Yo he visto mil veces “Sevillanas” de Carlos Saura y ahora estoy deseando ver la nueva de “flamenco“. Aunque claro, bicheando por internet se pueden ver muchas cosas y os invito a que veáis algunos de los videos de Carlos Saura porque os van a gustar y a llamar mucho la atención.

Recuerdo que de pequeña la veía una y otra vez sin saber que tenía entre mis manos algo simplemente espectacular, algo que en el tiempo sería recordado, sería grande, una joya. Y es que en ese vídeo podemos ver a tantos artistas, hoy desaparecidos, cantando y bailando, vemos distintos tipos de sevillanas (que aunque algunos crean lo contrario, hay más de uno). Intentaba aprender a bailar las boleras pero era un auténtico desastre con ellas, lo mío, las de toda la vida, más rápidas o más lentas… eso me da igual.

Cuando ahora veo la cinta (VHS… ¿tendrá años?) me fijo mucho en los trajes de flamenca y siempre hay uno que me encanta… el de Lola Flores. Yo no sé si lo que me gusta es la bata de cola que lleva o su forma de bailar.

Llama mucho la atención ver esas mangas de clavel antiguas, gigantescas que nos hacían parecer… pues no sé… pero desde luego nos faltaba cuello. ¿Y los encajes? ¡¡Ay… cuánto se llevan éstos ahora!! ¿Y los altísimos talles? ¿Y los tacones típicos de flamenca? ¿Y el modo de pintarse? Que sí, que sí, que entonces íbamos así a la feria. Pero una cosa también os digo, fijaos en ciertos detalles que ahora se vuelven a llevar como por ejemplo las flores en lo alto,  los pendientes de lágrima, peinas, trajes sin mantón y ¡¡moños!!… de todo.

Espero que os guste los videos que aquí os dejo pero os recomiendo que la veáis entera porque es maravillosa.

Górnośląski Festiwal Sztuki Kameralnej, bo tak dokładnie nazywa się  impreza, która swój start prognozuje na 6. listopada, to festiwal, który od siedemnastu lat serwuje nam misz-masz z dziedziny sztuki i kultury. Dlaczego misz-masz? Co roku Ars Cameralis skrupulatnie dba o to, aby w salach koncertowych i widowiskowych co większych ośrodków kulturalnych Śląska pojawiali się artyści z różnych zakątków świata i różnych zakątków artystycznych. I tak będziemy gościć na naszym zindustrializowanym talerzu poetów, aktorów, reżyserów, muzyków, krytyków a nawet i naukowców. Hasło przewodnie tej edycji: „Podróż do kresu nocy”.

Nie mniej jednak program festiwalu jest nafaszerowany niszowymi i ambitnymi smaczkami. Zatem zadajmy sobie pytanie: z czym się je taki festiwal? Przede wszystkim zapomnij o czymś takim jak sztućce. Zapomnij o zasadach etykiety i pobaw się w przodka Freda Flinstone’a – jedz garściami. Radzę upaćkać całą dłoń w lekkostrawnej papce kameralnego brzmienia z różnych zakątków świata. Dania, Francja, Stany Zjednoczone. Co do obrazów – wsysajcie je jak makaron, ale proszę nie siorbać i nie mlaskać. Proszę się nie przejmować, kiedy pod paznokciem znajdą się afrykańskie maski, litewska produkcja Snu Nocy Letniej czy sam Jarosław Kurski. Przyprawy są zbędne, bo to co serwują w restauracji Ars Cameralis Silesiae Superioris nie jest jakąś tam jałową solą czy rozcieńczonym maggi – nie ma mowy o płaskim smaku. Przygotuj się na waniliową lirykę Zbiegu Poetyckiego, na surrealistyczne połączenie kardamonu z kurkumą w wersji japońskiej czy hiszpański imbirowy posmak Carlosa Saury. Oczywiście wszystkie potrawy ozdobione złotymi drobinkami marzeń sennych.

Festiwal Sztuki Kameralnej to przedsięwzięcie z górnej półki, o czym świadczy pojawienie się na suto zastawionym stole deseru. Bo deser jest jak najbardziej z górnej półki. Śląsk kominy przywitają pod koniec listopada wirtuoza kina – Davida Lyncha oraz magiczny kolektyw zza oceanu czyli Yo La Tengo.

Podsumowując krótko i rzeczowo: listopad na śląskiej scenie kulturalnej to przede wszystkim ładna muzyka, ambitne spektakle teatralne, nietuzinkowe wystawy, a przede wszystkim ludzie, którzy to wszystko tworzą. A jeszcze krócej rzecz ujmując: oniryczno-pyszny listopad nam się szykuje.

Franciszka Tryfil

El fado es un lamento musical que se expresa con pasión.

