Had an very odd night in front of the telly last night. Flicked on the set and found it tuned into a jazz programme fronted by Morgan Freeman – initially showed
Herbie Hancock, one of my favourite pianists playing energetically over what I thought was a really terrible electric band. My wife then came in just as it moved
onto footage of one of my other musical heroes Wayne Shorter. I pleaded with my wife to watch a bit – she’s never liked jazz at all and I was immediately
captivated – annoyingly the programme cut short the perfomance with more yadyada talking heads. Lastly it moved onto Brad Mehldau playing solo and hunched up over
the Steinway – riveting stuff, he’s just amazing, but I could sense how irritated my wife was – to her it was just a load of meaningless notes with no discernable melody.
Don’t know how to get her on board.

We had to switch over to our latest TV addiction In Treatment, my wife is a child shrink. It’s largely very well acted and intriguing stuff – psychoanalysis with all the
boring bits taken out and very swift breakthroughs (so nothing like reality really at all!). The episode we watched featured the shrink (Gabriel Byrne) and his teenage patient with suicidal and anorexic tendencies. It was genuinely moving and beautifully acted with huge attention to detail – this is quite something given it’s just two people talking in a room.
She’s my favourite patient – but I’m not entirely sure she’s in the best of hands given the shrink played no small part in the death last week of another patient of his who was a pilot.

After this over to my profession so we watched School of Saatchi on BBC2. I’m not sure if I have seen such an embarrassing and dispiriting telly programme on art, ever. I don’t really know where to begin and end with how awful and wrong it is so here’s a list:

Making art in the studio should be largely a private practice
Art is not meant to be ‘answerable’ to anyone, let alone an absent collector
Artists should not be forced to explain everything, and certainly not in public
Artists are not performing monkeys or dogs doing tricks
Artists are not meant to be working to please collectors and the public
Artists are not entertainment
Why the comedy music soundtrack throughout (stolen from Curb Your Enthusiasm in part)?
Why were these artists misguided enough to agree to participate?
Why ask the public to vote on their favourite work of art by these people?
Why is Saatchi absent?

The whole thing was just so awful – it made me feel ashamed of what my profession can do at their worst. It pandered to the tedious
received wisdom that all contemporary art is a con and rubbish. It undermines and misrepresents creativity and the role of art,
criticism, art history and collecting. Of course, you must watch it – as will I! Know your enemies.

Miércoles 18 de noviembre del 2009.- Con nuevo nombre e imagen, el Festival de México (FMX) nos da un adelanto sobre algunos de los eventos que tendrá programados para el próximo año. Entre estos eventos están conciertos, presentaciones de danza y obras teatrales. En conferencia de prensa, el Director general del FMX, José Wolffer, explicó que el cambio de imagen se debe porque “deseamos refrescar la imagen del festival, actualizar la presencia y aspiraciones del festival, además de que sea más fácil de recordar” apuntó al tiempo que destacó que la sede del FMX no será cambiada, es decir, que el festival seguirá teniendo su sede en el Centro Histórico.

Entre los primeros eventos que se presentaron están: la presentación, del pianista de jazz Brad Mehldau quien ha sido nominado tres veces al Grammy; los grupos musicales “La 33” y “Bomba Estéreo” que son grupos colombianos de música fusión; el colectivo mexicano “Fat Mariachi” y la banda japonesa “Boredoms”; asimismo, se contará con la presencia del espectáculo “Bare Suondz” el cual es presentado por el bailarín de tap Savion Glover; asimismo se presentará la obra “Hey Girl!” que dirige el italiano Romeo Castellucci y que reflexiona sobre la condición de la mujer contemporánea y los estereotipos femeninos; la obra “Horas de Gracia” que dirige el mexicano José Caballero y que es una de las presentaciones en donde se abordan las últimas horas del único emperador en México, Agustín de Iturbide.

Estos son sólo algunos de los eventos que se presentaron como anticipo al festival…y para que no te quedes fuera, los boletos los podrás adquirir vía telefónica o en las taquillas del festival a partir del 12 de noviembre al 30 de enero de 2010 contando con un 20% de descuento, pues del 1 de febrero al 10 de marzo los boletos contarán con un 10% de descuento. Para mayor información entra a www.festival.org.mx

"  "Alfie" is a song written by Burt Bacharach and Hal David.

It was the theme from the 1966 film Alfie. It was performed in the film during the end credits by Cher in an arrangement by Sonny Bono.

In 1966, Cher released her version (also the original version of this song) as a single. Released on the Imperial label, this version became a top forty hit on the Billboard Hot 100.

Also in 1966, Cilla Black released her version of "Alfie" as a single. It became a top ten hit on the UK Singles Chart, where it peaked at number nine. It was also a minor hit for her on the Billboard Hot 100.

On the Billboard adult contemporary chart, two further versions competed in 1966. While Carmen McRae took her version to number 29 on that chart, the version by Joanie Sommers enjoyed greater success, peaking at number nine.

In 1967, Dionne Warwick released her cover version as a single. This version outperformed both Black’s and Cher’s in the United States, going all the way to number 15 on the Hot 100 and number five on the Billboard R&B chart.

In 1968, Stevie Wonder released a harmonica instrumental version. This version also made the Hot 100, peaking at number 66. It was also a top twenty adult contemporary hit. Wonder released the single for Gordy Records under the pseudonym Eivets Rednow  (Stevie Wonder).

Other artists to record versions of "Alfie" include several versions by Burt Bacharach himself, Vikki Carr, The Delfonics, Bill Evans, Percy Faith, Blossom Dearie, Maynard Ferguson, Stan Getz, Dick Hyman, Jack Jones, The Anita Kerr Singers, Johnny Mathis, Brad Mehldau, Matt Monro, Mina Mazzini, Olivia Newton-John, Elaine Paige, Buddy Rich, Joss Stone (for the 2004 remake of Alfie), Barbra Streisand, The Sweet Inspirations, McCoy Tyner, Patricia Barber, Midge Ure, Sarah Vaughan, Nancy Wilson and Vanessa L. Williams.

In a deleted scene from the movie Austin Powers in Goldmember, they parody the song, replacing Alfie with Austin. The song is sung by most of the main characters. Michael Caine, who plays Austin Powers father, also played "Alfie" in the original movie. Scenes from the 1966 film Alfie can be seen in the background while he is singing.

http://en.wikipedia.org/wiki/Alfie_(song) . "

In this video, Tom Hope is on piano and my friend,

Jazz singer, the FABULOUS Kimberly Gordon

singing one of my favorite Burt Bacharach 

and Hal David songs, check it out! Kimberly has a CD

with her Trio called Melancholy Serenade which has

a wonderful and PROFESSIONALLY recorded version

of "Alfie".

