The Way We Were.

Some memories last forever

1973 metų meilės istorija su jaunais Barbara Streisend ir Robert Redford. Šį filmą žiūrėjau dėl to, jog juo vienoje serijoje labai žavėjosi Sex and the City merginos. Matyt, jis viena iš serialo kūrėjų mūzų. Aš nelikau taip sujaudinta šio filmo kaip jos, tačiau buvo dalykų, kurie man patiko. Ypač, happy endo nebuvimas. Gyvenime ne visos meilės istorijos eina kaip per sviestą pateptos, tokia ir Barbaros Steisend veikėjos Katie bei Hubbel (Robert Redford). Nors ir priešingybės traukia, tačiau santykiams aistros nepakanka. O skirtingai suvokiamas pasaulis tampa didžiule kliūtimi. Tad kas belieka? Vienam paaukoti savo pažiūras ir tikslus ar geriau pasukti skirtingais keliais?

The Godfather.  

All the power on earth can’t change destiny

Ilgai ruošiausi prisėst ir pagaliau pažiūrėt šią legendinę trilogiją. Mane labai intrigavo suprast, kodėl daugybė vyrų šį filmą laiko savo mėgstamiausiu. Užtenka pažiūrėt pačią pradžią, kad atrastum atsakymą į mano klausimą. Šiame filme visa valdžia, jėga, galia tiek viuomenėje, tiek šeimoje, tiek versle yra vienintelio vyro rankose. Visi jį myli, gerbia, žavisi, bet kartu ir bijo. Argi ne kiekvieno vyro svajonė? Man kaip moteriškos giminės atstovei labiausiai patiko trečia dalis, kurioje parodomos ir silpnosios didžiojo mafijos boso pusės.

Cassandra’s Dream.

 Every dream has its price.

 Juk kiekvienas norėtumėm turėti turtingą dėdę Semą, kuris įgyvendintų mūsų svajones? Tačiau kiek būtume pasiryžę sumokėt už jas? Šis filmas man patiko dėl savo dostojevsiškumo. Du broliai tikėdamiesi geresnio gyvenimo ir svajonių išsipildymo padaro nusikaltimą. Vienam lyg ir sekasi susidoroti su sąžinės griaužatimi ir gyventi toliau, o kitas kamuojasi. 

Kasandros vardas graikų mitologijoje reiškia “žinanti kaip įpainioti vyrus”. Šiame filme broliai vis suviliojami dalykais, kuriems jaučia silpnybę – laivas, moterys, turtai, pripažinimas, lošimai. Nesugebėus paklausyti sveiko proto ir gyventi pagal savo kišenę, vaikinų laukia bausmė. Atrodytų, jog tai tragiškas filmas, tačiau žiūrint jį toks vaizdas nesusidaro, matyt, dėl savito Woody Allen’o stiliaus istorijas pasakoti lengvai.

El tío y los dos sobrinos planifican una salida mortal en "Sueños y delitos"

Woody Allen suele desplazarse de la comedia al drama con bastante agilidad, como lo ha demostrado en los 43 largometrajes que ha dirigido desde 1965. Realiza una película al año, lo cual demuestra una productividad envidiable para cualquier cineasta. En el caso de Sueños y delitos, tercero de sus filmes producidos en Londres, plantea un drama muy a lo Dostoiesvky en torno a la codicia, la ambición, el egoísmo y la crisis moral. Dos hermanos de origen humilde tratan de abrirse paso en sus respectivas mediocridades. Ian trabaja con su padre en el poco exitoso restaurante familiar mientras sueña con hacer unas improbables inversiones en el área hotelera de la lejana California. Terry, en cambio, es un mecánico de coches lujosos carente de ambición, que tiene una novia muy comprensiva y es adicto al juego. Ian conoce a una bella actriz y necesita aparentar lo que no tiene. Terry requiere dinero urgente para saldar sus deudas de juego antes de que la mafia le quiebre las piernas. De pronto llega el exitoso tío Howard y les propone una acción que cambiará sus vidas… y no en sentido figurado. Comienza entonces un gran dilema ético que los arrastrará hasta lo insólito. Crimen y castigo.

Cassandra’s dream, como se titula originalmente, pertenece a sus dramas morales al estilo de Match point, su primer trabajo en Londres, aunque esta vez se encuentra un tono más oscuro y trágico. Una historia de clase media en una Inglaterra que no ofrece muchas oportunidades para la permeabilidad social. El padre de los muchachos es un hombre que no pudo hacer fortuna y su esposa vive reclamándole su poca disposición al éxito, al tiempo que le echa en cara la fortuna de su hermano Howard, dedicado al negocio de las clínicas de cirugía plástica en California y en China. El lamento del perdedor y el canto de triunfador. En esa dicotomía se ubican Ian y Terry, tratando de identificar la oportunidad que les permita salir de abajo.

Howard es el personaje que introduce el gran giro dramático de la historia. El gran triunfador posee un oscuro pasado en sus negocios y necesita deslastrarse de un socio que amenaza con llevarlo a la cárcel. La única solución reside en el asesinato. Para ello necesita a sus dos sobrinos, el ambicioso y el ludópata, quienes pasan de la sorpresa y la indignación a la comprensión a medias del problema del tío. Los personajes comienzan a evolucionar. Howard ya no es el hombre generoso dispuesto a ayudar a la familia sino el empresario frío e irresponsable que es capaz de impulsar un crimen para salvar el pellejo. Ian descubre la oportunidad para hacer sus inversiones en California y ayudar a su tío a seguir adelante con su dinero. Terry, en cambio, mantiene una postura de oposición al asesinato aunque sabe que sus días están contados con sus deudores. La codicia y el egoísmo se dan la mano, con el barniz de estar haciendo lo correcto para salvar a Howard. La trama se desplaza hacia la tragedia.

Este drama se fundamenta adecuadamente en las magníficas actuaciones de Ewan McGregor, Colin Farrel y Tom Wilkinson, como los sobrinos y el tío. Este trípode de personajes dinamiza la trama por senderos insólitos donde los dilemas éticos se desdibujan, en el caso de Ian, o se acentúan, como sucede con Terry. En cambio Howard no tiene esos dilemas. Ni se los plantea. Es el centro de la vida. Los demás no importan. Sólo él. Al principio, Ian evoca una frase de Bonnie & Clyde (“esta es una vida maravillosa”) pero Terry le recuerda cómo terminaron los famosos gángsteres. De entrada Allen determina el curso de la historia.

Hay en Sueños y delitos una reiteración de ciertos dramas propios de Allen, con ciertas derivaciones de Match point –por lo menos en la resolución dramática del asesinato- pero con mayor tono de condena moral. Muy Dostoievsky. Todo ello potenciado por la fotografía de Vilmos Zsigmond y la música original de Philip Glass, la primera que Allen acepta en sus películas. Pero tal vez esa repetición de circunstancias y ese mismo tono le reste fuerza al trabajo dramático. En un momento dado la historia comienza a agotarse y el director la extiende hasta un final que si bien es lógico también resulta incompleto. ¿Quién es el gran triunfador de la historia? ¿Qué va a pasar con las dos mujeres que cifran sus esperanzas en los hermanos? Se ha dicho que es un film menor del realizador neoyorquino. Cierta crítica norteamericana incluso ha hablado de la decadencia de Allen. Caramba, creo que cualquier film menor de Allen sigue manteniendo calidad y que si la decadencia es así, pues bienvenida sea.

SUEÑOS Y DELITOS (“Cassandra’s dream”), Estados Unidos y Reino Unido, 2007. Dirección y guión: Woody Allen. Fotografía: Vilmos Zsigmond. Música: Philip Glass. Edición: Alisa Lepselter. Diseño de producción: Maria Djurkovic. Elenco: Colin Farrel, Ewan McGregor, Tom Wilkinson, Hayley Atwell, Phil Davis, John Benfield, Clare Higgins, Ashley Medekwe.