A sus 77 años, Carlos Saura sigue emocionándonos con su cine inquieto y sensible, que no se detiene, que evoluciona en busca de nuevas formas de expresión. Con Fados (2007) abrió otro capítulo en su serie musical que ha indagado en las expresiones de la cultura andaluza —Bodas de sangre (1981), Carmen (1983), El amor brujo (1986), Sevillanas (1992), Flamenco (1995)  e Iberia (2005)— y en la cultura del Río de la Plata —Tango (1998)— de una manera envolvente y ambiciosa. Con su más reciente obra se sumerge en el melodioso lamento del pueblo lisboeta de una forma conmovedora, no sólo por la vigencia y evolución de una expresión musical portuguesa de gran belleza sino por la maestría en el manejo del lenguaje cinematográfico para construir un documental pleno de poesía y comprensión.

Dueño de una de las filmografías más impresionantes del cine español, Saura mantiene una postura vital y creativa que evade los convencionalismos y propone nuevas formas de exponer sus ideas estéticas. Desde su debut en el largometraje con Los golfos (1960), en pleno franquismo, ha desarrollado 38 largometrajes que reúnen algunas de las mejores películas que he visto: La caza (1966), El jardín de las delicias (1970), Ana y los lobos (1973), La prima Angélica (1974) y Cría cuervos (1976). Tras la muerte de Francisco Franco y en la transición a la democracia, su cine se amplía, se libera de los rodeos semánticos y produce filmes tan peculiares como Mamá cumple 100 años (1979) y De prisa, de prisa (1981), con una mirada distinta. Ese mismo año filma su garcialorquiana Bodas de sangre que inaugura su serie musical que incluye 8 títulos y que amplió 2009  con su Yo, Don Giovanni, sobre Lorenzo da Ponte, el compositor italiano del siglo XVIII que colaboró con Mozart en su ópera Don Giovanni. La relación entre música y cine ha encontrado en su obra un espacio de armonía y precisión.

Fados es un musical en toda la extensión de la palabra. Desde el principio este profundo lamento musical lusitano se apropia del discurso cinematográfico. No hay voces en off que expliquen de qué se trata ni actitud didáctica alguna. Una tras otra, las secuencian exponen las voces actuales del fado y sus manifestaciones más elaboradas, sin dejar de homenajear a la gran fadista Amalia Rodrigues y a otros grandes artistas que tras la segunda guerra mundial hicieron del fado su razón de vivir. La propuesta medular del film de Saura consiste en establecer el contraste de esa tradición con experiencias más actuales que incluso trabajan el hip hop y otros ritmos contemporáneos. El director aragonés no sólo propone la recreación de las manifestaciones más puras del fado sino su evolución en el Portugal de hoy.

Se dice que el origen del fado hay que encontrarlo hacia principios del siglo XIX, como producto de las migraciones a Lisboa de campesinos portugueses y de habitantes de sus territorios coloniales, especialmente de Brasil y Cabo Verde. De las tabernas, prostíbulos y arrabales fue imponiéndose poco a poco en los sectores más acomodados de la sociedad portuguesa hasta conformar una forma de expresión folclórica, no sólo aceptada sino también venerada por cultores de diverso signo.

A lo largo del film se pone de manifiesto el carácter de lamento que anida en el fado. A través de las interpretaciones de Mariza, Camané y Carlos do Carmo, entre otros fadistas fundamentales, fluyen el dolor y la nostalgia ante la deuda del amor y ante el dolor social. Es un llanto musical que habla del despecho pero también de la pobreza y la desigualdad. En el fondo es la queja del campesino en el mundo urbano. No en balde, las únicas expresiones de alegría durante toda la película se hayan en la voz de Chico Buarque cuando interpreta su nuevo fado para celebrar el “inmenso Portugal” que surgió tras la Revolución de los Claveles —que dio fin a la dictadura de Salazar a mediados de los años setenta del siglo pasado— y en el ritmo contemporáneo de un grupo de hip hop que adapta la médula del fado a sus nuevas propuestas.

Además de la deslumbrante fotografía del español José Luis López-Linares, realizada casi toda en estudios de Madrid, hay que destacar la coreografía de Patrick de Bana como una interpretación en movimiento de la esencia del fado, con la colaboración notable del bailarín portugués Pedro Gomes en su comprensión como evolución rítmica y dancística.

Fados es una obra preciosa y emotiva que juega con la sensualidad y las formas para mostrar la esencia de un pueblo que se transforma y se adapta a los nuevos tiempos a través de sus voces musicales más importantes. Provoca tomar un vuelo para ir a recorrer las callejuelas del Barrio Antiguo.

