The fantastic Thanksgiving weekend found me slogging through a pile of work.  When I’m that deep into a project, the blog suffers. One of these days I’ll grow two heads and four hands. Or not.

I’m really happy to report that the more I get out and meet dealers, the more I believe we’re almost all on the same page now – and more than ready to mix it up with new buyers.

The Brooklyn Museum and Sanford Smith have long collaborated on a Young Designer’s Award presentation at the Modernism Show.  What a great way to generate interest among the trendies.  (FYI, here’s a link to my review of the Modernism+ART20 Show. http://bit.ly/4OARYt. At the end of the article, you’ll see the quintessential mixing of old guard new ideas.)

And the revolutionary Christie’s / Elle Decor partnership seems to be doing the job. http://bit.ly/8eJLsX

Maybe the newbies  don’t have the money (yet) that the old guard does, but does it make a difference?  We’re experiencing a correction of art prices so it’s really a great time to get into the market. And if there’s one thing this gen understands, it’s how  to spend.

Of course, they want way  more than Kulture. They want to have have fun too. This bring us back to the idea that  Experience Trumps Exhibit that I wrote about recently. But the fact is that they two are synergistic.

At this time of year, especially, all routes should lead to your shop or gallery.   Here are a  few ideas I’ve seen other dealers and galleriests do successfully.  I’m sure you have thought of  them but seeing them in print might just validate your own inner marketer.

• Partner with the local wine seller. If your shop lends itself to it,  he may us host a tasting there. Nothing like a little free grape to make the eyes bigger.

• Advertise great finds at affordable prices. Find the right price point and send out a newsletter – or run an ad. Don’t be shy. Put that dollar figure in the headline. How about “American Paintings Under $5,000.”

• Or, take the path of cautions humor as Jack Rutberg,  Jack Rutberg Fine Arts,  Los Angeles, did in a Thanksgiving weekend newsletterl. He posed the Q. “What do you do with relatives after the turkey?’ His answer, bring them down to the gallery.   That Q. had a universal theme.

Bottom line: The new collectors and buyers are their.  (Could they be the Ren Gen? Indeed, they could.) And the holiday season is a great time to target them.

Slightly off message, but possibly helpful. Check out or new home page. (We  finally got around to updating it…and there will be updates to come, just as soon as can come up for air. ) Check it out: PR To the Trade.

October 30, 2009–January 31, 2010
Morris A. and Meyer Schapiro Wing, 5th Floor

Who Shot Rock & Roll is the first major museum exhibition on rock and roll to put photographers in the foreground, acknowledging their creative and collaborative role in the history of rock music. From its earliest days, rock and roll was captured in photographs that personalized, and frequently eroticized, the musicians, creating a visual identity for the genre. The photographers were handmaidens to the rock-and-roll revolution, and their images communicate the social and cultural transformations that rock has fostered since the1950s. The exhibition is in six sections: rare and revealing images taken behind the scenes; tender snapshots of young musicians at the beginnings of their careers; exhilarating photographs of live performances that display the energy, passion, style, and sex appeal of the band on stage; powerful images of the crowds and fans that are often evocative of historic paintings; portraits revealing the soul and creativity, rather than the surface and celebrity, of the musicians; and conceptual images and album covers highlighting the collaborative efforts between the image makers and the musicians.

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present is organized by the Brooklyn Museum with guest curator Gail Buckland.

info www.brooklynmuseum.org

Bird droppings can pose serious health risks to humans. The acidity in bird guano also defaces stone and metal, attacking the substrata of a building to cause permanent damage. Concerned, Brooklyn Museum contracted BirdMaster to prevent pest birds from getting to the museum’s exterior architectural elements – which had already been infested with pigeons.

To prevent pigeons from coming back and nesting on the sculpture, BirdMaster bird proofed it with installations that are virtually invisible from the ground. To permanently solve the bird infestation problem, BirdMaster’s bird control experts secured it with stainless steel wire, resin coated stainless steel mesh and stainless steel spikes to block the access of pigeons.

Understanding the psychology of birds – when and where they come home to roost – is crucial in preventing pigeons from coming back. BirdMaster has saved customers countless dollars by knowing which parts of a building to bird proof and which parts don’t need it.

BirdMaster’s humane bird control systems do not harm birds. They simply fly away to other habitats.

Read more!

Oh my, scandalous in 1863

Scandalous in 1981

Brooklyn Museum

Who shot rock & roll: A photographic history 1955 to today – looks really good.

Una nuova interessantissima mostra fotografica va in scena al Brooklin Museum di New York fino al 31 gennaio 2010.

Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present celebra i più grandi fotografi che hanno creato la visual identity della musica rock, ed è anche la prima mostra che si svolge in uno dei più importanti musei al mondo che ha lo scopo di restituire ai fotografi un ruolo di assoluta importanza nella storia del rock.

Molti di questi fotografi non sono mai stati nemmeno citati, eppure l’eccellenza del loro lavoro è alla base della memoria iconografica della cultura rock.

Ad esempio la foto di Jimi Hendrix che incendia la sua chitarra al Monterey Pop Festival del 1967 è stata scattata da Ed Caraeffche allora aveva 17 anni.

E’ diventata una delle più famose immagini della storia del rock eppure nessuno si ricorda del nome del suo autore.

Emerge dalle immagini il tentativo di questi fotografi di appropriarsi di un momento di intimità di alcune tra le più grandi star del rock, qualcosa che li sappia avvicinare ai loro fan e renderli in qualche modo “umani”.

In questa direzione vanno le foto più emozionanti presentate, immagini che sanno di “scatto rubato” ma anche di “vero”.

Ecco una piccola gallery di alcune delle foto presentate alla mostra:

http://www.rollingstone.com/photos/gallery/30704191

Man in Black

Children’s Book Fair
Saturday, November 21, 12-4 p.m.
The Rubin Pavilion @ Brooklyn Museum

The Brooklyn Museum presents the third annual Children’s Book Fair, with more than 30 Brooklyn authors and illustrators.

The fair features storybooks, picture books, and graphic novels and will include author readings, a game for children, and light refreshments.

