I am not sure if I have learned this from my husband or because of him, but I have learned this: Art transcends medium.

I’ve always thought that books and music were the mediums whose appreciation comes most naturally to me. That I will always be more moved by great literature or great music, than anything great that other mediums have to offer. I have realized that I am  wrong. Art moves through many mediums and I now realize that I can find something great that moves me, in any medium, be it music, film or even marble and stone.

Each artist has a personal truth that he/she tries to freeze or express through a chosen medium. While Michelangelo seems to capture and bring forth that indefineable goodness and strength in man (like he does in both his Pietas), Donatello laughs and catches all of  man’s imperfections. While Michelangelo’s sculptures inspire awe and even love (a lot like a Robert Bresson film), Donatello’s sculptures are impossibly interesting and entertaining. Both however, offer insight into human existence, an insight implicit in the curves and lines of the structures they create, a signature of great art.

Which brings me to two of my favorite artists, who are separated by time and their medium, yet whose works seem similar in essence  : Donatello and Luis Bunuel. To me, the similarity seems to stem from their abilities to effortlessly capture that intangible human quirkiness. Their works might seem light and cheeky and sometimes even taunting, yet hold a secret waiting to be told.

Donatello’s  Habacuc (at the Duomo Museum in Florence) is my favorite example . There is something about the sculpture isn’t there?

Bunuel’s ‘The discreet charm of the bourgeoisie’ and ‘The obscure object of desire’ are spiritual equivalents of Donatello’s Habacuc. There is something almost wickedly magical about them. Yet, after you watch them, you know something that you didn’t before.

]]> http://zeusiswatching.wordpress.com/2009/12/04/bunuel-and-dali/ Fri, 04 Dec 2009 01:08:27 +0000 zeusiswatching http://zeusiswatching.wordpress.com/2009/12/04/bunuel-and-dali/

Many years ago I watched “Un Chein Andalou” as a student in an art history course.  The professor mentioned “L’age d’or” but only now have I had a chance to watch this second film collaboration of Luis Buñuel and Salvador Dali.  It’s technically and artistically much more advanced than their first work (bear in mind, this second film was produced in 1930 so we aren’t talking Star Wars special effects here).  I think it’s a much better film anyway.

One understands how this film would offend the sensibilities of just about every segment of European society at the time.  It’s influence on later films and filmmakers across a large segment of the European and later American Industry is fascinating.  Salvador Dali himself would contribute his talent towards other films but his success and fame remained centered upon his paintings, although Dali would have liked to have done much more with film.

For the entire film in segments on YouTube

El fantasma de la libertad, rodada cuando Buñuel tenía 74 años, es su penúltima película. El título es un homenaje a la conocida sentencia de Marx al principio del Manifiesto Comunista, “ese espectro que recorre Europa y se llama comunismo”. Forma junto a El discreto encanto de la burguesía y La vía láctea una especie de tríptico medieval. Hablando en términos platónicos, el elemento común a todas es el intento de arrastrar al espectador fuera de la caverna, que en este caso significaría forzarlo a abandonar las ridículas costumbres, dogmas y moral burguesas, orientándolo hacia el verdadero misterio, la verdadera luz, que solamente puede descubrirse a través del arte y el inconsciente.

La película comienza con una escena paradójica que toma la libertad en un sentido político. Durante la guerra española contra Napoleón, el pueblo, levantado en armas, gritaba: “¡Vivan las cadenas!”, refiriéndose a la tiranía de los Borbones. A continuación, Buñuel intenta trasladar a la pantalla el abismo del azar que constituye el mundo, la infinitud de historias que se cruzan sobre un fondo caótico y violento. Así, El fantasma de la libertad muestra una galería de personajes surrealistas conectados entre sí por la más pura casualidad. Además de la divertida escena que puedes ver más arriba, otras historias interesantes son las relaciones del prefecto de policía con su hermana muerta, la pasión amorosa del sobrino por su tía, los monjes carmelitas jugándose a las cartas los rosarios, la niña  a un tiempo desaparecida y presente, el comedor-retrete burgués, el asesino en serie “condenado a muerte” y la mirada final del avestruz, que es un poco la mirada atónita de cualquiera ante el espectáculo violento y sin sentido de la historia humana…

Ficha técnica

1. Director:  Luis Buñuel
2. Título original: Le fantôme de la liberté
3. Guión: Luis Buñuel y Jean-Claude Carrière
4. Producción: Greenwich Film Production, Euro International Film (EIA)
5. Productor: Serge Silberman
6. Fotografía: Edmond Richard
7. Montaje: Hélène Plemiannikov
8. Intérpretes: Michel Piccoli, Jean Rochefort, Michel Lonsdale, Monica Vitti, Adriana Asti, Julien Bertheau, Jean-Claude Brialy, Adolfo Celi, Paul Frankeur, Pierre Maguelon, François Maistre, Hélène Perdriére, Claude Pieplu, Bernard Verley, Milena Vukotic

Un Chien Andalou put both Salvador Dali and Luis Buñuel on the map with its opening scene of a young woman passively submitting as her eyeball is sliced open with a razor. An eye-opener even today, in 1929 it was positively shocking – resulting in the movie running in theatres for nearly a year.

One can only imagine what audiences made of the ‘story’ that follows, a surrealistic dreamscape of murder, mishap, severed limbs and ants. Buñuel appears as the eyeball slicer and Dali as a priest dragged across the floor ahead of two pianos weighted with rotting, dead donkeys. Considering its popularity, one can only assume audiences were far more sophisticated than they are today. We demand logical story arcs that rise and fall, resulting in a satisfactory ending. This little flick makes me want to pick up a camera and make a film of my own and is a must-see for anyone with those aspirations.

Look for the two-disc DVD release. Also included on disc one – a 1986 British doco on the life and work of Salvador Dali, which serves as a fine introduction for those unfamiliar with the surrealist master – whose life mirrored his art – right until the end. We could however, have lived without the Alka Seltzer ads.

