André Vigneau

ANDRÉ VIGNEAU: (1892-1968)

Fotógrafo, pintor, escultor y cineasta francés. Artista surrealista, además de uno de los exponentes de vanguardia. Contrató en su estudio de diseño , durante los años 30, a Robert Doisneau como ayudante.

MAN RAY: (1890-1976)

Nació en Philadelphia (EEUU). Fue fotógrafo , pintor, escultor,ilustrator, cineasta y filósofo. Además  de ser uno más de los representantes del Dadaísmo y el Surrealismo. Fue una persona clave y muy influyente en la fotografía de Robert Doisneau.

ROBERT CAPA: (1913-1954)

Fotógrafo húngaro y corresponsal de guerra. En 1936, junto con su compañera Gerda Taro, inventó la figura de Robert Capa, fascinante periodista estadounidense. Aunque la ficción no tardó en ser descubierta, decidió conservar ese nombre. Murió en Vietnam.

Cartier Bresson

CARTIER – BRESSON: (1908-2004)

Robert Giraud

ROBERT GIRAUD: (1921-1997)

JEAN PAUL SARTRE:

Albert Camus

ALBERT CAMUS: (1913-1960)

Brasaï

BRASSAÏ (GYULA HALÀZ): (1899-1984)

IZIS (ISRAEL BIDERMANAS):

Willy Ronis

WILLY RONIS: (1910-2009)

René Clair

RENÉ CLAIR: (1898-1981)

NICOLE VÉDRÈS:

Truffaut

TRUFFAUT: (1932-1984)

Tavernier

TAVERNIER: ()

Francoise Bornet

FRANÇOISE BORNET: ()

O livro de Pierre Assouline,lançado no Brasil pela L&PM Editores, trata da vida e obra de Henri Cartier-Bresson, um dos fotógrafos mais reconhecidos do mundo.

A obra narra a carreira de Cartier-Bresson a partir de sua formação, conhecemos logo no início sua origem e família, onde estudou e como seu grande interesse pela arte serviu de base para o desenvolvimento como fotógrafo. Relata seu trabalho como fotojornalista, a criação e o afastamento da agência Magnum, o fim de sua carreira na fotografia e o retorno ao desenho.

Assouline é jornalista, autor do blog La république des livres (A república dos livros), e de dez biografias. Sua experiência na área talvez seja o que contribui no enfoque certeiro do personagem: em momento algum lemos sobre coisas irrelevantes, como a marca preferida de cereal de Cartier-Bresson, ou detalhes de sua vida pessoal. Sabemos apenas do que influenciou seus princípios e seu trabalho.

Um dos aspectos mais interessantes é perceber como traços da personalidade de Cartier-Bresson foram marcantes e auxiliaram na prática fotográfica. Entre estas características está o comprometimento em nunca ver as coisas de forma superficial. Ele não tem pressa, toma tempo e se dedica as tarefas. Para Cartier-Bresson um bom retrato é “captar um silêncio interior”. Um fotógrafo com olhar mais apressado tende a retratar o lado mais óbvio de tudo. A procura do desconhecido, do que não é lugar comum, exige tempo, paciência e observação.

O interesse por diversas áreas da arte também é fundamental para sua visão de fotógrafo. Na verdade é isto que faz seu olhar rico: o conhecimento adquirido em áreas distintas, na leitura e a na arte. Além disto, Cartier-Bresson deseja conhecer e explorar localidades diferentes, realidades diferentes. Assouline escreve sobre as principais viagens de Bresson.

O livro permite conhecermos mais sobre o fotógrafo, entre um relato sério e outro, nos deparamos com seu humor irônico, bastante afiado. A obra desperta, inevitavelmente, vontade de ver as fotos de Cartier-Bresson.

Para aqueles que gostam do trabalho do fotógrafo vale dar uma olhada também no filme Henri Cartier-Bresson, biographie d’un regard, documentário sobre o fotógrafo.

Alguns fragmentos do documentário.

Henri Cartier-Bresson, el fotógrafo francés que junto a Capa, Vandivert, Seymour y Rodger fundara la agencia Magnum en 1947, fue el maestro indiscutido del fotorreportaje; se le ha llamado el ojo del siglo. Para él, la fotografía debía captar el instante decisivo ­–expresión que, sin embargo, se quejó de llevar clavada como una etiqueta–, el instante crucial y fugaz. El título de uno de sus libros, Images a la sauvette, sirvió para definir un modo de entender la fotografía, basado en la captura  espontánea y rápida de imágenes, sin prepararlas antes de la toma y por supuesto sin retocarlas después, fotografías hechas al asalto, al descuido o al acecho. Quizá por eso a las fotos se las llama también instantáneas. Y pese a esa rapidez, o gracias a ella, no sólo captaba el gesto físico o la distribución espacial de unos volúmenes, sino que absorbía la atmósfera, el contexto, podría decirse, algo indefinido que creaba, sin necesidad de esfuerzo por nuestra parte, una imagen mucho más amplia que la propia fotografía, como si ese instante tan exacto, tan ajustado, abarcara en sí mismo un espacio-tiempo considerablemente mayor, quizá la totalidad de lo transcurrido hasta el instante preciso en que el negativo recibe la luz que lo impresiona.