Readings

1:00 p.m. John & Wendy, authors of Periwinkle Smith and the Twirly, Whirly Tutu

2.00 p.m. Paul Hoppe, author of Hat

3:00 p.m. Tad Hills, author and illustrator of Duck & Goose

Participating Authors and Illustrators

Selina Alko, Gail Ablow and Kathy Osborn, Phil Bildner, Sophie Blackall, Peter Brown, Michael Buckley, Shana Corey, Lauren Castillo, R.Gregory Christie, Randall de Seve, Buket Erdogan, Zetta Elliott, Emily Goodman, Melanie Hope Greenwald, Isabel T. Hill, Tad Hills, Paul Hoppe, John & Wendy, Nancy Krulik, Kevin Lewis, Laura Ljungkvist, Andres Vera Martinez and Vito Delsante, Meghan McCarthy, Hiroe Nakata, Roxie Munro, Claudia Pearson, Sean Qualls, Sergio Ruzzier (Parsons Illustration Faculty), Shandra Strickland, David Ezra Stein (Parsons Illustration Alum), Lauren Thompson, Dwight Jon Zimmerman.

[Illustration by Peter Brown from The Secret Garden]

On a beau être des fans de hip hop, force est de reconnaître qu’il y a eu une vie avant cette culture (et non “sous culture” Eric Zemmour). D’ailleurs, si on creuse un peu et qu’on se rappelle les mélodies de notre enfance, les noms des Beatles, Elvis, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain, Bob Dylan ou James Brown doivent t’être familiers… Et bien c’est à eux que cette expo rend hommage. Ou plutôt aux photographes qui ont su capturer l’essence de ces icônes. Et contrairement aux apparences, de nombreux artistes hip hop & soul sont aussi immortalisés aux côtés des Rock stars. Croyez-moi, “Who Shot Rock & Roll” vaut le détour. Tu souris, tu te questionnes, tu grimaces, tu te souviens (ou pas), tu en fais le tour plein de nostalgie, avec cette envie de ressortir de la cave les K7 de tes parents. Tout amoureux de la Musique y prendra son pied. Le mieux ? La faire en nocturne, le 1er samedi du mois, quand le musée ouvre gratuitement ses portes au public. Ambiance garantie…

Non, je ne suis pas payée par le Brooklyn Museum pour les encenser. Mais pour avoir fait le tour des musées de France et de Navarre, je sais reconnaître quand un établissement fait des efforts pour toucher un public plus large. J’ai donc déjà parlé de ce musée et je continuerai… Parce qu’il défonce ! Les 1er samedis du mois, le musée est gratuit. Cool tu me diras. Mais attends un peu. Ils y organisent des soirées de ouf, et des milliers de personnes, de 7 à 77 ans s’y ruent. Mot d’ordre : danse like nobody’s watching. Les DJ sont souvent assez cotés, et de 21 à 23h tu bouges ton boul au milieu d’un grand hall entouré de tableaux et sculptures en tout genre. Cool ! Après avoir dansé le mia, tu peux pousser le kiffe et te faire une petite visite nocturne. Et la dernière expo en date “Who Shot Rock & Roll” est, je dois l’avouer, assez sympathique. Le titre est un jeu de mot en référence à la question mythique que posait la série “Dallas” dans les années 80 “Who shot J.R”. Sauf que là, à la place d’un gun, on parle d’un appareil photo, et à la place de J.R, bah on parle de musique. Et à ma grande surprise, moi qui ne suis pas une meuf très rock, bah je connaissais les ¾ des artistes sur les photos… Pourquoi ? Parce que la plupart ont marqué l’Histoire et sont l’inspiration de notre chère et tendre musique d’aujourd’hui : Bob Marley, James Brown, Aretha Franklin, Tina Turner, les Stones, les Beatles, Jimmy Hendrix… Bref, des piliers.

Les clichés ne sont pas des photos de studio (sauf quelques portraits). C’est plus des photos prises sur le fait : une expression au détour d’une rue, un cri sur scène, un moment de repos à l’hôtel, une larme après un concert. Et ça touche. Côté photographe, on retrouve les grands noms tels que David La Chappelle ou le Frenchy Jean Pierre Leloir, mais aussi des mecs sûrement super connus mais dont je n’avais jamais entendu parler… Anton Corbijn (U2) Johnny Rotten (Amy Wihenouse) Albert Watson (Rolling Stones) ou Godlis (Patti Smith).

Durant l’expo, tu réalises que dans le hip hop et la soul, nous aussi on a nos Rock stars ! J’étais contente de voir des clichés de Method Man, RUN DMC, M.I.A, 2Pac, Eminem, Lil Kim, LL Cool J, Amy Winehouse, Salt-n-Pepa… Certains de ces photographes ont capturé un instant qui collera à la peau de l’artiste toute sa vie. Pleins de ces clichés se sont retrouvés sur des tee-shirts et posters que t’avais surement sur le mur de ta chambre d’ado. Beaucoup d’émotions en tout cas. L’image est parfois…plus parlante que la musique.

DONC: petits veinards, si vous venez à New York avant le 31 janvier, c’est obligatoire, arrêtez-vous à l’expo du Brooklyn Museum. Et si vous y êtes un 1er samedi du mois, enfilez vos pompes les plus confortables et sortez vos petits pas synchronisés les plus beau gosse ! Cheers!

Aller hop, un p’tit son de Mos Def pour la route – “Rock N Roll”    

A couple of weeks back, when I heard that Kristi Fuoco was going to Arts Reach in LA, I was insanely jealous. I immediately emailed her and asked her if she could take some notes and share some of her learning with us. She kindly agreed to do so.

So, without further ado, here’s Kristi…

From October 8^th to 10^th I attended Arts Reach (http://www.artsreach.com/conference.html), an annual National Arts Marketing and Fundraising conference that was held in Los Angeles this year. The theme of the conference was appropriately, Are you Ready for the Wave of Change? The first day of the conference was dedicated to Internet Marketing and I couldn’t wait to fill my mind with endless new ideas for social media marketing. The sessions on email marketing and websites were great, and inspired me to make sure that our website and our emails are relevant, interesting, engaging and capture the experience of what it is we’re trying to do whether we are a concert hall, theatre or dance troupe or a museum.

The social media session, “Fans, Friends and Followers: Facebook & Social Media”, was more basic than I’d hoped, but did bring up some ideas from other arts organizations in the US who are using social media in innovative ways.