The second disc features Buñuel’s only documentary, Las Hurdes (1933) the story of a remote Spanish village where he first examines the corruption of the Catholic Church, a theme he continued to explore throughout his career.  Also included is a doco from 2000 spanning his tumultuous career.

Between his early years as a surrealist filmmaker and his triumphant late-life career that began with Viridiana in 1961, Luis Buñuel made a dozen or so small-budget movies that were largely ignored by critics and audiences alike. Some were dreadful – a 1953 version of Wuthering Heights, where the producer insisted he use a cast comprised mostly of stock car drivers who had been prepped for a comedy. However, The Young One is the best of the lot and might be considered an overlooked masterpiece. Released in 1960, the year before Viridiana, it sits on the cusp of greatness – but you have to get your head around Buñuel working with an American cast in the deep South.

Bernie Hamilton plays Traver, a northern Black man on the run after a white woman accused him of rape. He escapes on a small boat and ends up on a game preserve island, managed by Mr Miller (Zachary Scott). Miller is dealing with the death of his handyman – and wondering what to do with the deceased’s granddaughter, Evvie (Key Meersman.) At first he considers packing her off to the mainland – but suddenly notices she is not the child he had thought. Indeed, with her pouty lips, long legs and casually swaying hips she is very appealing.

Hugo Butler’s brilliant and subtle script slowly intertwines Miller and Traver’s paths – shifting the balance of power as it is revealed that Traver is in fact innocent of rape and Miller, despite soothing his conscience trying to convince himself the illiterate Evvie is little more than a savage – guilty. It would sit well alongside the brilliant Tennessee Williams movies of the 50s and 60s. No special features on the disc, but the package comes with a sixteen page booklet containing a brilliant analysis of the film.

As good as The Young One was, it gave no indication of what was to follow. Viridiana took the  Palme d’Or at Cannes in 1961 and was promptly banned by both the Spanish government (who had financed the film) and the Vatican for its devious exploration of evil and, well, more evil.

Viridiana (Silvia Pinal) is a beautiful young nun who hasn’t taken her final vows who visits her uncle and benefactor, the wealthy Don Jaime (Francisco Rabal). Struck by Viridiana’s resemblance to her late aunt, who died before consummating their marriage, Jaime becomes obsessed and ultimately drugs and rapes her.

Viridiana decides she can never return to the convent and opts to stay in the house with Jaime and save the world on her own, starting with the local beggars and homeless. She soon discovers that she cannot change what these people really are and is livid when they ultimately turn on her. Buñuel’s genius is in the exposition of Viridiana – she is not the pious young woman she at first appears, but an arrogant sycophant who ultimately has earned her downfall.

Luis Bunuel in Un Chien Andelou

Buñuel followed this with seven masterpieces, including That Obscure Object of Desire and The Discreet Charm of the Bourgiousie. I’m waiting for them to arrive as a box set sometime soon…

Manolo solía declararse Ateo y Panteísta. Ateo porque no creía en la existencia de ningún ser superior que rigiese los destinos de los seres humanos. Panteísta, pero como un animista que adora al sol como si se tratase de un ser animado o inteligente. Creía en el azar y en el poder generador y transformador de la naturaleza, porque en la naturaleza nada se crea ni se destruye sino que simplemente se transforma.

En su vertiente ateísta era claro tanto en sus ideas como en sus antipatías hacia cualquier jerarquía eclesiástica, ya fuese cristiana, musulmana o de cualquier otra índole.

Solía recordarme la supuesta sentencia de Buñuel, cuando al llegar a España tras los años de exilio mejicano, le preguntaron en la aduana: “¿Tiene usted algo que declarar?”, y la respuesta, es de suponer que ante testigos, fue: “Sí, quiero declarar que dios no existe”.

En diversas ocasiones le oí decir, entre sorna, hastío, denuncia y solidaridad con las víctimas, que “dios, nuestro señor, tiene muy mala leche”, haciendo referencia a las noticias de catástrofes naturales como tsunamis o terremotos.

Por supuesto todo lo que escribo en nombre de Manolo sirve en el mío propio. Como en muchos otros aspectos ideológicos, también coincidíamos en nuestra filosofía humanista.

Esta semana he leído el libre “Caín” de José Saramago. Es de los libros que se leen en cuatro días sin darte cuenta. Trata de las atrocidades que el “antiguo testamento” atribuye a dios. Y sorprendentemente de la promiscuidad sexual que dios obliga a practicar a sus siervos para fomentar la procreación. Y claro está de la homofobia divina hacia quienes practican la promiscuidad sexual para fomentar simplemente el placer sin procreación.

Espero no ser denunciado por la sociedad general de autores por transcribir algunos de los párrafos que más me han interesado.

En relación directa con lo que comentaba de que dios, nuestro señor, tiene muy mala leche, Saramago va mucho más allá y proclama que “el señor ordenó a abraham que le sacrificase al propio hijo…lo natural, lo simplemente humano hubiera sido que abraham mandara al señor a la mierda, pero no fue así…Es decir, además de ser tan hijo de puta como el señor, abraham era un refinado mentiroso, dispuesto a engañar a cualquiera con su lengua bífida…”

La conferencia episcopal no debe haberse enterado de esta publicación, de lo contrario ya habría puesto una bomba en la editorial Santillana, recordemos la bomba en el teatro Alfil cuando Leo Bassi representaba la parodia y denuncia sobre el papa “Revelación”.