The internet has been a blessing and a curse to the world of film criticism. The bad side is that everyone’s a critic. The good side is, we’re no longer limited to the opinions of those able to get their words in print. Trust me, just because you’re writing film reviews for a major newspaper doesn’t mean you know a damn thing about film.

The perfect example: I had a friend who ended up being hired to write additional film critiques for a major U.S. city paper. Though a very sweet man, he knew nothing of film. Not its history, not its art, not its technique. He didn’t even understand the concept of genre. His taste in film was limited to the bizarre and offbeat. Anything else was trash. Some of the greatest films to be released in the years he was a staff film writer were met with vast amounts of ignorance and negative “stay away” comments. Understand, there wasn’t a malicious bone in this man’s body. However, what he understood of film could be balanced on the head of a pin. We who knew him and considered him our friend (and still do) cringed weekly at reading his reviews. He was hired by the paper because he was good at writing critiques of literature, something he actually did know something about as he was, himself, a novelist. And a damn good one. But a film critic? Not on his best day.

So how many truly wonderful films were greeted with less than stellar attendance due to this man’s negative reviews and complete misunderstanding of the medium and the intentions of the artists working in it? Quite a few, I’d venture to guess.

On my journey as a film lover and film maker, I’ve run across some truly surprising and distressing comments. Some made by “professional” critics, others by bloggers and various online movie sites of varying degrees of popularity.

Let’s start with Peter Rainer, film critic for the Christian Science Monitor. His review of the new movie MOON begins with this comment:

There are those who think “2001″ is the greatest movie ever made, and then there are those of us who think it’s the greatest boring movie ever made.

To think that a major film critic in this day and age can’t even see the value of a film like Kubrick’s 2001. Sure, it’s all a matter of taste. Or is it?  I’ll be honest, I could never trust a critic who would write something like this. I couldn’t trust the man’s basic understanding of filmmaking and storytelling. For 2001 not to be your cup of tea is one thing, but to devalue it and not seem to appreciate its merits and place in history or to recognize its great artistry… Aw, hell, I can’t respect anyone who writes about film for a living who thinks 2001 is boring. Sorry, Peter, but I just don’t trust that you know of what you write.

And speaking of 2001, here’s critic Kyle Smith of New York Post fame suggesting WATCHMEN is similar to the films of Stanley Kubrick in depth and artistry:

Director Zack Snyder’s cerebral, scintillating follow-up to “300″ seems, to even a weary filmgoer’s eye, as fresh and magnificent in sound and vision as “2001″ must have seemed in 1968, yet in its eagerness to argue with itself, it resembles “A Clockwork Orange. Like those Stanley Kubrick films – it is also in part a parody of “Dr. Strangelove” – it transforms each moment into a tableau with great, uncompromising concentration. The effect is an almost airless gloom, but the film is also exhilarating in breadth and depth.

I suppose I should simply be happy Mr. Smith even knows the films of Stanley Kubrick and can list some of them off in a positive light.

Or how about this paragraph recently culled from online pages of  Rogue Cinema:

If you want to call me lazy, so be it, but I personally prefer films that actually spell everything out at some point during the story rather than leaving me to wonder about it.  I like many people, don’t watch films to think.  I watch films to get away from all the thinking I have to do when I’m not watching films.  When a film leaves me wondering at the end, I feel unsatisfied, like the story wasn’t completely told.  It’s kinda like reading a whole mystery novel and then finding out that the last ten pages are missing.  It’s not the viewer’s job to finish the story in their head.  It’s the film’s job to tell the story in a complete way, or at least, if it’s not going to give a complete explanation, give enough of one so that it’s easy for the viewer to piece it together.  Now I know there are some people out there who like to get deep and analyze everything in a plot in order to come to their own conclusions, but I would hazard to say that those types are in the minority.

Really? REALLY? You don’t like movies that require thought? This “reviewer” actually states that he prefers to have everything spelled out for him. Maybe I’m in the minority when I say that I find this kind of thinking to be quite astounding in all the worst ways. I guess this is how films like CRASH win Academy Awards and tons of accolades. And CRASH is one of the better films to explain everything to the audience as if they weren’t really all that smart. Hey, at least it’s trying to be a smart film with something to say. Unlike 90% of what hits the big screens showing studio-fare. I guess it’s a scary proposition to make a film that requires true thought and participation on the part of the audience in an age where critics think 2001 is boring and films are meant to be nothing more than an escape from using one’s brain.

I gotta tell you, though, that’s not how I was raised. Sure, we had silly, mindless films when I was younger, too (I’m 45 now, not quite ancient yet), but we were inundated with films that relished ambiguity, promoted conversation, assumed the audience contained intelligent beings who actually liked using their brains and had the ability to do so.

Even famed critic Roger Ebert makes assumptions about how film should be made and what film should be. Here’s a comment he made about Woody Allen’s CASSANDRA’S DREAM:

The identical premise is used in Sidney Lumet’s “Before the Devil Knows You’re Dead,” which is like a master class in how Allen goes wrong.

A master class? Okay… I suppose Mr. Ebert never noticed that Mr. Allen IS A COMPLETELY DIFFERENT KND OF STORYTELLER AND FILMMAKER THAN MR. LUMET? Both have made great films and both have made films that some would say were not among their best, but neither should be compared to the other with the notion that one is right, the other wrong. There are no rules, no guidelines to filmmaking. I know people like to suggest that there are, but there aren’t. You start out with a blank piece of paper and move forward from there. Film is still, essentially, in its infancy. There should be no restrictions placed on the artist’s imagination or the ability of the audience to decide which filmmaker and films move them/effect them. There is no “master class”. And Mr. Allen didn’t “go wrong.” He simply made a Woody Allen film.

Or how about critic Sean Smith’s embarrassing Newsweek article about M. Night Shyamalan? In it Smith quotes, and appears to support, comments made by the producers he interviewed in which they seem to denounce artistic freedom as if it were the devil:

The success of “The Sixth Sense” gave [Shayamalan] total creative autonomy, and he has isolated himself in Pennsylvania, where all his movies are made. “When someone is given total artistic freedom,” says one blockbuster producer, “the result is usually bad.”

Later in the same article, Mr. Smith continues:

The solution, most suggest, is for [Shayamalan] to break out of his self-imposed cocoon. “The smaller you make your world, the less of an artist you can really be,” says an indie exec. “Look at Stanley Kubrick. If you see ‘Eyes Wide Shut,’ it’s clear he hadn’t left the house in 20 years.”

Well, with this school of thought engaging the minds of the masses, it may take a while for Mr. Smith and the world at large to recognize the cinematic masterpiece that is EYES WIDE SHUT. Yeah, I know, lots of people hated that film. But truthfully, I have little respect for those who dismiss the film as garbage. Again, personal taste is one thing, but I have little faith in many people’s ability to recognize daring, groundbreaking and/or important cinema when it’s staring them in the face.

“The smaller you make your world, the less of an artist you can really be…”

I love that this indie-exec has decided what constitutes an artist and art. I love that he or she has also decided that Shyamalan’s choice to live in Philadelphia is making Shyamalan’s world “smaller.” As if Los Angeles were the center of the universe and a solid reflection of the “real” world. This sad way of thinking is only made more distressing by the critic who used these quotes to support his narrow argument.

Take film critic Desson Thomson’s comments from his review of Francis Ford Coppola’s YOUTH WITHOUT YOUTH in the Washington Post:

Coppola proves that even the best of our film artists can lose sight of what this medium is all about: entertaining, enlightening and including its audience.

Again, I am (almost) struck dumb by the assumption on the part of so many critics as to what film is and is not supposed to be. Really, Mr. Thomson, is that what the medium is all about? Thanks for enlightening me. And I’m sure for enlightening Mr. Coppola, who obviously needs to sit down and take a film class from you! And did it ever occur to you that maybe this film did achieve all of these things for some other members of the audience? Perhaps the less narrow-minded?