Here are some of the most creative examples that I want to share:

The National Symphony Orchestra (http://www.kennedy-center.org/nso/) experimented with tweeting programme notes during the Beethoven Pastoral Symphony. The notes were written in advance by the conductor and then sent out throughout the concert at the appropriate moments and included interesting, sometimes funny bits of information about the composition, composer and any other random facts. Apparently they had a certain section on the lawn designated for those interested in receiving the tweets, so that they wouldn’t distract the other non-tweeting audience members. Here is an article discussing how it went from the Washington Post: http://www.washingtonpost.com/wp-dyn/content/article/2009/07/31/AR2009073100006.html)

Another phenomenon is the use of IPhone applications by arts organizations. They used the example of the LA Philharmonic (http://www.laphil.com/) and their new sensation, the Venezuelan 28-year-old conductor, Gustavo Dudamel. I was lucky enough to see one of his opening concerts with LA Phil that weekend, and with this new IPhone app you can actually conduct along with Dudamel and as you wave your arm in the air the music plays. They’ve launched an entire microsite (http://www.laphil.com/gustavo/bravo.html) in honour of Dudamel that allows you to download the IPhone app, play a Gustavo game where you can match your conducting skills with his, watch videos of him, listen to his music, and much more. It’s a whole new level of experience, and of feeling connected to a conductor. Is this the way of the future for orchestras? Can other arts organizations use these tools in similar ways?

The third example was the Brooklyn Museum (http://www.brooklynmuseum.org/), one of the first “socially networked” museums, who now have an IPhone app that allows you to visit the museum virtually, and to learn about different works as you move through the museum as well. Here are some interesting blog posts about it: http://www.brooklynmuseum.org/community/blogosphere/bloggers/2009/05/31/brooklyn-museum-api-the-iphone-app-released-on-itunes/

The general trend from this session was for arts organizations to see social media for what it is: SOCIAL. We are moving back to connecting with people one on one, and arts organizations need to use their creativity and resources in order to keep up with this new way of connecting.

Kristi Fuoco currently works at the Chan Centre for the Performing Arts at the University of British Columbia as the Marketing and Communications Assistant Coordinator. She holds a Bachelor of Music from Mt. Allison University and a Master of Arts in Ethnomusicology from UBC. She is a lover and supporter of arts and culture and a social media enthusiast. You can find her on twitter @kristifuoco

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Mick Jagger en Philadelphia, 1982 - fotografía de Michael Putland

El museo de Brooklyn estrenó su muestra fotográfíca “Who shot Rock & Roll: A photographic History 1955 to the present“. Que viene a ser la primera gran exhibición de fotografías sobre el Rock & Roll que realiza el museo, en la misma se muestra la forma en que los fotográfos ha colaborado de forma creativa con el género a lo largo de la historia de la música.

Los fotógrafos poseen esa gran habilidad de manifestar lo que está pasando en el mundo a través de su trabajo y sus imágenes han logrado comunicar la transformación social y cultural que el rock ha generado desde los años 50 hasta nuestros días.

La exhibición consta de seis secciones : “Raras y reveladoras tomas detrás del escenario”; “Fotografía de músicos jóvenes al inicio de sus carreras”; “fotografías de presentaciones en vivo que desbordan energía, pasión, estilo y atractivo de la banda en escenario”; “Imagenes del público y los fans”; “Retratos que revelan el alma y la creatividad más que la superficie y la celebridad del músico” ; “Fotos conceptuales” y “portadas de discos mostrando la colaboración que existe entre músicos y fotógrafos”.

La exhibición se estrenó el 30 de octubre y estará en sala hasta el 31 de enero de 2010, entre algunos fotógrafos renombrados están David Lachapelle , Richard Avedon, Annie Leibovitz, Henry Diltz y otros tantos, mientras que por parte de los músicos,  desde Tina Turner, The Rolling stones, U2 hasta Radiohead forman parte de ésta histórica muestra.

y porsupuesto, ya existe un libro que está a la venta en la web y cuesta alrededor de $ 40.00.

Grace Jones, 1981, Drury Lane Theater. Photo by David Coro. ©David Corio

Here’s the photo link to “Who Shot Rock & Roll” that  I promised you several days ago.  (Sorry for the delay, but I was attending an intense but informative National Arts Marketing Conference in Providence.)

While the New York Times and a lot of other media concentrated on the book cover photo of Tina Turner and the picture of  Jimi Hendrix as Wilson Pickett’s side man (Jimi in process and tux!), no one caught the remarkable composition of line that is Grace Jones.

Even though we all rocked out in the hallowed halls of the Brooklyn Museum,  this show is seminal for a couple of reasons. Sure, it elevates rock photoraphy to art photography but it does something else.”Who Shot Rock & Roll” gives the public the kind of  high energy experience they want.

Brooklyn Museum - not as staid as it looks. Photo courtesy of Julie Van Dolen, Latique.

Experience, not exhibition, is what people want these days.  And they don’t want their experiences  one at a time.  People want their experiences bundled.

Don’t believe me? Just take a look around the next time you’re in an elevator. Someone standing within inches of you is…

1. Listening to their iPod,
2. Texting, and
3. Planning what they’ll do when the step off the elevator.

Simplistic as my example is, I’m pretty sure it counts as a bundled experience. So, when the Brooklyn Museum added Blondie to their mix at the opening gala, they were definitely giving people a bundled experience.

This concept is something that the Presentation Arts and the Art Show promoters across the country should chew on.

• How can you make your exhibition or show come to life?
• How can you make it involve your viewers.

Take the blinders off and put the audio phones down. We’re suggesting you kick up involvement to another level.

And, I’m open to comments on this. Anything you as a presenter have done or would like to do to involve you audience – both in terms of creating anticipation and when they get to the on-site experience – deserves recognition. By sharing, we can start a social epidemic that might, just might, bring the experience to a breathless public.

BTW, you can click through Grace’s stance to see my  story on “Who Shot Rock & Roll” in Antiques and the Arts Weekly.

This fall seems more like spring. It’s rained almost everyday. But that did not stop Iris & Sam from having a ball in the park, on a day that began cloudy and wet. Autumn color is to be enjoyed – rain or shine! More coming soon -

autumn leaves

ina Turner, por Henry Diltz.

A simbiose entre o Rock ‘n’ Roll e os fotógrafos é perfeita, segundo este artigo do New York Times.

Roqueiros precisam de fotógrafos para fazerem uma carreira, e vice-versa, mas o que faz uma boa fotografia de rock é o que a exposição “Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present”, no Brooklyn Museum, pretende responder.