Una de las fotografías de Cartier-Bresson con la que más disfruto es Au bord de la Marne. Para quien no la conozca, es la imagen de la placidez de una comida campestre junto al rio, el pique-nique –comida de placer en el que cada comensal aporta su plato, según el diccionario Littré–, de dos matrimonios amigos. Tal vez sea la fotografía con más poder evocador que conozco, claro está que esto es totalmente subjetivo y que depende en gran parte de las vivencias personales de cada uno. A mí, la imagen me habla del corto verano francés, de los vinos del Ródano, de domingos a mediodía, de una choucroute en un bistrot de Reims, de esclusas y barcazas, de Gertrude Stein, de un Citroën DS proyectando sus dos haces de luz amarilla en los adoquines, de jóvenes besándose en una calle. Y por encima de todo, me habla de Simenon. Porque uno siempre me lleva al otro. No hace mucho, un amigo con más graves crisis de locura que yo, me aseguraba haber llegado a la conclusión de que ambos eran la misma persona.  Se basaba en no sé cuántas coincidencias de personajes y situaciones que él entendía irrefutables.

Pierre Assouline –que ha escrito una biografía excelente de Simenon–, en una de las pocas entrevistas que Cartier-Bresson concedió, le preguntó si había esperanza en poder leer algún día sus memorias. El fotógrafo le contestó que no era escritor, que apenas podía escribir tarjetas postales y que además, no tenía tiempo. Assouline, perplejo ante la respuesta de aquel hombre de 90 años, le preguntó entonces qué era lo que hacía todo el día. Con toda naturalidad, Cartier-Bresson le soltó “¿Qué cree que hago? Miro”.

En seguida me di cuenta de que lo que valía para hablar de la fotografía de Cartier-Bresson era igual y exactamente válido para otros casos. Me lo confirmó la lectura de Tentativa de agotar la plaza Rovira, de Vila-Matas. Podía cambiar el nombre propio y el título de la obra por los del escritor barcelonés y su crónica, y el significado se mantenía. Es como una variación de la teoría de Hölderlin de que un buen poema es siempre reversible, y aún leído al revés conserva su belleza. Vila-Matas, hace, a mi entender, lo que llamo un inventario en tres dimensiones: lo que se ve y va a seguir viéndose, a menos un tiempo –edificios, árboles, objetos–, y lo que es efímero, lo que no volverá a ser igual jamás –el clochard hablando a la estatua, el loco cantando La Traviata o la niña que pasa a las 13.15 horas–, se trata de plasmar un trocito del espacio-tiempo que nos entra por los ojos, de guardar el momento fugaz de la velocidad del tiempo; algo así como registrar una breve secuencia cinematográfica, al estilo de aquella escena inicial de la película La vida sigue, dirigida por Fernán-Gómez; o como esas webcams que filman permanentemente un rincón de cualquier ciudad del mundo y a las que nos conectamos como empedernidos voyeurs parásitos de las vidas ajenas; es la ilusión del cuadro en la pared que cada vez que pasamos por delante y lo miramos percibimos evidentes cambios: nuevos detalles que no vimos, o la luz, distinta según los momentos del día; es la ventana a la que asomarse, con vistas a elección de quien la abra.

Cuarenta y siete años antes de que Vila-Matas escribiera su Tentativa de agotar la plaza Rovira, cualquiera que estuviera asomado a alguna de las ventanas que se abren hacia ese espacio, tal vez repasando inconscientemente un hipotético inventario, hubiera podido ser testigo de una escena absolutamente cinematográfica –y literaria–: dos sujetos llegan a la plaza. Aunque el observador no lo sabe, vienen de la calle de la Encarnación y llevan hincada ya en los sesos la idea del asesinato. Mientras uno espera en la calle, el otro entra en la misma droguería que Vila-Matas reseñará años después en su crónica. El observador, mira por un tiempo en todas direcciones sin demasiado interés, pero enseguida centra la mirada en el hombre que ahora sale de la droguería. Lo ve reunirse con el que esperaba fuera y ve también al dependiente tras los cristales del comercio mirar a su vez a los dos hombres, que en ese momento emprenden ya la marcha. Inmediatamente, el observador vuelve a dejar vagar sin rumbo fijo la mirada. En los siguientes días, cuando el observador lea las crónicas del asesinato de Carmen Broto –la puta roja que tanto ha fascinado a Juan Marsé—, publicadas en La Vanguardia española durante los cuatro días posteriores al crimen, no sabrá que los dos individuos relacionados con el crimen y que han aparecido muertos por ingesta de cianuro son los  mismos que él distraídamente observó desde la ventana, ni que fue en aquella droguería, en el número cinco de la plaza Rovira, frente a su portal, en la que uno de ellos, ese tal Viñas que ahora nombran los periódicos, compró el veneno.