FADOS, España y Portugal, 2007. Dirección: Carlos Saura. Dirección: Ivan Dias y Saura. Producción: Ivan Dias, Luís Galvão Teles y Antonio Saura. Fotografía: José Luis López-Linares. Montaje: Julia Juániz. Coreografía: Patrick de Bana. Elenco: Mariza, Camané, Carlos do Carmo, Chico Buarque, Caetano Veloso, Lila Downs, Toni Garrido, Lura, Miguel Poveda, Catarina Moura, Argentina Santos, Cuca Roseta. Distribución: Amazonia Films.

Nei Cinema dal 23 Ottobre 2009

• Parnassus – L’uomo che voleva ingannare il diavolo – di Terry Gilliam
• Lebanon - di Samuel Maoz
• Julie & Julia – di Nora Ephron
• La battaglia dei tre regni - di John Woo
• Brüno – di Larry Charles
• Io, Don Giovanni – di Carlos Saura
• Oggi sposi - di Luca Lucini
• L’incredibile viaggio della Tartaruga – di Nick Stringer

Parnassus – L’uomo che voleva ingannare il diavolo

titolo originale: The Imaginarium of Doctor Parnassus
nazione: Francia / Canada
anno: 2009
regia: Terry Gilliam
genere: Fantasy / Avventura
durata: 122 min.
distribuzione: Moviemax
cast: H. Ledger (Tony) • J. Depp (Tony) • J. Law (Tony) • C. Farrell (Tony) • C. Plummer (Dr. Parnassus) • T. Waits (Mr. Nick) • L. Cole (Valentina) • V. Troyer (Percy)
sceneggiatura: T. Gilliam • C. McKeown
musiche: J. Danna • M. Danna
fotografia: N. Pecorini
montaggio: M. Audsley

Trama: Il Dottor Parnassus gestisce da secoli un favoloso spettacolo itinerante: il suo dono di guidare l’immaginazione degli spettatori gli permette di far vivere loro esperienze incredibili. A causa di suo patto con il demonio, però, Parnassus si trova in procinto di perdere la figlia Valentina che, al compimento dei sedici anni, diverrà proprietà del Maligno.

Terry Gilliam, ammettiamolo, ci ha, da tempo, abituato a lasciarci perplessi, alla fine di suoi film spesso andiamo a casa con la sensazione di non aver ancora finito la visione, di non aver afferrato appieno il senso del discorso.

“Parnassus” forse parla del libero arbitrio, ma lo fa premendo il tasto della difficoltà insita in ogni scelta, in una lotta disperata contro il caso.

Lo fa affascinando lo spettatore, come sempre, portandolo in un mondo che non conosce e che potrebbe abitare ogni notte, nei propri sogni e nei propri incubi: lo spettatore che si trova estraneo in quel mondo si rispecchia in Heath Ledger, che nello stesso mondo non si riconosce, di volta in volta, nei tratti di Johnny Depp, di Jude Law e di Colin Farrell.

Un mondo dal quale Heath Ledger (purtroppo) non tornerà più, ed è con la forza del dolore, dell’amicizia e del rispetto che Gilliam ha radunato tre dei più cari amici dell’attore scomparso per portare a termine il suo film, il Loro film, costretto dal fato a fare ciò che non aveva liberamente scelto, migliorare il suo “Parnassus” con un’invenzione geniale e lancinante, scoprendo la poesia là dove Mr. Nick è venuto a reclamare la sua anima.

4 stars.

Lebanon

titolo originale: Levanon
nazione: Israele
anno: 2009
regia: Samuel Maoz
genere: Drammatico
durata: 92 min.
distribuzione: Bim Distribuzione
cast: Y. Donat (Shmulik) • I. Tiran (Asi) • O. Cohen • M. Moshonov (Yigal) • Z. Shtrauss (Gamil)
sceneggiatura: S. Maoz
fotografia: G. Bejach
montaggio: A. Leibovitch

Trama: Prima guerra del Libano, giugno 1982. Un carro armato e un plotone di paracadutisti vengono inviati a perlustrare una cittadina ostile bombardata dall’aviazione israeliana. Ma i militari perdono il controllo della missione, che si trasforma in una trappola mortale. Quando scende la notte i soldati feriti restano rinchiusi nel centro della città, senza poter comunicare con il comando centrale e circondati dalle truppe d’assalto siriane che avanzano da ogni lato. Gli eroi del film sono una squadra di carristi – Shmulik, l’artigliere, Assi, il comandante, Herzl, l’addetto al caricamento dei fucili, e Yigal, l’autista – quattro ragazzi di vent’anni che azionano una macchina assassina. Non sono coraggiosi eroi di guerra ansiosi di combattere e di sacrificarsi.

“Lebanon” parla dello spinosissimo tema della guerra tra Israele e Libano di inizio anni ‘80, ma si rifugia – fatta esclusione per la prima e l’ultima inquadratura – all’interno di un carro armato per analizzare forse ancor di più e meglio,  il senso di impotenza e più in generale di tutte le sensazioni che attraversano chi è costretto a fare una guerra.