Mais de 175 imagens de shows ao vivo, capas de discos, portraits publicitários, e snapshots, tentam mostrar, cada um a seu modo, a boa foto de rock.

Os Beatles e Eminem ressoam de forma diversa, refletindo a arte de Richard Avedon ou David LaChapelle. O mesmo de Tina Turner, fotografada por Henry Diltz.

A análise antropológica e sociológica dessas fotos as faz mais interessantes, segundo Ken Johnson, autor do artigo. Não são como fotos de moda, onde o que interessa são as roupas e adereços. Aqui o que interessa é a pessoa.

The Ramones.

Adoração do herói, agressão sexual, papel do gênero, rebelião jovem e triunfo do néo-primitivismo numa era de consumo de progresso científico, tecnológico e industrial sem precedentes – tudo isso está à mostra.

Um capítulo à parte são as quatro fotos de Jimi Hendrix queimando sua guitarra num show, por Ed Caraeff.

Radiohead.

A exposição inclui também vídeos, como o de Bjork cantando e dançando na carroceria de um caminhão.

Bob Dylan.

Mais fotos aqui.

Henry Diltz Photo of Tina Turner

Since the beginning of rock music, the media and general public have been fascinated with rock stars. Their rises to fame (and often pit-falls due to self-destructive habits) have been carefully documented. As such, the Brooklyn Museum’s “Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present” is an excellent photographic narrative of the rock stars we all know and love.

The exhibition, organized by photography historian Gail Buckland, displays over 175 images from 105 photographers. The eclectic mix of work includes album cover art, candid snapshots, publicity portraits, and live performance pictures.

A New York Times Review of the exhibition calls into question “What makes a high-quality rock photograph?” (and compares these photos to fashion photography) As the article states,

…Fashion photography is more immediately visual; you don’t have to know who the model is or who designed the clothes to be interested. With rock photographs it matters who the subject is. Knowing that the bearded young man smiling genially at the camera in a 1972 photograph by Lynn Goldsmith is Bruce Springsteen greatly enhances the experience of an otherwise nondescript picture, for fans of the Boss, anyway.

One way to make rock photographs more interesting would be to analyze them as sociological or anthropological documents. Examining them according to some quasi-scientific system could bring to light meanings and metaphors that we have come to take for granted in the cult of rock. Hero worship, sexual aggression, gender role-playing, youthful rebellion and the triumph of neo-primitivism in a consumerist age of unprecedented scientific, technological and industrial progress: these are topics worth examining…

However, “Who Shot Rock and Roll” is an entertaining show that most pop-culture enthusiasts will enjoy. This seems to be a show for all ages. Baby-boomers will look at the photos of young Madonna and Elvis and be called back to their youths, while todays 20- and 30- somethings will see photos of rock stars from the 80s and 90s and laugh at the styles they all once tried to copy.

Particularly stimulating are photographs of those who died young, as the NY Times article reports,

Of course, some did not get old. Buddy Holly, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison and Tupac Shakur will remain forever young, and pictures of them evoke thoughts of what might have been.

Sorry for the lack of blogs this week – there was so much going on that  all I could do was go with the flow.  But now have so much to tell you!

There’s  good news from show promoters who are going to start seeing their shows as Events

There’s good news from a company that is poised to change the way you sell antiques. (Really! More on this later.)

And, honestly, it has been one great party after another (it’s the Scorpios birthday week in addition to all else.) So we rolled from one live music venue to another. Otto’s Shrunken Head on Monday.  Brooklyn Museum’s R&R Bash last night

Last night’s party at the Brooklyn Museum was incredible.

First of all the show, “Who Shot Rock & Roll,” curated by Gail Buckland was about as good as it gets.  (While the Yankees were slugging  it out in Bronx, and Madison Square Garden was vibrating with a four-hour Rock & Roll Hall of Fame Show that featured everybody from Anthony & The Imperials to Art Garfunkel  and Springsteen, we were listening to Blondie in the vaulted hall at Brooklyn Museum.)

Can you believe it? Brooklyn Museum’s  house band is Blondie. LOL. Debbie Harry’s still got it (black wig, not withstanding) and the Hon. Chris Stein couldn’t be finer.

Thinkin’ about Blondie in the old days at CBGGs and then catchin’ up with them at the Museum, makes me nostalgic.  I mean, where are all of rock’s famed delinquents? I liked having them around.  They added interest.  Rock was real. Now its antiseptic.  At least Keith Richards hasn’t caved and Amy Winehouse is a beacon of grit in an overly antiseptic world.

But Thursday night –

• Hearing Blondie live in a hall filled with Monets, Sisleys, Picassos and more ,
• Mingling with the understated Brooklyn crowd,
  
• Viewing the incredible rock photographs as the  “art photographs” that they are,
• Eating hot dogs and pretzels in the museum…

It’s all  confirmation of  Buckland’s  POV: The photographers were handmaidens to rock. And rock was a revolution that  did change the way world sees itself.

BTW, it was great working with Gail and the entire Brooklyn Museum Staff on the show preview that hit web yesterday.

Stay tuned. I’m going to post pictures and photographic link to my story “Who Shot Rock & Roll,” in this week’s Bee. Click here to go straight to it.

..

It seems like everyone wants to be a rock star. Rock stardom symbolizes power, adoration, rebelliousness, individuality with impunity, and really cool clothes. But I wonder if the myth of the rock star would loom as large if not for rock photographers, who harnessed the electric appeal of these performers and their lives and ignited in so many of us the desire to be just like them.

"Who Shot Rock& Roll," published by Knopf.

Well, rock photographers are getting their due at last, thanks to a major exhibition opening tomorrow at the Brooklyn Museum. “Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present” features the work of veteran photographers (such as Mick Rock, Lynn Goldsmith, Henry Diltz, Jim Marshall, Roberta Bayley, Stephanie Chernikowski, and Mark Seliger), as well as up-and-comers like Justin Borucki. Daily News music critic Jim Farber interviewed curator Gail Buckland about the show for a feature published in his paper last week. And Knopf has published a companion book.

If you’re a member of the museum, or want to sign up today, get yourself over to the members-only preview tonight—Blondie’s performing.

…

One of the photos in the exhibition is this 1988 portrait of Axl Rose by Timothy White:

…

Axl Rose, Asbury Park, New Jersey, 1988. Photograph by Timothy White.

