cook. Wow! The feeling I got when watching this part is just overwhelming. Now I can see why they call themselves “a family” and am just so excited to see Remy walked around the kitchen and tasted all the sauces, the cookings and said words such as, “good, too many salt, good”. It’s just so entertaining and at the same time, inspiring. That part is also so hilariously funny, if not the funniest part of the movie. Like when the health inspector got tied up by the rats. LOL.

Linguini and Collette start getting into each other. This is the point where Remy starts to feel he's left behind.

And speaking about this part, it’s concluded with the best ending yet, when Remy cooks Ego ratatouille and afterwards, Ego makes a review about it. The review is really breath-taking.. It speaks about the morality of a critic itself which I think is really genius. How can you criticize a movie that’s concluded with something speaking about the work of a critic itself?

In many ways, the work of a critic is easy. We risk very little, yet enjoy a position over those who offer up their work and their selves to our judgment. We thrive on negative criticism, which is fun to write and to read. But the bitter truth we critics must face is that in the grand scheme of things, the average piece of junk is probably more meaningful than our criticism designating it so. But there are times when a critic truly risks something, and that is in the discovery and defense of the new. The world is often unkind to new talent, new creations. The new needs friends.

Last night, I experienced something new, an extraordinary meal from a singularly unexpected source. To say that both the meal and its maker have challenged my preconceptions about fine cooking is a gross understatement. They have rocked me to my core. In the past, I have made no secret of my disdain for Chef Gusteau’s famous motto: “Anyone can cook.” But I realize, only now do I truly understand what he meant. Not everyone can become a great artist, but a great artist can come from anywhere. It is difficult to imagine more humble origins than those of the genius now cooking at Gusteau’s, who is, in this critic’s opinion, nothing less than the finest chef in France. I will be returning to Gusteau’s soon, hungry for more.

Those lines from Anton Ego are amazing. Peter O’toole just speaks it right, in a perfect manner. Spoken along with the movie’s main theme which is so melodious and romantic, with the sound of accordion and strings, the scene really touched me in a way I could never imagine. I cried (and heavily) when it came to this part. And after watching it 27 times, I still cry when I see this beautiful scene.

Have you ever thought of its meaning? It’s very deep and has a lot of love message, of how you appreciate others, no matter where they come from, or what they are. Spoken wise, a great artist can come from anywhere.

And the fact that the ending has something really related to its own title (Ratatouille) is just superb because not so many movie can save its very own title from the beginning of the story ’till the end, yet make it the bomb for the ending. Like wise saying, save the best for last.

In the end, it leaves us with spirits that “anyone can cook” (but only the fearless can be great!). The spirit of how “a great artist can come from anywhere”. And also some cute memorable moments and an originality that easily mark it the best movie ever made. At least, from my point of view and all the Oscar judges that honored the movie in 2007 with the highest title an animation movie can ever achieve.

In the end, Ratatouille always leaves you with lots of warm feelings, and also with superb 2D animation of the credit title. The whole movie is so artistic, romantic and beautiful in such an elegant simplicity.

It has been two years since then, and I don’t think I will meet another one that can capture my heart like Ratatouille did, and does. And hopefully, will always. (mb)

On Animation With Jerry Brice.

David Feldman interviewed me last week for his podcast, about my knowledge and experience in the animation business. David Feldman is a producer and collaborator of mine, and is an Emmy award-winning writer,stand up comedian, and highly sought after writer for all the major comedians…and he has bad hair plugs,but what would I know about that. He is the principal behind Studio33.Tv and an avid animation enthusiast, and he is pretty good at it himself. If he comes to a stand up club in your town, make sure that you do not miss him.In the meantime, subscribe to his hilarious…sometimes…podcast. Seriously,he is very funny…lol.

http://www.davidfeldmancomedy.com/about

Jerry Brice is an animator, artist, director, writer, producer and teacher. He’s worked for Disney, MTV, Mike Judge, Motown, and countless animation houses for the past 25 years. In today’s discussion he shares his insight on what it takes to be a great animator. NOT TO BE MISSED…check out some of his animation and directing work by clicking the link below.

http://www.youtube.com/jerrybrice

The homegirl Rain Pryor delivers a funny monologue to start things off, so make sure you check it out before my interview, she is truly proving that the apple does not fall far from the tree.

David and I are teaming up for more animated political gags, and some overall animated mayhem…so stay tooned.

We got big surprises in store for all of you….

On Animation With Jerry Brice.

David Feldman interviewed me last week for his podcast, about my knowledge and experience in the animation business. David Feldman is a producer and collaborator of mine, and is an Emmy award winning writer,stand up comedian, and highly sought after writer for all the major comedians…and he has bad hair plugs,but what would I know about that. He is the principal behind Studio33.Tv and an avid animation enthusiast, and he is pretty good at it himself. If he comes to a stand up club in your town, make sure that you do not miss him.In the meantime, subscribe to his hilarious…sometimes…podcast. Seriously,he is very funny…lol.

http://www.davidfeldmancomedy.com/about

Jerry Brice is an animator, artist, director, writer, producer and teacher. He’s worked for Disney, MTV, Mike Judge, Motown, and countless animation houses for the past 25 years. In today’s discussion he shares his insight on what it takes to be a great animator. NOT TO BE MISSED…check out some of his animation and directing work by clicking the link below.

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The homegirl Rain Pryor delivers a funny monologue to start thing off, so make sure you check it out before my interview, she is truly proving that the apple does not fall far from the tree.

David and I are teaming up for more animated poltical gags, and some overall animated mayhem…so stay tooned.

We got big surprises in store for all of you….

I’m a NCIS fan. Because of that, I watched the NCIS and NCIS: Los Angles premieres. Anyway, when I watched the NCIS: Los Angles premiere, I immediately thought that the actress who plays Hetty Lange looked like Edna Mode, the character that created the uniforms for the Incredibles, in the movie The Incredibles. Personally, I just found it really freaky that they look so much alike. I would say that they based Edna Mode on Linda Hunt. Anyway, I just found it freaky.

‘Ratatouille’ es una película que, principalmente, habla acerca de la cocina. Todo lo que envuelve a ésta,  el amor y la pasión que mueve. Cualquiera, sea cual sea su origen, puede ser un gran artista, en este caso Chef, nos cuenta Brad Bird. Así es, con mucho empeño y muchísima fortuna, cosa que no sucede siempre, puedes estar ahí.