Un’ambientazione assolutamente claustrofobica, siete avvistati, che si fonde presto con l’umanità dei quattro protagonisti ebrei, spinti all’estremo con conseguente progressivo aumento della tensione, dell’angoscia e soprattutto dell’isolamento, quando l’unico strumento di conoscenza verso ciò che accade finisce per essere il mirino.

Il messaggio verso l’alto di “Lebanon” ci parla di un pacifismo più originale e penetrante dei suoi predecessori, vincendo la sfida dei primi piani, stravolti da lacrime e petrolio e immersi in un buio che odora di ignoto e ferraglia. Non c’è però politica nel film di Samuel Maoz.

C’è solo il racconto molto scarno di un’esperienza che tende all’assoluto e alla morte. Il nemico è, si, lì fuori, ma c’è una guerra assai più importante da vincere: quella interiore contro se stessi.

Il film lo ricordo ha vinto il Leone d’Oro alla 66a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

4 stars.

Julie & Julia

titolo originale: Julie & Julia
nazione: U.S.A.
anno: 2009
regia: Nora Ephron
genere: Commedia
durata: 123 min.
distribuzione: Sony Pictures
cast: M. Streep (Julia Child) • A. Adams (Julie Powell) • S. Tucci (Paul Child) • C. Messina (Eric Powell) • L. Emond (Simone Beck) • H. Carey (Louisette Bertholle) • M. Rajskub (Sarah) • J. Lynch (Dorothy McWilliams) • C. Wilson (Regina) • B. Avers (Garth) • M. Place (Julie’s Mom)
sceneggiatura: N. Ephron
musiche: A. Desplat
fotografia: S. Goldblatt
montaggio: R. Marks

Trama: “Julie & Julia” mostra un’impiegata del governo che decide di imparare a cucinare utilizzando il leggendario libro di cucina di Julia Child, “Mastering the Art of French Cooking”, utilizzando la sua piccola cucina del Queens. La Powell aggiorna il suo blog per un anno con le sue esperienze giornaliere, guadagnando dei sostenitori.

E’ sempre più così raro riuscire ad assistere ed un film-commedia “classico” che non ci deluda nella seconda parte.

Meravigliatevi, pertanto, nella visione di questo lungometraggio di Nora Ephro.

Perché, mi chiederete, e, giustamente, voi?

Ad esempio perché la regista newyorkese non si appoggia totalmente e solamente sul talento di Meryl Streep (come ha invece fatto, ad esempio, di recente, David Frankel ne “Il diavolo veste Prada”), ma ne dosa l’irruenza lasciando ad Amy Adams il suo spazio, in una costruzione parallela che non soffoca la giovane attrice co-proagonista da Oscar di Maryl ne “Il dubbio”.

La scelta di non intrecciare mai la narrazione delle due storie è sicuramente l’aspetto più rilevante del film, che evita con tale escamotage,  la preparazione del gran finale che avrebbe appesantito le due ore abbondanti del film.

Il resto lo fa un’atmosfera familiare, tutta racchiusa tra i fornelli della piccola cucina del Queens ed i grandi spazi di Julia Child, personaggio di poco spessore che acquista stazza grazie alla straordinariamente esagerata recitazione della Streep.

Il film è stato, presentato in anteprima al Festival di Roma che si concluderà domani, ed è fortemente sconsigliato a chi sta a dieta.

3 stars virgola cinque.

La battaglia dei tre regni

titolo originale: Chi bi
nazione: Cina
anno: 2008
regia: John Woo
genere: Azione / Storico / Guerra
durata: 130 min.
distribuzione: Eagle Pictures
cast: T. Leung (Zhou Yu) • T. Kaneshiro (Zhuge Liang) • F. Zhang (Cao Cao) • C. Chang (Sun Quan) • W. Zhao (Sun Shangxiang)
sceneggiatura     J. Woo • K. Chan • C. Kuo • H. Sheng
musiche: T. Iwashiro
fotografia: Y. Lu • L. Zhang
montaggio: R. Ferretti • A. Lam • H. Yang


Trama: All’inizio del Tredicesimo secolo, la terra di Wu viene invasa dal signore della guerra Cao Cao e i suoi milioni di soldati. Il governatore di Wu, Sun Quan, chiede aiuto al suo rivale Liu Bei, ma il numero dei soldati delle loro armate è comunque esiguo rispetto alle forze nemiche. Tuttavia lo stratega Zhou Yu capisce che l’armata di Cao Cao non è addestrata alle battaglie in mare. Se ben sfruttata, questa debolezza darà loro una chance di vittoria.