“People like you and I, though mortal of course like everyone else, do not grow old no matter how long we live… [We] never cease to stand like curious children before the great mystery into which we were born.” - Albert Einstein’s letter to Otto Juliusburger

Bassman, Frank, Demarchelier, Weber, & Leibovitz

THE OLDEST 28-YEAR-OLD IN THE WORLD

I still don’t have a Twitter. I joined Facebook earlier this year, after being constantly bombarded by the electronic Facebook invites of my college mates from art school, I finally gave in. Sometimes, updating status, replying to messages, wall tags and photo comments are something I do to keep me company while retouching some of the images I took in Photoshop, in between photo shoots, waiting for my flight, waiting for my luggage, waiting for a friend in a coffee shop, just finished reading a book or done my research for my novel, Facebook somehow sneaked in to my routines, should I be worried? For all my growing readers and followers out there, I appreciate your emails and support, I  attended a worldwide blogger’s 2-day conference over the weekend to upgrade myself and literally everyone (about 200 bloggers, web developers, writers, coders) has a Twitter, MySpace, Facebook, together with their website and other contact details in their business cards or their blogs, I feel prehistoric, the oldest 28-year-old in the world who don’t Twit and a Facebook amateur compared to my niece who have used Facebook and Twitter since birth, now I’m worried.

MR. IRVING PENN 92

My favorite feature in Facebook is the “top five” list of everything you can think of, top five movies, top five sandwiches, top five Britney song, top five Sarah Palin books (although she has only one, hopefully), of course I don’t want to be left out by the other cool kids, so I made a couple of list of my own, like the hit “Top 5 Famous Dead People I Would Like To Invite For Dinner”– James Dean, Charles Darwin, Jesus Christ, Adolf Hitler, and Albert Einstein (I’m definitely sure 3 of them are vegetarian and I definitely got a lot of fb comments for that), and after browsing The New York Magazine in LAX, Aug 16, ‘09 interview of the famed photographer Annie Leibovitz (59 yrs. old), “Photography is not something you retire from, Photographers live to a very old age and work until the end.” (Lartigue lived to be 92, Steichen 93, and Cartier-Bresson 94.)  “Irving Penn is going to be 92 next month, and he’s still working.” Leibovitz said. I quickly made another “top 5″ last September 13 at 5:53 am (it’s still somewhere on my facebook wall), “The World’s Oldest Living Iconic Photographers” where Mr. Irving Penn topped the list at 92, shortly after a month (October 7),  Ms. Lillian Bassman (92) took Mr. Penn’s spot at the top 5.

FIVE LEGENDARY LIVING LENSMEN

It’s a youth-obsessed industry, a working fashion model’s age brackets from 14 to 21 and less than 1% of them work up to their 40’s (Claudia Schiffer 39, Christy Turlington 40, Naomi Campbell 39, and Kate Moss 35), but great photographers get to last twice or more than any great supermodel’s career in a lifetime which is fascinating and inspiring for a “late twenties” photographer like me, their career’s longevity and their resilience are something that a lot of “top” fashion photographers in their 30s or 40s at the moment can only dream of. It would be interesting to know if any of the five legendary living lensmen and women Twits or have Facebook “top fives” of their own. Two caucasian women, three caucasian men, two immigrants, three american-born, one photojournalist, one portrait photographer, two fashion/celebrity photographers, one fashion/art photographer, three have started with Harper’s Bazaar Magazine, and all based in the east coast, four in new york, one in miami, here are the updated list of “The World’s Oldest Living Iconic Photographers” still working today.

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Lillian Bassman (92)

A painter and an American fashion photographer, born in Brooklyn (1917) to a jewish immigrant parents from Russia (1905).

Bassman’s work as a fashion photographer started at Junior Bazaar (1940s) and Harper’s Bazaar (1950 -1965), by the 70s she abandoned fashion photography to work on her own photo projects, resulting to 40 years of life’s work (films and prints) thrashed, some salvaged hundred images re-appeared and her work was re-appreciated in the 90s. Her photography style is the high contrast, grainy finish, and geometric camera angles of her subjects.

In an industry ruled by “White Men (gay or straight)”**, Bassman is now one of the last two “great women” standing. And that is still an understatement for me.

**a future article you’ll find here in Dangerously Naive.

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Robert Frank (84)

An important American art/photojournalist, born in Zurich, Switzerland (1924) to a wealthy Jewish family.

Mr. Frank emigrated to the United States in 1947 and like Ms. Bassman started as a fashion photographer for Harper’s Bazaar. He travelled to South America and Europe after the brief stint with the magazine, and like Ms. Bassman worked on his more personal works, and came back in the 1950’s to NYC for a group exhibition in MOMA and then moved to Paris. His frustrations with the control of the editors over his work colored his fashion magazine experience, nonetheless he moved back to New York, 3 years after the exhibition and worked as a freelance photojournalist and completely abandoning fashion photography altogether.

In 1958, “The Americans” was published, his widely celebrated photographic book cemented his position in the history of American photography.

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Patrick Demarchelier (65)

A French fashion photographer, born in 1943 to a modest family and started as a wedding photographer at the age of seventeen.