Dedica el libro varias páginas a pormenorizar la masacre de Sodoma y sus divinas justificaciones:

“sodoma será destruida… y no será solo sodoma, será también gomorra, y dos o tres ciudades de la planicie donde las costumbres sexuales se han relajado por igual, los hombres con los hombres”… “Pienso que había inocentes en sodoma y en las otras ciudades que fueron quemadas… Los niños, los niños eran inocentes, Dios mío, murmuró abraham. Sí, será tu dios, pero no fue el de ellos”

Y ahora la conferencia episcopal dice que defiende la vida manifestándose en contra del aborto. Si les creemos somos cómplices de sus crímenes. Más adelante vuelve a recordarse esta masacre y se pregunta:

”dónde ha nacido esa peregrina idea de que dios, simplemente porque es dios, debe gobernar la vida íntima de sus creyentes, estableciendo reglas, prohibiciones, interdictos y otras patrañas del mismo calibre, preguntó caín”

Por supuesto no podemos automáticamente atribuir estas dudas teológicas, así como los apelativos despreciativos hacia dios y sus siervos antes transcritos, al pensamiento del escritor, siempre aparecen en boca del personaje, caín, quien reta de igual a igual a dios y se atreve incluso a darle lecciones científicas. Sin embargo en más de una sentencia, el narrador asume el argumento del personaje, como cuando tratando el tema de la guerra se afirma:

“Está visto que la guerra es un negocio de primer orden, tal vez sea incluso el mejor de todos… a este señor habrá que llamarle algún día dios de los ejércitos, no le veo otra utilidad, pensó caín, y no se equivocaba”

No comment

En cuanto al asunto de la promiscuidad transcribo dos párrafos de la historia del arca de Noé:

Noé le pregunta a dios qué hacer con Caín, la respuesta es: “Llévalo en la barca y júntalo a la familia, tendrás un hombre más para hacer hijos en tus nueras, espero que a sus maridos no les importe”

Noé constatando que ha desaparecido un hijo y una nuera proclama: “vamos a tener que copular mucho más si queremos que la voluntad del señor se cumpla, que es la de que seamos los padres y las madres de la nueva humanidad”

Supongo que por coherencia siguen oponiéndose al uso del preservativo.

Os recomiendo que lo leáis, sus 189 páginas no tienen desperdicio.

Caín

José Saramago

Traducción de Pilar del Río.

Editorial Alfaguara. Santillana Ediciones Generales S.L.

Greenpeace acredita que este libre cumple con los requisitos ambientales y sociales necesarios para ser considerado un libro “amigo de los bosques”

En la web de Alfaguara Santillana presenta el libro así:

“Qué diablo de Dios es éste que, para enaltecer a Abel, desprecia a Caín.

Si en El Evangelio según Jesucristo José Saramago nos dio su visión del Nuevo Testamento, en Caín regresa a los primeros libros de la Biblia. En un itinerario heterodoxo, recorre ciudades decadentes y establos, palacios de tiranos y campos de batalla de la mano de los principales protagonistas del Antiguo Testamento, imprimiéndole la música y el humor refinado que caracterizan su obra.

Caín pone de manifiesto lo que hay de moderno y sorprendente en la prosa de Saramago: la capacidad de hacer nueva una historia que se conoce de principio a fin. Un irónico y mordaz recorrido en el que el lector asiste a una guerra secular, y en cierto modo, involuntaria, entre el creador y su criatura. e 2009”

http://www.alfaguara.santillana.es/libro/cain/1409/

Humor surrealista y profundas reflexiones teológicas se dan la mano en una de las últimas películas de Buñuel. El argumento es mínimo: dos mendigos parten de Francia, inspirados por Dios Padre, para hacer el camino de Santiago. A lo largo del viaje se les van mostrando las atrocidades, herejías, supersticiones y fanatismos en los que ha estado implicada la religión católica a lo largo de su historia. He seleccionado una escena que ilustra muy bien la doctrina de una de las variantes que compitió durante siglos con el cristianismo oficial: el gnosticismo. Según éste el hombre se compone de un principio luminoso, el alma, y un principio oscuro y malvado, el cuerpo. Como decían los órficos y Platón el cuerpo es la cárcel del alma. Sin embargo, en lugar de una moral represiva, la consecuencia que los gnósticos extraen de este dualismo radical es que cuanto más se entregue el cuerpo a imperfecciones como la lujuria más brillará en su toda su pureza el principio divino, el alma. Sus costumbres eran, por tanto, bastante libertinas, tal y como se muestra en el fragmento que puedes ver más arriba. Por desgracia, Prisciliano, el líder de la secta, fue condenado por hereje y decapitado en 385.

A lo largo de la película, además de justificar el ateísmo en variadas ocasiones, Buñuel deja traslucir cierta ambigüedad respecto al tema religioso. Dice odiar tanto la ciencia y la tecnología que teme terminar por creer en Dios. El positivismo científico, que reduce el mundo a la mera realidad empírica, era algo que a Buñuel le horrorizaba. Entendía que la sensibilidad religiosa o artística eran imprescindibles para completar nuestra experiencia del mundo dando cabida a lo irracional, los sueños, lo espiritual, el caos…

En definitiva, una lección magistral de teología y filosofía que no debes perderte. Otros  temas que Buñuel trata con rigor y claridad son la predestinación, el pecado original, la gracia, la transubstanciación, la naturaleza humana o divina de Cristo y la Inquisición.

Ficha técnica

1. Título:  La Voie Lactée (La Vía Láctea)
2. Dirección: Luis Buñuel
3. Producción:  Serge Siberman
4. Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière
5. Reparto:  Paul Frankeur, Laurent Terzieff, Alain Cuny, Edith Scob, Michel Piccoli, Jean-Claude Carrière
6. País(es): Francia-Italia
7. Año: 1969
8. Duración: 95 minutos
9. Compañías Productoras:  Greenwich Films Production (Francia) y Fraisa (Italia)

Al Duende también le gustaría haber nacido en Zamora, y en una casa asomada al Duero...

Grande, bella, variada, siempre apasionante España. Zamora parece quedar a trasmano de muchas rutas. Pero cuando se la ve gran señora del Duero, tan discreta y tan hermosa en su adustez castellana, capaz de decirte ven, quédate,  pasea, estudia, piensa, escribe sobre mí, búscate una Urraquita amorosa –aunque seguramente ya no habrá zamoranas llamadas así- , pásale el brazo sobre sus hombros y acércala a ti mientras juntos veis correr el río desde las murallas recitando romances y evocando la historia, Zamora se desborda y te empapa el alma. Además  de otros muchos atractivos, Zamora tiene la mejor postal sobre río de España. A su paso por la vieja ciudad castellana, el Duero fluye tan ancho que casi alcanza la opulencia de un río francés.  Señor, por qué tardamos tanto en caer por Zamora.