Epico back to home di John Woo che nel farlo tesse le trame di un moderno poema attraverso alcuni episodi di un importante periodo storico cinese. Sullo schermo ci fa rivivere la battaglia delle Scogliere Rosse, (narrata nel film come “La battaglia dei tre regni”), divenuta mitica nella memoria collettiva dell’intero continente asiatico così come gli eroi che ne agirono le gesta.

Con uno specifico filmico tipicamente orientale, con i primi piani tipici di Woo, l’imponente e costosa macchina da guerra sa catturare ed incollare alla poltrona forse più nella forma che nella sostanza del contenuto.

Molto poco apprezzato l’utilizzo del lettering per i titoli, che ricorda gli innumerevoli videogiochi dedicati al periodo storico, sublime appare invece essere l’accuratezza di suoni e delle musiche, nonché la delicatezza e l’irruenza che accompagnano, in qualche misura definendola e completandola, la narrazione degli eventi.

3 stars virgola cinque.

Brüno

titolo originale: Brüno
nazione: U.S.A.
anno: 2009
regia: Larry Charles
genere: Commedia
durata: 83 min.
distribuzione: Medusa Film
cast: S. Baron Cohen (Brüno) • G. Hammarsten (Lutz) • C. Bañagale (Diesel)
sceneggiatura: S. Baron Cohen • A. Hines • D. Mazer • J. Schaffer
musiche: E. Baron Cohen
fotografia: A. Hardwick • W. Held
montaggio: S. Davids • J. Thomas

Trama: Apparso per la prima volta in piccoli sketch realizzati per il canale televisivo The Paramount Comedy Channel nel 1998, Bruno, reporter gay dai modi fashion, arriva sul grande schermo per assicurare un altro incredibile successo.

Dopo quelli dell’esilarante giornalista kazako Borat Sagdiyev, Sacha Baron Cohen veste i panni di Brüno, un reporter gay deciso a conquistare il mondo dello spettacolo con la sua visione trandy e sfacciata della vita.

Analoga la prospettiva narrativa del regista Larry Charles che è ancora basata sull’idea di filmare le reazioni delle persone messe a confronto con l’omosessualità, manifesta e irriverente, di Brüno, dovendo fare i conti con le chiamate provenienti dall’FBI, che lo avvertiva di possibili minacce di morte, o con le aggressioni della folla inferocita.

“Brüno” è a tutti gli effetti una commedia estrema e ben realizzata, se solo si pensa, ad esempio, alle intenzioni della produzione, meno, e questo va detto, se ci si ferma a riflettere sul come, per far ridere, oramai i registi (non solo quelli italiani e questo è ancora più triste), siano costretti a mettere in scena le trovate più volgari e più trash. Mah …

Ciononostante gli spunti di riflessione non mancano e la seconda parte, più incisiva, ci regala idee demenziali più intelligenti e intriganti del previsto, tutto sommato.

3 stars, ma solo perché Borat mi aveva divertito assai.

Io, Don Giovanni

titolo originale: Io, Don Giovanni
nazione: Austria / Italia / Spagna
anno: 2009
regia: Carlos Saura
genere: Drammatico
durata: 115 min.
distribuzione: Lucky Red Distribuzione
cast: L. Balducci (Lorenzo da Ponte) • L. Guanciale (Mozart) • E. Verginelli (Annetta) • T. Moretti (Casanova) • E. Fantastichini (Salieri)
sceneggiatura     C. Saura • R. Uboldi • A. Vallini
musiche: N. Tescari
fotografia: V. Storaro
montaggio: J. Juaniz

Trama: Venezia. 1763. Lo scrittore Lorenzo Da Ponte conduce una vita dissoluta. Prete in origine, viene esiliato a Vienna per aver diffuso versi contro la Chiesa e il potere dell’Inquisizione. Con il supporto del suo amico e mentore Casanova, Lorenzo viene presentato al maestro Salieri, compositore prediletto dell’Imperatore e conosce così Wolfgang Amadeus Mozart. Intravedendo l’opportunità di frenare l’ascesa di Mozart, Salieri spinge Mozart a prendere questo sconosciuto libertino come suo librettista. La natura stessa di Lorenzo, invece, sarà fonte di ispirazione per una delle sue opere più audaci e potenti: Don Giovanni.

Ah si certo le musiche, ah si certo l’impeccabile fotografia di Vittorio Storaro, ah si certo i (pochi) virtuosismi di Carlos Saura.

La verità è che tutti questi elementi erano, puramente e semplicemente, le premesse di “Io, Don Giovanni”, e che a queste, però, ahimè, si ferma.

Il lungometraggio del genio del cinema spagnolo, non ci dice nulla di nuovo, e non regge (nemmeno volendo essere onesti fino in fondo), il confronto con i capisaldi del cinema mozartiano (“Amadeus”) né di quello su Casanova, evitando furbescamente e saggiamente quello con con Visconti – che ha rappresentato tanto Vienna quanto Venezia come nessuno riuscirà più – ricorrendo ai fondali finti di un palcoscenico teatrale.