And this is where so many great films get lost or destroyed because of a false belief in what is possible and acceptable within the medium. This is why most Kubrick films are often bashed upon release by critics, only to be held aloft years later as revolutionary, groundbreaking films. Create something unique, expand your horizons, and there’s a whole world of film critics ready to tell you that you did it wrong.

David Lean’s DR. ZHIVAGO was met with venom upon its initial release. But that was nothing compared to the negative critical reviews of Lean’s next film, RYAN’S DAUGHTER. Critics were so harsh on this incredible movie from an artist at the top of his game, that Mr. Lean couldn’t bring himself to make another film for almost 14 years! Good work, kids. Your lack of vision and open-mindedness lost us some potentially great inclusions by Mr. Lean to the world of cinema. Thank god we got the amazing A PASSAGE TO INDIA before Mr. Lean left us too early.

Luckily, we know there are still people out there who do like to use their brains and appreciate and seek out films that ask them to do so. And we know there are critics out there who also appreciate such cinematic adventures. But they are becoming few and far between. But perhaps we will see a shift. If all is cyclical, then we may soon see a new age of cinematic literacy again. Another golden age. Or, we will just continue to slip deeper down the chasm of mindless entertainment, and films that require thought will be considered trash by the masses or, better yet, declared illegal.

I guess then I will have to become a member of some underground movement. Or, perhaps, I already am.

Doi frati (Ewan McGregor si Colin Farrell) trebuie sa aleaga intre constiinta si visuri de marire. Primul, un tanar cu ambitii mari, e sufocat de munca in restaurantul tatalui sau si vrajit de perspectiva unei vieti usoare alaturi de o actrita fermecatoare si ambitioasa; al doilea, un mecanic auto cam alcoolic, e dependent de jocuri de noroc si medicamente anti-depresive. A, da: mai apare si Tom Wilkinson. Secundar si ca rol, si ca prestatie. La un moment dat trimiterile la tragedia greaca devin obositoare – lupta cu soarta implacabila & shit. Nu e genial, dar e bun de vazut.

imdb

Regia: Woody Allen;

Cu: Ewan McGregor, Colin Farrell, Tom Wilkinson

Woody Allen is a man who feeds off from his muses, and three of his previous four movies had seen him use one in particular, my personal favorite leading lady: Scarlett Johansson. One of those three films with Scarlett, Scoop, was a bit of a misfire but still decent, but there other two, Match Point and Vicky Cristina Barcelona, were modern masterpieces, both on my list of movies-to-see-before-you-die list. The one film without Scarlett of his last four, was Cassandra’s Dream, which was okay.

Now, in his latest film, Whatever Works, Woody doesn’t use Scarlett, aA bummer, I thought when I first heard that. But the guy’s muses have been Diane Keaton, Mia Farrow and Scarlett, so I knew whoever the new female in his film was, I was in for a treat. And a treat indeed, as I found out that Evan Rachel Wood, another one of my favorite actresses, was up for the gig.

And even though Whatever Works doesn’t really work, though it’s still quite good, it is Wood and fellow red-head Patricia Clarkson that make this film function as nicely as it does.

Anyways, it’s the story of Bros Yellnikoff, played by Larry David, who was once a physics proffesor, but now the only thing he teaches is chess to kids, plus he has a limp from a faild attempt at suicide. Boris breaks the fourth wall quite often, and tells all of this to us first-hand, the audience, much like Alvy Singer did in Woody’s masterpiece, Annie Hall.

However, the thing is, when Alvy did it he many times was interrupted by people talking to him, stopping whatever he was saying to us directly. But when Boris does it, he never gets interrupted, and he can rant on and on and on, making him seem like a proud, if not narcissistic, character. If you’re gonna be reminiscent of such a masterful film, then you better do it half right.

That part of the movie I hated, the Boris part, and it sucks because David is a great guy and I cannot bloody wait for the new season of Curb Your Enthusiasm, but then we get to meet Melody St. Ann Celestine, the character Wood plays, and she’s so different from Boris, him the philosophical type her naïve but super interesting. She makes it enjoyable.

Boris is awful to Melodie at first, which I hate because I actually blame this on David more than on Woody, since I mean, had this role been played by Woody he would’ve been awful but charming at the same time, Larry I thought didn’t play it right at that point. But oh well, she eventually wins him over and they wed. And then her mother comes into the picture, played by the most wonderful Patricia Clarkson.

As unbelievable as Wood is, Clarkson’s the best thing in this film, but since she’s not a main character we don’t get to focus on her story, but are rather left with the cranky Boris and Melodie’s new fling with Randy, a british guy played by the charming Henry Cavill.

My only problem with Whatever Works isn’t the premise, because like with 90% of Woody films, I quite like the premise, it’s the delivery that bothers me, and it sucks because somewhere in this film there’s the possibility of a great one.

Another thing I didn’t like about this one was the look of it, especially since it marked Woody’s return to his one eternal muse, New York City, the rhythm of it, the look of it, it doesn’t seem Woody at all. And as much as I hate to say this, maybe Woody’s better off in Europe now.

However the movie’s saved, and as per usual in the films Woody makes, it is saved solely by the women in it, it is Evan Rachel Wood and Patricia Clarkson who make this thing have its working moments. And for that I am grateful to them because as many imperfections I can find in this film it is still a Woody film, and I’m always down with that.

Grade:  B

Man, I am working my butt off right now! But I just noticed that it’s officially 4/20. Excuse me while I take a break from my research project (which is gonna be -singsong voice- aweeeesoooome!) and present you with a piece of a song I’m working on putting together for Feed Us A Fetus, whose subject matter seamlessly coincides with what I wish I was doing right now. Which is sleeping and not worrying about stuff like France during the Occupation and how I forgot to call Ian back and why my chest feels so tight on my heart’s side and if I will actually get help from the student health services this week or even have time to go.

I decided this entry needed a visual, at least. I googled "psychedelic dream," ooooh yeaaaah.

The Ian I mention above is the one I’ve been collaborating on this song with. I’ve had such a crazy mental block with it (and still sort of do). It’s a four-chorder, and they’re beautiful chords, but they need to go somewhere else and come back. My theory is you have to let your listeners hear other things, otherwise they won’t miss those chords, they’ll just get tired of em and feel like their ears are in the drone zone!

I have several pieces of this song — all different variations — and this, called

“Cassandra Shifty Eyes“

is my latest one. I sampled it on my turntable, did some secret tweaks that I won’t divulge because it’s none ya biz, and then layered over it with the digital speech function (shoutout to Microsoft Sam!) that exists under “Speech” on the Windows Control Panel. So I had the computer right next to the turntables and went to work. On Notepad I had these two things at the ready to copy and paste into the Preview textbox at will:

Zzzzz. Zzz. Zzz. Zz.

and

Even in her sleep, see, she’s got these shifty shifty eyes eyes. Ooh, shifty shifty noooooooooowwww.

Except the “noooooowwww” comes out all warbly and honestly, Microsoft Sam (Can I call you Mike Sam?), I don’t know where you go with some of that because there are literally only two distinct letters in that word after the initial consonant. But it’s all good.

I have these other portions, but I don’t know how I can fit them altogether.

Cassandra was murdered in her sleep and it was the professor with the dagger

. This gets pretty sick at the end and I mean sick like stupid. I kind of just flail around on the keys.

Cassandra on the Radio
(This one I sample on my turntables with a Vinyl Sim filter for “Old Radio”… it sounds Billie Holiday-esque?)

I really want to take a class on Arrangement. Or just composition in general. I feel like a writer who has a bunch of good lines but can’t put a freaking story together, and it’s ding dong frustrating. If I had more time, that fleeting temptress, I’d have something more solid.

Anyway, I digress, both from the point and from my homework. Happy 4/20 everyone! Shifty bloodshot eyes, here I come! If you see me tomorrow believe me when I say I am not a zombie. It will be hard, but believe me.