8-30|11|2009
ROMA JAZZ FESTIVAL ‘09  – 33a ed.
JAZZ LABELS
Auditorium Parco della Musica
h. 21:00  da 10 €

Roma Jazz Festival 2009, rassegna giunta alla 33 edizione, sarà dedicata alle Jazz Labels, le case discografiche jazzs storiche e le nuove etichette, in virtù delle tante ricorrenze che proprio in questo 2009 ricordiamo. Primo fra tutti l’anniversario dei 50 anni dalla pubblicazione di Kind of  Blue il capolavoro di Miles Davis,  o come i 90 anni dalla prima incisione jazz in Italia.

Tutto questo verrà ricordato e festeggiato con un cartellone di artisti di fama internazionale che si alterneranno  per presentare le anteprime dei loso progetti.

Programma

Dom. 08/11/2009
Stefano Bollani Trio
Sala Santa Cecilia
h. 21:00 da 20 a 25 €

Lun. 09/11/2009
Kind of Blue Anniversary at 50
So What Band: J.Cobb, W.Roney, J.Jackson, V.Harring, L.Willis, B.Williams
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 15 a 20 €

Mar. 10/11/2009
Javier Girotto & Aires Tango “10/15″
Sala Sinopoli
h. 21:00 15 €  >> evento su Facebook

Merc. 11/11/2009
Sonny Rollins Quintet
Sala Santa Cecilia
h. 21:00 da 40 a 80 €

Giov. 12/11/2009
Roberto Fonseca Quintet
in apertura Livio Minafra
Sala Petrassi
h. 21:00 15 €

Ven. 13/11/2009
Gabriele Mirabassi Trio, Cristina Zavalloni, Mario Brunello, Marco Zurzolo Band
Sala Petrassi
h. 21:00 15 €

Sab. 14/11/2009
Brad Mehldau Trio
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 20 a 25 €

Dom. 15/11/2009
Diana Krall Trio
Quiet Nights World Tour 2009
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 50 a 90 €

Lun. 16/11/2009
SOL6
Teatro Studio
h. 21:00 12€

Mar. 17/11/2009
Showcase di Jamie Cullum
Sala Sinopoli
h. 21:00 10 €

Mar. 17/11/2009
3Quietmen Stefano Battaglia – Downtown Trio
Teatro Studio
h. 21:00 15 €

Merc. 18/11/2009
Antonio Placer Trio
Atlantiterraneo
Teatro Studio
h. 21:00 12 €

Giov. 19/11/2009
Nicola Conte Combo, Luciano Cantone
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 20 a 25 €

Ven. 20/11/2009
Alboran Trio
Teatro Studio
h. 21:00 € 12,00

Mar. 24/11/2009
Paolo Fresu, Uri Caine
with Alborada String Quartet
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 20 a 25 €

Dom. 29/11/2009
David Murray Black Saint Quartet
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 15 a 20 €

Lun. 30/11/2009
Richard Galliano “Solo”
Sala Sinopoli
h. 21:00 da 20 a 25 €

Boa noite!

Hoje mais uma grande noite de JAZZ, a última!

Desta feita, The Brad Mehldau Trio, um concerto que estou a aguardar desde o início do festival!

¡Zaragoza suena a Jazz damas y caballeros!

El ayuntamiento de Zaragpza, con el patrocinio de cerveza Ambar 1900 presenta un año más Jazz Zaragoza, que este año cumple su decimoquinta edición, y lo celebra con un elenco de estrellas de la escena jazzística internacional. Marcus Miller, Madeleine Peyroux, Kenny Garrett o Brad Mehldau son sólo alguno de los nombres que se van a dar cita en la capital aragonesa durante el mes de Noviembre.

Sala Mozart – 29 de Octubre
Sala Multiusos – del 5 al 15 de Noviembre
Entradas a la venta en taquillas del auditorio, cajeros de ibercaja, www.ibercaja.es y fnac
Precio del abono – 125 € (350 abonos a la venta)

El Teatro Fernán Gómez y el Circo Price, entre otras salas serán sedes de las XXVI edición del Festival de Jazz de Madrid