Al Duende le hechizan las ciudades y pueblos donde nunca podría encontrarse a Belén Esteban, a Ernesto de Hannover o a los Albertos. Y eso que esta vez el Duende ya no vio por Zamora lo que tanto le impresionó la primera vez: curas con sotana paseando por las calles. Zaras, Mangos, Springfields, Häagen Dazs, están muy bien. No son lo de uno, pero animan, dan modernidad, crean puestos de trabajo. Pero que no nos quiten ese sello de identidad de la España eterna que es una ciudad con las calles empedradas, una vieja lencería donde aún reza Novedades en su rótulo de metal con letra inglesa, una vetusta fábrica de paraguas –cuando está claro que ya no llueve nunca- que además vende el Calendario Zaragozano y algún cura con sotana o monja con hábito engalanando el paisaje urbano. Santos, reyes y guerreros de leyenda, pero también el espíritu de Galdós,  de Delibes, de Buñuel y de Berlanga flotando en el aire. Es otro pálpito de la diferencia.

Caía el Duende por Zamora el finde –vamos a modernizanos algo- cuando llamó a su viejo amigo Julio César Iglesias, hijo predilecto de la ciudad. Julio dice que de niño aún buscaba por el Portillo de la Traición el venablo con el que Bellido Dolfos mató al rey don Sancho. La leyenda sugiere que, además de traidor, el tal Dolfos, hijo de Dolfos Bellido, fue inoportuno, pues sorprendió al rey en un momento especialmente delicado, y agachado por añadidura. Julio César dice que su padre mantenía que en las paredes de la iglesia de Santiago del Burgo había una inscripción que decía: Malditos los zamoranos/  nacidos y por nacer/ que mataron al Rey Sancho/ haciendo su menester. Lo quiso comprobar el Duende, pero la susodicha iglesia estaba cerrada, e introducidos los versos romanceados en el buscador de Google, éste no los halló. Julio inventa la historia con mucha gracia, pues hay que reconocer que, una vez más, si non é vero e ben trobato.

El menester del Duende cuando viaja es otro.  Toma las medidas al lugar corriendo. Un chándal, calzado deportivo y a huronear por donde los guías turísticos no llegan a asomar. Esta vez, mañana luminosa y clara después de una noche de cuatro gotas, cosió la muralla de Zamora, saliendo y entrando por diversos portillos hasta dar junto al río, extramuros, con la iglesia de San Claudio de Olivares, y ciento y picos de metros más allá, con el templo de Santiago de los Caballeros o Santiago el Viejo, donde la tradición dice que armaron caballero al Cid. Es tan diminuto que mal cabría la Tizona. No para el Duende en estos monumentos románicos para acumular datos históricos o arquitectónicos que pronto ya borrará su frágil memoria. Sino por recordar lo poco que es uno para la historia, por tratar de comprender nuestras raíces, por darle otra vuelta a eso que llaman fe y por  ese pellizco de emoción que deja en el alma el pasmo del tiempo detenido y la música del silencio.

Fuera, flanqueado por chopos y fresnos que amarillean de otoño, seguía pasando mansamente el Duero. Cuántos lugares hay en España para perderse. Casi tantos como para quedarse en ellos.

LOS OLVIDADOS

Historia que cuenta la fatal realidad y destino de la juventud mexicana en la época de los 50 en la cual predomina la delincuencia y marginación.

Al tema principal de esta obra es la lucha por salir de un destino cruel lleno de pobreza ansiedad y por conservar una gran amistad poco o muy duradera.

Aprendí en esta obra que a pesar de venir de un lugar de pobreza la vida nos puede brindar muchas oportunidades que hay que aprovechar y que nunca debemos dejar de luchar por nuestros sueños. Una gran amistad es proporcional a una gran responsabilidad.

Los valor con que mas me identifico en esta película son: la amistad perdurable, el amor único y magnifico, y la búsqueda de nuestros sueños.

Estoy de acuerdo con el director en ver la realidad del pueblo mexicano de una forma muy cruda pero real, y sigo de acuerdo en que los seres queridos pueden darnos ese incentivo que necesitamos para no darnos por vencidos ante cualquier adversidad.

Reparto: Miguel Inclán, Alfonso Mejia, Roberto Calambres, Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina.

Época: los 50 en México.

Contexto: México en una época de mucha pobreza y lucha de ideologías y diversas posturas.

Obras: El Ángel Exterminador, Viridiana y su mayor obra Los olvidados.

Graciela Gómez López

Director:Luis Buñuel

“Una mujer sin amor”

El director maneja esta historia ya que es uno de muchos casos que nos encontramos en nuestros tiempos cuando solo reina el dinero el que dirán, los demás y no se hacen las cosas que realmente queremos y sentimos aunque sacrifiquemos nuestra propia felicidad.

Esta película resalta la envidia ya que cuando se descubre que hay dinero que pelear no importa lo que se tenga que hacer con tal de obtenerlo aunque allá enfrentamientos entre hermanos. Esta claro que el dinero es indispensable para todo ser humano ya que con este obtenernos el poder.

Es una película muy interesante ya que es lo que sucede un muchas familias, aunque en esta filmografía nos muestra claro que no hay una buena comunicación entre padres e hijos para educarlos con valores esto hace que existan este tipos de problemas. Nosotros debemos hacer lo que pensamos y queremos, no complacer a los demás y sacrificar nuestra propia felicidad..

Esta película es dirigida por Luis Buñuel un director español, la película es de genero melodrama, con una duración de 91 minutos con la música de Raúl lavista la canción que acompaña a esta historia es la de “de que sirve querer” a blanco y negro en las actuaciones de Rosario Granados, Tino Junco, Julio Villareal y Joaquín Cordero grabada en México.

Little Ashes, un producción inglesa rodada en Barcelona, España; Cuenta la historia de tres jóvenes españoles, que en 1922 comienzan sus estudios en la Residencia de Estudiantes de Madrid.