…

What’s Axl preparing to flick, you ask? A cockroach. I called Timothy yesterday to ask him about the photo, and he explained that he’d taken the band (the band being Guns N’ Roses, of course) to a biker bar in Asbury Park, New Jersey, in the wee small hours of the morning. “All these people were in there, all fucked up, and it just became this melee,” Timothy said. “I remember myself standing on the pool table screaming, “People! People!” And trying to get their fucking attention. I was just this skinny kid with all these lunatics. Axl was sitting on the table, and a roach crawled by. He reached forward with his finger to flick it at me, and I took the picture.”

…

I have been following Jim Richardson’s blog, Museum Marketing. Richardson is the Managing Director of Sumo, a UK design consultancy firm working in the arts and cultural sectors. His company’s recent work, “Democracy”, challenges the role of the museum curator and audience participant. This exhibition was created as part of Design Event 09, and is on display from October 14 to 30 at the Square Yard Gallery in Newcastle upon Tyne. This project aims to be the most democratic exhibition, and pushes the boundaries of social media within the museum. Do you think “Democracy” achieves these goals? Also, the exhibition experiments with new ways of marketing, focusing on spreading the word through digital channels.

“Democracy” invited designers and illustrators to submit an artwork responding to this theme. All entries were published on the project website, and the public was invited to vote on over 500 entries submitted from 33 countries. Sumo encourages participants to spread the word about “Democracy” on their own social networking profiles. The top 51 works are projected digitally onto the gallery walls, and vary in size according to the amount of votes they receive. Viewers are invited to text or fill out a voting sheet throughout the course of the exhibition, consequently impacting the images displayed in the show from beginning to end.

Crowd-sourced exhibitions are not a new phenomenon. The Brooklyn Museum led the way with “Graffiti“ in 2006. “Graffiti” invited the public to contribute to a mural within the exhibition space, and online visitors were encouraged to create virtual graffiti using an online drawing tool. In 2008, the museum organized “Click! A Crowd-Curated Exhibition” (Click!) , and this past month collaborated with George Eastman House and the Powerhouse Museum to produce “Common Ground”.

“Democracy” was inspired by the Brooklyn Museum’s work, and echoes “Click!” in many ways. “Click!” invited the public to submit photographs relating to the theme “Changing faces of Brooklyn” onto the Brooklyn Museum’s Flickr page. The public was encouraged to vote, and the top 78 images were printed. These images were sized according to the number of votes they received and displayed within the museum. Also, the website asked voters to self-define their level of art knowledge–from amateurs to experts–to address the question of whether a diverse crowd is as wise at evaluating art as trained experts. The project attracted 3,344 evaluators, casting 410,089 evaluations. A virtual street team helped promote this exhibition.

“Democracy” builds on the Brooklyn Museum’s crowd-sourced exhibition format. However, “Democracy” pushes the integration of digital media a step further incorporating this technology into the museum space.

Crowd-sourced exhibitions are challenging the role of the museum curator and audience member. In both “Democracy” and “Click!” the role of the curator was eliminated, as exhibition organizers facilitated the projects. Should museum curators feel threatened by this shift, or should they feel energized by audience participation and desire to become involved in the artistic process? I feel that curators need to be flexible and adapt to changing audience needs and expectations in order to remain relevant to visitors today. As well, this type of show has implications for arts marketers. Arts marketers need to inspire engagement online, and translate this experience into the museum experience. Also, they should view this process as an opportunity to gain new insights about the types of exhibitions that will draw audiences to visit their museum.

Have you been to a live concert lately?  Look closely next time and you might notice that group of photographers moving in close to the stage as the show begins, but – oddly – moving on shortly after the show begins.

Turns out, the idea that photographers get the first 3 songs of a set to get their work done has become pretty commonplace over the last decade.  Why?  Who knows?  Odds are that it has to do with money and allowing the best images to be crafted by the band and for the band only.

But it wasn’t always so.  A fanatastic new book, Who Shot Rock & Roll, offers up proof with a photographic history of more than 200 iconic images taken from 1955 to the present.

NPR’s blog, The Picture Show, offers up a brief feature on the book, authored by “photographic historian” Gail Buckland, and an interview with one of the featured photographers, Ian Tilton.  Tilton’s comments on the current state of rock photography are particularly telling:

“When I was taking live pictures at big gigs in the ’80s and early ’90s, we were able to photograph the whole set. Then in the mid-90s, someone said, “You can do the first 3 songs only.” … Now the first 3 songs are useless — the band hasn’t gotten into their stride; they aren’t even sweating! And that’s what great live rock ‘n’ roll photography is all about: atmosphere and sweat and the band getting “lost in music.” That’s never gonna be at the beginning of a set. It’s always near the end! Do you think I would have gotten those classic photos of Kurt Cobain smashing his guitar in the first 3 numbers?”

Ian Tilton's contribution of his photograph of Nirvana's Kurt Cobain at the Motor Sports International Garage in Seattle on September 22, 1990

Art this good deserves its own exhibit and Who Shot Rock & Roll will get its day at the Brooklyn Museum.  The exhibit, Who Shot Rock & Roll: A Photographic History, 1955 to the Present opens on October 30th and runs through January 31, 2010.

While many may consider simply utilizing social media tools like Twitter and Facebook the future of the museum, it is really just the beginning.  The true wave of the future is the Streaming Museum and Common Ground.

Here is a brief preview of what the Streaming Museum is all about:

The Streaming Museum is a new hybrid museum presenting exhibits in cyberspace and public space on all seven continents.  The exhibits are shown on screens in public spaces, as well as multiple websites.  The idea was conceived by Nina Colosi from the Chelsea Art Museum in New York City as a way to enable interconnectivity across the globe and give artists the vehicle to act as cultural ambassadors.  Their use of new technologies and the internet are the basis of this project and is what really allows them to reach out to the masses of people internationally.

The same general idea is employed in Common Ground.  The main idea was to see if a global meet-up could happen across several local communities at the same time in different locations around the world.  The participating museums would project a slideshow of content from all of the Commons on Flickr accounts, chosen and curated by the Flickr community.  This gives the local community a chance to view the art work at a physical location and is a way to thank them for the many hours spent sifting through these collections online and giving them a life outside of the vaults. Participating museums include the Powerhouse Museum, Brooklyn Museum, and the George Eastman House.

These global meet-ups of the same artwork create a feeling of connectedness across the globe that could only be achieved through the technological advancements utilized by these institutions.