24-10-2009 Ayto de Madrid La inauguración oficial del festival tendrá lugar el 4 de noviembre, en el Teatro Fernán Gómez con el concierto de Joe Lovano Nonet El Teatro Fernán González ofrecerá 12 conciertos de artistas como Jimmy Cobb, Richard Bona, Brad Mehldau, Chastang, Larry Willis, Polo Orti, o Cassandra Wilson, entre otros El Teatro Circo Price acogerá los conciertos de Kike Perdomo Quintet & Eric Marienthal y Marcus Miller (12 de noviembre), y Madeline Peyroux (13 de noviembre) Se integran en la programación el Festival de Jazz San Juan Evangelista con las actuaciones de Ron Carter, Dave Liebman, o Javi Colina, entre otros, y el Festival de Jazz de Ciudad Lineal con las de Kenny Barron, Nils Petter Molvaer y John Scofield El programa se completa con ‘Jazz con sabor a club’, con más de 200 conciertos en 15 salas, y el ciclo ‘Música & Cine’, que proyectará sus cintas en el Fernán Gómez, Instituto Francés, Centro Cultural Nicolás Salmerón y La boca del Lobo Joe Lovano Nonet El próximo 4 de noviembre comienza una nueva edición del Festival de Jazz de Madrid con un concierto inaugural a cargo del saxofonista Joe Lovano en el Teatro Fernán Gómez acompañado de ocho instrumentos más. El certamen madrileño, que celebra en esta ocasión su vigésimo sexta edición, está consolidado ya como referente fundamental de la oferta jazzística de la ciudad de Madrid. Este año cuenta con un total de 17 conciertos en su programa central que se desarrollarán en cuatro salas: el Teatro Fernán Gómez que absorbe la mayor parte del programa central con 12 conciertos; el Teatro Circo Price con dos conciertos; la Fundación Carlos de Amberes con un único concierto; y el Centro Cultural Nicolás Salmerón que acogerá dos recitales gratuitos. La delegada de Las Artes Alicia Moreno, junto al director del festival Javier Estrella y al director de Actividades Culturales de Las Artes, Manuel Lagos, ha dado cuenta de los detalles de este programa, en un acto que ha contado además con la actuación de la cantante Edith Salazar y de Zenet. El jazz vocal, llegará al Fernán Gómez de la mano de artistas como Richard Bona, Diane Schuur o Cassandra Wilson. Mientras que los recitales más instrumentales contarán con virtuosos como los guitarristas W. Muthspiel, S. Grigoryan y R. Towner; y los pianistas Brad Mehldau, Larry Willis, y Polo Ortí. En su escenario estarán también las nuevas promesas del jazz en una nueva edición de la Muestra de Grupos Jóvenes de la AMEMM, que tendrá lugar el 15 de noviembre. Otra de las grandes citas con el jazz tendrá lugar en el escenario de la plaza de Colón. Será el caso del concierto Kind of blue, un homenaje en el 50 aniversario de la famosa grabación de Miles Davis, John Coltrane, Cannonball Adderley, Wynton Kelly, Bill Evans, Paul Chambers y Jimmy Cobb, y que éste último recordará, el 6 de noviembre. La pista central del Teatro Circo Price acogerá dos de las grandes citas del festival. La primera vendrá de la mano de los virtuosos del saxofón los Kike Perdomo y Eric Marienthal. Ambos inaugurarán una “sesión doble” el 12 de noviembre, que se cerrará con el clarinetista y bajista Marcus Miller, que presentará su concierto Tutu revisited. Por su parte la voz y la guitarra acústica de Madeleine Peyroux, visitará el festival, el 13 de noviembre, con la presentación de su último trabajo, Bare bones. La Fundación Carlos de Amberes, repite, por segundo año consecutivo, como sede del festival, con el concierto del Roy Hargrove Quintet, el viernes 6 de noviembre. Completan el programa central los conciertos gratuitos de Patricia Kraus y Edith Salazar, los días 27 y 28 de noviembre, respectivamente, que tendrán lugar en el Centro Cultural Nicolás Salmerón. Más propuestas Un año más destaca la programación del colegio San Juan Evangelista y del Festival de Jazz de Ciudad Lineal. El primero contará con un total de siete conciertos en los que participarán entre otros Dave Liebman & Ellery Eskellin, Ron Carter, Dave Douglas, Tomasz Stanko, y, Raynald Colom, Jerry González y Javi Colina, entre otros artistas. Ciudad Lineal, por su parte, incluirá las actuaciones de Kenny Barron Trío, Nils Petter Molvaer y John Scofield. Con sabor a club Además las salas de música en vivo han querido sumarse de nuevo a las actividades del Festival de Jazz con una programación especial, de más de 200 conciertos que se desarrollará en un total de 15 salas. En clave de cine También se podrá disfrutar en esta vigésimo sexta edición del festival de la aproximación al jazz desde la mirada del cine. El programa Música y cine contará con un total de 15 películas. En esta ocasión el ciclo Música y cine se desarrollará en torno a tres programas fundamentales. La música de Jurgen Kneiper para Win Wenders, repasará a través de cuatro películas, la fructífera relación establecida entre estos dos artistas germanos. Por su parte el programa 1959-2009, 50 años de música en la Nouvelle Vague, recordará la trayectoria de tres compositores de cine de la época: Michel Legrand, Pierre Jansen y Antoine Duhamel. Para concluir el apartado de cine, el programa 20 años de Lets get lost, rendirá un homenaje al trompetista Chet Baker con la proyección de la película Lets get lost de Bruce Weber.

Infochannel.Running news on air

Fonte: “ilmessaggero.it“

In anteprima il nuovo album della Consoli, per Claudio 5 notti natalizie. Joss Stone a febbraio

di MARCO MOLENDINI
ORMAI diventa perfino difficile parlare della nuova stagione dell’Auditorium, il cui riposo stagionale è ridotto al solo mese di agosto. Così, mentre si annuncia il nuovo cartellone, in realtà quella che è senza dubbi la più grossa istituzione culturale italiana viaggia già a buon regime con le sue sale, le sue proposte, i suoi appuntamenti. La musica (naturalmente) fa la parte del leone e continuerà a farla per i prossimi mesi fra appuntamenti di prestigio, festival (come quello del jazz che occuperà il mese di novembre), rassegne, spazi offerti ai musicisti (la formula Carta bianca privilegerà due jazzisti come il chitarrista americano Bill Frisell e il pianista Stefano Bollani) e moltiplicando lo sforzo autoproduttivo, affiancando alla consolidata PMJO diretta da Maurizio Giammarco e all’Orchestra popolare di Ambrogio Sparagna, un Ensemble contemporaneo (PMCE) diretto dal maestro Tonino Battista e una quarta formazione di nuovi talenti (la PMJC) con la guida esperta di Enrico Rava con fidi solisti come il pianista Giovanni Guidi e il sassofonista Daniele Tittarelli. 
Quanto al cartellone dei concerti, l’elenco parte dal Roma jazz festival dove figurano ospiti di peso come Stefano Bollani (8 novembre), Sonny Rollins (l’11), Brad Mehldau (il 14), Diana Krall (il 15), Jamie Cullum (il 17), Paolo Fresu e Uri Caine (il 24), David Murray (il 29), Richard Galliano (il 30). Ma il jazz, si sa, è da sempre una delle colonne dell’Auditorium: così nel corso dell’annata sono previsti pure gli arrivi del funambolo della voce Bobby McFerrin (20 maggio), del pianista di New Orleans Allen Toussaint, del batterista Jack De Johnette con il sassofonista John Surman (il 27 ottobre) o di grandi nomi del jazz nazionale come Enrico Rava, Franco D’Andrea, Roberto Gatto o Gianluca Petrella. Ampia la presenza di specialisti delle sei corde in una rassegna che mette in fila lo stato maggiore dello strumento: da Bill Frisell (30 ottobre e 17 febbraio) a Peter Green (14 novembre), Paco de Lucia (28 febbraio), Pat Metheny (17 marzo), Al Di Meola (20 aprile), Marc Ribot (27 aprile), John Scofield (5 maggio), Mike Stern (18 maggio), John McLaughlin (19 maggio), Mark Knopfler (13 luglio). La serie ”Solo” riservata alle performance individuali presenterà il multistrumentista Nando Citarella (19 novembre), il pianista Bobo Stenson (4 dicembre), Peter Hammill (7 dicembre), Danilo Rea con un omaggio a De André (11 marzo), Uri Caine (17 aprile). Invece il cartellone dei duetti, Dialogo, metterà insieme il pianista Wayne Horvitz e il sassofonista Briggan Krauss (venerdì), Fausto Mesolella e Mimmo Epifani (5 dicembre), Ralph Towner e Javier Girotto, Enrico Pieranunzi e Stefano Battaglia (29 gennaio), Gianmaria Testa e Erri De Luca (aprile).
Quanto al pop, a parte Joss Stone (7 febbraio), la musica italiana ha un ruolo pesante con le 5 serate natalizie di Claudio Baglioni, dal 25 al 30 dicembre, col ritorno di Cristiano De André (13 dicembre), la prima del nuovo album di Carmen Consoli (1,2,3 febbraio), Elio e le storie tese (17 gennaio). La musica etnica è rappresentata oltre che dall’Orchestra di Sparagna, da Manu Katché, dai Radiodervish. Quanto all’angolo della sperimentazione, be music, night, in tandem con Radio 3, ha fra gli ospiti Alvin Curran (30 gennaio) e George Lewis (a maggio).