Salvador Dalí (Robert Patttinson), Federico García Lorca (Javier Beltrán) y Luis Buñuel (Matthew McNulty) son tres jóvenes estudiantes con aspiraciones ambiciosas y con ideales revolucionarios. “No hay límites” para el arte, la literatura, ni el amor, cuando las amistades comienzan a transformarse, y el afecto y el deseo rompen los esquemas tradicionales de una sociedad conservadora.

Little Ashes, es una película de bajo presupuesto, dirigida por: Paul Morrison y escrita por: Philippa Goslett, que se estrenó en el año 2008 y que probablemente no llegue a las carteleras nacionales (Sin embargo se puede conseguir por internet) A pesar de que en líneas generales, es un film bastante sencillo, vale la pena verlo pues muestra una parte de la historia que no conocemos o que no hemos visto en la gran pantalla.

M.E.R.P.P.

“Morality, inmorality, good, bad. We have to smash that into pieces”

The Young One [1960]

1. The old man has died and his corpse is still lying in the bed. It has one boot on and one boot off. On a table by the bed is a bottle of whiskey and an empty (but previously used) glass. Miller discovers the corpse and says, “So, he finally kicked it.” He notices the bottle just sitting there. Picks up the glass and brings it halfway to his lips. Then he looks over at the bed and thinks better of it, puts it back down. Later he goes back to his cabin and has a drink from his own bottle of whiskey.
2. Smooth tracking shots of the pursuit through the swamp.
3. She walks across the pier awkwardly in her high-heeled shoes. Then she begins to skip across an imaginary hopscotch board.

What a great double bill this would make with The Intruder!

NAZARÍN

(LUIS BUÑUEL)

Xochitl Cruz López.

7º ”B”

Esta película esta basada en un sacerdote llamado Nazarín que vive en un pueblo humilde, donde las personas de dicho pueblo cree que es un dios. Esta película del director LUIS BUÑUEL, realizada en el año de 1958, y tienen una duración de 95 minutos, esta película es un drama pero que contiene cosas acerca de la religión y creencias de la sociedad pero de determinado status.

Nazarín es una película la cual esta basada en un sacerdote que vive en un pueblo, que esta rodeado de pobreza, que la única gente que vive ahí vive en la miseria pero lo mas grande que ellos pueden tener es su creencia hacia dios, ya que si tienen algún enfermo buscan al sacerdote para que los ayude a curar a sus enfermos, ya que para ellos es la única forma de estar cerca de dios, por que el es su única salvación ya que ven al sacerdote como un ser poderoso.

En lo particular esta película es buena ya que da a conocer como era la vida hace unos años, y como vivía la gente en esa época también nos abre el panorama para poder ubicarnos en como la religión ha influido mucho en la sociedad, y en sus costumbres y tradiciones y como dios esta presente para los seres humanos.

My Top 10:

The final poignant moment in All Quiet on the Western Front

1. All Quiet on the Western Front
2. City Girl
3. Arsenal
4. Hell’s Angels
5. The General Line
6. Under the Roofs of Paris
7. The Great Gabbo
8. Anna Christie
9. Blackmail
10. Diary of a Lost Girl

Academy Awards:

• Best Production:  All Quiet on the Western Front
• Best Director:  Lewis Milestone  (All Quiet on the Western Front)
• Best Actor:  George Arliss  (Disraeli)
• Best Actress:  Norma Shearer  (The Divorcee)
• Best Writing Achievement:  The Big House

TSPDT Consensus Top 5 Films:

• #167 – Un Chien andalou
• #296 – All Quiet on the Western Front
• #569 – Hallelujah!
• #629 – Under the Roofs of Paris
• #783 – Diary of a Lost Girl

Top 5 Awards Points

1. All Quiet on the Western Front – 255
2. The Big House – 205
3. The Divorcee – 205
4. The Love Parade - 180
5. Disraeli - 160

AFI Top 100 Films:

• All Quiet on the Western Front – #54  (1998) – not on 2007 list

Nighthawk Awards:

• Best Picture:  All Quiet on the Western Front
  

  Garbo Talks! But unfortunately, didn't win an Oscar for Anna Christie, though she deserved it.

• Best Director:  Lewis Milestone  (All Quiet on the Western Front)
• Best Actor:  George Arliss  (Disraeli)
• Best Actress:  Greta Garbo  (Anna Christie)
• Best Adapted Screenplay:  All Quiet on the Western Front (from the novel by Erich Marie Remarque)
• Best Foreign Film: L’Age D’or
  

Nighthawk Notables:

• Best Film to Watch Over and Over:  The Cocoanuts
• Best Line:  “Why, it’s the most exclusive residential district in Florida.  Nobody lives there.” – Groucho Marx  (The Cocoanuts)

Ebert Great Movie:

• Un Chien andalou

What does it say about a year when the film everyone recognizes as the best and most important film is only 16 minutes long?  If it wasn’t for Buñuel and Dali’s short masterpiece and the brilliant All Quiet on the Western Front it wouldn’t even be worth looking at this year in film.  I did provide a top 10 list, but All Quiet is the only **** film and only the next two even reached ***.5.  It’s not even a question of films still left to be seen.  I’ve seen every eligible film in the top 1000 and 16 of the 25 Oscar nominees.  There just isn’t that much worth remembering.

Film History: The importance of film to various nations begins to be explored, as antitrust lawsuits hit Fox and Warner Bros, Stalin announces that 30% of Soviet film efforts must be devoted to works supporting the Five Year Plan and Italy passes a law requiring all films to be exhibited in Italian (leading, eventually, to the casting of Marlon Brando in Last Tango in Paris).  We have the single worst credit to ever appear on screen (“with additional dialogue by Sam Taylor” on The Taming of the Shrew).  The official acceptance of the Code of Production is passed in February of 1930, though there is little in the way of enforcement until 1933.  We also have King Vidor’s Hallelujah!, the first major sound film to have an all black cast (yet, it still had a white director).