Spacelander Bicycle on display at the Brooklyn Museum

 

Friday: See a movie! The ultimate rainy day activity, watch “New York I Love You,” opening today. With a star studded cast including Shia LaBeouf, Natalie Portman, Bradley Cooper, Orlando Bloom, Ethan Hawke, and Blake Lively, the film is an anthology of stories weaved together (ala Love, Actually) and set in New York City. If you can’t enjoy the outdoor city life, you might as well watch it. To make the movie trip extra fabulous, see it at Sunshine Cinema on the Lower East Side (near featured space 75 Orchard Street), the theater the Village Voice calls, the ”hippest theater in NYC.”

Saturday: Wishing you were in the California sunshine? Spend Saturday night at Cake Shop also on the Lower East Side, and jam out to the tunes of “Fool’s Gold,” an LA based band inspired by the beats and high-pitched vocals of the Talking Heads. A large group of eight people, Fool’s Gold uses horns, saxaphones, and world beat sampling to create their unique sound. The indie venue Cake Shop not only offers a selection of pasteries like banana cream pie, but also a large supply of coffee and beer and a huge vinyl collection. The band goes on at 8pm on Saturday October 17th.

Sunday: Take a day to spend at the Brooklyn Museum of Art, not far from recently leased space 226 Atlantic Avenue. The museum boasts a large collection of arts of Africa and the Pacific Islands, contemporary works, and Asian pieces. Visitors flock to the “spacelander bicycle,” a futuristic bike on display, as well as the “Click” exhibition, a digital photography collection. Also don’t miss the current feminist exhibition, “Reflections on the Electric Mirror,” in the Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art on the 4th floor.  A donation of $10 a person is suggested, but not required.

-Caitlin

Morikami Exhibit (Brooklyn Museum, 2008)

Over the weekend, my friends and I went to see the Frick Collection (great art and house) in NYC. Spending the morning or afternoon at a museum may not be your first idea for a fun way to spend the day, but trust me — Visit different museums where you live and when you travel…You’ll have eye-opening experiences in every sense of the word.

Between you and me, I think everyone from the Ancient Greeks, to the Old Masters, to modern artists and surrealists, like Picasso and Dali, were obsessed with naked people!

Don’t just take my word for it, turn off the TV and get off your computer, and see for yourself:

• Louvre (Paris)–Venus is only one reason to go
• Accademia (Florence)–That’s where Michelangelo’s “David” stands
• Metropolitan Museum of Art (New York)–Start in the sculpture garden
• County Hall (London)–I’m still having nightmares from seeing Dali’s Universe

© Sheri Jordan and Aunt Sheri Says, 2009-2010.

Mart - Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto

Intervista esclusiva con Luca Melchionna, collaboratore settore Comunicazione del Mart, che ci spiega la strategia 2.0 (Facebook, Twitter, Flickr, Social Tagging, Blog, ecc.) del Museo: un’avventura non priva di problematiche ma che si contraddistingue per una visione attenta dei nuovi strumenti web e delle opportunità che offrono all’attività museale.

Per chi non volesse leggere qui tutta l’intervista (molto dettagliata ed interessante), ho preparato un mini e-book dal titolo “L’avventura 2.0 del Mart” che si può sfogliare e scaricare da ISSUU.

Non perdetevelo perché rappresenta una bella testimonianza di utilizzo del web da parte di un’istituzione culturale italiana, di certo non una consuetudine.

Un ringraziamento a Luca per la disponibilità.

Il Mart è uno dei pochissimi musei italiani ad avere una così ampia presenza online, in particolare negli ambienti 2.0 (Facebook, Youtube, Flickr, Twitter). Quando e come è venuta  l’idea che il museo poteva “vivere” anche in questi presidi?

E’ nata a fine 2006, come naturale evoluzione di un duplice processo. Innanzitutto un potenziamento globale di tutte le attività di comunicazione, incentrato su un grosso lavoro di ufficio stampa; il Mart è stato molto lungimirante, e ha creato un ufficio comunicazione di prim’ordine. Dall’altro, il rinnovamento completo di un sito web che era invecchiato troppo in fretta. La spinta finale è arrivata dall’arrivo al Mart di un “presidente tecnologico”, Franco Bernabè, e da un Consiglio di Amministrazione che ha posto degli obiettivi chiari per la comunicazione online.
La traduzione concreta di questi stimoli ha significato prendere consapevolezza che:

• nel giro di pochi anni la presenza sul web delle istituzioni diventerà un indicatore come altri di autorevolezza istituzionale. Piano piano tutti stanno capendo che l’idea che il web minacci l’autorevolezza dei musei è sbagliata.

• essere assenti dal web partecipativo è per definizione impossibile; non partecipare non significa affatto non esserci, ma piuttosto cedere ad altri il controllo sulla propria reputazione. Questo è un punto decisivo che risulta utile nella contrattazione delle strategie con i livelli alti della direzione museale

• I soldi seguono le innovazioni, anche in un mercato opaco come quello italiano. Stare fuori da questi processi incide sui bilanci traballanti dei musei. Non sono discorsi campati in aria: le aziende prima di dare soldi a un’istituzione vogliono capire se sa parlare ai suoi utenti. Perché le aziende vogliono utenti che non raggiungono, mica l’istituzione in quanto tale!

• è vero che i problemi di diritti e copyright sono notevoli. Ma è altrettanto vero che stanno cambiando le regole del copyright a livello internazionale, quindi stare fermi per paura di fare casino è una scelta comoda ma suicida. E’ meglio partecipare a una riscrittura delle regole che stare in disparte.

E’ stata costruita una strategia di intervento in questi presidi?(magari analizzando qualche best practice?)

Il tempo è poco, e ogni intervento va mantenuto, quindi le strategie sono essenziali. La soluzione più intelligente mi è sembrata quella di prendere spunto dai migliori (Brooklyn Museum), di controllare le discussioni di Museums & the Web, dei gruppi di lavoro dei professionisti del settore su LinkedIn, e di seguire alcuni blogger autorevoli, in testa a tutti Nina Simon. In base ai risultati di questa analisi abbiamo scelto alcuni interventi invece di altri, lasciando naturalmente anche un po’ di spazio per esperimenti episodici, senza i quali si perde entusiasmo. Mi pare che le regole chiave nel decidere su quale social network posizionarsi siano

• imparare a usarlo bene, a capire chi lo legge, che autorevolezza ha, quali sono gli interessi commerciali in gioco, in che fase di hype si trova. E’ un tipo di lavoro a cui gli addetti stampa sono abituati, anche se magari finora sono stati abituati a farlo solo per i giornali. I giornali bisogna non solo leggerli, ma anche “decostruirli” capendo chi li controlla, chi li legge, che peso hanno gli editorialisti ecc. Per i social network va fatto un lavoro simile, imparando a usarli. Non si può capire il web 2.0 standone fuori.