No conozco mucho la obra de un director como Woody Allen, sólo he visto su etapa de exploración en Europa, y me gustó lo que he visto, leyendo he notado que hay quienes dicen que es una etapa que le sentó bien, y también hay quienes piensan lo contrario. Yo por mi parte, no puedo abordar esta discución a fondo, de sus películas en las que Nueva York es la gran protagonista no he visto mucho, sólo recuerdo unas imágenes perdidas en el tiempo de un musical llamado Manhatan del cual dicen es una obra de arte.

Como amante (No, esa palabra es de mucho cliché) alguien que ve en el cine una expresión artística maravillosa, no le queda muy díficil reconocer que este señor Woody Allen es un director que llega a la genialidad con mucha facilidad. Su primer obra en Europa: Macht Point, es una prueba de ello, recuerdo que cuando la vi, lo hice con cierto recelo, pues en verdad no me sentía atraido mucho por la obra de Allen (algo que olvidé nombrar anteriormente), y que sorpresa me llevé con esta película. Su historia es un gran drama de amor y locura que recoge muchos elementos shakesperianos, siendo este un gran homenaje al país en donde aterrizaba sus genialidades: Inglaterra y su ciudad Londres. En esta película, además de contar con sus actores protagonistas y sacarles el máximo provecho (lo que se nota en sus grandes interpretaciones), también lo hace explotando una ciudad que es maravillosa, nunca antes había visto a Londres tan bien retratada en una película, desde un pequeño café, hasta el palacio de Nockighan y el London Brige, su preciosa fotografía urbana hizo que cambiara un poco mi imaginario que tenía respecto a esa ciudad, me refiero a una Londres grisacea y lúgubre, pero no, acá encontramos cielos azules, que contrastan con la arquitectura clásica que sobrevive sobre los rascacielos modernos. Pese a todos estos elementos, el eslabón clave de esta película, lo es su espectacular guión, en donde el elemento más insignificante es la piedra angular de toda la historia (no lo voy a decir), en él también se destaca su humor negro (el cual es el centro de su siguiente película) y el drama que siempre lleva consigo el amor, que por cierto en la película va acompañado de una musicalización no menos dramática, compuesta por bellas piezas de opera. Si no han visto esta película, se las recomiendo, a mi juicio una de las mejores películas de los últimos tiempos, la cual ha sido injustamente subvalorada, al menos por la maquina comercial por la que se compone la actualidad cinematográfica.

La siguiente película salida de la cabeza Allen (la cual por cierto tiene una forma graciosa) es Scoop, una comedia negra que contiene también elementos shakesperianos y del señor Conan Doyle, es decir, se deja envolver por la literatura inglesa. Se puede decir que es la más irregular de las cuatro películas de esta etapa del directo, pero no por ello significa que sea una mala película, sólo que después de haber visto su anterior obra me costó asimilar esta, no sólo por el cambio de género sino también por el hecho que Woody Allen decidiera actuar en ella, es que precisamente este siempre ha sido un motivo por el cual me he mantenido alejado de la obra de este autor. Sobre esta película no tengo mucho que decir, sólo vi una vez y en verdad no causó una gran impresión en mi, como para volverla a ver, o como para recordarla como un todo, sólo se vienen a mi cabeza (que por cierto no tiene forma graciosa) fragmentos diversos que me son muy díficiles visualizar como un todo.

La tercer película que vi fue, Cassandra’s Dream, de nuevo regresa al drama, y que forma de hacerlo, el guión de la película es una joya, y tal y como sucede en Macht Point, nos muestra que tan cruel puede llegar el ser humano (recuerdan los elementos shakesperianos de los que les he hablado) para conseguir sus objetivos, pero, a su vez, también nos muestra lo debil e indefenso que éste puede llegar a ser si no está hecho para ser algien cruel (contradiciones con las que cuenta la naturaleza humana). Todo esto se hace creible en la medida que unas magistrales actuaciones de sus actores protagonistas, no lo hacen creer. Es una obra que se puede considerar como la hermana menor de Macht Point, pero que también está al borde de la genialidad (para mi todo funciona mejor si Woody Allen se queda tras las cámaras).

La última película de este paseo europeo que se da este director es Vicky Cristina Barcelona, la cual he visto hace unos minutos. y es el motivo por el que me sentara a escribir estas líneas siendo casi la una de la madrugada. De nuevo lo vuelve a hacer, otra genialidad, pero esta vez explora la sexualidad (sin mostrar un sólo desnudo) y la batalla que luchan la racionalidad y la irracionalidad cuando se está de por medio el amor. Es una historia triste porque nos muestra lo cruel que puede llegar a ser el amor (o será más bien la ausencia de éste). Se nos presenta unos personajes que se dejan llevar por la líbido (palabra que es una consecuencia de tener que trabajar rodeado de psicolagas), se arrojan a sus deseos -lo racional- y que descubren lo absurdo que es el darse cuenta que el amor en últimas es una opción más de entre tantas opciones, lo digo por las siguiente situaciones que se plantean en la película: Se vive una vida “normal” -dentro de los parametros aceptados socialmente- y llena de miedos junto alguien a quien no amas, o se acepta a quien amas y vives con esa persona una vida llena de conflictos y situaciones que te harán sentir mucho más vivo, pero que curiosamente no es aceptada socialmente. Lo triste es que la primera opción es la que más se suele elegir, olvidandose todos de la tercer opcion.

La imagen viene de aquí

Y en este Link encuentran algo muy divertido escrito por el director.

BEOWULF

Beowulf - lenda em 3D

Já faz um ano que esse entrou em cartaz nos cinemas daqui. Ontem estreou na HBO.  Na época da estréia, eu estava um pouco desconfiada de um filme feito nessa técnica de computação gráfica modelada nos corpos dos atores, se posso definir assim. Mas, juntando a lenda, que é muito interessante, os atores e o Neil Gaiman (roteirista), não dava pra resistir.

E acabei achando muito acertada a opção por essa técnica. Podia ser mais um filme com fotografia estilizada, com efeito meio onírico, tipo O Senhor dos Anéis. Mas os realizadores escolheram dar um passo adiante nessa técnica de animação, e acabaram criando uma impressionante dramatização da lenda com tudo o que ela merece em termos de qualidade artística.

O filme é dirigido pelo Robert Zemeckis (De Volta para o Futuro e Forrest Gump). O que para mim também era estranho. Mas depois lembrei que ele fez aquele Expresso Polar, que também emprega a mesma técnica. E já está preparando outro (A Christmas Carol) para o natal deste ano.

E o que essa técnica oferece de bom? Para começar, como se trata de um tema de fantasia de reis, heróis, dragões e tesouros, já permite uma viagem na empada sem limites para os realizadores. E podem se apoiar na expressão autêntica dos atores (Anthony Hopkins, Angelina Jolie, John Malkovich e outros) para garantir um tanto mais de realismo e emoção.

Beowulf cai no charme da sereia dragão angeli

Lembro como fiquei impressionada com o primeiro Final Fantasy, em que tinha uma equipe gigante só para criar o movimento dos cabelos do personagens. Nesse filme, a técnica era de animação 3D pura, sem captar imagem de atores. E já representava um grande avanço nos movimentos, expressão facial, textura dos cabelos e pele.

Mas, voltando ao Beowulf, gosto demais da iara-dragão da Angelina Jolie. Adoro as canções obcenas que perturbam Grendel, o terrível monstro do ouvido absoluto, vivido por Crispin Glover, que também é impressionante. E o que dizer da mágica que transforma o Ray Winstone em Beowulf? A voz é perfeita para o guerreiro lendário. Mas o corpitcho, com certeza foi modelado em alguém tipo o Sean Bean em seus melhores anos… Acho que foi isso que fizeram, mas não contaram nada para o Ray. He-he-he-he!

AS CRÔNICAS DE NÁRNIA – PRÍNCIPE CASPIAN

Eu gostei mais do outro. Aquele do guada-roupa, feiticeira, blablabla. Acho que pela fofice comovente da Lucy, que no outro filme está mais crescidinha. E por resgatar uma lembrança muito frágil da infância. Vi alguma versão para TV, talvez a da BBC ou algum desenho animado que passou na Globo ou SBT. Só me veio esse estalo na cena do Leão sacrificado na mesa de pedra. E depois, quando os quatro irmãos estão crescidos e reencontram o caminho do guardaroupa.