Like Mr. Frank, Mr. Demarchelier emigrated to New York (1975), Elle, Marie Claire and 20 Ans Magazine was the first stints he had as a fashion photographer after working as a freelance photographer/ assistants to such greats as Cartier-Bresson. He later worked for Harper’s Bazaar (like Mr. Frank and Ms. Bassman) and Vogue (1992-present). Demarchelier also is behind several blue chip campaigns including Dior, Louis Vuitton, Celine, TAG Heuer, Chanel, Yves Saint Laurent, Lacoste, Calvin Klein and Ralph Lauren, and became a household name after the 2006’s Meryl Streep film The Devil Wears Prada with the lines- “Did Demarchelier confirm?”, and “I have Patrick!”.

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Bruce Weber (63)

An American fashion/celebrity photographer, born in Greensburg, Pennsylvania (1946).

Mr. Weber’s first fashion photography work appeared in GQ magazine in the late 1970’s, shot Bloomingdales catalogs in 1978, Calvin Klein Campaigns in the late 1980s to early 1990s, introducing him to the American households. His photograph of supermalemodel Marcus Schenkenberg nude in the shower, catapulted him to celebrity status. Then later working with fellow celebrities like him, Andy Warhol’s Interview magazine, Chet Baker, Chris Isaak, Harry Connick Jr., Jackson Browne and virtually all the stars in the hollywood’s walk of fame, the dead and the living. Today, he is behind the countless ad campaigns such as Calvin Klein, Pirelli, Revlon, Gianni Versace, Ralph Lauren and Abercrombie & Fitch and unlike Mr. Robert Frank, Mr. Weber embraced the fashion industry and worked with virtually all the top fashion and celebrity magazines existing in the world today.

Mr. Weber’s work are mostly in black and white and homoerotic. (A House is Not a Home and Bear Pond to name a few of his numerous homoerotic nude photobooks).

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Annie Leibovitz (59)

An American portrait photographer, born in Waterbury, Connecticut (1949) to a modern dance instructor mother, and a lieutenant colonel father (US Air Force).

She took her first pictures in the Philippines while studying college, and to be with her family, after her father was stationed there during the Vietnam war. Ms. Leibovitz returned to the US in 1970 and started a career as a staff photogrpaher for Rolling Stone magazine, then in 1973 became its chief photographer (for 10 years) and helped defined the look of the magazine with her celebrity portraits of Mick Jagger, John Lennon, and like Mr. Weber the rest of the names in Hollywood’s walk of fame and virtually every celebrity that are in the headlines today, from President Obama to Miley Cyrus (for Vanity Fair Magazine).

Ms. Leibovitz’s signature style is the close collaboration to her subjects and on her earlier works are the more orange/yellow hue tint to the present work’s blue-ish purple hue. – Navo

Related Entry: http://naiveboy.com/2009/10/08/thank-you-mr-penn/

Assisti esse documentário sobre o Cartier-Bresson ontem, depois de ver a exposição de suas fotos no SESC Pinheiros. Quando cheguei na sala de exibição do vídeo, este já estava começado. Não peguei a parte em que ele diz que “a prova de contatos é como o divã do psicanalista” mas a relação entre o ofício desse fotógrafo e o ofício do psicanalista se apresentou de maneira muito evidente na parte que vi do documentário. As imagens são de provas de contato: acho que isso não se usa mais nos tempo das câmeras digitais, mas quem fotografou com filme vai se lembrar delas. São cópias dos negativos em tamanho natural (sem ampliação). A partir dessa prova você escolhe que “cliques” vai ampliar. No documentário “Contacts”, a câmera percorre a folha de contato, deslizando pelos vários cliques até se fixar naquele escolhido para ser ampliado por Cartier-Bresson.

Eu já tinha saído da exposição com esse pensamento: o fotógrafo está lá, imerso no fluxo do mundo, com o dispositivo fotomecânico: a câmera. Ele entende de luz, de química, de mêcanica. Ele sabe ajustar a abertura do diafragma e a velocidade dessa abertura para, regulando a luz que sensibiliza o filme, conseguir a foto que dá aos olhares dos outros: “somos ladrões, mas é para dar”, diz ele no documentário. Então, ele liga o olho ao visor da câmera e prepara sua entrada no mundo. Ele deve entrar desprevinido: “Não se deve buscar. É preciso estar disponível, receptivo. É importante não pensar.” No momento oportuno, ele clica: num momento, vários instantes. Ele revela os negativos e imprime a prova de contatos: “A prova de contatos é como o divã do psicanalista”. Então, na folha de contatos, ele encontra uma composição, uma narrativa insuspeitada: “Tudo vem do inconsciente: não sabemos nada. É inconsciente”. Está lá o instantâneo! O feito! O ato! A ação do clicar efetivou a composição revelada na foto. Revela-se uma composição que não se apresenta ao mero olhar. Ou melhor, se apresenta como ato, depois do clique do fotógrafo.

Indicações preciosas de um fotógrafo para um psicanalista.  “Não se deve buscar … é importante não pensar”! Como disse Lacan, “é preciso não compreender depressa demais”. Não antes do ato … No momento oportuno, pontuamos os instantes e, talvez, alguma composição se revele na em nossa prova de contatos. Talvez, o paciente queira ampliá-la. Talvez ele queira enxergar as coisas como elas se apresentaram relacionadas no instante daquele clique, remetendo a uma ordem que não se revela ao mero escutar.