Eso es lo que debe creer Remy, la rata protagonista del film. Sus andanzas para llegar a ser un gran cocinero son el eje del film. Una casa rural en medio de la nada en la que enamorarse de la cocina. Las alcantarillas francesas. Los bajos fondos de París. La cocina del Gusteau. La complicidad con el chaval patán. Los dilemas morales con sus familiares, la dicotomía rata/persona. El afán por subirse al verde del dólar del pitufo del Chef. Y la supervisión, la crítica de su cocina. El momento cúlmen del film. El crítico saboreando el ratatouille, recordando su niñez a través de él, revolviéndo todos sus sentimientos a través del paladar.

Película menor con vocación de homenaje a la cocina, pero que cala en el espectador. Uno se siente cómplice del sueño de esa rata, Remy. De sus aventuras para demostrar todo su talento. De su lucha por lograrlo. Todo ello en un escenario espectacular, la deslumbrante París. Para los amantes de la cocina, es su gran película. Para el resto, es una buena película de animación con la que emocionarse, con la que identificarse saboreando ese plato que nos trae a la memoria algún momento feliz de nuestra vida. Más que buena.

“…the principles of movie-making have been the same for 80 years and I think Pixar’s success is due to the fact that technology is not at the heart of it. They believe the most important thing is characters you can connect with and a story that is surprising, logical, and exciting to watch. The technique is always changing [but at the heart of it] is characters and story.”

Brad Bird, his comments in The Oscar Pressroom after his Best Animated Feature Win for The Incredibles, 2005.

iVoox:

Podomatic:

R – Ratatouille

Soundtrack

Género: Animación/Comedia

Dirección: Brad Bird, Jan Pinkava

Guión: Brad Bird, Jan Pinkava, Jim Capobianco, Emily Cook, Kathy Greenberg, Bob Peterson

Música: Michael Giacchino

Voces: Patton Oswalt, Ian Holme, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O’Toole, Brad Garrett…

Track list de este episodio:

1.- Welcome to Gusteau’s, de Michael Giacchino

2.- Special order, de Michael Giacchino

3.- Souped up, de Michael Giacchino

4.- Ratatouille main theme, de Michael Giacchino

5.- Le festin, por Camille

Ratatouille en imdb – Ratatouille en Rotten Tomatoes – Soundtrack en Movie Music

P.D.: Disculpen los errores de origen en el audio de la voz, pero al parecer mi micrófono clama por un reemplazo :s

El día de hoy inauguramos esta sección del blog donde nuestra misión será recomendar aquellas películas que consideramos que deben ser de visión obligatoria para todo aquel que se defina como amante del séptimo arte.

Para algunos el cine es solamente un pasatiempo, una distracción pasajera, algo para pasar el rato. Un lugar común al que se suele recurrir para definirlo es sostener que su principal función es entretener. Para nosotros, es algo más. Es una manera de reflexionar acerca de nosotros mismos, del mundo en que vivimos y de todo lo que nos rodea.

Esta primera entrega está dedicada a la compañía que revolucionó el cine de animación a mediados de los ‘90 con el estreno de la primera película realizada íntegramente por computadora. Nos referimos a Pixar Animation Studios.

Lo que viene haciendo Pixar desde hace ya una década y media es digno de los más calurosos aplausos. Cada una de sus películas son pequeñas grandes obras de arte que agradan a los más chicos y asombran a los más grandes, que son los que pueden apreciar las películas en toda su dimensión.

Pixar divierte y emociona por partes iguales. Sabe equilibrar arte y comercialidad a la perfección. Sus historias son originales, tiernas, conmovedoras. Y no hay nadie que le llegue a los talones. Dreamworks puede seguir intentándolo si así lo desea.

Desde hace un tiempo, el estreno anual de Pixar es uno de los acontecimientos cinematográficos más relevantes y esperados de la temporada. Y lo bueno es que, al menos hasta ahora, Pixar no ha defraudado, y el cine en general, no sólo el de animación, ha recibido un aporte valiosísimo de su parte.

Woody, Buzz, Flik, Mike, Sulley, Nemo, Remy, Wall-E, son algunos de los personajes inolvidables que las mentes creativas de esta compañía le han regalado al mundo.

Y mientras nos preparamos para la llegada de Toy Story 3, Cars 2, The Bear and The Bow y Newt, que se estrenarán entre 2010 y 2012, hacemos un repaso por cada uno de los diez largometrajes que ha producido Pixar al día de la fecha.

Toy Story (John Lasseter; 1995)

Bichos (John Lasseter; 1998)

Toy Story 2 (John Lasseter; 1999)

Monsters Inc. (Pete Docter; 2001)

Buscando a Nemo (Andrew Stanton; 2003)

Los Increíbles (Brad Bird; 2004)

Cars (John Lasseter; 2006)

Ratatouille (Brad Bird; 2007)

Wall-E (Andrew Stanton; 2008)

Up (Pete Docter; 2009)

A few days ago I watched Ratatouille again, both for the splendor of its animation — I love the riot of textures and metallic surfaces in the kitchen — and the generosity of its finale, in which the heroes triumph over the sepulchral food critic Anton Ego. I was also nudged by Patton Oswalt’s hilarious new record, My Weakness Is Strong, which includes a few routines about his voice work on the film, in which he played Remy the rodent hero.

But the finale written by Brad Bird — who, after The Iron Giant and The Incredibles rates second only to Hayao Miyazaki in my book of great animators — is what always brings me back to Ratatouille. Any other animation shop would have devised a slapstick comeuppance for the critic and called it a day. In Ratatouille, Remy and his friends win him over by bringing him back to himself, and the story gives Ego not only that deeply touching flashback to his childhood, but the space to offer the film’s best line:  ”Not everyone can become a great artist, but a great artist can come from anywhere.” A clip is at the bottom of this post. Consider the Spanish subtitles an educational plus.

After I saw Up — which is, despite my reservations about its second half, further proof that Pixar is the unchallenged standard-bearer for animated storytelling — I thought back to the recent corporate battle between John Lasseter’s shop and Disney, the corporate parent Pixar has creatively eclipsed.

Has there ever been a more crushing confession of failure than Disney’s threat, implicit in the renegotiation of its distribution deal with Pixar, to rush ahead with a second Toy Story sequel if Pixar went with another company? Disney was frankly admitting that its movies stink, its formulas are played out and its fund of creativity exhausted — and threatening to apply all those liabilities to Pixar’s most treasured property. ”Work with us, or you’ll see just how badly we can suck.” Some negotiating tactic!