E príncipe Caspian é a cara do rodrigo santoro

Eram alguns detalhes que compensavam a coisa bastante açucarada do primeiro filme. Esse novo é mais sombrio, triste e violento. Mas tudo isso não ajudou a fazer uma sequência melhor para a série. Não que seja de todo ruim. Diverte num sábado à tarde. Por outro lado, 2008 teve muitos filmes de fantasia e aventura concorrendo. O suficiente para embolar uma história na outra e um filme obscurecer o outro. 

Agora, um pouco depois de ver o filme, li o Coisas Frágeis, do Neil Gaiman, que dedicou um conto ao exorcismo de um problema que ele sempre teve com As Crônicas de Nárnia. É uma questão difícil, porque, não querendo desmercer o valor literário da obra de C. S. Lewis, até porque nunca li, fazer alegorias religiosas em histórias de fantasia pode ser um tiro no pé. Tem metáforas óbvias do cristianismo no filme. Como o Leão que se sacrifica, e ressussita, sendo testemunhado por duas irmãs (Marta e Maria ou Susan e Lucy).  Mas, sinceramente, não acho que isso tenha comprometido muito o filme.

Dizem que os colegas Lewis e Tolkien, ambos cristãos (o primeiro, anglicano e o outro católico), discordavam sobre envolver a religião em suas obras. Apesar de existirem autores que decifram signos cristãos em O Senhor dos Anéis, Tolkien parece evitar isso ao máximo. Acho que o único termo que remetia ao universo judaico-cristão-muçulmano ocorre em alguma passagem em que se refere a anjos. Mas pode ser viagem minha. E não sei se era em O Senhor dos Anéis ou no O Hobbit (ainda não li o Simarillion).

O que me encomoda é quando o autor usa esses conceitos e mata o efeito de transportar completamente o leitor para o outro universo. Com Tolkien, isso não acontece. E é um dos grandes méritos do SDA. No máximo, perturba um pouco a semelhança com textos do Antigo Testamento (fulano é filho de fulano que é filho de fulano X 1000). Mas até nisso ele se safa, porque as sagas escandinavas também usam esse recurso repetitivo, por ser uma tradição oral das histórias. E o fato dele manter o calendário da Terra Média com os meses de janeiro a dezembro também podia ser diferente. Podia ter inventado um calendário totalmente fictício e cortar mais ainda a conexão com o tempo presente. Mesmo assim, a Terra Média é um universo totalmente além da imaginação.

Mas o tal conto do Gaiman meio que tenta resgatar a personagem Susan de um karma triste e injusto. Papo de não ir pro céu porque pecou. Bom… eu tenho uma edição completa das Crônicas, que ainda não li, e emprestei para minha irmã adolescente. Ela destestou e me devolveu antes de terminar de ler. Estranhei porque ela pediu emprestado com tanta curiosidade e entusiasmo, mas se decepcionou totalmente. Falou que é muito cheio de conceitos cristãos, ao ponto de não ser divertido. 

Li em algum lugar que a Disney abriu mão dos direitos da obra, porque o desempenho nas telas foi fraco. E parece que ninguém está interessado em dar sequência à série. 

HELLBOY 2: THE GOLDEN ARMY

vermelho e bizarro como nunca

O diabão vermelho voltou. Que bom! Não consegui ver no cinema, porque saiu de cartaz em 2 semanas (!). Mais uma vítima da enxurrada de filmes de ficção fantástica de 2008. 

Ele voltou e com a acidez e esquisitice de sempre. Aliás esse Ron Perlman, que faz o Hellboy, é um dos exemplos mais incríveis de ator perfeito para o personagem. Lembra dele na Guerra do Fogo e em O Nome da Rosa? Ele podia gritar feito o Beowulf e o rei Leônidas: “I Am Hellboy!”

A trama te uma coisa meio role playing games. Segredos que vão despertar um exército dourado do passado. Traquitanas e armadilhas complicadas.

Tem sempre gosmas, maquiagens bizarras e tramas malucas. E eu gosto pra caramba.

CASSANDRA’S DREAM

crimes e castigos de woody allen

Gosto dessa onda Crime e Castigo do Woody Allen. São filmes sérios. Sobre medo, ganância e assassinato.  

Eu “recomeindo”.

CONVERSAS COM MEU JARDINEIRO

o pintor e o jardineiro

Essa é uma daquelas histórias que nem sei como verbalizar os motivos porque gostei. É simples e profundamente belo. 

Daniel Auteil é um pintor que resolve voltar à casa de campo de sua infância e reencontra um velho amigo, que agora, trabalho como jardineiro.

As diferenças dos dois vão sendo vencidas por uma amizade regada pelas conversas no jardim. E suas vidas florescem e espelham o curso da natureza.

ATONEMENT (DESEJO E REPARAÇÃO) 

Escrever é um ato de transformação. Pode transformar intimamente quem escreve, mas também transfigurar a realidade à sua volta.

Em Desejo e Reparação, o som metálico da máquina de escrever quase se camufla na trilha sonora e serve de marcação das cenas em que a realidade da trama começa a se fragmentar no delírio de uma pequena escritora. Sua imaginação e seu forte desejo de encontrar um lugar no que acontece ao seu redor, empurram a personagem para o redemoinho do dilema entre culpa e honestidade.

A propósito da honestidade e da realidade

O romance de Ian McEwan está na minha lista de pendências literárias. O filme do Joe Wright é um dos melhores do ano passado. Parecia um novo épico romântico passado na segunda grande guerra. Porém, é muito mais do que isso. Há uma forma de contar a história totalmente original e intrigante.

O diretor repete um exercício que adora: filmar um longo plano-sequência. Em seu filme anterior, Orgulho e Preconceito (acho que é por isso que o título original Atonement, que significa reparação ou expiação, virou Desejo e Reparação, como se fosse uma tendência do cineasta por títulos com 2 palavras…), Joe mostra a personagem Elizabeth Bennett (Keira Knightly, que também faz Atonement) passando em frente à casa da família e a câmara adentra a sala, passeia por vários cômodos, rodopia e reencontra Lizzie passando por outra porta. O efeito é muito bonito e retrata o clima bucólico da vida na Inglaterra campestre do final do século 18. 

Em Atonement, ele repete a dose numa sequência em que soldados ingleses se encontram numa praia onde aguardam resgate em meio a um teatro de barbaridades.  A câmara passeia em tomada ininterrupta por mutilados que gemem, loucos que gritam, bêbados que jogam e riem.

Mas todas  as situações delirantes ou não das belas imagens de Atonement se confundem, entram e saem continuamente da imaginação de uma personagem. É ela quem manipula a trama em seu contexto real e imaginário. É muito doido.

No mais, o filme tem atores ótimos, como a Keira Knightly, James McAvoy (gosto cada vez mais dele) e a lendária Vanessa Redgrave.

THERE WILL BE BLOOD (SANGUE NEGRO)

Esse  concorreu ao Oscar do ano passado e conquistou o de melhor ator para Daniel Day-Lewis. Não consegui ver no cinema (difícil dar conta de tudo em 2008…). 

day-lewis dá o sangue por plainview

O filme narra a saga de Daniel Plainview (Day-Lewis, cada vez mais raro nas tela, mas não menos extraordinário). Apesar do nome, Plainview tem uma visão bastante arrojada da vida e dos negócios e, após anos de ralação e trabalho braçal, ergue uma enorme corporação de exploração do petróleo. A ascensão de Plainview, sua conturbada relação com o filho adotivo e os conflitos com a comunidade onde explora o “sangue negro” são os principais elementos da trama de There will be blood (Sangue Negro). 