Uno degli scatti più famosi di Roger Ballen: all'epoca della sua svolta stilistica il grande fotografo abbandonò gli spazi aperti per rivolgere la sua attenzione al mondo nascosto del disagio, dell'emarginazione e della follia

Immagini quadrate per stanze chiuse. Luoghi nei quali l’obiettivo di Roger Ballen ha messo sotto vuoto una dimensione inquieta e sinistra confinandola nello spazio asfittico delle sue fotografie, recentemente raccolte in un nuovo lavoro, “Boarding House”.

 

di   Claudia Papaleo

Ballen nacque nel 1950, nella New York in cui i barattoli di “Tomato”  si apprestavano a passare dal carrello della spesa alla serigrafia, e dove da un pennarello a vernice, imboscato dentro una tasca di jeans sbrindellata, sarebbe saltato fuori un quadro da milioni di dollari. Sin da ragazzino, oltre a respirare l’aria di cambiamento che attraversava l’arte, poté vivere a stretto contatto con la fotografia. Durante gli anni ’60, sua madre lavorò per la Magnum e fondò una delle prime gallerie fotografiche della grande mela. Di più, Ballen poté scorrazzare tra le gambe di monna lise come Cartier Bresson, Eliot Erwitt, Paul Strand e soprattutto Andre Kertesz. Il lavoro di quest’ultimo, infatti, è spesso rievocato nelle  immagini del fotografo, anche solo da piccoli accorgimenti aggiunti come  si aggiunge una punta di sale nella pentola.  

Pure, nei primi anni ’70 la macchina da foto si trasformò in un giocattolo da prendere sul serio. Tra bandiere schiaffate addosso al cielo, ammucchiate di capelli rincalzati nei pantaloni, e zeppe che marciavano per le strade come palazzi a portata di ratto, Ballen documentò la rivolta, arraffando le sue immagini succulente con qualche lazo di pellicola.

Diversi anni più tardi,  l’Africa del sud;  il suo sole tremulo e avvampato che scrosciava calore costante, fondendo le zone rurali in cui il fotografo cominciò a passare il tempo libero. Qui, la svolta.

Ballen abbandonò improvvisamente lo spazio aperto, i paesaggi ossigenati che lo circondavano, per intrappolare se stesso e la sua Rolleiflex 6X6 negli ambienti chiusi. Quello che doveva fare, infatti, era fotografare la trappola. Alcuni emarginati bianchi del posto accettarono di smezzare con lui l’aria delle loro camere scarne, marchiate dai segni di mobili estinti. Allora le sue foto, con tocco lapidario, ritrassero volti sconditi di qualunque serenità. Uomini e donne dai sorrisi ebeti, che fissano l’obiettivo con sguardi stranianti e corpi anomali, sui quali, a volte, cola qualche vestito smunto. Immagini che creano corrispondenze arbitrarie tra persone e animali, ponendoli in una realtà alterata che respinge e attrae, corrodendo qualsiasi controllo razionale in chi guarda. E ancora esseri umani spesso legati da lampanti vincoli sanguigni, di cui Ballen raffigura il lato sottilmente difettoso con una franchezza a tratti fastidiosa. Una serie di scatti disarmanti per la loro autenticità, in cui l’imperfezione punta i piedi di fronte alla macchina fotografica con dignità e coraggio.

Presto le stanze dalle mura ulcerate, che perdevano grumi di vernice su pavimenti dall’aria tombale, divennero i luoghi di strane fantasie dal retrogusto angosciante, e la macchina fotografica l’occhio che sembra guardare il fondo di una scatola degli scherzi, in cui gli oggetti vengono disposti secondo accoppiamenti ostili. Ballen, infatti, prese ad arredare gli spazi di cui disponeva assecondando le logiche di intuizioni visive minacciose, che tendono a snaturare le cose per come le conosciamo, caricandole di isteria.

Mani nodose, gambe spolpate, volti preda di urla eccessive, fanno da comparsa sbucando da vecchi scatoloni o da pile di materassi pregni di polvere, mentre qualche resto di bambola giace crudamente a terra senza possibilità di innocenza. Il tutto amplificato dalla presenza di stampelle ritorte, graffiti infantili e pelli zebrate di animali scuoiati.

Immagini psicotiche quelle di Ballen, lo scolo di un incubo che fa sgranare gli occhi e ti lascia con un battito accelerato, mentre allontani lo sguardo a braccetto della follia.

“Tirar fotos é prender a respiração quando todas as faculdades convergem para a realidade fugaz.

É organizar rigorosamente as formas visuais percebidas para expressar o seu significado.

É pôr numa mesma linha de mira a cabeça, o olho e o coração”.

Henri Cartier-Bresson

C’est entendu, Robert Delpire est un grand monsieur de la photographie et de l’édition, nous l’avions compris à Arles cet été (billets ici et là).

L’exposition de la MEP (ici et 5/7 rue de Fourcy), récemment inaugurée, consacrée à cet éditeur et ancien directeur du centre national de la photographie qu’il contribua à fonder est une extension de celle d’Arles. En clair, si vous avez déjà vu Arles, il n’est vraiment pas indispensable d’aller à la MEP: en ce qui concerne, j’ai visité au pas de course. Pour les autres, l’exposition n’est peut-être pas totalement inutile, et je pense notamment au public adulte peu familier de la photographie mais aussi aux ados et aux enfants.