Reviewing the film in The New Yorker,  David Denby makes some cogent points about the distinction between Pixar films and Disney:

Yes, there was the classic Disney group of animated features, released between 1937 and 1942, which included “Snow White and the Seven Dwarfs,” “Pinocchio,” “Bambi,” and “Dumbo.” Children still love them, though this aging child doesn’t, really. The old Disney dispensation went roughly as follows: The material was largely based on fairy tales, with princes and queens and wicked stepmothers. Animals with long eyelashes engaged in gentle woodland conversation. There was much anthropomorphic charm, much sweet melodiousness, and, running through the sugar, a vinegary taste of fear, separation, punishment. The entire Bruno Bettelheim catalogue of psychological terrors churned below the surface. By now (for me, at least), the cloyingness, with its malevolent undertones, seems too calculated and heavy-spirited. But the recent Pixar films are something else. These movies are fashioned as much for adults as for kids. Set in the modern world, they are built around an exhilarating drive for achievement. A family of libertarian superheroes refuses to accept enforced mediocrity (“The Incredibles”). A talented rat wants to practice the art of cooking (“Ratatouille”). A robot saves the aesthetic remnants of a civilization ruined by excess and pollution (“WALL-E”). Some of the characters are isolated; they are all intelligent and strongly motivated. We’ve gone from psychological fable to moral fable, from fate to something like self-willed, even civic, passion.

There is much to like and dislike in the Disney catalogue, but my biggest beef with those canonical works – many of which I otherwise admire – was to give multiple generations of viewers the false idea that they actually know the story of Pinocchio, or the Little Mermaid, or Cinderella. You could argue that the original versions of those tales would be unpalatable to contemporary audience, and you might even be right. But the Disney operation’s habit of processing folk tales and forgotten classics into contemporary Cheez Whiz has been a problem for a lot of people, starting with Richard Schickel (whose 1968 book The Disney Version was the first serious attempt to examine the workings of Uncle Walt’s dream factory), and it played a big role in the company’s creative stagnation.

Right from the start, Pixar movies have turned their backs on stale fake-folktale plots and used contemporary materials with great freshness and ingenuity. Along with that “drive for achievement” Denby notes, Pixar movies also have a much broader emotional palette, including a readiness to weave adult fears and emotions into their kid-friendly storylines. The best line in the original Toy Story — “This isn’t flying, it’s falling with style!” — was taken even further in Toy Story 2, which quite explicitly addresses fears of mortality and the decision to make the most of your time regardless of what’s ahead. Apparently next year’s Toy Story 3 will continue that line of development, and I’m eager to see where they go with it.

The Iron Giant (1999) is a touching story with deep moral lessons. This movie is one of the big marketing blunders of the 90s and continues today. The DVD cover alone gives you the wrong impression; it looks to be just a simple animated kid’s movie…

http://www.dainsmoviereviews.com/2009/08/iron-giant-movie-review.html

Sigo con la segunda y última parte de filmografía Pixar: Cortometrajes.

En youtube los encontré todos, la mayoría o se entienden sin idioma o los encontré en español. El más reciente es un enlace a otra página de videos.

Empecemos con el primero de todos:

Las aventuras de André y Wally B (John Lasseter, 1984): Lasseter, despedido de Walt Disney Studios, conoció a un prometedor grupo de diseñadores, artistas y técnicos con toda la ilusión de crear a traves de la infografía cortos animados. Si bien antes habían creado rotulos para películas, segmentos de efectos especiales  para películas, nunca habían probado de animar una historia.

Así, John con más idea del grupo en tema de la animación fue quien diseñó a los dos protagonistas. Hoy en dia hemos visto lo que pueden mover los procesadores gráficos, en esos años era espectacular la idea de dar tridimensionalidad.

Con formas geométricas como cualquier dibujo animado clasico, realizó esta corta historia de menos de dos minutos. Destaca el simple hecho de simpleza pero solidez.

Luxo Jr. (John Lasseter, 1986): John tiene un fetiche en animar, darles personalidad a objetos inanimados. En su estudio le acompaña el PC y escritorio, además de un flexo de marca Luxo. Por su movilidad de  esta lámpara se las ingenió para darle vida. El año pasado a este corto realizó un esbozo, y con este sacó un cortometraje oficial. La gracia del hijo de Luxo, con sus saltitos y energía sin saberlo crearon a la mascota de la compañía, apareciendo antes de empezar cada largometraje en el logo.

Destaca la personalidad que desbordan dos lámparas jugando con una pelota, además de dar efectos de luz y sombra.

El sueño de Red (John Lasseter, 1987): Siguiendo por orden cronológico, nos encontramos con otro objeto con vida y esta vez una de las más melancólicas historias en corto de Pixar. Un monociclo apartado de bicicletas en una tienda de estas, sueña con la idea de actuar en un circo, hasta dejar de lado al payaso que lo monta y el mismo hacer malabares. El toque de exterior oscuro y lluvia, de noche, redondea esa aura tristona del corto.

El único personaje con pinta de ser humano es un payaso en la secuencia del sueño. Destaca la decoración del suelo del circo, recordando la textura de la pelota de Luxo Jr. Pixar le encanta hacer cameos de sus anteriores trabajos y ya se ve en estos trabajos primerizos. La evolución en este corto se ve por querer darle más profundidad a un objeto animado y con mímica de nuevo no exenta de comprensión.

Tin Toy (John Lasseter, 1988): Cuatro años después del corto de André y Wally B, la idea de Toy Story se perfila consolidamente con esta historia corta. Un nuevo juguete para el bebé de la casa, babosín e impetuoso como cualquier pequeño sano, le asusta la idea de ser roto y el juguete huye, viendo escondido a los demás juguetes. Se enfrenta al temor para hacer feliz al menor y este juega feliz con la caja que había venido el juguete prota.

Volvemos con una historia con un objeto que en la realidad no tendría vida y demás. Esta vez interactua con un ser humano, algo grotesco reconociendo que les quedó algo niño de plástico y ese paquete tipo calzoncillos de muñeco. Historia sencilla pero bastante divertid, aumentaron el uso de texturas o un escenario más amplio.