E puxa vida… que filmaço. Diferente de tudo que eu tinha imaginado. Econômico nos diálogos. Com saltos e cortes abruptos, que parecem querer puxar o expectador por uma janela de distanciamento crítico. 

O diretor Paul Thomas Anderson tem projetos bem diversificados no currículo como os filmes Boogie Nights e Magnólia, episódios de Saturday Night Live e comerciais de TV. Mas nesse There will be blood (Sangue Negro), Anderson cria algo realmente diferente para o cinema.

E a trilha sonora é outra surpresa, com tema orquetral de Jonny Greenwood (guitarrista do Radiohead) e obras de Brahms e Arvo Pärt.

O CLUBE DE LEITURA DE JANE AUSTEN

Fiquei meio decepcionada com esse, que aguardei sair nos cinemas, mas foi direto para DVD. Adoraria fazer parte de um clube de leitura de Jane Austen ou de leitura em geral. Mas não gostaria de formar clube com as personagens desse filme. Talvez com a Bernadette (Kathy Baker), que parece a única que gosta mesmo dos livros. O resto é um bando de chatas, que, apesar de estarem no século 21, têm vidas mais tediosas que as pobres heroínas de Austen.

não convidem Jane Austen para esse clube

Mesmo sendo uma fonte de inspiração para as tramas de confusão e desencontros amorosos, típicos das comédias românticas mais batidas, a obra de Jane Austen não foi bem aproveitada nesse filme. Pena… O argumento é parecia bom. 

A única coisa realmente legal foi descobrir a música do Paolo Nutini (“New Shoes”) que toca na abertura do filme.

Para quem gosta da autora, recomendo o blog Jane Austen em Português. 

BECOMING JANE

Nasce uma escritora.

Filha de um pároco do interior da Inglaterra, Jane não tem grandes perspectivas de casamanto. As poucas que tem, recusa por julgar que merece se casar por amor. Mas tem um romance proibido com um jovem advogado, Sr. Tom Lefroy (o meu novo queridinho James McAvoy). 

No Brasil,  o filme ganhou o título ralo de Amor e Inocência (só pra ajudar a achar em DVD e na programação de TV).

MARGOT AT THE WEDDING

Desse só quero comentar que gosto muito dos atores Nicole Kidman, Jennifer Jason Leigh e Jack Black. Mas apesar deles, e da história ser diferente do usual, achei meio chato.

palavras em ação

Nicole e Jennifer são duas irmãs com questões mal resolvidas. Nicole (Margot) vai ao casamento de Jennifer (Pauline) com Jack Black (que até em filmes sérios e densos é bom, sem deixar de ser engraçado). Os dias de véspera do casamento são um desenrolar de brigas, choros, reencontros dolorosos. Tudo muito centrado nos diálogos, embora as pessoas quebrem o pau se deslocando bastante, mudando de cenário (ora dentro de casa, ora caminhando num bosque ou dirigindo um carro), o que confere alguma ação ao filme.

É cheio de frustrações e problemas não resolvidos. Parece com a vida. E bem chato como ela muitas vezes é.

O ESCAFANDRO E A BORBOLETA

Fecho com esse sensacional longa-metragem que só consegui ver em DVD. Na verdade, é um filme de 2007, mas, se não me engano, chegou ao Brasil no ano passado. Assisti depois de Ensaio sobre a Cegueira, com quem tem lá alguns laços simbólicos. Mas o Escafandro e a Borboleta é uma experiência bem diferente.

vida dentro do escafandro

Jean-Dominique Bauby (Mathieu Amalric, o vilão do último 007) é o poderoso editor da revista Elle, que sofre um derrame e perde os movimentos quase totais de seu corpo. Depende de aparelhos para manter seus pulmões, coração e outros órgãos funcionando, e se comunica com o piscar de um dos olhos, único movimento que consegue controlar.

Duas mulheres (lindas como anjos) ajudam Bauby  a dominar a linguagem do olho e a tentar recuperar o movimento da boca para talvez voltar a falar. E tudo é mostrado pelo olho de Bauby. A câmera fica “oculta” por trás de seu olho e acompanha toda a angústia e frustração do personagem. Ouvimos tudo que ele queria ter dito de verdade e que não transmitiu com as piscadas. Aliás, este é um método super complicado, em que seu interlocutor encadeia as letras do alfabeto na ordem em que estas são mais utilizadas na língua francesa. E, O, L, R, M (algo assim). E, conforme se diz a letra da palavra que quer formar, o paciente pisca indicando para parar naquela letra. Lentamente, as palavras vão se formando. Bauby e seus anjos avançam na liguagem do “pisca-letras” e o ex-editor, consegue um arremedo de vida para o corpo aprisionado.

E é isso que gostaria de contar. No mais é um dos filmes mais bonitos e emocionante que já assisti. Difícil de descrever com justiça.

Repescagens….

Esses são anteriores, mas só consegui ver em 2008.

SURF’S UP (TÁ DANDO ONDA)

pinguim é a maior onda

Pinguins surfistas num filme de animação com uma dinâmica meio de ficção, meio de documentário. E tem vozes de surfistas de verdade.

É sensacional! O melhor de tudo é o velho surfista solitário com voz do Jeff Bridges. Tipo um Big Lebowski das ondas. E tem o frango surfista perdido entre os pinguins… Já tou com vontade de ver de novo.

A trilha sonora é maravilhosa, com direito a uma inédita da Lauryn Hill.

ZODIACO

assassino de aries a peixes

Muito bom filme, baseado em história real do chamado assassino do Zodiaco, que mandava cartas à redação de um jornal de San Francisco, enlouquecendo as vidas de jornalistas e policiais nos anos 70.

Tem ótimos atores: Jake Gyllenhaal, Mark Rufallo e Robert Downey Jr. (por favor, continua assim que tá ótimo, bicho! ). 

Podia realmente ser menos longo (concordo com minha amiga Julie).

A PELE, BIOGRAFIA IMAGINÁRIA DE DIANE ARBUS

sob a pele de uma fotógrafa

Há muitos anos li um livro da Susan Sontag sobre fotografia. Entre vários aristas das lentes, ela se detem sobre a obra de Diane Arbus. Lembro do texto de Sontag descrevendo as pessoas clicadas por Diane. Os mais diversos tipos marginalizados de Nova York, como anões, mulheres barbadas e outros freaks.

Esse filme com Nicole Kidman e Robert Downey Jr. é um belo e carinhoso retrato fictício da fotógrafa tão incompreendida em sua época. O título original em inglês, “Fur” (que quer dizer pele, mas do tipo peluda como de mink, chinchila ou qualquer outra que serve para casacos de pele), remete ao ramo da família de Diane, que comercializava casacos de pele.

Pele também  é o objeto imediato da curiosidade da fotógrafa, que conhece e se envolve com o vizinho, vivido por Robert Downey Jr., que sofre de hipertricose. Tem o corpo inteiramente coberto de pelos como um urso. 

O filme constrói um possível universo interior de Diane Arbus, dividida entre sua família conservadora, e a irresistível atração pelo exótico mundo dos outsiders.

ACROSS THE UNIVERSE

Beatles. Há quem não goste dos Beatles. O que acho estranho, pois eles são tão desiguais. Ao longo de 8 anos de existência, a banda fez cada álbum tão diferente do anterior. São várias facetas dos Beatles. Revolver está bem distante de A Hard Days Night, que não tem nada a ver com o White Album.

beatles, amor e revolução

E que tal um filme que atravessa os anos 60 ao som dos Beatles? Era uma vez um cara chamado Jude, que se apaixona por Lucy. Eles vão para Nova York e moram na república da sexy Sadie, onde também vive a querida Prudence. 

E por aí segue o filme da ótima Julie Taymor (Titus e Frida). Uma explosão extasiante de cores, música, paz e amor ao som de Hey Jude, Lucy in The Sky with Diamonds, Dear Prudence, Helter Skelter, Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band e muitas outras, com direito a Bono cantando The Walrus. Mas nada remete a uma coleção de videoclipes. É muito mais que isso. Destaque para a cena mais bonita e impactante do filme, quando ouvimos Strawberry Fields Forever. 