Academy Awards: It was the third annual Academy Awards and it started to get things right.  For the first time, the same film won both Best Picture and Best Director (something which has happened 76% of the time since) and the first time the Best Picture was nominated for its Screenplay (which has happened 93% of the time since).  It was also, in my opinion, the first time the Academy got it right.  Actually, a lot of people’s opinion, since not only is All Quiet the highest rated feature length film from the year on TSPDT Top 1000, but it’s almost 300 spots above any other film from that year (and the only BP nominee from that year to make the Top 1000 at all or to make it into AFI’s 400 long consideration list).  Otherwise there isn’t much interesting about this year.  The Love Parade became the first film to get 6 nominations and all the BP nominees got at least 3 nominations.

Overlooked film of 1929:

Erich von Stroheim embarking on an acting only career in The Great Gabbo

The Great Gabbo (dir. James Cruze with uncredited directing from Erich von Stroheim)

The directing career of Erich von Stroheim was pretty much over by 1929.  He was done with Queen Kelly, though it would not actually get shown in theaters until 1985.  He would make one more film, Hello Sister!, but it would be taken away from him and almost completely re-shot.  But this was sort of a new beginning for him as an actor.

There is some of the sly wit that von Stroheim showed as a director and screenwriter that shines through in this film (enough to feed the notion that he directed and wrote considerable portions of it).  It’s really his performance that makes the film worth watching.  It’s a fairly simple story about a ventriloquist and his on stage performances with his dummy.

But look at von Stroheim when he is onscreen (which is most of the film).  He always managed to have a proud aristocratic bearing, no matter what the situation.  He was so perfect in later roles, as the aristocratic camp commander in Grand Illusion, as Rommell in Five Graves to Cairo, as the failed director turned chauffer in Sunset Blvd.  He always had a quiet dignity that showed through, yet he bore all the amazing amounts of shit that came his way.

There really isn’t much to find in the years of 1929 and 1930.  They were a barren wasteland, not only for American film, but pretty much for film industries around the world.  The different countries were slowly learning the power of film and they were reacting to the introduction of sound.  But this is one small film that has been pretty much been overlooked and deserves to be found again.

Ensayo de un crimen.

La muerte parece ser una catarsis que sufre el personaje central de la película; la perturbación de las ideas, anhelos y deseos que se cumplen con sólo imaginarlos, es lo que hizo Buñuel con la novela del escritor mexicano Rodolfo Usigli. Del mismo modo se muestra la sensualidad femenina como uno de los elementos principales.

Es de sobre manera intrigante la historia, y  el argumento del inicio da la pauta para comprender claramente el final de esta historia, esta es similar al corto de Tim Burton titulado Vincent, en ambos ese afán por aferrarse a las ideas cuando se es niño, pueden pasar a formar parte de la vida real, y perturbar esa realidad.

El contexto en el que se desarrolla en un inicio es la época revolucionaria, las décadas pasan y la historia tormentosa y criminal de Archivaldo, cobra vida en el año del rodaje de la misma película en e 1955, al menos eso denota el vestuario y las costumbres (modales) con el que los actores interpretan a su personaje.

Ensayo de un crimen es del género dramático psicológico, su duración es de 89 minutos, con una trama que te hace imaginar que las cosas se llevaran a cabo tal cual y como lo plantea el personaje.

Luz María Espinosa.

Primera escena de la película:

http://www.youtube.com/watch?v=4BddHkGr3Og&feature=PlayList&p=28B994E55C2C065D&playnext=1&playnext_from=PL&index=59

La edad de oro (1930) es la segunda película de Luis Buñuel. Plenamente surrealista, ilustra no sólo el conflicto freudiano entre la moral represesora del superyó y las pulsiones sexuales y agresivas del inconsciente sino también el poder de la ideología, la religión y la cultura en la opresión de las clases trabajadoras. Para el surrealismo la liberación del inconsciente estaba íntimamente conectada con la emancipación de los trabajadores. El surrealismo fue capaz de realizar la simbiosis del pensamiento de Freud y Marx y la película de Buñuel es una buena muestra ello. El carácter subversivo de la película quedó patente cuando, tras proyectarse seis días con la sala llena, la prensa arremetió duramente contra ella y grupos de ultraderecha lanzaron bombas contra la pantalla y rompieron las butacas. Una semana después se prohibió. La película no volvió a distribuirse hasta 1980 en Nueva York y 1981 en París.

Según Buñuel, la película  “se trataba también -y sobre todo- de una película de amor loco, de un impulso irresistible que, en cualquiera circunstancias, empuja el uno hacia el otro a un hombre y una mujer que nunca pueden unirse” (p. 133). Es, por tanto, una historia de amor. Pero no el amor romántico burgués sino un amor liberador que rompe las barreras morales y políticas. Sin embargo, la película abarca mucho más. El título La edad de oro remite al paraíso imaginado por  Hesíodo pero comienza precisamente con la negación del mismo. No existió un pasado originario feliz. Al contrario, sobre un territorio árido y peligroso, poblado por seres crueles y violentos, se instaló la violencia superior de la civilización, representada por la visita de los mallorquines: obispos, militares, burgueses… Tal y como pensaba Freud y transmite la película, la civilización sólo es posible gracias a la victoria de la moral represora. El amor de los protagonistas es la única fuerza capaz de transgredir el peso de la opresión a través de los siglos.

Buñuel intentó escribir el guión de La edad de oro junto a Dalí, del mismo modo automático que Un perro andaluz. Viajó a Figueras pero la conexión con Dalí se había roto. Buñuel se pregunta si era ya la influencia maléfica de Gala, a quien Buñuel odiaba a muerte.

Reflexionando en sus memorias acerca del surrealismo, Buñuel se pregunta qué queda de aquel movimiento y se responde que tuvo éxito en el aspecto artístico pero fracasó en lo más importante: no fue capaz de transformar el mundo.

Muchos años más tarde, un programa de TVE llamado también “La edad de oro” intentó recuperar ese espíritu subversivo de la película de Buñuel. Aquí te dejo dos de sus momentos más memorables: una entrevista de Paloma Chamorro a Almodóvar y Mcnamara y del famoso concierto de The Smiths, This charming man.