Knick Knack (John Lasseter, 1989): ¿No adivinais que tipo de historia por Lasseter es? Exacto, con objetos con una propia personalidad lejos de la presencia humana. En este corto siguiente a Tin Toy, el aire es mucho más picarezco. Un muñeco de nieve artificial de una bola de cristal navideña, se enamora de otro objeto de decoración, con forma femenina. Hace lo imposible para salir de esa media bola cristalizada. El resultado es un tanto cómico al estilo cartoon de “como bien empezó, acaba igual”.

Si bien el personaje protagonista no destaca con los demás seres que creará Pixar, si los efectos cómicos, ángulos de cámara y el aire divertido en un microcosmos de objetos ampliado.

El juego de Geri (Jan Pinkava, 1997): Casi 10 años después del último corto, Pixar por fín habia conseguido hacer un largometraje, la ya clásica “Toy Story”. Al año siguiente de esta película, avisaron de la preparación de Bichos y presentación de este cortometraje. En esta ocasión empiezan a participar otros directores, y el resultado pues empieza a variar (pues Lasseter es un maestro pero no tiene mucha variedad llegados a un punto). Este corto vemos a un jubilado en un parque solitario, con mesas solitarias para jugar a ajedrez u otros juegos al aire libre. Vemos el desdoblamiento del personaje en Geri apacible (fichas blancas), Geri diablillo (fichas negras). Al principio vemos como levanta y se sienta en ambos asientos cada vez el anciano, para entender con quien está jugando.

De apariencia carismática, tuvo un cameo en Toy Story 2 como el restaurador de juguetes clásicos.

Para los pájaros (Ralph Eggleston, 2000): Corto que precede a la producción de Monstruos S. A. Volvemos de nuevo a la comicidad esta vez con pájaros, fastidiados por la aparición de un ave grande y torpe. La mímica de los cortos agrandece los hechos por la personalidad de los pajaritos azules y el intruso, de buen corazón aunque pesado sin saberlo.

El coche nuevo de Mike (Peter Docter, 2002): El director de Monstruos S. A. dirigió también este corto que se basa en los mismos personajes de la película. Mike, el monstruo verde de un sólo ojo y graciosillo, enseña a su buen peludo amigo Sulley su nuevo coche. Con tantos chismes que acaban teniendo un accidente, coche destrozado y queriendo Mike el antiguo vehículo.

Es la primera incursión de los cortos que en ocasiones acompañan a los DVDs para una historia complementaria de humor de los largometrajes. Si la película es una de las valoradas de Pixar, el corto no se aleja de la buena química de estos dos personajes. Con diálogos suma ya la comicidad de los intentos de saber manejar el coche, aunque sin voces se entiende perfectamente, demostrando de nuevo la simpatía que inyectan a sus personajes.

Boundin (Bud Luckey, 2003): Exhibido antes de la proyección de Los Increíbles, trata esta vez de una fábula de seguir animado pese a las adversidades, reconozco que me parece paesado y demasiado ñoño para ser Pixar, durando casi 5 minutos. Sólo lo encontré en audio latino.

Jack Jack ataca (Brad Bird, 2005): Otro corto para animar los extras del DVD que complementa al largometraje. Cuenta algo que no llegamos a ver pero si escuchar por teléfono en la película de los Increíbles.

Bird, el mismo director del largo, cuenta con el mismo estilo esta historia secundaria para saber como era secuestrado el bebé y antes descubrimos que poseé poderes multiples heredados de su increíble familia. Brad Bird es un buen narrador  de historias animadas y aqui no se olvida.

El hombre orquesta (Mark Andrews y Andrew Jimenez, 2005): Volvemos a la mímica para contar una historia sobre dos hombres orquesta que desean la moneda de un niño demostrando su virtuosismo musical, llegando a disputar y cansando al pequeño. Este consigue más monedas que ellos al descubrirse que es un buen violinista, ya que la otra moneda que tanta ilusion tenia en mano cae a la alcantarilla de tanto ruido de los dos artistas callejeros.

De los cortos menos conocidos, y eso que es una historia divertidísima y carismática.

Town Mate y la luz fantasma (John Lasseter, 2006): Cortometraje ambientado en los personajes de Cars, adivinen, Lasseter animando a coches con voces y ojos. Es de las películas, que si bien es buena, no me parece las mejores de Pixar aun en animación sea excelente. Me aburrí y este corto no he visto entero, solo de Mate travieso que asusta de bromas y recibe su merecido por un espectro.

Extra para el DVD de la peli, es una historia con voces de los mismos del largometraje.

Abducido (Gary Rydstrom, 2006): 5 minutos divertidisimos, con la vuelta a la mímica para narrar la historia, además de sonidos y gags del torpe extraterrestre en prácticas para abduciones y su maestro que puntua y tutorea. El ser humano durmiente que no se entera de nada pese a su uso para las prácticas del haz de luz levitador, recuerda al prota de Rataouille.

Tu amiga la rata (Jim Capobianco, 2007): Pieza que acompaña al DVD de Ratatouille. En plan documental de caracter desenfadado de lo que nos otorga las ratas en la sociedad, presentado por los protagonistas roedores de Ratatouille.  Al final pese a las virtudes, de forma humorística nos advierten de las enfermedades que pueden transmitir estas plagas de roedores y los dos personajes se quejan de tal sensacionalismo.

Sin duda además del toque desenfadado de documentarnos lo que las ratas han ofrecido a la humanidad, es la ocasión de ver segmentos animados en 2D, animación tradicional. Algo que Pixar no ha hecho en largometraje y sería una pena que nunca lleguen a probar.

Presto (Doug Sweetland, 2008): Historia corta que acompañó al estreno de Wall·E en cines. Un cortometraje de estilo cartoon, un conejo que solo desea comer su ansiada zanahoria y su dueño mago que no se entera de tal necesidad, frustando el conejo sus trucos si no le da de comer. Empiezan a pelearse, provocando para el público del teatro unos trucos increíbles que no estaban para nada ensayados.

Sin duda la historia y los personajes, narran en 5 minutos una serie de gags dignos del mejor cartoon clásico. Detalles como el gorro del conejo que recuerda al gorro mágico de mago de Mickey Mouse de Fantasia.

Burn·E (Angus Maclane, 2008): Siguiendo con cortos para ser extras de DVDs de largometrajes, contando historias paralelas de personajes que aparecen apenas un momento. Un robot de la fragata espacial principal de la película que se encarga del mantenimiento de iluminación se ve metido en toda una odisea para llevar a cabo su trabajo.