Allen Toussaint é um dos maiores representantes do soul de Nova Orleans. Produtor, músico, compositor, exímio pianista, adquiriu fama primeiramente como Naomi Neville, compositor nas vozes de Otis Reading (no clássico absoluto “Pain in my Heart”), The Who (“Fortune Teller”, do álbum Live at Leeds), Lee Dorsey (“Working in the coal mine” e “Get Out my Life Woman)” e Glen Campbell (“Southern Nights”). Mais tarde produziu e tocou piano em álbuns de Paul McCartney, The Meters, Dr. John, The Wild Tchoupitoulas e Solomon Burke. A partir da década de 70 passou a lançar álbuns basicamente tomados pela soul music, mas que apostavam também na diversidade de estilos e em um leve toque experimental. São desta época, por ordem cronológica, Toussaint, Life, Love and Faith e Southern Nights. Boatos indicavam que o músico sucumbira ao furacão Katrina, mas em 2006 grava com Elvis Costello um álbum que chamaria atenção do mundo para sua produção contemporânea. The Bright Mississipi é seu primeiro álbum solo na década e conta com uma banda formada pelo clarinetista Don Byron, do trumpetista Nicholas Payton, do guitarista Marc Ribot, do baixista David Piltch, do percussionista Jay Bellerose. Entre as participações especiais, o pianista Brad Mehldau e o saxofonista Joshua Redman. (BO)

* # *

Por quê filmar Os Sermões do Padre Antônio Vieira? O cineasta Júlio Bressane respondeu de forma lacônica a respeito de um assunto sobre o qual muito poderia falar. Ele disse algo do tipo: “Filmei o Vieira por ‘razões de câmera’, para vê-lo recitar seus sermões…”. Caso a memória tenha me traído agora, garanto ao leitor que a expressão “razões de câmera” procede e se refere diretamente a este desejo tipicamente perceptível em artistas de encenar a realidade passada ou futura, viabilizando uma necessidade atávica de controlar o tempo. Em música, esse desejo se exprime não somente a partir do discurso tonal (ou atonal, na medida em que tudo é “discurso”), mas através dos timbres, das ambiências e, muitas vezes, das condições técnicas (chiados, suportes, etc). Exemplos mais ordinários desse procedimento podem ser encontrados na cultura do sampler, sobretudo no hip hop, mas de uma forma que poderíamos denominar “cubista” graças a articulação entre a música propriamente dita e seu meio de reprodução (isso fica claro no aspecto avant-retro de Madlib, Sa-Ra, etc.). A história do disco demarca essa percepção, na medida em que não temos acesso imediato às experiências que permitem um deslocamento no tempo, ao menos no que diz respeito às sensações propriamente ditas. E toda mixagem, no fim das contas, é uma tentativa de retirar a música do tempo e do espaço, retirá-la do turbilhão descontrolado das ondas sonoras e salvaguardá-la, da duração fugaz para a segurança da gravação. Até então eu não havia escutado exemplo tão contundente de como o timbre possui a capacidade de esgarçar o tempo, em sentido diverso ao do sampler. Refiro-me a este maravilhoso álbum de Allen Toussaint, The Bright Mississipi, o primeiro em mais de uma década e que é dedicado basicamente à interpretação de temas compostos por grandes músicos ou oriundos de New Orleans ou “gramaticalmente” identificados a sua música. Gente como Jelly Roll Morton, Thelonious Monk, Duke Ellington e Billy Strayhorn. E o resultado é soberbo.

O que leva um artista identificado com o soul a gravar um álbum como este? The Bright Mississipi pode ser encarado por muitos como um retorno ao passado, um retrô executado com a melhor das intenções e até mesmo uma reflexão acerca desta nova New Orleans que aos poucos emerge do caos. Uma homenagem, diriam. Mas da mesma forma como os batuques são aprimorados pela qualidade de gravação em Candombless, de Carlinhos Brown, poderíamos afirmar que o esforço de Toussaint e sua banda aqui não é o de ressucitar o cadáver do jazz de New Orleans, mas de traduzí-lo para a gama de timbres absolutamente renovados dos dias atuais. O jazz arrastado das brass bands e do Mardi Gras mantém-se caracterizados tanto na execução como nas composições, mas o apuro da gravação revela estalos e dinâmicas que a má qualidade das velhas gravações de King Oliver e Louis Armstrong não nos permitia acessar. Algo aqui é como que reavivado e, por estranha consequência, sublimado, seja por obra do talento de interpretação, seja pelas qualidades evocativas que frisei a pouco. O disco abre com a sensual e hipnótica “Egyptian Fantasy”, composição do músico nativo Sidney Bechet (em parceria com John Reid), e fecha com o clássico “Solitude” (de Duke Ellington, Irving Mills e Eddie DeLange), cobrindo não exatamente uma época, mas uma certa musicalidade que não encontra espaço nos dias de hoje, justamente por suas características centrais. O Jazz de New Orleans é extremamente arrastado e dialoga o tempo inteiro com o blues na medida em que explora os tempos de uma forma bastante diferente do bebop, por sua vez mais agressivo e veloz. Sem contar que depreende ora profunda melancolia, ora uma lascívia perene, ao contrário do jazz de New York, agitado e cortante. Neste sentido, os músicos aqui presentes conseguiram se desvencilhar da inescapável pegada do bebop e criar uma atmosfera musical ao mesmo tempo evocativa e promissora (nota para o som da bateria, dos sopros, e, particularmente, para o violão sem mistérios, mas bastante emotivo, de Ribot; e, claro, para o piano derramado do próprio Toussaint).