TRILOGIA JASON BOURNE 

A Identidade Bourne

Esses filmes são o exemplo do gênero tiros, socos e correrias mais legais de assistir. Me rendi desde o primeiro, A Identidade Bourne. Apesar do Matt Damon, que não considero grandes coisas, é uma excelente aventura de espiões com roteiro sempre inteligente.

Os filmes mais populares de ação sempre me intrigaram, pois tenho dificuldade de acompanhar as cenas de batalhas, tiroteios, perseguições, aviões se bombardeando etc. Acho tudo muito rápido e acabo me intediando. Acho que foi o 300 que conseguiu me fazer acompanhar uma cena de batalha realmente maravilhada com toda a ação.

A Supremacia Bourne

Mas nos filmes do Bourne, sei lá, não tem nem importância ficar sem entender totalmente a trama. A história funciona de qualquer jeito. E os dois últimos filmes, A Supremacia Bourne  e O Ultimato Bourne, são ainda melhor nesse aspecto. Foram dirigidos pelo Paul Greengrass (um dos cineastas mais interessantes do momento, ele fez também aquele Vôo não sei que lá da United), e têm o ritmo mais alucinado e vertiginoso ainda.

O Ultimato Bourne

Coloquei a trilogia na lista porque foi apresentada em maratona no Telecine há uns meses atrás. E é incrível como a gente assiste um seguido do outro e fica com vontade de voltar a ver o primeiro, assim que o último acaba.

Além disso, o tema do Moby, Extreme Ways, é uma das minhas músicas favoritas do careca descendente de Herman Melville.

APOCALYPTO

Antes de mais nada, devo dizer que tenho uma bronca violenta do Mel Gibson como diretor. Tipo, eu nunca vou ver aquele do cristo, nem o da guerra de independência (apesar de ter o Heith Ledger, que Deus o tenha), nem aquele outro da guerra do Vietnã. Não me interessam as idéias revisionistas e reacionárias do cara. Prefiro ele como ator.  Pode ser canastrão, mas é lindo de morrer e carismático.

As exceções são o Brave Heart (apesar dele demonstrar uma homofobia descarada quando o rei defenestra o namorado do principe), o Homem sem face (ótimo) e esse mais recente, Apocalypto.

uma boa aventura do Gibson

Gibson faz questão de tornar autêntica a reconstituição de época de seus filmes. Isso se vê em Brave Heart e, pelo que li, também naquele das guerras de independência (que conta com consultoria do Smithsonian Institution) e no do cristo ensanguentado feito uma picanha na cruz (falado em aramaico e o caramba). Esse rigor não garante bons filmes, mas é levado adiante com o Apocalypto, onde os atores falam uma língua que a divulgação do filme informava ser muito próxima da que os antigos astecas ou maias, sei lá, falavam. E ainda tem toda a parte de maquiagem, figurino (mínimo, pra falar a verdade) e adereços.

Mas o que importa dizer é que é um ótimo filme de ação, com tudo que uma narrativa clássica da jornada do herói tem direito. Nem precisava de tanta preocupação com a língua da época. Li uma resenha, acho que do NY Times, na época que estreou nos EUA, criticando o filme pela correria ininterrupta do personagem principal. Realmente, ele corre em boa parte do filme, mas acontecem taaaaaantas coisas. É bem bacana e passa no Telecine.

Lacunas …

Esses ainda não consegui ver. Ficaram para 2009, quem sabe?

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ

A CULPA É DO FIDEL

PERSÉPOLIS

I’M NOT THERE

AGENTE 86

ANTES DE PARTIR

DAN IN REAL LIFE (A NAMORADA DO MEU IRMÃO?)

THE HAPPENING (M. NIGHT SHYAMALAN)

MADAGASCAR 2

HORTON E O MUNDO DOS QUEM

ROLLING STONES – SHINE A LIGHT

FAVOR REBOBINAR

BODY OF LIES (RIDDLEY SCOTT)

So Woody Allen seems to have found a way out of the woods. Firstly, he’s not in Britain. I always thought his dialogue spoken in a British accent sounded weird and clunky. He’s now a European filmmaker, but not UK European, real European.

Secondly, he’s not concerned with a “return to form” if the form you’re talking about is ANNIE HALL or MANHATTAN. Anyone who knows me is well aware of my feelings for these films but I have to say I’m delighted with this direction he’s taken. No longer is he looking for the comedic but is happy to let the characters and the situations breathe.

Woody Allen now seems to have let go of what he was as a director, to concentrate on what he is. When the Allen of BANANAS, SLEEPER and LOVE AND DEATH became the Allen of ANNIE HALL, INTERIORS and MANHATTAN he was initially chastised for abandoning his pure comic roots. Of course the negativity subsided when the realisation set in that Allen was evolving and that huge gains as an audience could be had by evolving with him.

The same could be said here.

After MATCH POINT, SCOOP and CASSANDRA’S DREAM (which for my money were on the bland side) Woody’s new evolution would appear to have taken shape. Will this be his final major artistic shift? That remains to be seen. One thing is for sure though, History will look kindly on his body of work.

I saw the film knowing nothing about it, I suggest you do the same.

The film opens on February 6th and probably won’t be in cinemas for long, after all…… there’s no explosions in this picture.

Vicky Cristina Barcelona is Woody Allen’s newest movie.

A slight disclaimer before I start: I’m a fan of his early work, but his latest movies sucked so much that I shouldn’t have bothered to watch them. Yet, somehow, I can’t leave it be. So, if you can’t stand bitter comments about Match Point or Cassandra’s Dream (my review here), better not read this.

Anyhoo, Vicky Cristina Barcelona is okay, I guess. It definitely isn’t as abysmal as the aforementioned movies. But it’s not very good, either.

Plot: Vicky (Rebecca Hall) and Cristina (Scarlett Johansson) are best friends and decide to go to Barcelona together. Both girls are complete opposites – Vicky is the practical, calm, rational stereotype, whose life seems happy, but actually, she’s very unhappy because there’s no passion in it, while Cristina is the impulsive, fickle artist-stereotype, who goes from one relationship to the next, never actually being able to stay anywhere for long. When they meet the painter Juan Antonio (Javier Bardem), who barely escapes the fate of being a complete stereotype himself, both fall for him. Which of course can’t end well, especially since Juan Antonio’s manic-depressive artist cliché ex-wife Maria Elena (Penelope Cruz) is still very present in his life.

If I was Rebecca Hall, I would be very angry about this marketing – she’s more of a main character than Penelope Cruz.

While this movie had a lot of the problems Match Point and Cassandra’s Dream had – namely over-the-top writing, clichés instead of characters and too little jokes [seriously, this is supposed to be a comedy and maybe has two funny scenes], it also had Penelope Cruz and Javier Bardem, who outdo themselves in this movie.

Bardem’s Juan Antonio is a completely amazing guy. Bardem’s one of those people who can turn their sex appeal on or off, depending on what is required [another person able to do that is Gary Oldman], and it is so on in this movie. Plus, Juan Antonio’s complete honesty not only makes him really likeable, but it’s also the only thing to save him from being a stereotype.

Cruz’ Maria Elena unfortunately doesn’t escape the cliché, but Cruz plays her with such passion and utter commitment that it works again.

The rest of the cast isn’t bad, although mostly unremarkable, but unfortunately, their characters are badly written. Which is especially sad for Patricia Clarkson, who is such a cool actress and completely wasted in this movie.

The story feels a little bit like Woody Allen gave us a glimpse of one of his masturbatory fantasies. And honestly, this is not something I wanted to know, actually.

And I really didn’t like his bias against the practical, collected Vicky. I mean, I know, when people speak of love, they usually mean the hot, passionate kind. But there’s also a steady, calm one [and I guess even more types than just those two] and it’s no less love than the tantrum-throwing, possessive passion.