Parcialmente nublado (Peter Sohn, 2009): El último cortometraje de la compañía realizado, trata del origen de los bebés que son llevados por cigüeñas. Antes son creados por nubes. Todos crean unos preciosos y lindos bebes, cachorros. Una nube apartada es la encargada de crear a seres peligrosos o peculiares, con su amiga cigüeña que recibe golpes, mordiscos o pinchazos de sus bichos. Parece que desiste en ser su mensajera, pero solo le pide a otra nube que le haga protecciones para seguir llevando estos peculiares pequeños animalitos.

http://www.tu.tv/videos/parcialmente-nublado-tienes-que-verlo

Por lo que se ve apenas ha sido puesto antes de la proyección de la fantástica Up.

Acabando que es gerundio, esperemos en un futuro más largometrajes y cortometrajes fabulosos de Pixar. Saludos.

One of my favorite Pixar movies is “The Incredibles” about a family of superheroes living in suburbia.

If I were Brad Bird (the creator and writer of that movie and my other favorite, “Ratatouille”) I’d make a movie called, “The Indescribables” and include exhausted dill plants like the photo above.  I have a whole series on this plant on my porch (in suburbia) that is totally exhausted,  drooping and spindly gone and absolutely knock out gorgeous to me.

Rule #2:

Objects of beauty past prime still retain color, form, and composition.  Take me for example, I’m 64.

But don’t you be photographing me with a macro lens.

©Pat Coakley 2009

PHOTOGRAPHS CANNOT BE USED WITHOUT WRITTEN PERMISSIONall

Photograph was taken with Canon D5 and 180mm macro lens.  3.5 at 1/200.  Wind was involved as well.  Photoshop tweaking with Levels and Curves.  I’m a big fan of Levels and Curves but usually with my macro shots very little is needed.

En las navidades del 95 un servidor fue con su hermano, con mucha ilusión a ver una película que desde hacía meses rompería barreras. Era una película de animación, atrayente, divertida y visualmente espectacular. En esa segunda mitad de la década de los 90 empezó la costumbre de pasarlo todo a digital. Paneles, sonidos, imágenes, incluso dibujos.

Mis aficiones a videojuegos me hice enamorarme de juegos como Donkey Kong Country, un juego de plataformas 2D con sprites de personajes que parecían tener sensación de volumen, tridimensionalidad. Eran gráficos renderizados. Una técnica llamada ACM para crear efectos visuales espectaculares, como en el cine con Jurassic Park o Terminator 2. Lo renderizado me supuso un descubrimiento, como de niño ví mi primera película en cine y animada, Blancanieves y los 7 enanitos. No se olvida.

Entonces una película con un estudio de animación llamada Pixar había creado el primer largo de animación 3D.

Esa película era y es Toy Story. Con esta genial y ya clásica pieza comenzaré a repasar la filmografía de Pixar. Y la siguiente entrada del blog será para repasar los cortometrajes.  Let’s go!

Toy Story (John Lasseter, 1995): Famosa película de la filmografía, con esta fue el comienzo de la andadura de la compañía y subiendo sin parar. ¿Juguetes de la infancia que a solas de los humanos tienen su vida en grupo y temen ser abandonados o perdidos? ¿Miedo a ser olvidados por sus amos por un nuevo juguete? Un argumento fresco y divertido, con sorprendentes y pese a su tiempo cuidada elaboración de texturas de todo tipo. Quizás siendo muñecos recuerdena plástico y los seres humanos en consecuencia algo extraños, pero ver objetos inanimados cobrar vida y con gracia es una maravilla. Además de diálogos brillantes y hasta la duda de la existencia o sentido de la vida.

Siendo película con productores Disney, solamente y por extraño tiene piezas musicales pero sin coreografías, clásicas en la compañía del ratón Mickey. Randy Newman compone una melodías cercanas al jazz, alegres y movidas como la conocida “Hay un amigo en mi”. Destaca el argumento, sus personajes y situaciones como siendo muñecos acaban en casa de un “maltratador de juguetes adolescente”, conociendo juguetes “mutantes” y una última sorpresa final de cara antes de acabar la película con los nuevos regalos de los amos de los juguetes protagonistas.

Bichos (John Lasseter, 1998): Un par de años después Pixar tuvo que demostrar si valian o había sido un arriesgado movimiento y en el segundo movimiento no conseguían sorprender. Mi opinión personal es que tiene unos personajes insectos bastantes carismáticos, el grupo de circo.  El saltamontes malvado es más que correcto aunque le tengo más estima al niño Sid de Toy Story como villano.

Es una película que superaba tecnicamente en retos de hacer algo distinto a la anterior película, sólo que a en mi humilde opinión no fue tan carismática.

Toy Story 2 (John Lasseter,1999): El equipo de Pixar al año siguiente tuvo que superar el reto más dificil. Rehacer todo lo que Disney había pedido a un equipo sin Lasseter para una secuela de Toy Story directamente a video doméstico. Disney quería llenar sus arcas y el alma de Pixar peligrando su vida sin descanso en años y tiempo con la familia, en menos de 9 meses crearon una secuela más que digna.

Esta vez la película trata sobre el coleccionismo de muñecos, el abandono y nuevos personajes. Buzz deja de ser ingenuo y es esta vez quien deberá salvar a Woody. En Bichos no recuerdo nada excepcional de BSO en cambio en esta secuela la canción de la historia del abandono de la muñeca vaquera ya es parte del recuerdo brillante de la película.

Monstruos S.A. (Peter Docter, 2001): En esta ocasion dejamos de lados bichos o juguetes y llegamos a un largometraje bastante curioso por su temática en la fantasia de monstruos de armario de la niñez para representarla como empresa y beneficios por gritos de los niños, fuente de energía para luz y demás del mundo de los seres que dan nombre a la historia.

En esta ocasion dejaron de investigar el representar juguetes o el mundo desde la vista de los bichos, y volaron su imaginación por qué se debererian aparecer monstruos fugazmente a niños. Con un sentido del humor de la casa, una niña secundaria digna de la gracia y estima de las producciones Ghibli, y técnicas innovadoras como representar el pelaje de uno de los monstruos protagonistas, es de las películas que mas equilibran la balanza a público infantil y adulto. Pete Docter es quien coge la batuta y nos preparó para su película actual, Up, donde nos consigue reir y emocionarnos con las relaciones de los personajes. Randy Newman de nuevo la BSO trayendo otras piezas movidas y de corte jazz que tanto se nos quedan en la cabeza. Atención a la escena de creditos iniciales. Muy imaginativa, de mis preferidas.