Sim, promissor, embora seria exagerada a afirmação de que The Bright Mississipi demonstra a vitalidade do jazz de New Orleans. Corresponderia a tomar de empréstimo sua própria vitalidade e injetar no gênero sem maiores cuidados. Mas há reconhecidamente uma diferença no jazz e, em geral, na música de Nova Orleans fundada em suas matrizes culturais. Diferença esta que habita o Mardi Gras, o cajun, o zydeco e até mesmo o soul-funk de grupos como Neville Brothers, The Wild Tchoupitoulas e The Wild Magnolias e que é contígua ao jazz, a despeito de modismos que o fizeram praticamente desaparecer, pelo menos do cenário ativo do gênero (não me refiro às fanfarras e bandas dixieland locais, geralmente com valor meramente turístico). Mas eis que The Bright Mississipi traz esta diferença à tona, apresentando uma sonoridade ao mesmo tempo histórica e atual, autêntica e atualizada e, sobretudo, potente. (Bernardo Oliveira)

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Para um blog como A Camarilha dos Quatro, que quase sempre celebra o novo e o experimental, pode parecer estranho que um disco tão tradicional como The Bright Mississippi apareça em suas páginas. Mas que não se engane o leitor acostumado com os blips, clicks, cuts e drones que tanto preenchem nosso espaço. Formas mais antigas e tradicionais da música também nos interessam amiúde: basta surgir um lançamento como este, que dá interpretações atuais e magníficas a clássicos do jazz. Não cabe aqui, porém, listar os méritos dos músicos, que são muitos – todos têm grande reconhecimento na prática de seus instrumentos, e mesmo Toussaint, mais conhecido por suas canções de soul, mostra segurança e eloquência para reinterpretar números famosos do jazz pré-bebop no piano.

O que mais encanta em The Bright Mississippi não é o entrosamento alcançado pelos músicos, tampouco a limpidez da produção, ou sequer a beleza das interpretações. Fica claro que sua intenção é manter viva uma música belíssima e primordial em relação aos caminhos tomados pela música popular e experimental no século XX – digamos que sem o jazz de raiz de Nova Orleans não existiria o bebop, o free jazz, improv e mais tantos outros estilos que amamos. E depois do furacão Katrina, que trouxe danos irreparáveis à cultura da cidade norte-americana, é ainda mais comovente que Toussaint – se aproximando de um gênero do qual sempre foi íntimo, mas nunca praticou – tenha se preocupado em revisitar estilos cujos herdeiros maiores foram ameaçados de extinção. Resgatar essas canções é preservar uma memória musical que luta contra o esquecimento e as catástrofes naturais para não esvaecer. Por isso, The Bright Mississippi é um álbum de agora e de sempre. (Thiago Filardi)

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Uma das temáticas mais recorrentes no cinema de Pedro Almodóvar é como a morte reconfigura a vida. A possibilidade dela, a hipótese ou a factual morte de um outro. É o cerne mesmo de alguns de seus filmes, como Tudo Sobre Minha Mãe e esse último (e belíssimo) Os Abraços Partidos. Almodóvar tem esse raro talento de aproximar-se da iminência da morte para criar situações dramáticas que celebram – sem pieguice ou exageros, apenas uma modesta constatação – a evidência de estar vivo. O mesmo fenômeno se dá com a cidade de New Orleans. Acometida pelos desastres em decorrência do furacão Katrina, New Orleans hoje participa de um processo de revitalização que só o olho no olho com a morte possibilita. E, no caso da música, a revitalização se dá de forma particular: New Orleans não é somente “uma cidade” no que diz respeito às tradições musicais americanas, mas um enorme celeiro de manifestações musicais múltiplas, além do local de nascimento do gênero que mais intimamente representou os Estados Unidos culturalmente como diferença no século XX, o jazz.

Só isso parece explicar o fato de um pianista associado ao r&b e ao soul, como Allen Toussaint, realizar um disco para celebrar o jazz americano pré-bebop com grande ênfase em figuras seminais do gênero e de New Orleans, como King Oliver, Sidney Bechet, Louis Armstrong e Jelly Roll Morton. The Bright Mississipi vai mais além, incluindo marcas fortes do jazz dos anos 20-30, como cornetadas de trompete e dinâmicas de clarinete e trompete solo em algumas faixas. “Egyptian Fantasy”, de Sidney Bechet, abre o disco de forma característica. Bechet foi o primeiro revivalista, por assim dizer, do jazz de New Orleans, mas saiu muito cedo de sua cidade, permanecendo na Costa Leste americana ou na Europa pela maior parte de sua carreira. Podemos depreender daí, talvez, uma espécie de identificação dupla de Toussaint: reviver a tradição ancestral e ao mesmo tempo usar a música como uma espécie de “reterritorialização” da cidade, ou mais propriamente de seu espírito.

O único perigo de uma tal empreitada é evidente: prestar tanta reverência a ponto do projeto acabar fadado ao esforço mimético de macaquear o passado, transformando a vibração vital em folclore desossado e indolor. O perigo é burlado não por uma “atualização” em termos de sonoridades e processos de composição ou improvisação “contemporâneos”, mas pela intensa vibração que brota da interpretação dos músicos e da exuberância dos arranjos. Revivalismos costumam diluir e tornar mais palatáveis os ritmos e arranjos, como a lógica que transforma o samba em “sambinha”, mas nada disso existe em The Bright Mississipi. Reviver, nesse disco, significa preencher de vida e emoção, e isso se nota com clareza no piano sentimental de Toussaint, grande protagonista do disco, mas também nas interpretações dos músicos “residentes” e dos convidados, que articulam com muita astúcia economia e ataque, de modo que a força do conjunto nunca seja minada pelas intervenções individuais (o que é característica tanto do jazz de New Orleans quanto de figuras como Thelonious Monk e Duke Ellington, figuras da Costa Leste que também são homenageadas no disco). The Bright Mississipi não é uma afirmação de qualquer coisa nem pretende ser; é apenas a celebração vital de uma música e de uma cidade que sobrevive orgulhosa a despeito do tempo, dos modismos e das intempéries. (Ruy Gardnier)

Três motivos para assistir ao show do pianista norte-americano Brad Mehldau hoje no Teatro do SESC Santana:

1 ) Brad Mehldau é hoje o pianista mais interessante no horizonte, é o cara que transita entre o erudito e o pop respeitando ambos, arquiteta camadas e alicerces de harmonias e improvisações para depois destruir/construir tudo de novo nota por nota. Pode ser o show do ano!

2 ) Quando tocou no belo Auditório Ibirapuera em 04 de Junho de 2006 protagonizou uma das mais intrigantes e belas cenas do pop: Brad Mehldau entra no palco e é aplaudido de pé por uma audiência lotada, começa a tocar e percebe que o piano está desafinado, continua a tocar e mexer nas cordas improvisando uma afinação. Um olhar mais atento e aguçado perceberia que Mehldau está agredindo seu instrumento, mas não, ele tenta tirar o melhor de ambos: ele e o piano. Raras vezes isso acontece no pop. A memória me faz lembrar de Neil Young em Buenos Aires tocando sem uma das cordas de sua guitarra e com o som do estádio desligado, vira as caixas de retorno para a platéia e faz um show histórico. Mehldau fez isso com seu piano.