Au sous-sol, vous avez droit essentiellement au volet publicitaire, sponsorisé par Cacharel et Citröen, comme à Arles avec des illustrations vidéos. Pour le reste, l’essentiel de l’accrochage est consacré aux livres, complété de photographies mais sans réel fil conducteur: si les salles sont bien axées sur des thématiques, les photographies forment plutôt un pot-pourri. Néanmoins, parmi les auteurs les mieux représentés, on citera Cartier-Bresson et Koudelka ainsi que Sarah Moon.

Ce sera pour les moins connaisseurs l’occasion d’apprécier quelques tirages hyper connus comme le saut au-dessus de la flaque de Cartier-Bresson (billet ici) ou la fameuse voiture déformée de Lartigue (billet ici).

C’est jusqu’au 24 janvier 2010.

Para os amantes de FOTOGRAFIA, não imagens, fotos de verdade – a exposição organizada por Eder Chiodetto de Henri Cartier-Bresson conta com 133 obras onde ocupam 3 andares do SESC Pinheiros em São Paulo. Sedida pelo acervo da Agência Magnum, fundado pelo próprio Bresson em 1947, o visitante imerge em momentos, histórias e culturas da trajetória de um dos maiores fotógrafos de fotojornalismo contemporâneo.

“Para mim a câmera é um livro de rascunhos, um instrumento de instuição e espontaneidade, o mestre do instante que, em termos visuais, questiona e decide simultaneamente. Ao enves de “dar um significado” para o mundo, deve sentir-se envolvido naquilo que é enquadrado pelo visor. Essa atitude requer concentração, disciplina da mente, sensibilidade e um senso de geometria.

Tirar uma fotografia é prender a respiração enquanto todas as faculdades convergem para a fealidade fugaz. É naquele momento que a masterização da imagem torna-se uma grande alegria física e intelectual. É organizar rigorosamente as formas visuais percebidas para expressar o seu significado. É pôr numa mesma linha de mira a cabeça, os olhos e o coração”. Henri Cartier-Bresson

Paralelamente à exposição, você pode ver Bressonianas, que é composta pela seleção de 42 imagens de sete fotógrafos brasileiros que têm em suas obras a influência de Bresson, entre eles: Cristiano Mascaro, Flavio Damm, Carlos Moreira, Orlando Azevedo, Juan Esteves, Marcelo Buainain e Tuca Vieira, no 3º andar.

Difficile essere appassionati di fotografia senza sapere cos’abbia rappresentato Henri Cartier Bresson per questa.

Non molto tempo fa ho avuto il piacere di leggere “L’immaginario dal vero”, un piccolo libretto in cui Bresson descrive il suo approccio alla fotografia e traccia alcuni profili di artisti amici con un punto di vista che aiuta molto a capire la visione di questo grande protagonista della fotografia del XX secolo.

Una lettura che personalmente consiglio a tutti.

Ecco un brevissimo estratto : 

“Fotografare è trattenere il respiro quando tutte le nostre facoltà di percezione convergono davanti alla realtà che fugge: in quell’istante, la cattura dell’immagine si rivela un grande piacere fisico e intellettuale. Fotografare è mettere sulla stessa linea di mira la testa, l’occhio e il cuore. Per me fotografare è un modo di capire che non differisce dalle altre forme di espressione visuale. È un grido, una liberazione. Non si tratta di affermare la propria originalità; è un modo di vivere”.

(“Che mito” – ndr)

 Divulgação / Magnum Photos

O Sesc Pinheiros apresenta a exposição “Henri Cartier-Bresson: Fotógrafo”, com 133 obras do legendário fotógrafo francês. A mostra, que faz parte do calendário do Ano da França no Brasil, ocupa dois pisos do prédio, com imagens em 23 países entre 1926 e 1979. Cenas históricas memoráreis como a morte de Mahatma Gandhi e flagras do cotidiano nas ruas, imortalizados pelas lentes de sua câmera Leica, podem ser vistos até o dia 20 de dezembro. A influência do artista, fundador da agência Magnum junto com Robert Capa e uma das maiores referências mundiais na fotografia, ainda se revelam através das obras de sete fotógrafos brasileiros, como Cristiano Mascaro, que estão na mostra paralela “Bressonianas”, também no Sesc Pinheiros.