Buscando a Nemo (Andrew Stanton, 2003): A partir de esta película se refuerza la idea de ir preparando proyectos para estrenar cada año seguido si es posible. Distintos equipos con directores del estudio se turnan y en esta ocasion Andrew Stanton, ahora famoso por su valorada “Wall·E”, antes ya fue aplaudido por esta entretenida y cercana historia de un pez payaso padre y su hijo. Destaca el secundario de Doris, la pez de memoria idem y su lenguaje de ballenas. Para esta ocasion es el hermano Thomas de Neman que compone la BSO, otro valioso compositor de cine.

Los increíbles (Brad Bird, 2004): Los seres humanos entran en el protagonismo, aunque es Pixar y no son normales. Una familia de superhéroes que no por tener poderes no deben recuperar los lazos familiares y superar sus temores como personas que son. Brad Bird, uno de los mejores directores modernos de animación amigo de Lasseter, poco antes había hecho la película de dibujos tradicionales valorada por publico y crítica “El gigante de hierro”.

En la BSO llega Michael Giacchino, reputado joven compositor de BSOs buenisimas como de la serie LOST o videojuegos en la saga Medal of Honor. Su incursión al cine por ayuda de gente como Pixar le dio a conocer a más gente demostrando su valía, con un manejo de orquestación digna de clásicadas décadas pasadas.

Cars (John Lasseter, 2006): Para mí la primera y espero que única decepción de las películas Pixar y concretamente de Lasseter. Dos años después de Los increíbles, la tecnología avanza que da gusto, Lasseter había podido descansar y ponerse de nuevo en la dirección. Es su proyecto más personal por su amor a los vehículos y el fetiche de historias de objetos inanimados en la realidad que cobran vida y tienen su personalidad o sueños.

En imagen y diseños es muy bueno, solo que a mi la historia no engancha, y es un tópico como una casa. Randy Newman vuelve a su puesto de compositor en esta no más que correcta película.

Ratatouille (Brad Bird, 2007): Dejamos a familia especial y coches parlantes para unos ratones que viven en las cercanías de París, el protagonista roedor distinto a su familia que aprecia los delicatessen y no la basura que suelen comer, su sueño es convertirse en chef por su innato olfato y facultades extraordinarias como leer y entender a los seres humanos. Brad Bird 3 años después vuelve a la dirección y aunque no es su mejor trabajo, el ritmo y personajes, situaciones supera a Cars.

Giacchino vuelve a ponerse bajo su batuta, que volverá para la actual y recomenda Up de Pete Docter. En esta ocasion el tema principal y el tema compuesto y cantado con Camille tiene un encanto y elegancia digna de la ambientación parisina.

Wall·E (Andrew Stanton, 2008): Sus primeros 30 minutos demuestran una madurez del estudio, un pasaje al nivel del cine mudo de calidad. El robot de limpieza de la tierra Wall·E sigue funciondo 700 años después de que los habitantes abandonaran el planeta y sus compañeros electrónicos cayeran agotados de energía. En estos años ha surgido una personalidad tierna, romántica y afable por sus visionados de películas que encuentra en cintas. Un día llega un robot de forma femenina que busca del estado del planeta si es posible su recuperación a plantar y así una zona viable para humanos.

Supera con creces a Buscando a Nemo, su anterior trabajo del director y para la ocasión Thomas Newman que acompañó tambien a Stanton.

Up (Peter Docter, 2009): Actual película de estreno del estudio, la ví hace apenas dos días desde que escribo esto y que decir. Tiene su toque de aventuras infantil pero los primeros 10 minutos de la película y partes que hablan de la historia del anciano y su querida esposa y es que emociona. Peter nos vuelve a demostrar su talento en imágenes coloridas y llenas de energia, y mucha mucha simpatía. Además de momentos entrañables.

Es la segunda película (o tercera si contamos de protagonistas a los humanos de Ratatouille) que la historia que nos cuentan son personas. A destacar el anciano Carl, su relación con su mujer, el niño explorador “Kevin” la “gamusino” y Dog el perro hablador y algo bocazas pero adorable. El malo y ciertos momentos recuerdan la diferencia del comienzo de la película, aunque desde siempre nos cuentan que trata de una aventura con una casa que flota con globos. Giacchino vuelve y con una fuerza arrolladora después de la emocionante BSO de Los Increíbles y la cuidada partitura de Ratatouille. El tema de la película se te queda en la cabeza al salir del cine y vuelve a demostrar que no le supone dificultad alguna cualquier reto que le ponga.

Y la próxima entrada dedicada a los cortos. Hala.

¡Ardilla!

This is a continuing series of lists dedicated to the endangered art of movie posters. Each volume of Magnificent Movie Posters will contain five evocative, hand-picked examples intended to show just what movie posters are supposed to look like. Other volumes can be found here, and please click on each image for a larger version!

Chinatown | Roman Polanski, 1974
International One-sheet by Jim Pearsall

This is the Italian version of the international poster for Roman Polanski’s 1974 title Chinatown, starring Jack Nicholson and Faye Dunaway. I’d always admired the artwork on the American version of this particular poster but wondered why it had to be ruined by an unnecessarily large black border. Here, thankfully, the entire drawing is used – and to quite stunning effect. Chinatown is a Neo-Noir so this exciting yet vintage-looking piece really does well to reflect the film it advertises. The illustration itself is done by American artist Jim Pearsall who, you will notice, provides us with a hand-drawn border that is then breached by Nicholson’s character’s hat and cigarette smoke – so as to accentuate his importance and attitude towards boundaries and rules. Thankfully with this International edition we are saved from the horrible font used for the American poster.

*batteries not included | Matthew Robbins, 1987
American One-sheet by Drew Struzan

This entry is born out of nostalgia more than anything else, but it also rather importantly introduces one of the all-time great American poster artists: Drew Struzan. The Portland, Oregon native is perhaps the most important poster artist of my generation and sadly retired last year after a career spanning over 30 years. Working prolifically through the seventies and eighties, Struzan has worked closely with Steven Spielberg and George Lucas and is responsible for many of Hollywood’s most memorable hand-drawn movie posters including those for Star Wars, Indiana Jones etc. I remember being introduced to this particular poster at a young age and being quite terrified at the prospect it served up despite the fact that *batteries not included is, of course, a family film. One can also note the name of a budding Brad Bird at the foot of the poster.