3 ) No disco solo “Live In Tokyo” Brad Mehldau toca uma versão de “Paranoid Android” do grupo inglês Radiohead durante 19 minutos. No disco “Live” toca uma versão de “Black Hole Sun” do grupo grunge Soundgarden durante 23 minutos. Já ouvi a versão do Soundgarden. Hoje bem que ele poderia tocar a melhor música do Radiohead.

Um motivo para não assistir ao show do pianista norte-americano Brad Mehldau hoje no Teatro do SESC Santana:

1 ) Os ingressos estão esgotados desde a última quarta-feira. Pena.

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Lembrei do que Dapieve escreveu sobre Mehldau em seus shows: “Quem já assistiu a um show de Mehldau testemunhou o tormento físico da sua performance: ele fica meio torto, em transe, sobre o piano, o rosto voltado para longe da platéia. É impressionante.”

É impressionante e único!

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À partir de hoje, o jazz toma conta da programação do SESC em São Paulo.

O trompestista Terence Blanchard, um dos grandes nomes de sua geração, traz sua mistura de jazz tradicional, fusion e acid jazz à choperia do SESC Pompeia, hoje à noite (21:00). Blanchard, que também é conhecido pelas trilhas sonoras que compôs para alguns filmes de Spike Lee, se apresenta com seu quinteto.

Já o pianista Brad Mehldau, que também é um ícone de sua geração, vem em versão solo para as três noites no teatro de SESC Santana. Ele toca amanhã e sábado as 21:00 e no domingo as 19:30.

Brad Mehldau has unquestionably been the most lauded pianist to come along in recent memory. Critics, contemporaries and fans alike praise his technique, taste and output with few, if any, criticisms. Joshua Redman, who claims to have “discovered” the pianist when he was still in his 20’s, and who himself has been one of the darlings of the industry since the early 90’s, is one of Mehldau’s biggest supporters. In a Downbeat article from a few years ago, Redman told the magazine that Mehldau is “a genius. He has everything going for him, and he has all the raw talent: perfect pitch, perfect time, an incredible memory, flawless technique, and he’s one of the hardest swinging people I know.”

Mehldau’s skills go far beyond his technical abilities however, and the nuances of what is already an extremely established career are what make him a true genius.

4 Reasons

1 ~~ His repertoire

Along with Larry Grenadier on bass and Jorge Rossy (later replaced by Jeff Ballard), Mehldau has released a strew of trio albums in the last 15 years. Strongly in the vein of the classic Bill Evans and the more recent Keith Jarrett trio recordings, the set lists most often are comprised of standard interpretations. But what Mehldau has worked hard to do, and what has greatly contributed to his crossover success, is incorporate a new era of “standard” into his repertoire. The music of Cole Porter, Rodgers and Hammerstein, Harold Arlen and George Gershwin have become intermixed with the music of Lennon and McCartney, Nick Drake, Radiohead, Paul Simon, and even Soundgarden. Far from the kitschy or dubiously executed attempts by artists such as Herbie Hancock, Don Byron, David Hazeltine and Joshua Redman to do the same, Mehldau has exemplified an uncanny ability to interpret these songs in a way that makes them stand up to their classic counterparts. Besides having superb taste, his tasteful and selfless interpretations show that there truly are some incredible songwriters around today.

This version of Paul Simon’s “Still Crazy After All These Years” is one of my favorite recordings. Mehldau realized that a melody as original and beautiful as this one stands on it’s own, and refrained from soloing over the entire form. Instead, after stating the melody, he takes the end of the form and builds it to a gorgeous climax whereupon the melody returns and sounds 10 times as beautiful as it did in the beginning. This moving interpretation certainly brings a whole new meaning to an already amazing song.

2 ~~ His solo performances

Heavily influenced by the solo concerts of Keith Jarrett, especially the Bremen/Lausanne concerts, Mehldau has become a modern champion of the style itself. His approach is less cerebral and improvisationally based than Jarrett and others like Paul Bley, instead choosing to perform his solo concerts just like his trio concerts: with a setlist of standards and some originals. What he achieves by doing this is a distinct intensity not found in the playing of others. While the solo recordings of Jarrett and Bley have a more inward-looking and symphonic feel to them, Mehldau’s solo concerts play more like pop albums.

This recording of Radiohead’s “Paranoid Android” is a great example of both Mehldau’s incredible interpretation skills as well as his intense solo performances. At the peak of the performance, Mehldau sounds like he is 4 different piano players at once, and the effect makes it seem like there is an entire band on stage. His approach is also very classical in nature, both structurally and technically. What begins with a simple melody statement in the exposition continues into a raucous development and ends with a technically flawless and heavily contrapuntal recapitulation. The result is a masterful mix of classical, jazz, pop and solo improvisation.

3 ~~ His heavily motivic improvising

Other than his incredible technique and penchant for contrapuntal playing, the best evidence of Mehldau’s classical training is his motivic approach to soloing. It is by no means “original” to stick to a single idea as a basis for improvising, whether it be a launching point or a returning point, or both. However, to successfully utilize it in improvisations can be extremely tricky. It is very easy to make the use of motifs sound forced, contrived or even stupid. Mehldau, on the other and, has the ability to use this approach to such an effective degree that sometimes it takes far more than a single listen to discern that he is even doing it.

On this track, which also showcases Mehldau’s excellent rhodes playing, he takes an extremely simple rhythmic motif and wrings it for all it is worth. If you listen carefully, from it’s initial debut at 3:34-3:35, it is constantly being thrown around until he finally digs into it once again at the end, around 4:38, almost as if to say to the listener, “have you noticed that this is pretty much all I have been doing?” What Mehldau achieves in this is to create a solo that is both well rounded and extremely intricate in it’s presentation.

4 ~~ His role as a sideman

While Mehldau is most famous for his work as a leader, his most impressive work could arguably be said to be his sideman dates. Piano players have the distinction of being important as both leaders and supporters, because of their instrument’s flexible role. Some piano players have become famous solely for being leaders, such as Ahmad Jamal and Keith Jarrett. The former has few if any sideman dates, and the latter stopped recording as a sideman over 25 years ago, as soon as he could afford to. However, most pianists have become almost entirely associated with the leaders that made them famous. McCoy Tyner was “John Coltrane’s pianist”, Red Garland, Chick Corea and Herbie Hancock were made famous by their stints with Miles Davis (although only Garland had an undistinguished solo outing), and Joe Zawinul will forever be associated with Cannonball Adderley and Weather Report. On the more extreme side, pianists like Hank Jones and Wynton Kelly were known almost exclusively as sidemen. But, because of the role of the piano, these distinctions didn’t necessarily cost these players any renown: Jimmy Jones is one of the most famous piano accompanists of all time, despite only recording one far out-of-print 1950’s LP.