Teatrale al limite dell’operistico, è la recitazione di tutti gli attori, peraltro, eccezion fatta per il protagonista Lorenzo Balducci, che tenta di dare al suo Lorenzo Da Ponte un taglio più cinematografico. Bah …

3 stars.

Oggi sposi

titolo originale: Oggi sposi
nazione: Italia
anno: 2009
regia: Luca Lucini
genere: Commedia
durata: 118 min.
distribuzione: Universal Pictures
cast: L. Argentero (Nicola) • M. Placido (Sabino) • I. Ragonese (Chiara) • R. Pozzetto (Renato) • C. Crescentini (Giada) • M. Atias (Alopa) • F. Nigro (Fabio) • G. Pession (Sabrina) • L. Savino (Violetta) • D. Bandiera (Salvatore) • H. Shapi (ambasciatore) • F. Montanari (Attilio)
sceneggiatura: F. Bonifacci • F. Brizzi • M. Martani
fotografia: M. Archinto
montaggio: F. Rossetti

Trama: “Oggi sposi” racconta, in modo del tutto ironico e rocambolsco, l’ansia pre-matrimoniale per quattro giovani coppie alle prese con l’età adulta.

Dal momento che gli ultimi film (e soprattutto “Solo un padre“) mi erano piciucchiati, volutamente sospendo il giudizio per questa pellicola che tenta di essere  la commedia decisamente più brillante della sua produzione.

Non si legge in giro niente di positivo (a parte il twitter di un cinfilo incolto ed insonne), su questo film, ma non è questo necessariamente un motivo per parlarne male.

Avevo annotato di là un certo trend di miglioramento nell’opera di questo regista che siamo certi tornerà presto a piacerci.

Ti diamo tre stars Luca per non rovinarti troppo la media

L’incredibile viaggio della Tartaruga

titolo originale: Turtle: The Incredible Journey
nazione: Austria
anno: 2009
regia: Nick Stringer
genere: Documentario
durata: 80 min.
distribuzione: Bolero Film
cast: H. Elsner (German narrator) • M. Richardson (Narratore)
sceneggiatura: M. Finn
musiche: H. Lohner
fotografia: R. McGuinness
montaggio: S. Barton • R. Wilkinson

Trama: “Turtle: The Incredible Journey” è la vera storia di una piccola tartaruga marina, che segue la rotta dei suoi antenati in uno dei più straordinari viaggi nel mondo naturale. Nata su una spiaggia della Florida, nuota lungo le correnti del Golfo verso l’Artico e infine nuota intorno al nord Atlantico prima di tornare alla spiaggia dov’è nata. Quando finalmente approda sulle rive della Florida sono passati 25 anni. Ma la sua spiaggia sarà ancora lì?

Si insomma un documentario di Nick Stringer.

Frega qualcosa a qualcuno?

No dico ve la immaginata la seguente telefonata:

“Ciao sono Rob, … ti andrebbe di andare a vedere un documentario austriaco del regista Nick Stringer sulle tartarughe marine?“

Vi prego di (non) immaginare (anche) la risposta, grazie.

3 stars (per le tartarughe, eh).

E i trailer dove li guardo?

Ma nell’area commenti dell’altro blog cliccando qui, che domande.

A cura di cinemavistodame.com.

by Lewis Manalo

Sure, you might be excited that Transformers: Revenge of the Fallen may be out on DVD, but let’s be honest. You already made your lady suffer through Michael Bay’s dizzying orgy of robotic mayhem in the theater. Why not seduce that lady into a orgy of the flesh and rent Fados tonight?

Newly released on DVD here in the States, Fados is the third and final film in Spaniard Carlos Saura’s musical trilogy. A Goya winner, Saura is bit more subtle than his fellow musical directors such as Baz Luhrmann, so you can be sure that you won’t feel flamboyantly girly for watching this film.

Not only will you be treating yourself to some truly original filmmaking, you might get some out of it, too.

Esta es la mierda más divertida y original que he visto en mucho tiempo, y tiene su origen en ese blog que nos da tanto placer: Vicisitud y sordidez…

El Séptimo Día.

Director: Carlos Saura.

Guión: Ray Loriga.

Intérpretes: Juan Diego, José Luís Gómez, José García, Victoria Abril, Eulalia Ramón Ramón Fontseré, Yohana Cobo, Oriol Villa.

Música: Roque Baños.

Fotografía: François Lartigue.

España. 2004. 108 mins. aprox.