Exposição “Henri Cartier-Bresson – Fotógrafo”
Sesc Pinheiros (Rua Paes Leme, 195)
Terça a sexta, das 10h30 às 21h30; sábados, domingos e feriados, das 10h30 às 18h30
Entrada franca
Informações: (11) 3095-9400

Na programação do Ano da França no Brasil, estão rolando algumas exposições legais…

1) Exposição de fotos do Henri Cartier-Bresson no SESC Pinheiros.
Visitação de 17 de setembro a 20 de dezembro 2009
Terças a sextas-feiras, das 10h30 às 21h30; sábados, domingos e feriados, das 10h30 às 18h30

Fomos hoje (domingo) e a exposição é o máximo! Além da exposição do Cartier-Bresson no térreo e segundo andar, tem tmb a exposição “Bressonianas” que mostra fotógrafos cujo estilo e o trabalho foram influenciados por Henri Cartier-Bresson e é muito legal também! O programa vale super a pena.
obs. a foto acima é da série de retratos que o Cartier-Bresson tirou e o fotografado é o Matisse… tudo a ver com esse post né? Essa foto está no site da Magnum Photos 

2) Exposição individual de Matisse na Pinacoteca
Visitação de 5 de setembro a 1 de novembro
De terça a domingo, das 10 às 18h
Entrada: R$ 6,00 e R$ 3,00 (meia)
Grátis aos sábados

The famous photographer Henri Cartier-Bresson is quoted on the page devoted to him by Magnum Photos (http://j.mp/1y7yz5). “To take a photograph is to align the head, the eye and the heart. It’s a way of life.” His biography goes on with this quote, “For me the camera is a sketch book, an instrument of intuition and spontaneity, the master of the instant which, in visual terms, questions and decides simultaneously. It is by economy of means that one arrives at simplicity of expression.”

It is this simplicity that captures the “decisive moment.” It’s a simplicity that I try for when I take pictures for clients or for myself. It’s a tall order.

Cartier-Bresson used a 35mm viewfinder Leica and produced black and white pictures. I use a digital SLR with the ability to focus automatically, set the proper exposure with a built-in light meter and shoot picture after picture within seconds. That makes it difficult for me to explain that my camera is my “sketch book.” Does this gadgetry distract from the process of arriving at “simplicity of expression?” It doesn’t have to.

For years I used only black and white film and paper. That meant I didn’t have to use a lab. Does producing my work in color now add some sort of misalignment between my head, eye, and heart? It doesn’t have to.

Over time I’ve learned people with inexpensive, simple photographic equipment can make the same notable photographs that they would have made with high-end equipment. That doesn’t mean there isn’t a place for top-of-the-line cameras, large assortments of lenses and the right lighting equipment. So where is the line drawn?

Cartier-Bresson’s description of how to take a photograph is on the mark what ever the situation. Whether it’s snapshots, news, fashion, architectural or any other reason for taking a photograph, the ultimate success of the picture is always in the photographer’s hands. The picture is the alignment of “the head, the eye and the heart.” Photography is indeed “a way of life.” And the photographer is “the master of the instant.”

Em São Paulo, 130 obras de Henri Cartier-Bresson fazem parte de uma mostra. O trabalho do fotórgafo, além de encantar, serve de inspiração para muitos jovens, que tentam encontrar a poesia da vida.

Veja a reportagem no video

Aproveitando o “momento-Bresson” por conta da exposição, aí vai minha foto preferida dele. É de 1926.

Na exposição, tem essa e outras 132.

Sesc Pinheiros: Rua Paes Leme, 195 (tel: 11-3095-9400)

Até 20 de dezembro

Via L&PM

Albert Camus, equilibrando um cigarro em meio a um sorriso cúmplice; Jean-Paul Sartre, na Pont des Arts, com seu olhar inconfundível; os funerais de Churchill e Gandhi; os retratos de Coco Chanel, William Faulkner e Samuel Beckett; a Guerra Civil Espanhola; a libertação de Paris; a Alemanha em ruínas. Ao lembrar das imagens que marcaram o século XX, evoca-se aquele que foi o responsável pelo olhar de um dos períodos mais turbulentos da história: Henri Cartier-Bresson (1908-2004). HCB, como é conhecido no meio, ensinou o mundo a ver e, juntamente com Robert Capa, contribuiu para alçar a posição do fotógrafo a outro patamar, não como mero ilustrador, mas como autor, que transmite sua visão e assina as próprias imagens. Foi também ao lado de Capa e de outros três fotógrafos visionários que fundou,em 1947, a agência de fotojornalismo mais prestigiosa do mundo, a Magnum. Pela primeira vez na história, os fotógrafos tornavam-se proprietários de seus negativos – uma utopia para a época.

O jornalista Pierre Assouline, biógrafo de personalidades como o escritor belga Georges Simenon e do editor francês Gaston Gallimard, traça aqui o perfil do grande artista, construído após cinco anos de constantes conversas, durante os quais fundiu-se no papel de entrevistador e amigo. Ao revelar a parceria entre Cartier-Bresson e sua inseparável Leica, mostra que o olhar do fotógrafo não tinha limites e que as imagens por ele captadas refletem o caráter universal da natureza humana.