But this movie draws the conclusion [more or less] that while neither love automatically makes you happy, at least with the passionate kind you’re not lying to yourself. And I don’t buy it. I don’t think that people are automatically unhappy because they’re choosing someone steady.

Anyway, I’m surprised that this movie got so many nominations and is still a contender for the Oscars. And it won the Golden Globe for Best Musical/Comedy. Seriously? People have not seen a funnier movie this year? That is so sad…

While this movie is not a complete No-No, it’s more of a “Well, if you absolutely have to see it, I’ll come with you. If not, I’ll probably rent it sometime.”

In light of Farrell winning Best Actor at the Golden Globes last night, heres a list of his top 5 performances.

1. In Bruges
2. Phone Booth
3. Pride & Glory
4. Tigerland
5. Cassandra’s Dream

Even though Colin Farrell pretty much sticks to the same type of roles hes a talented actor and has definitely delivered some good performances and starred in some good films. In Bruges takes the cake for me. Now some people thought he was good in Alexander, but I’m pretty sure he won a Razzie for that performance. Which is kinda funny because I didn’t think he was that bad. One of Ireland’s finest, just living the dream.

Vicky Cristina Barcelona
★★★ / ★★★★

I knew Woody Allen still has it in him to make a really good film. After the wishy-washy “Scoop” and “Cassandra’s Dream,” a lot of people began to lose hope once again because they wanted a film as great as “Match Point.” “Vicky Cristina Barcelona” is sexy, character-driven and sublime. The premise is two best friends (Rebecca Hall and Scarlett Johansson) spend a summer in Barcelona and unexpectedly fall for an artistic and charismatic Spaniard (Javier Bardem). At first I thought I could relate more with Hall because she’s sensible and she knows exactly what she wants. But as the film went on, I could identify with Johansson more because she doesn’t limit herself by following society’s labels. She’s very open to things that can enlighten her not just intellectually but spiritually as well. Things get more complicated when the Bardem’s ex-wife, played by the gorgeous Penélope Cruz who deserves an Oscar nomination, returns after trying to kill herself. She provided that extra spice that the film needed in order be more romantic not in a safe way, but in a dangerous and unpredictable manner. I was impressed with this picture because each scene felt so organic. The characters talked and acted like real people, which I think is difficult to accomplish in a story about the complex dynamics between the characters. All of the actors had something to do and impacted each other in both subtle and profound ways. Another factor that I admired about this film is its stark contrast between American and European. The most obvious one includes Hall’s business-minded, unexciting husband (Chris Messina) compared to raw, passionate Bardem. One can also argue that Hall is more American while Johansson is more European. These differences even go as far as which types of clothes the characters wear. As much as I loved this film, I cannot give it a four-star rating because it needed an extra thirty minutes to reach a more insightful conclusion. I don’t mean tying up some loose ends in order for everyone to be happy. In fact, I love that this film was bold enough to leave some unhappy characters. It’s just that, in a Woody Allen film, you expect something more profound, something more complete. It’s not as introspective as “Match Point” but it comes very close.

Out of the ones that I bothered to see, of course, here are the ones that disappointed me the most.

1.Stop-Loss
With the anticipation of this being Kimberly Peirce’s follow-up to Boys Don’t Cry, I was stunned to see just how much of a by-the-numbers film it ended up being.
2.Harold & Kumar Escape From Guantanamo Bay
They obviously should’ve stopped while they were ahead, because the first film really had no business being hilarious at all. It has definitely run its course now.
3.War, Inc.
Disguised as another film, this is essentially just Grosse Pointe Blank 2, just without any of the good qualities of the first film.
4.The Life Before Her Eyes
It looked like a rare good role for Uma Thurman outside of Tarantino projects, and with a director like House of Sand and Fog’s Vadim Perelman, it’s hard to believe it came out this disappointing.
5.Step Brothers
If Apatow-produced projects are anything less than non-stop hilarious, then they are a disappointment for sure. This one is such a scattershot piece of mostly-overdone physical comedy that it is just plain bad.
6.Righteous Kill
DeNiro and Pacino are finally together again! Yes they are, but it’s all put to waste in this formulaic murder mystery that would’ve fit nicely between some CSI or Law and Order shows.
7.Smart People
It was hyped as a sarcastic equal to recent indie gems like Little Miss Sunshine and Juno, but this one is mostly dull.
8.Be Kind Rewind
Proof once more that Michel Gondry should never write screenplays, but only direct. There are moments of fun in this film, but it is ultimately stale.
9.The Curious Case of Benjamin Button
Yes, I had to include this film. Do not take it the wrong way, because I did like it very much…I was just expecting it to move me much more than it did.
10.Cassandra’s Dream
The build-up in this Woody Allen film is promising and the peformances by the leads are very good, but the resolution is maddening, and for the legendary filmmaker – extremely baffling.

My husband almost refused to sit with me to watch the movie we’d Netflixed last night. It wasn’t so much that he feared the dreaded “chick flick” (I am blessed with a man who wears his heart on his sleeve just enough to find his way through such films with no problem), it was just that he jokingly refused to watch me swoon over two of the tastiest men in movies – Ewan McGregor and Colin Farrell.

Cassandra’s Dream wasn’t exactly a great film, nor was it particularly uplifting. The men were pretty, but that didn’t really counterbalance the claustrophobic feel of the movie. I suppose the film was effective in that I was squirming along with the characters at the nearly impossible situations they created for themselves through greed and misplaced loyalties and a refusal to heed their own morals or instincts.

Basically, two brothers from London agree to murder a man who threatens their uncle’s reputation and fortune. Colin Farrell plays the brother crippled by conscience, the one who turns to drink and drugs to numb the pain, all to no avail. He is coming apart at the seams. His fragility threatens the entire wicked scheme.

In spite of myself, I wanted these guys to get away with their crime, but at the same time, I wanted Farrell’s character to do the impossible, to become whole again.

The only answer I could come up with, as we watched the story unfold on our comfortable couch bathed in the glow of the Christmas tree, was that this guy needed to find a priest. The only thing I could think of that might make his soul clean again was some time in a confession booth and as many Acts of Contrition and Hail Marys as he could muster.

I have mentioned previously that I dance with my Catholic heritage, holding dear to the pieces that speak to me directly – my own vision of Mary, the mystics, the commitment to service – and yet, I definitely shy away from other aspects – Original Sin, patriarchy, the idea that it is the “One True Faith.”

Still, Catholicism seems to flow in my blood as surely as the prayers have been etched into my brain.

Even when I was furthest from my Christian roots, when I had run out of options, I found myself beseeching Jesus that I would do whatever he might ask, if only he could get me out of the mess I had made. I was twenty years old, alone in a Galway dorm room, trying to live through a case of alcohol poisoning so intense I would have been in an American emergency room in a heartbeat. A man I had been foolish enough to love decided to break my heart only after he had bought me one of everything they had behind the bar. Young, stupid, and scared out of my mind, I clung to my pillow and just repeated the Lord’s Prayer as my body shook and my head swam.

Far from my finest hour, and certainly one that I must cherish as a lesson and a warning. Only years later, when I have made my peace with Christianity, can I look back to that moment and understand the depths of my belief in the power of heavenly salvation and aid. It is definitely not something that springs from an intellectual place within me. It is from a visceral place, a spiritual place beyond words that makes me understand why people need faith and a religion upon which to hang those convictions.

What would a priest do for a guy who had committed such a horrific sin? My mind says, not much. My soul seems to think that he might be able to do something more.

I still pursue a path guided by the wisdom of many traditions, but it seems that when things are really dire my survival instinct takes me back to what I learned first.

Our Father, who art in Heaven…

The last Woody Allen movie I’ve seen was Match Point, which was quite good. I’ve just finished watching Scoop, which was OK and started watching Cassandra’s Dream.

The movies take place in Britain. I’ve been a Woody Allen fan since I saw Annie Hall. Deconstruction Harry is one of my favorites. I loved when the main character became all fuzzy around the edges.

I think that Match Point was definitely one of his better movies.