Mehldau, on the other hand, has the best of both worlds. Not only is he one of the most succesful leaders in jazz since 1990, but he is an extremely gracious, selfless and effective sideman. As a supporting pianist, Mehldau has appeared with Joshua Redman, Charles Lloyd, John Scofield, Chris Cheek, Mark Turner, Kurt Rosenwinkel, Michael Brecker, Allen Toussaint, Willie Nelson, Jon Brion and many, many others. Content to be understated and introverted on his solo outings, he also understands the effect of a powerfully and flawlessly executed piano solo in a larger piece. This recording from Joshua Redman’s album Timeless Tales (For Changing Times) features Mehldau returning to the saxophonist’s group a few years after their initial quartet’s demise. It is clear that this modern arrangement of the standard “Yesterdays” was written with Mehldau in mind, because the way he approaches the unusual form and moves effortlessly into the duet afterwards could only be executed by such a masterful accompanist. This solo stands as a premier example of Mehldau’s skills as a sideman and is probably one of hist most incredible recorded solos.

Una vez superado el Jetlag, el stress post vacacional y demás chorradas me dispongo a relatar los conciertos que pude disfrutar durante mis vacaciones en la gran manzana.

El primer encuentro musical importante que pude disfrutar fue en la Sala Smoke, en este club de jazz escuche en vivo por primera vez en mi vida a Brad Mehldau, uno de los mejores pianistas de jazz del actual panorama musical. Un set de hora y media donde demostró su capacidad interpretativa al máximo, este sujeto puede emocionar como pocos, en sus manos los standards cobran otra dimensión, el momento mas alto fue su interpretación de “Under My Skin”, desarmo la estructura de la canción en mil partes sin perder en ningún momento la emoción, un verdadero genio.

Al día siguiente cuando todavía me duraba la emoción de la noche anterior nos fuimos al Blue Note a escuchar a un artista que jamás pensé que podía ver en vivo y del que soy un gran fanático, me refiero al músico y poeta Gil Scott Heron. Tenía un poco de miedo ya que el amigo tiende a colgarse mucho con el spoken y poco con la música. Subió al escenario y después de 20 minutos de charla yo estaba empezando a ponerme un poco nervioso, pero en un momento se sentó al piano y empezó a endulzarnos los oídos con sus canciones, después de su primer canción llego la banda y a partir de ese momento sonó el funk mas compacto y tremendo que escuche en mucho tiempo, el momento mas alto (y más esperado por mi) fue una tremenda versión de “Pieces of a Man” que me dejo con los ojos llenos de lagrimas y con el corazón pletórico de felicidad.

Un par de días después el pop llego a nuestros oídos, en Governor island tocaban en una playa artificial los ochenteros B-52’s, el marco era el ideal para escuchar a estos viejos fiesteros del pop, desde el primer acorde comenzó una fiesta que lamentablemente se vio interrumpida a la mitad del concierto por una tormenta que nos obligo a ponernos a cubierto, pero antes de que esto suceda pudimos escuchar tremendas versiones de “Give Me Back My Man”, “Rock Lobster” y “Roam” , disfrute total y absoluto.

Y para cerrar los conciertos que mejor que con una española, un show gratuito en el Lincoln Centrer de la enorme Concha Buika. Acompañada de un piano, cajón y un repertorio cosmopolita logro una larga ovación de pie por parte de una audiencia que vibro con cada una de sus canciones. Mis momentos favoritos fueron “Jodida pero Contenta” y una increíble versión de “Volver,Volver”, pura emoción.

Esta fue mi primera recorrida musical por una ciudad repleta de arte, seguramente este blog se seguirá llenando de historias musicales de New York en un futuro cercano, a estar atentos.

Brad Mehldau

Em setembro de 2009 vamos presenciar o Tour do Grande pianista Brad Mehldau, que é um super virtuose e tem buscado um repertório mais pop com temas variados incluindo Paul Simon, Beatles, Radiohead … e brazucas como Chico Buarque e Milton Nascimento.

Todas as apresentações serão solo, exceto o show no histórico Teatro Solis de Montevídeo que será como trio.

Confiram as datas do Tour Sulamaricano :

Colombia
2 de Setembro – Cali – Sala Beethoven
3 de Setembro – Bogotá – Teatro Libre

Chile
5 de Setembro – Santiago – Teatro Oriente

Uruguai
9 de Setembro -  Montevídeo – Teatro Solis

Brasil
11, 12 e 13 de Setembro – São Paulo – SESC Santana
14 de Setembro – Porto Alegre – Teatro do Sesi
15  de Setembro – Rio de Janeiro – Oi Teatro Casa Grande

… I have just seen that on October 15 Brad Mehldau will be playing a duo gig with Josh Redman at the Wigmore Hall in London.  The Wigmore Hall is principally a classical music venue, but it will suit these two nicely, I would think.  I remember going there on a school trip in about 1985 to listen to my clarinet teacher play a concert.  That was a fun night – we got to leave school and go up to London for the evening, after all – but what I wouldn’t give to be back in London for this gig.  I’ve seen Mehldau play with his trio on a couple of occasions and it’s never short of stunning.  His live solo work isn’t too shoddy, either.  And Joshua Redman is one of my favorites of the younger generation of saxophonists.  Seems like he can play just about anything with suppleness and grace and oodles of technique to spare.  Should be a great gig.

Oh well.  The schedule for the upcoming 2009/2010 We Always Swing Jazz Series in Columbia, MO, will be published soon, and I’ll be covering all that in detail when it comes out.  (Both Mehldau and Redman have visited Columbia as part of the series, although not togther.)  I already know some of the people who are coming… should be a bumper year.  Watch this space.

Continuing our series of interviews for “Being a fan of…”, we meet today with Sarah, a Belgian girl studying in Boston. One of the major rock band of the 90’s and of this decade is definitely Radiohead, impressively improving the quality of their music from Pablo Honey to OK Computer, radically changing direction with Kid A and followers, distracting even more the well established music industry. The following interview recalls great moments of the bands through the experience of a Radiohead fan: the importance of a brother to discover new bands (as for Linkin Park), the misunderstanding of other generations and the amazing feeling of following a band in the most unsafe corner of its career.