Título: Cartier-Bresson: O Olhar do Século

Editora: L&PM

Autor: Pierre Assouline (tradução de Julia da Rosa Simões)

Páginas: 352

Ano: 2008

Compre: L&PM, Livraria Cultura, Saraiva, Submarino

1 – porque no kendo a experiência é mais relevante do que juventude/força física (na parte 2 do documentário mostra a incrível história do Sr Miyamoto que com 78 anos está tentando o oitavo dan pela vigésima-quarta vez)

2 – porque quem sobe hierarquicamente não é necessariamente quem ganha uma luta, mas quem merece e demonstra ter domínio e segurança das suas habilidades (meritocracia)

3 – assim como na fotografia, alinhamento de corpo, alma e instrumento é fundamental. Cartier Bresson falava do momento decisivo (quando cabeça, olho e coração estão alinhados para a fotografia perfeita), no kendo, se alinha o ki (energia), ken (espada) e tai (corpo) para que o golpe seja perfeito, essas são as exigências para que um golpe seja válido

4 – eu SEMPRE volto do treino mais feliz, leve e calmo do que quando eu saí de casa para treinar (mesmo que com alguma lesão do treino)

5 – meu avô praticava, isso me conecta a um passado afetivo e a origens que me fazem ter mais força espiritual

“the most important thing in kendo is a flexible mind which makes one humble enough to recognize ones own weakness and to overcome it through practice”

Ichida

              Por Fernanda Miranda e Gabriela Costa

              Tudo começou quando ganhou uma câmera fotográfica Box Brownie, ainda criança.  Mas foi aos 22 anos, durante uma viagem a Marselha, que o francês Henri Cartier-Bresson descobriu verdadeiramente seu amor à fotografia. E agora, um dos maiores parceiros na realização do Ano da França no Brasil, o SESC, abre a exposição “Henri Cartier-Bresson – Fotógrafo”, que reúne, no SESC Pinheiros, 133 fotos do fotógrafo selecionadas pelo também fotógrafo Eder Chiodetto, organizador da exposição. Chiodetto dividiu as reproduções em dois módulos: no 1º andar da unidade, 40 delas mostram os chamados flagrantes de rua clicados por Bresson, já as outras 93 misturam coberturas suas de fatos históricos – como cenas da 2ª Guerra Mundial e a morte do líder indiano Mahatma Ganhi – e os registros de personalidades – entre elas, o pintor Henri Matisse e o escritor Truman Capote. No 3º andar, em parelo à mostra principal, o SESC apresentará também a exposição “Bressonianas”, que reunirá 42 imagens de sete fotógrafos brasileiros influenciados pelo francês: Cristiano Mascaro, Flavio Damm, Carlos Moreira, Orlando Azevedo, Juan Esteves, Marcelo Buainain e Tuca Vieira.

               Na última edição da “Bravo!”, a revista faz uma matéria especial sobre a exposição, e pediu para quatro desses setes fotógrafos acima citados, comentassem fotos de Bresson que ficaram famosas. Tuca Viera, em imagem de Bresson feita em Dieppe, na França, afirma que “Bresson cria uma relação entre a intromissão e a indiferença. Ele não se mete na cena, mas também não fica exatamente ausente”. Juan Esteve, em comentário sobre a foto “Livorno”, que tem influências do surrealismo, diz que “Quanto mais tento explicar Cartier-Bresson, mais complicado ele fica. Ao mesmo tempo, não existe nada mais simples do que as imagens dele”. Já Cristiano Mascaro, diz que ele nos “ensina a ver”.

            Embora Bresson seja conhecido como o “pescador de flagras”, ele nunca usou a expressão “momento decisivo” para falar de sua obra. Ele somente afirma que “Tirar fotos é prender a respiração quando todas as faculdades convergem para a realidade fugaz. É organizar rigorosamente as formas visuais percebidas para expressar o seu significado. É pôr numa mesma linha de mira a cabeça, o olho e o coração”. E é exatamente assim, que ele faz parte da lista de um dos maiores fotógrafos do século XX, merecidamente.  

            A Exposição do SESC Pinheiros (Rua Paes Leme, 195, Pinheiros, São Paulo), ficará aberta de 17/09 a 20/12. De 3ª a 6ª, das 10h30 às 21h30; sábado, domingo e feriados, das 10h30 às 18h30. Grátis.

            O Portal SESC selecionou algumas fotos de Bresson para a galeria virtual.

Após final de semana prolongado em São Paulo, de volta às atividades…

Uns 10 dias atrás me repassaram um email-convite para assistir a apresentação de uma dissertação sobre fotografia. A intenção do email quando repassado a mim não era o convite em si, mas o assunto da dissertação – fotografia abstrata – e a maneira com a qual o tema foi abordado. Professora conceituada, resumo da dissertação muito bem escrito em defesa da beleza das fotografias com falta de nitidez causada por excesso ou falta de luz ou ausência de foco. Minha reação? “Jé-sus! Ela tá justificando a falta de habilidade em controlar o foco e a abertura da lente e de repente virou artista!”.

Eu gosto de fotografia abstrata, tem muita coisa trabalhada com movimento e jogo de luzes que apresenta resultados impressionantes. Mas argumentar a favor da falta de foco foi demais. Sei que é uma questão de ponto de vista, como prova disso tenho o fato de a tal apresentação ter lotado, mas para mim não serve. Sou muito mais Henri Cartier-Bresson, foto deve servir como reportagem. A maneira como trabalhamos a luz e a geometria, associados à prática diária e à mensagem que a foto transmite darão o tom que a tornará inesquecível ou não.

Ah sim, como fiz menção a Cartier-Bresson, vale a pena a visita à exposição que está acontecendo em São Paulo, no Sesc Pinheiros.  O cara era genial. E pensar que fotograva com uma simples Leica…

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