Cuestionario

A continuación unas preguntas para que te detengas a pensar en algunos de los símbolos de la película:

1. ¿Qué idea de la naturaleza humana crees que sugiere el breve documental sobre escorpiones con que se inicia la película?
2. Cuando al principio de la película  los amantes son descubiertos en el barro ¿por qué se superponen imágenes de lava y volcanes en erupción así como así como el retrete de un cuarto de baño?
3. ¿Por qué crees que Buñuel elige Roma como la primera ciudad que erige la civilización?
4. Mientras la enamorada espera a su amado aparece con un dedo vendado y una vaca en su cama, ¿qué crees que significan estos símbolos?
5. ¿Por qué crees que el protagonista pega una patada al perrito o empuja al ciego?
6. Cuando el guardabosques de la mansión dispara a su hijo por haberle tirado el cigarrillo que estaba liando, los asistentes a la fiesta, alarmados, salen al balcón y luego vuelven a entrar para continuar tranquilamente la fiesta ¿por qué?
7. ¿Qué significa el paso de un carro con campesinos bebiendo vino por el medio de la fiesta?
8. ¿Por qué el padre de la protagonista tiene moscas en la cara?
9. ¿Por qué una camarera sale ardiendo de una habitación en llamas y nadie le hace caso?
10. ¿Por qué la música que suena durante la escena de amor de los protagonistas en el jardín pertenece a Tristán e Isolda de Wagner?
11. ¿Cuáles son los obstáculos que se presentan al amor durante la escena erótica del jardín?
12. ¿Por qué los amantes de devoran?
13. Buñuel usa por primera vez la voz en off. La protagonista dice “!Qué alegría haber matado a nuestros hijos!” mientras su amado se ha arrancado los ojos como Edipo y dice “Mi amor, mi amor…”  ¿Cómo lo interpretas?
14. ¿Qué arroja el protagonista por la ventana durante su ataque de celos?
15. Busca información sobre los tambores de Calanda que suenan durante el ataque de celos de protagonista.

Ficha técnica

1. Director: Luis Buñuel
2. Guionistas: Luis Buñuel (scenario) y Salvador Dalí (escenario)
3. Intérpretes:  Gaston Modot     …     The Man, Lya Lys    …     Young Girl, Caridad de Laberdesque    …     Chambermaid and Little Girl, Max Ernst    …     Leader of men in cottage, Josep Llorens Artigas    …     Governor, Lionel Salem    …     Duke of Blangis, Germaine Noizet    …     Marquise, Duchange    …     Conductor, Bonaventura Ibáñez    …     Marquis (as Ibanez)
4. Duración: 60 min.

Bibliografía

1. Barbachano, C.: Luis Buñuel. Madrid: Alianza, 2000.
2. Buñuel, L.: Mi último suspiro. Ana María de la Fuente (tr.) Barcelona: De bolsillo, 2008.
3. Gubern, R.: Proyector de luna. La generación del 27 y el cine. Barcelona: Anagrama, 1999
4. Sánchez Vidal, A.: Luis Buñuel. Madrid: Cátedra, 1991
5. La edad de oro en Wikipedia.

La edad de oro en youtube.com

Una bucată film, normal.

De data asta am cam întârziat cu postarea, însă mă revanșez. Propun un clasic al genului, film de referință – pe cât de important, pe atât de bizar și de brutal. Serios acuma, cine se știe că ar putea avea coșmaruri la noapte de la niște imagini mai puternice – să nu dea play. Cine însă nu are asemenea grețuri… o well. Așa cum reiese din primele secvențe, vorbim aici despre produsul colaborării dintre Luis Bunuel și Salvador Dali, care ambii nu mai au nevoie de nicio prezentare. În film se regăsește din plin înclinația lui Dali către simboluri – și de fapt tot filmul e o peticeală de metafore, nu trebuie să i se caute vreo poveste, pentru că n-are. Sau mă rog, e un pretext de poveste. În schimb trebuie avut mereu în vedere faptul că filmul s-a întâmplat în 1929, și sunt voci care spun că încă și acuma, după 80 de ani, poate fi considerat avangardist, vremurile încă nu l-au ajuns din urmă. În fine, gata cu elogiile:

Le Chien Andalou (Un perro andaluz), Franța, 1929 – Luis Bunuel & Salvador Dali

“Grace has a grand laughter in it.”

- Marilynne Robinson [Gilead]

I’m not sure how God does this; I can’t exactly remember why I came to be reading any novel, let alone Gilead whilst on Sabbatical. But there it was in my pile of books, so I read it. I used to read novels at school, because I had to, and yes, I did enjoy some; but not really the English ones. If there was any that appealed it was the French short story, the conte or nouvelle. Not exactly the same as the English novel, not as long as the roman either. Perhaps this was because, like much of the French film genre, they are written with a sort of predetermined purpose – to be able to say at the end “… and so boys and girls, that is why we should always/never…” It looks for a kind of ‘nicely tied together’ ending, whether you agree with it or not, which in a certain way helps to focus on the reader in a “…so what are you going to do about this?” kind of way.

I always liked this type of completeness, and so whether it was Maupassant, Aymé, or even the avant-garde film-maker Buñuel I preferred all of their story-telling technique especially to tedious, long winded descriptive tomes of prose (e.g Dickens!) which may well have had good ethics intended by them, but always seemed pompous, condescending and indiscreet in comparison to Tournier for example.

As a result, if I was not reading something Biblical or theological, I would not be generally reading an English novel. I really enjoy travel writings, and so have read most if not all of Bill Bryson, Paul Theroux and a few others; I like historical biography, so I have read lots by and about Churchill, Disraeli, US Presidents and the like, not to mention hundreds of Christian biographies and histories of course. I have recently got into reading anything by Niall Ferguson who writes socio-economic histories which have often been turned into Channel 4 Documentaries; Empire, Colosus, War of the Worlds, and The Ascent of Money are all brilliant in my humble estimation. I read biographies & autobiographies, especially Christian missionaries and leaders like Wesley (e.g. his Journal), Moody, Wilberforce and indeed anything by John Pollock, but also modern leaders such as Chuck Colson, Jimmy Carter, Margaret Thatcher, Ronald Reagan, Chris Patten, Brian Mawhinney; I’m reading Barack Obama’s Dreams from my Father at the moment.