España, 1992

Una de las películas más interesantes que nos dejó la cosecha cinematográfica nacional de 2004 –marcado por aquella medianía llamada Mar adentro- fue esta doliente radiografía de la España contemporánea propuesta por Carlos Saura. El realizador de Dulces Horas creyó pertinente dramatizar para el cine los tristemente recordados sucesos acaecidos en Puerto Hurraco durante el verano de las Olimpiadas de Barcelona. Propone un inhóspito viaje a las tripas de una comunidad rural, y nos narra, con pulso firme y diletante, las circunstancias acaecidas en aquella comunidad cerrada de la España profunda que dieron de resultas el asesinato de diversos aldeanos en aquel 1992.

La mirada de Saura

Saura sabe colocar el ojo de su cámara al nivel de los acontecimientos que narra, y vestir los elementos (la escenografía, la música –a menudo diegética-) que componen la trama con los ropajes de tan opaca realidad. No tan lejos de los propósitos de la celebrada y más o menos coetánea Elephant de Gus Van Sant (y en sede de la filmografía del realizador, de aquella otra espléndida película llamada La Caza), Saura se sirve de su profundo conocimiento de la cultura popular hispana para servirnos la historia de una tragedia desde la suficiente distancia y con habilidad suficiente para rehuir cualquier tipo de efectismo.

De lo atávico

El alambicado de relaciones que propone el libreto de Ray Loriga resume la esencia de la película a través del personaje del Chino, un traficante de baja estofa, irrespetuoso, bravucón, y carente de escrúpulos y de maldad, que decide abandonar el pueblo cuando, de algún modo, puede palpar que hay un aliento insano domeñando el ambiente. El Chino es un personaje imposible de encauzar en aquel paisaje humano, tanto por las motivaciones de su edad –la cuestión generacional, que comparte con la protagonista superviviente-, como por su comportamiento, que, por carente de moralidad, nos sirve para comprender que no hay inmoralidad en los actos de los asesinos, antes bien una ciega obcecación que surge de rencillas enquistadas en el alma, diría que atávicas, y que lleva a la nada, pagando el precio de cualesquiera vidas ajenas.

http://www.imdb.com/title/tt0380736/

http://www.clubcultura.com/clubcine/clubcineastas/saura/peli-septimo.htm

http://thecinema.blogia.com/2006/022004-el-septimo-dia-2004-carlos-saura-.php

http://www.elcultural.es/version_papel/CINE/9392/El_septimo_dia/

Todas las imágenes pertenecen a sus autores

El amor brujo!

Carlos Saura

No es un secreto que a Carlos Saura le guste el flamenco, pero que lleve su pasión por este arte a un escenario, sí. Hasta el momento, todo su amor por el baile y el cante flamenco habían impregnado sus producciones cinematográficas. Ahora, su primer espectáculo fuera del celuloide nos llega de sorpresa a aquellos que llevamos años siguiéndole…

El espectáculo que el cineasta presenta hoy en el Escenario Puerta del Ángel, bautizado como Flamenco hoy, pondrá el broche final al festival cultural del verano más famoso de la capital: Los Veranos de la Villa. En esta arriesgada propuesta, Saura apuesta por las nuevas promesas del flamenco del siglo XXI. Las  nanas, sevillanas, tangos de Triana, farrucas, guajiras o soleares que se ejecutan en el espectáculo están coreografiadas por Rafael Estévez y Nani Paños e interpretadas por jóvenes bailaoras, entre las que destacan Rocío Molina, Pastora Galván, Concha Jareño y Olga Pericet, todas ellas bajo la dirección musical del pianista Chano Domínguez.

El principal objetivo del cineasta en este nuevo proyecto es rendir homenaje a todos los grandes del flamenco: Mairena, Caracol, Antonia Mercé y al magnífico Antonio Gades, con quien Saura, en particular, mantenía una gran amistad y con el que ha contado para infinidad de proyectos de gran éxito como: Bodas de sangre (1981), Carmen (1983) y El amor brujo (1986).

En Flamenco hoy no hay ninguna historia que articule los números, pero sí una especie de arco a través del tiempo y de la luz. Sin olvidarnos de la raíz clásica se presentan los palos flamencos con ciertos toques contemporáneos. Saura ha tratado de simplificar las cosas para dar la oportunidad de que los artistas se expresen con la máxima libertada y así valorar lo que hacen.

“Todos los artistas que intervienen eran para mi una generación prácticamente desconocida y es fantástica. Sin duda, el flamenco está en un momento prodigioso”, afirma el creador de Flamenco Hoy, una formidable exhibición del género andaluz, que juega con lo instrumental, el eco de las voces y las siluetas de los cuerpos en danza, y que mezcla lo clásico con lo nuevo. Todo un reto! No podéis perdéroslo!.

Más información:

Escenario Puerta del Ángel
Fechas: del 19 al 23 de agosto
Precio: entre 32 y 50 euros
Horario: de M a D a las 21.30 h.