• Darsi un obiettivo. Quelli possibili sono tanti. Branding istituzionale, innovazione, comunicazione interna, comunicazione territoriale, gestione dei rapporti con professionisti e opinion-makers, comunicazione virale, allargamento dei gruppi demografici, redenzione dell’immagine istituzionale.

Avendo fatto la fatica del punto 1, sarà possibile capire quali sono gli obiettivi e quali gli strumenti adatti ai per raggiungerli.

E quali sono gli obiettivi che vi siete posti?

1. Diventare il miglior museo italiano come qualità della presenza online
2. Aumentare la conoscenza del patrimonio artistico del museo
3. Sedurre persone autorevoli che orientano le opinioni di piccoli gruppi, e portarli al museo
4. Allargare le modalità attraverso cui diffondere informazioni di servizio
5. Raggiungere fasce demografiche escluse dalla nostra comunicazione perché troppo difficili da raggiungere con strumenti tradizionali da un museo
6. Avvicinare l’istituzione alle comunità locali del Trentino Alto Adige
7. Dare evidenza all’enorme lavoro fatto dal Mart per costruire rapporti con enti e aziende vicine, nazionali e internazionali
8. Offrire più facilmente comunicazione in lingue diverse dall’italiano quando serve
9. Dare visibilità a un patrimonio di documenti multimediali già presente al museo
10. Dare visibilità e sfruttare la notevole rete di collaborazioni internazionali creata dal Mart in questi anni

L’attività 2.0 è compito esclusivo dell’ufficio comunicazione o c’è una partecipazione trasversale dello staff museale?

Come per ogni cambiamento, questo lavoro inizia da chi ha una visione, che poi (se è valida) viene fatta propria e condivisa da gruppi più ampi.  I musei sono più lenti di altre istituzioni a cambiare, ma non è questo il punto. Per arrivare a una partecipazione trasversale bisogna lavorare con chi ci sta, indipendentemente dal fatto che si occupi di informatica, storia dell’arte o comunicazione. E bisogna avere fiducia nel fatto che le attività 2.0. per loro natura, incuriosiscono e affascinano. Al Mart questo processo graduale è iniziato: i nostri curatori, operatori della didattica e alcuni degli artisti coinvolti dal museo partecipano se stimolati, e qualcuno comincia a farlo anche spontaneamente.

Allargando la visione, la cosa curiosa mi pare quella che nei musei italiani non sono affatto gli informatici a spingere per usare strumenti 2.0 Molto spesso gli informatici che lavorano nelle istituzioni non hanno una vita digitale. Non che sia un obbligo, per carità. Queste cose non fanno parte del loro orizzonte umano e professionale. Fanno altre cose, gestiscono i sistemi, le macchine. Lamentarsi non ha senso. Anzi, io la vedo in positivo. Il campo è libero per i professionisti della comunicazione, che una volta formatisi adeguatamente, possono facilmente accreditarsi con competenze in questo campo.

Infine, faccio notare due fatti nuovi

• in Italia nel 2008-9 abbiamo assistito a un fenomeno nuovo, l’alfabetizzazione web di massa su facebook per milioni di persone che avevano saltato internet negli anni ‘90.

• l’esplosione dei contenuti web sui cellulari, in una nazione che ha il quasi primato mondiale della diffusione dei telefonini

Tutto questo per dire che i professionisti della cultura che si auto-escludono dal web, probabilmente non lo faranno ancora a lungo.

Gli strumenti 2.0 consentono un’interazione costante con il pubblico: molti musei internazionali hanno dato vita a progetti online in cui era l’utente l’attore principale (contest online fotografici o video, realizzazione di nuovi contenuti, votazioni, tagging, ecc.) Avete realizzato (o realizzerete) progetti User Generated Content?

L’idea di creare UGC c’è dal 2007. Stiamo lavorando lentamente su molte cose, tra cui sì, c’è anche il social tagging della collezione permanente. Com’è evidente a tutti, in questo caso abbiamo un problema che non è solo tecnico, ma anche di politica museale: accogliere i contenuti degli utenti, magari sul patrimonio, comporta una ricerca di nuovi equilibri molto delicati con curatori interni ed esterni, con gli archivisti (per chi ha una biblioteca), e naturalmente con la direzione. Il mio compito non è quello di elaborare e nemmeno di discutere le politiche museali, ma quello di attuarle. Avendo un direttore e un presidente lungimiranti, ho praticamente campo libero, ma i tempi di sviluppo non sono quelli rapidissimi del web. E in un certo senso, per fortuna che è così. La dittatura del presente fa male quando si programmano progetti ambiziosi.

Finora abbiamo quindi fatto esperimenti in contesti meno sensibili, come concorsi fotografici (con Claudio Abate), una promozione su Second Life, o iniziative per portare al museo qualche utente Facebook. Abbiamo poi una pagina per commentare le opere esposte. Anche la scelta di ospitare tre link a rotazione in homepage è un UGC, perché coinvolgiamo artisti, curatori, giornalisti.

Ci tengo a specificare che queste cose non ci costano un centesimo (o comunque un’inezia se paragonate ai manifesti per strada o agli spot delle mostre blockbuster di grandi fondazioni private), e richiedono ore-lavoro molto contenute da parte di dipendenti e collaboratori del museo. In compenso, hanno un alto valore aggiunto in termini di comunicazione.

La cosa più temeraria che abbiamo osato finora è il box Twitter in homepage, attivo da pochi giorni. Questo di fatto è portare UGC in un luogo sensibile, perché basta fare un retweet e un commento di un utente (o di un curatore esterno?) si trova in contesto istituzionale. Naturalmente per ora manteniamo un controllo editoriale totale sui tweets, ma in futuro delegheremo gli update a una cerchia più ampia.

Stiamo lavorando a tutte le novità. Non siamo impauriti, vogliamo gestire il cambiamento. Sceglieremo le migliori e le porteremo avanti.