There are rare occasions when I have read things which come very close to novels, for example the Year in Provence series, Driving over Lemons (also the sequel the title of which I forget, but it was about a parrot I think) and I remember reading only a few years ago a work called English Passengers – but this was an historical novel, the fiction was secondary to recounting to you the story of English colonization of Australia and Tasmania, set in the context of English, or more precisely Manx seamanship in the 1800s. Then I have also enjoyed many of the Lake Wobegon series and other books by Garrison Keillor but his writings are so humorous they are best heard read aloud to you, like stand-up comedy – especially in his low smooth mid-western accent – since they are really originally designed for radio or spin-offs of this genre.

Gilead is the story of a man, a family and a community in the mid-west USA largely set in the 1950s. It is convincingly written in the first person of the elderly pastor John Ames, who, like his father and grandfather before him, leads the small community of the Congregational church in the small town of Gilead, Iowa. The story unwinds in the form of a letter written by the aging pastor, who was widowed childless, has remarried now and become a father late in life. The reason for this missive is Ames’s failing health; he desires to leave an account of himself for this son who will never really know him. His greatest regret is that he hasn’t much to leave them, in worldly terms -

“Your mother told you I’m writing your begats, and you seemed very pleased with the idea. Well, then. What should I record for you?”

I won’t spoil it for you by recounting the whole tale, for it is gorgeously written, and it is not at all surprising that the author Marilynne Robinson won the prestigious Pulitzer Prize for it.

The Washington Post said of Gilead that it is “so serenely beautiful, and written in a prose so gravely measured and thoughtful, that one feels touched with grace just to read it.”

It is a sumptuous story which stretches the emotions; we are laughing one moment, crying the next; touched by an unexpected mercy, then horrified by a heinous act; wooed by pure sweet love on one page, shocked and shamed by the human potential for stubbornness and bitterness on the verso. It is achingly beautiful. We adore such tales, books, movies, and dramas. These are rare awesome pleasures – to be gently but firmly exhorted to venture towards the seeming extremities of one’s affections and sensibilities, what the French might call attendrissement, and then to be compelled to look further.

Gilead is a retelling of the Prodigal Son parable in a fuller, more complex, twentieth century guise. But there I will leave it for I am in danger of giving the game away and I do want many of you to get hold of a copy and appreciate it for yourself.

However it may well be that it was simply just written for me.

For, together with other things I was reading, listening to, and watching, along with talking all this through with Judith (who also read Gilead and other books I was reading), through this means the Lord tenderized my heart so he could prepare me to receive his fresh grace again. I am so grateful that he did it this way. Else I might have wasted the rest of my time away, and not seen what God wanted to do in me first, before anything he might want to do through me.

It was so good to get away and see the wonders God is indeed doing all over the world. But first I am persuaded that he desires to do wonders in my heart. Yours too!

Diario de una camarera

Año: 1964
Duración: 98 min.
País: Francia/Italia
Género: Drama
Director: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière
Fotografía: Roger Fellous
Reparto: Jeanne Moreau, Michel Piccoli, Georges Géret, Françoise Lugagne, Daniel Ivertiel, Jean Ozenne, Gilberte Géniat

Argumento: Historia de una doncella que entra a trabajar para una familia de la aristocracia. Adaptación de una novela de Octave Mirbeau que el francés Jean Renoir ya había llevado al cine, en su etapa americana, con “The Diary of a Chambermaid” en 1945.

[DVDRip.DivX/MP3]V.O.S.E.

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Alfred Hitchcock’s The Lady Vanishes (1938) reminded me of Bunuel’s Exterminating Angel in a way.  A group of middle-class people find themselves in a nightmare world bounded by the edge of a room, or railway car, from which they cannot escape.  This one has a happy ending.

The movie gets off to such a slow and corny start, I almost gave up on it.  There’s the rich playgirl, getting ready to return to London to settle down according to Daddy’s wishes, and marry a “check-chasing blueblood.” A pair of stereotypical, cricket-obsessed Brits who keep up a steady idiotic patter, a charming, handsome, and brash musicologist  studying local folksongs, and a slightly batty old English lady governess.  They are all trapped by an avalanche in a remote backwater of some fictional central-European country, waiting for their train connection back to England.

Once on the train, the playgirl and the governess become friendly, and when the girl wakes up from a snooze, the old lady is gone.  Simply gone.  Everybody claims to have never seen her!  It becomes a somewhat labored cat-and-mouse game between the girl and the passengers:  she trying to get evidence that the woman did exist; they implying or saying straight out that she’s crazy.  A bit of physical evidence convinces the music man, and they make a team.  It turns out that the passengers are in a conspiracy to abduct and kill the old lady with an elaborate switcheroo involving a fake medical expert, a nun in black high-heeled pumps, and an Italian circus performer.  Then it gets weird.

After the heroes rescue the governess, the bad guys separate the train cars and direct the passengers and the engine onto a small line that runs into the forest.  They stop the train and surround the car with armed men.  After a failed ruse to get the passengers to disembark, they direct a fusillade at the car.  Why are all these people suddenly fighting for their lives in the middle of nowhere, trapped in a rail car, simply because of some old lady? 

A pretty woman with her lover, both fleeing spouses, demands that her man use his gun to defend them.  He thinks it’s all insane – the only sensible thing is to surrender and explain everything.  She grabs his gun and starts firing.  The two Brits rise to the occasion, without visible emotion of course, and turn out to be crack shots.  One grabs the pretty lady’s gun saying, “I’ll put it to better use,” and proceeds to pick off the attackers.  With each shot, the woman starts with fear while he, surveying the situation, calmly remarks, “I’m sure that there’s a rational –bang!- explanation – bang! – for all of this.”  Indeed there is.

Happily returned to London, the playgirl abandons her gold-digging fiancé and surrenders to the ill mannered, but charming music man in an embrace that is not what I expect from a Hitchcock film