When did you first hear of them?
My brother had bought ‘the Bends’, and he made me listen to it. He was a very big Nirvana fan at the time, but I wasn’t so much into this ‘dark’ music. But then when he let me listen to the Radiohead album, I was sold right away. I even made a deal with him that I exchanged my CD of ‘the Verve’ with ‘the Bends’ so that it became mine. I am not sure whether he regretted the exchange in the long run, but I at least didn’t!

What is the craziest thing you’ve done for that band?
Well, I have always been on the phone or internet early enough to get tickets to their show, except for the first time they were touring with OK Computer. I really wanted to go to that show but I was actually a little bit too young (16 or so). Either way, my mum found it pretty funny that it was sold out (because that would stop me whining from wanting to go). But I did not give up and sent an ad to a magazine forum to ask for tickets. I put my phone number in that ad and some random people started calling us for the whole week, just to have fun, but there was also one person that would drop by the two tickets at my home, so that I could go. I was of course very excited to go, so I really wanted to buy the tickets… but then my mum found another excuse: ‘you don’t think that I will drive you and your friend to that gig, do you?’. So then in the end I had to turn down the tickets and I did not manage to see the concert. I did of course not forget the incident , after all the trouble I had gone through to get those tickets.. My mum was quite surprised by me not forgetting the incident, and she ended up feeling a bit bad about not letting me go in the end. So bad that the next time Radiohead was around with Kid A, she actually also booked a ticket and went with me

Do you owe all their albums? Any rarities?
I have bought all their albums, some of them also in record version. And from some of them I have the limited editions from the first press. I also have the ‘miss-press’ of ‘Kid A’. In the first press of this album, you can hear 40 seconds of noise before the first song starts. If you listen to the album at once, you don’t find this very disturbing, but the track numbers are also off by 40 seconds. So when you want to listen to the 2nd song, then you get the first 40 seconds of the first song first and so on. I didn’t know that I had that version until they made a campaign for people who wanted to have that album replaced with a correct print. Of course I was very happy that I had a ‘collectors item’ in my hands and I did not have it replaced

How many concerts of them have you attended?
6 times: 3 times in Belgium, once in Madrid, once in Berlin and once in Copenhagen

Have you ever met them personally?
I bumped into Thom Yorke and the band in the Reina Sophia museum in Madrid in front of the Guernica painting. This was an amazing moment for me because I travelled all the way to Madrid to go see their show. And this is how I also realised that Thom Yorke is pretty small. He came out of a corridor that led to the painting and I wanted to go passed that corridor when we sort of bumped. He was as surprised as I did, and I almost got a heart attack right there.. When we bumped, he looked at me, he looked at the text that was written on my T-shirt, and then passed by. I am happy I didn’t say anything, because it would have been something stupid anyways…
I wouldn’t mind having a beer with the Thom Yorke some evening, but since it is probably going to be one of these awful experiences, I might just rather not. Their music is all I need, although I sometimes wonder what is going on in the head of Thom Yorke.

Does the passion you have for this band has had consequences for your private life ?
Only good things there! I have so many memories to the band and their music, that I don’t even know where to start. They have been sort of like the soundtrack to my life almost.

What do you think about the recent projects covering Radiohead’s songs? OKX a tribute to OK computer, Easy Star all-stars, Songs With Radio Heads, Brad Mehldau, Richard Cheese…
I know that Radiohead supports all these project, so I am fine with it. I am not very interested in these projects because covers or remixes of Radiohead are usually worse than the original.

What was your opinion when they announced the album In rainbow could be downloaded for the listener’s price?
Great! Even me, as the great fan got it for free (shame on me). Either way, I made up for it by buying the album later on when it came out on CD. I think it is a great initiative and I think that most bands already know that they earn more on their tours than on selling CDs anyways. So I think it was a nice statement!

There are a few seats left in the Gold area for Brad Mehldau and Maraca double bill next Thursday 16th, at the Malta Jazz Festival.  Grab a ticket from MaltaTicket.com.

Also remember that there is a free shuttle service with Park and Ride between 19h30 and 00h30 from the parking areas to Ta’ Liesse.

Here’s some more Brad Mehldau to whet your appetite.  Still need convincing?

Giving the Sountracks genre a whirl again…

1. “Reflections of Earth” – Disney, Walt Disney World Millenium Celebration
2. “Creation of Tron” – Wendy Carlos, Tron
3. “The Prophecy” – Howard Shore, The Fellowship of the Ring
4. “The Unsung War” – Keiko Kobayashi, ACE COMBAT 5: The Unsung War
5. “Vespertillo” – Hans Zimmer, Batman Begins
6. “Love’s Dream” – Rick Wakeman, Lisztomania
7. “Kaonashi (No Face)” – Joe Hisaishi, Spirited Away
8. “Kids Return” – Joe Hisaishi, Kids Return
9. “Dream” – Brad Mehldau, Midnight in the Garden of Good and Evil
10. “National Treasure Suite” – Trevor Rabin, National Treasure

trivia:  Many don’t realize this, but since video games can earn as much as (or more than) a mainstream movie, many of their soundtracks are as outstanding as their movie counterparts.

We’re in real countdown mode at the Malta Jazz Festival.   7 days to go and our logistics teams are in overdrive.  Construction work on the stage starts next Monday.

We caught up with Adrian Mamo, Chairman of the Malta Council for Culture and the Arts, and asked him what the Jazz festival means to him.

“Any country that respects cultural exchange boasts at least one Jazz festival of note. What makes the idea of a Malta Jazz Festival so alluring? It all boils down, I believe, to the striking likeness between the region we live in and Jazz itself as a genre. They both speak of a history based on human encounter and the sharing of cultural expressions from the four corners of the globe.

Through an ever-increasing interest in the genre, ranging from Morocco to Italy, from Cyprus to Turkey and France, the eclectic sounds of Jazz keep changing the Mediterranean cultural landscape. In staging the 2009 Malta Jazz Festival, the Malta Council for Culture and the Arts aims to place Malta once more as part of a prestigious world circuit of Jazz events.

True to its past renown as a hub for the exchange of musical experience, this year’s festival encourages an encounter between musicians of international fame, and gifted local Jazz artists.

The Jazz festival is back. Expectations are high, and rightly so, because the Malta Jazz Festival has been host to some of the most pleasurable acts on the world scene.

As American cornetist Bix Beiderbecke had quipped, however, ‘One of the things I like about Jazz, kid, is I don’t know what’s going to happen next.  Do you?’

Enjoy the show”.

The Malta Jazz festival kicks off next Thursday 16th July at 20.00hrs with Brad Mehldau.

Be there.