Citizen Kane | Orson Welles, 1941
Polish Re-release One-sheet by Grzegorz Marszatek

Here is another striking Polish poster, this time created for Citizen Kane by the artist Grzegorz Marszatek. I’ve included the film’s original release date about (1941) but this particular piece was actually produced sometime in the eighties for the Citizen Kane theatrical re-release over in Poland. As this much-publicised worldwide re-release took place, in some countries as early as 1964, the film was still seeing some initial releases in countries such as West Germany and Japan. It has been said that the film’s title character Charles Foster Kane was inspired by a number of powerful, colorful, and influential American individualists and financial barons in the early 20th century. One of these mentioned frequently is Time Magazine founder and mogul Henry Luce, which makes it somewhat ironic that the Polish artist would choose to iconize Kane in such a manner – the poster looks just like a Time cover.

The Bicycle Thieves | Vittorio De Sica, 1948
Danish One-sheet by Hervé Moran

Next up on my list is a favourite film but a little-known poster: the Danish One-sheet for Vittorio De Sica’s The Bicycle Thieves. Despite the film being part of the Neorealist movement and thus quite dark and difficult, the posters produced on its release are usual forties fare; brightly-coloured illustrations and text, the kind that was popular in the time. For much of Scandinavia and France however a different piece of art was used. Hervé Moran was a highly celebrated French poster artist in the forties and fifties, though his work mostly consisted of commercial advertising as opposed to film work. So prevalent was his artistry that many galleries in France have dedicated entire showings to it. Moran’s use of scale impresses here, with the bulky and alien form of the thief towering over the man and his son as they trudge through the pouring rain.

Taxi Driver | Martin Scorsese, 1976
American One-sheet by Guy Peelaert

Finally we have this general one-sheet poster for Martin Scorsese’s Taxi Driver, which was drawn by Belgian ex-comic-artist Guy Peelaert. The initial and more widely used poster for Taxi Driver depicted Robert De Niro’s character in black and white, trudging the streets of New York City. However, a different, more colourful poster was requested by the studio and for this the artist Peelaert was brought in. The result is this beautiful effort that captures both the bewildered stance of Scorsese’s central character and his title occupation: the taxi driver. Unfortunately, the busy nature of the drawing with regards to colours obviously means that overlayed text wouldn’t work, so it is added on to the bottom section almost as an after thought – and while this was undoubtedly an unavoidable decision by those involved, it does detract from the poster somewhat.

Thank you for reading, and be sure to look out for new editions of Magnificent Movie Posters! Meanwhile, please feel free to list your own “magnificent” movie posters. Who knows? Perhaps we’ll use your choices as inspiration.

More Magnificent Movie Posters can be found here >>>

la locandina del film.

Anche i supereroi hanno una famiglia. Mister Incredibile ha una bella moglie che si allunga e cambia forma in virtù dell’elasticità del suo corpo, un figlio iperattivo e talmente veloce che riesce a correre sull’acqua, una figlia adolescente, timida e insicura che diviene invisibile e genera campi di forza e un figlio neonato che sembra senza poteri ma che si rivelerà ben dotato all’occorrenza.

La storia è ben congegnata, con un nemico perfido e potente che gli Incredibili affronteranno uniti e molti personaggi che in un modo o nell’altro collaborano alle imprese dei nostri eroi. In particolare va segnalata Edna Mode, la stilista dei supereroi, che unisce tecniche avanzatissime a un indubbio gusto per l’estetica. Nella versione italiana Edna ha la voce della sempre splendida Amanda Lear.

Gli Incredibili, una normale famiglia di supereroi, è un film del 2004, diretto dal regista Brad Bird per la Pixar Animation Studios. Complimenti davvero a lui e al suo staff per la grafica divertente e non banale, per i piccoli particolari della storia e delle scene che rendono il film molto più particolare (la scena dove Mr. Incredibile esce dalla capsula indossando la vecchia tuta da cui fuoriesce una pancetta causata da anni di inattività è un particolare davvero carino). Un film da vedere sicuramente. Nel video la scena dove Mr. Incredibile chiede alla stilista Edna Mode di Rammendargli la tuta.

Nel DVD oltre al film e alle scene tagliate si trovano altri interessanti contenuti speciali tra cui il backstage del film e

un cortometraggio realizzato apposta per il DVD. In questo, intitolato “L’attacco di Jack Jack”, si vede una giovane babysitter alle prese col piccolo figlio dei nostri eroi, ritenuto fino a quel momento senza particolari poteri. La ragazza dovrà affrontare serie difficoltà nel gestire un bimbo che passa attraverso i muri, si incendia e spara raggi laser dagli occhi. Esilarante.

Nel secondo video l’originale del cortometraggio con musiche di Mozart in sottofondo.

Godínez intenta impresionar al departamento de fotocopiado asegurándoles que no sabe quien es Brad Pitt ya que él ve puras de Kieslowski y tiene un tatuaje de Tetsuo en la espalada baja.

Acepta la invitación de Godínez para que te meta mano en lo oscurito de la cineteca; cortesía de su abono que no incluye palomitas.

Duración: 75 minutos 13 segundos / 34.4 MB

Canciones:

• The Jam / A Town called Malice [Billy Elliot]
• Michael Jackson / Ease on down the road [The Wiz]
• Gavin Friday / Wig Wam Bam [Breakfast on Pluto]
• Goran Bregovic / Mesecina [Underground]
• Antonio Banderas / Bella María de mi alma [The Mambo Kings]
• Marc Anthony / Mi Gente [El Cantante]
• Richard Berry / Louie, Louie [Animal House]
• The George Baker Selection / Little Green Bag [Resorvoir dogs]
• Bob Dylan / The man in me [The Big Lebowski]
• Underworld / Born Slippy [Trainspotting]
• Roxy Music / Virginia Plain [Velvet Goldmine]
• M.I.A. / Paper Planes [Slumdog Millionaire]
• Curtis Mayfield / P.S. I love You [Superbad]
• Elton John / Tiny Dancer [Almost Famous]
• Louis Armstrong / La vie en Rose [WALL*E]
• Slim Whitman / Indian Love Call [Mars Attacks!]
• La que debes ver antes de morir. El luchador.

Arte: Folder para tu Pc / imprime, recorta y arma el empaque.

Descarga: Godínez va al cine. 16 canciones remezcladas en el rancho de George Lucas que se recomienda escuchar en sonido Surround envolvente.