C’è spesso, da parte dei responsabili museali, un po’ di paura nel condividere online dei materiali, soprattutto per questioni legate al copyright (penso alle collezioni su Flickr, o a certe video interviste su Youtube). Qual è la vostra esperienza in merito?

Mi sono reso conto che ci sono diversi tipi di paure, alcune giustificate, altre meno. In tutti i casi, sottovalutarle è suicida. Bisogna capire e valutare. La paura di infrangere il copyright e trovarsi a processo è molto seria. E’ folle fare i techno-optimist e non prenderla in considerazione. Invece, va portato all’attenzione di curatori e direzione il fatto di cui sopra, e cioè che le regole del gioco stanno cambiando. Ad esempio, può essere utile fare leva sull’esperienza altrui. Nel momento in cui il Brooklyn Museum mette online immagini su Flickr con la licenza Creative Commons, si possono coinvolgere i colleghi per ragionare con loro su come fare una cosa del genere nel contesto italiano.

Una seconda paura riguarda il timore di perdere autorevolezza e autorità. In questo caso, penso che molti dei timori siano ingiustificati. Proprio per questo, bisogna impegnarsi e spiegare che il web fa parte del mondo reale, e proprio grazie al 2.0 sta diventando *più* reale: ognuno ci mette la faccia, comprese le istituzioni. Quindi il web non è un contesto frivolo dove si perde autorevolezza: è uno strumento di comunicazione che si può usare per molte cose, compresa la tutela della propria autorevolezza. Un modo intelligente per spiegare queste cose a chi resta fuori può essere quello di porsi degli obiettivi intermedi. Ad esempio, se portare la propria collezione su Flickr è uno shock, si può pensare a portarne una parte in un contesto più “protetto” e “istituzionale”, come può essere Europeana.

Per quanto riguarda l’autorità, il concetto è completamente diverso. La mia opinione strettamente personale (quindi in questo caso non parlo come collaboratore del Mart), è che i musei in effetti debbano perdere un po’ di autorità, per il loro bene. Le cose stanno andando così, non c’è niente che possano fare al riguardo: la perderanno e questo farà un sacco di bene ai musei, ai visitatori, alle famiglie, agli artisti, ai dirigenti e ai critici. E’ evidente che la mia è un’opinione di minoranza, in qualsiasi museo italiano. Ma per fortuna nelle istituzioni culturali si può discutere e argomentare.

State progettando anche la creazione di un blog del museo?

Certo, da almeno tre anni! La scelta difficile è quella relativa al livello di controllo editoriale. Per molto tempo, abbiamo guardato, come modello ideale da imitare, ad Eye Level , che ha un livello piuttosto alto di controllo editoriale da parte della direzione. Poi ci sono venuti dei dubbi, e abbiamo valutato la possibilità di usare i blog per coinvolgere voci libere e partner a vario titolo del Mart. Ora stiamo lavorando in questa seconda direzione.

Concludendo, che riscontro avete dall’attività digitale?

Intendiamoci sul riscontro. Facciamo un discorso per analogia. In Italia si valutano i musei in base al numero di visitatori. Chi lavora nei musei e coi musei spesso rigetta questa visione, anche se non lo dice apertamente, perché l’obiettivo principale dei musei non è quello di attirare folle oceaniche, ma quello di promuovere la cultura. Le due cose si sovrappongono, ma solo fino a un certo punto. Chi abbassa il livello culturale e scientifico per attirare più gente, alla lunga la paga, e tradisce il proprio mandato.

Similmente, lo scopo dell’attività digitale di un’istituzione non è “portare gente al museo”. Certo, è anche questo, ma non è questo il punto. Il web è la realtà, non è una versione minore della realtà. Questa consapevolezza è difficile da assumere. Perfino sui siti web online dei grandi giornali nazionali italiani, le notizie che riguardano il web, ad esempio, vengono riportati non nella colonna delle notizie vere, ma nella colonna delle frivolezze (quella a destra su repubblica.it, per intenderci). A meno che non si parli di soldi, ma questo è un altro discorso. Quindi, per concludere, secondo me va fatto uno sforzo per capire che la qualità di un’attività digitale si misura prima di tutto sul web.

E in questo senso tutti gli indicatori che abbiamo, da Google Analytics ai social network, danno ottimi risultati. Non mi metto a fare numeri, ma le metriche sono ottime ,sia per numero che per qualità della partecipazione, e in alcuni casi (frequenza di rimbalzo, tempo medio trascorso sul sito) sono addirittura esaltanti.

In un secondo momento, è altrettanto evidente che il nostro lavoro consiste nel portare questi risultati all’interno della comunicazione a tutto tondo del Mart, e allora sì che bisogna lavorare per portare gente al museo. In ogni caso, anche se accettassimo la dittatura dell’auditel museale, siamo molto soddisfatti perché le analisi statistiche commissionate dal museo mostrano che i visitatori raggiunti e convinti attraverso il web sono in notevole aumento, sia in valore assoluto che in percentuale sul totale dei visitatori.

Orhan Pamuk

È il Museo dell’innocenza che Pamuk sta davvero creando a Istanbul, dove ha fatto riprodurre tutti gli oggetti presenti nel libro: dal portacenere alle bottigliette di gazosa Meltem, dai mozziconi di sigaretta con l’impronta del rossetto, all’orecchino perduto da Fusun, amata dal protagonista: “Ho voluto fare un romanzo dove l’amore vola rasoterra, nessun sentimento sublime o messo su un piedistallo come quello di Romeo e Giulietta. Dell’amore come della vita non ci rimangono che piccole cose, i minimi oggetti della vita quotidiana che conservano ancora traccia di noi, di quello che ci è accaduto, un biglietto del treno, una fotografia, un abito con il nostro sudore”.
E i lettori come reagiscono? “Credono vero tutto ciò che è scritto nel libro. Vengono dove si sta costruendo il Museo dell’Innocenza e chiedono di vedere gli oggetti dei protagonisti. Entro l’anno prossimo sarà possibile”.

SI tratta di parte dell’intervista di Silvia Tomasi a Oran Pamuk a proposito del suo ultimo romanzo Il museo dell’innocenza (Einaudi):

Silva Tomasi, http://blog.panorama.it/libri/2009/10/09/orhan-pamuk-inventa-il-romanzo-museo/, Panorama, Venerdì 9 Ottobre 2009