Quindici anni dopo le riprese di “Flamenco”, il leggendario film che ha riunito leggende come Paco de Lucia, Farruco, Chocolate, Fernanda de Utrera, Enrique Morente e Joaquín Cortés , solo per citarne alcuni, il regista spagnolo Carlos Saura prepara  il sequel di questo film, che inizierà le riprese il prossimo mese di settembre a Siviglia.

Come riportato dal “Diario de Sevilla”, questo nuovo film vedrà protagonista la nuova generazione flamenca.  Miguel Poveda e Rocío Molina saranno tra le star di questa nuova produzione che probabilmanete si intitolerà “Flamenco, flamenco”.  Nel cast sono previsti anche Pastora Galván, Rafael Estévez e Nani Paños al baile;  David Palomar, la Tremendita e Alba Carmona, al cante; il chitarrista Antonio Rey e  il pianista Chano Dominguez .

Anche per questo nuovo lavoro Saura ha voluto al suo fianco l’italiano Vittorio Storaro (direttore della fotografia di capolavori quale Novecento,  Ultimo tango a Parigi,  Apocalypse Now per citarne alcuni.)

Si, porfín esto empieza. Tras unos cuantos problemas respecto a subidas de archivos a una página web de la que no voy a decir el nombre. Hoy día dos de Julio ós traigo a todos vosotros el primer episodio del podcast. Tengo que decir que es un poco mas corto de lo que esperaba al grabar. Pero bueno, es un buen comienzo, por lo menos eso es lo que yo creo. Así que aquí os lo dejo. Disfrutadlo.

1995, 1998, 2007 – Dir. Carlos Saura

We played Fados at Reel Pizza Cinerama a few weeks ago, and one of my friends and co-workers watched it three times. I joined her for the second round on the night she watched it twice in a row, and could easily understand her obsession. It is a beautiful movie. In a series of musical numbers Saura explores the origin of Fados, a Portuguese style of singing with African and Brazilian roots. Using mirrors, lighting effects, backdrops, and dancers he weaves a vibrant fusion of song, movement, and history. The effect is mesmerizing.

The style of singing is very crisp – absolutely lovely voices hitting notes with ringing clarity. The singers seemed more than usually like an instrument to me – their entire bodies seemed to be pouring forth song. There were homages to faudistas legends like Maria Severa and Amália Rodrigues, as well as performances by modern stars like Mariza and Camané (none of whom I’d ever heard of before this, but who I will be looking into in the future!) There was also a mixture of other styles such as hip-hop, flamenco, and reggae which pointed out the incredible exchange of ideas and influences that makes music so exciting.

Just talking about Fados makes me want to watch it again. Hopefully it will be released onto DVD in the US soon… Until then there are tons of clips available on uTube!

My friend and I watched Tango about a week before we saw Fados. I thought it was the first in the series, but actually Flamenco was made several years before. It was released on DVD later, however, and Tango is the movie that got a lot of publicity due to Golden Globe and Academy Award nominations. Of the three films it is the only one that has a plot driven format. Set in Buenos Aires, it centers on Mario Suarez, a middle-aged theater director who is still recovering from a bad break-up. He is working on a musical about tango. While he tries to get over his feelings for his ex-girlfriend (who is also his principle dancer…) and enjoy an affair with another beautiful dancer (who has a possessive boyfriend of her own) we get to watch a lot of fabulous tango sequences and enjoy some really creative cinematography. Reality and the story in the musical sometimes blend in intriguing ways. I didn’t particularly care for the plot of the film, but the dancing more than made up for it, and Vittorio Storaro’s camera and lighting work was stunning.

We finally got to watch Flamenco last night. Of the three it was my least favorite, which surprised me because I was SO excited for the dancing, flamenco being one of my favorite forms. The film did and excellent job of showing the variety of flamenco rhythms, and bringing out it’s Indian, Greek, Romany, and even Jewish influences. The entire musical genre was examined – the style of singing, dance, and guitar playing. The dancing was thrilling, no doubt about it, and some of the guitar solos were absolutely amazing. However, I didn’t care for the style of singing. An astonishing degree of passion was portrayed, but the harsh anguish that made every singer’s voice grating and rough and nasally was not to my taste. Still, on a whole the movie was fascinating, and the intense inclusive circles of family and community groups all participating in make the music was wonderful. You really got a sense that this type of music was being passed down with a great deal of respect and joy. My favorite part was when an old man and a young boy were dancing together – the boy lithe and full of energy, the old man slower but still full of light-footed grace.

I definitely recommend all of these films to anyone who loves music and dance, and also interesting cinematic techniques. Carlos Saura has been making films since the 50s, and I guarantee that I’ll be tracking a few more of his down. I’ll keep you posted!