Escucha en línea:

Remy是一個對食物很有要求的老鼠，祟拜認為〔所有人都可成為廚師〕的食神，無意得到了那本食譜，在一次大逃難中，為守住食譜和家人失散，留落到食神飯店，原來食神已死，飯店落在一個不懂食物的廚師手中。一個自稱是食神私生子的男孩Linguini被安排做清潔工，他無意中打翻正在煮的一鍋湯。Remy受到死去食神的鼓勵，出手幫Linguini，被Linguini發現原來Remy是一只會煮食的老鼠。其煮的湯大受顴迎。自此，Remy躲在Linguini的廚師帽里，為餐廳煮出多種菜式，使食神飯店名聲再次響徹巴黎，被譽為巴黎最好的餐廳。Remy幫Linguini奪回屬於Linguini的食神飯店．但餐廳被發現有老鼠而關門大吉．Remy和Linguini另開了一家小小的餐廳，由老鼠做廚師．　

動畫由Pixar負責，非常出色，動畫人物形象性格非常鮮明迥異，趣味性很強．　而且很有寓意，Remy 擺脫了身份的限制，追求理想，最總做到了〔所有的人都能成為廚師〕，　藝術家可以來自不同偕層．雖然是以巴黎作為故事的背景．但是英雄莫問出處精神，更有美國文化氣息．

Brad Bird is one of the most visionary directors alive today.  And he has guts.  How many directors would have the nerve to go into Pixar and shake up the system to keep it fresh?  How many directors would even know how to begin?  Yet Bird did just this while writing and directing two of the most successful Pixar movies to date.  The McKinsey Quarterly interviewed Brad Bird about his leadership at Pixar (posted at GigaOM).

Brad Bird on Fostering Innovation>>>

No matter how detached or aloof any of us pretends to be, there’s a thumbs-up and thumbs-down part in all of us. Herein lies an irony in the person of Roger Ebert: the man who, arguably, made contemporary movie criticism accessible to the masses, popularized the thumbs-rating system, and co-wrote the screenplay for Beyond the Valley of the Dolls is one of the most verbose and pretentious chubsters to look down his nose at everyone else in the world. Oh yeah, he also wrote a book entitled, Your Movie Sucks. So, as distasteful as it is to acknowledge common ground with the guy who gave full reign to the most simplistic summary of movies the world has ever seen, a thumbs-up is in order: Ratatouille is just great and everyone should love it. The reluctance of my thumbs to gesture upwards has nothing to do with the film but, rather, the aforementioned wannabe screenwriter.

Ratatouille becomes especially interesting and quite significant when it is considered next to its director Brad Bird’s previous animated film, The Incredibles. Can’t remember where right now (probably some blah blah blog), but someone said something about Bird’s no-holds-barred, anything-goes approach to social politics as seen in his films. This is a common and deplorably lazy tactic on the part of those who, like Roger Ebert, want to boil down years of work and creativity of someone like a film director to one theme or trope which can easily be discarded. One may as well say that Pixar’s movies are all just cartoons. It turns out, though, that Bird’s films can’t be generalized so simplistically. These two films serve as good examples. The Incredibles does happen to uphold traditional family values. When Mr. Incredible and Elasti-Girl hook up, they get married, they have children, and they all take on the name “The Incredibles” – Mrs. Incredible is referred to later as “Elasti-Girl,” but, interestingly, there is a letter “i” on her suit. Mr. Incredible’s government-enforced ordinary life puts him in a cubicle environment that hampers his ability to fight crime and uphold justice. In a way, the moral of the film is that some people are special – implying that others aren’t. Dash expresses at least as much frustration as his father that he can’t use his powers, specifically in sports. His mother tells him that “everyone is special.” Dash replies, “Which is another way of saying, ‘No one’s special.’” The film vindicates the Incredibles’ re-entrance into crime-fighting and their use of super powers – even implying that as long as Dash sticks to 2nd place in sports, he isn’t misusing his powers.

Ratatouille is fundamentally different from The Incredibles. Right off, it’s true that Ratatouille doesn’t deny special talents and abilities; hence Remy the Rat’s culinary gift. But there is a certain moral to this story that is quintessentially egalitarian: “anyone can cook.” So plain is this lesson that it might actually be a deliberate counterpoint to the moral of The Incredibles: not everyone is super. In The Incredibles, the villain “Syndrome” was precisely the character who tried to be super and inherently was not. He utilized technology in order to bear super-traits and do super-things. (Nevermind that it would take a “super”-genius to do what he did.) Other than small roles from the babysitter, Mr. Incredible’s boss, and Syndrome’s female assistant, Syndrome is the only “non-super” given much attention at all in the film, and he’s the bad guy.

Selling out

Ratatouille wisely includes the character of Linguini, the freckle-faced bastard child of Gusto who is utterly incompetent but lucky enough to run into Remy. Given almost as much screen time as Remy, Linguini learns not to take credit for the abilities of others and happily condescends to the role of server, despite owning the restaurant where his friend the rat cooks. Some people do have special gifts, Anton Ego the food critic insists, but those gifts are not spread out the way people tend to think. Skills can be taught and learned, and non-masters shouldn’t be ignored for needing an education. The masters, though, sometimes show up in unexpected places; in this case, Remy came from the sewer. Anton’s concluding article praising his rodent-prepared food is smart to insist that “not everyone can be a great artist,” but also that great artists come from the most unexpected places. So instead of backpeddling on the moral from The Incredibles, Brad Bird balances it with realist wisdom. Perhaps smarter than this point, though, is Bird’s anticipation of critical reviews of the film itself. The film makes a preemptive strike by defining the point of criticism and positing that, however good a critic is, his job is only to point out the great work of artists.

The moment when the ratatouille dish hits Ego’s taste buds, there is a return to childhood and, of course, the maternal. The food disarms Ego’s critical armor, takes him back in time, and then returns him to the present where he promptly drops his pen on the floor. Up until this point, Ego has been identified with death, an interesting insertion by Bird. Ego’s body is skeletal, his face morbidly pale, his voice inhumanly deep, and the shape of his study and objects inside of it are clearly shaped like a coffin. His identification with death prefigures his return to life when he tastes Remy’s dish. The flashback to his childhood returns warm colors to the character and allows him to return to life while his critical coldness dies, signified through the falling pen. He proverbially picks up the pen again, but only to confess his own shortcomings as a critic compared to the incomparable power of masterful art. Instead of art existing for the critic, the critic now exists for the sake of beauty.