Es el resultado de grandes actores, historias o directores que marcaron una huella en el cine. Estas son algunas de las escenas que marcaron hito en el cine:

CASABLANCA: ¿Quién no ha visto esta escena? Casablanca llevó a un nuevo nivel las despedidas entre enamorados.

MATRIX: ¿Qué película hoy en día no posee los efectos que vimos por primera vez en Neo? Prueba de su éxito es la cantidad de veces repetida y su infinita cantidad de parodias.

TAXI DRIVER: Escena que lanzó a Robert De Niro a la fama ¿hace falta decir más?

EL PADRINO: Para algunos la película más importante de todos los tiempos, pero no es famosa por magia, sino por Marlon Brando… perdón Don Vito y un jóven  Al Pacino

STAR WARS: La Saga más famosa de George Lucas sorprendía a todo el mundo cuando en su quinta película (segunda en ser lanzada) nos enterábamos de…

HERE’S JOHNNY: Una de las mejores piezas de un inmenso director. Para algunos ninguna película de terror podrá ser comparada con The Shininig y ningún villano, monstruo o ser sobre natural podrá ser más a terrador que Jack Nicholson

DIRTY HARRY: ¿Do you feel lucky? Es una asociación directa.

SCARFACE: Otra genial película en la carrera de Al Pacino esta vez como Tony Montana.

PULP FICTION: La película más conocida de Tarantino con el papel que creó la percepción de Samuel L. Jackson que todos tenemos

CHAPLIN: Si Orwell representó los regímenes totalitarios en la literatura, Charlie Chaplin fue el genio que los llevó a la perfección en la gran pantalla.

¿Tienes otras en mente? Coméntalas

Cara, Cadê Meu Bigode?

My Top 10:

The final shot of Modern Times (1936): Charlie Chaplin and Paulette Goddard walking off into the future.

1. Modern Times
2. The Petrified Forest
3. Mr. Deeds Goes to Town
4. A Tale of Two Cities
5. My Man Godfrey
6. The Secret Agent
7. Dodsworth
8. Fury
9. After the Thin Man
10. The Great Ziegfeld

Academy Awards:

• Best Picture:  The Great Ziegfeld
• Best Director:  Frank Capra  (Mr. Deeds Goes to Town)
• Best Actor:  Paul Muni  (The Story of Louis Pasteur)
• Best Actress:  Luise Rainer  (The Great Ziegfeld)
• Best Supporting Actor:  Walter Brennan  (Come and Get It)
• Best Supporting Actress:  Gale Sondergaard  (Anthony Adverse)
• Best Screenplay:  The Story of Louis Pasteur
• Best Original Story:  The Story of Louis Pasteur

Consensus Award Winners:

• Best Picture:  Mr. Deeds Goes to Town
• Best Director:  Frank Capra  (Mr. Deeds Goes to Town)
• Best Actor:  Walter Huston  (Dodsworth)
• Best Actress:  Luise Rainer  (The Great Ziegfeld)

TSPDT Consensus Top 5 Films:

• Modern Times – #48
• Swing Time – #541
• Carnival in Flanders – #748
• Fury – #987
• Toni – #997

Top 5 Awards Points:

1. Mr. Deeds Goes to Town – 415
2. The Great Ziegfeld – 390
3. Dodsworth – 330
4. Anthony Adverse – 290
5. The Story of Louis Pasteur – 280

AFI Top 100 Films:

• Modern Times – #81  (1998) / #78  (2007)
• Swing Time – #90  (2007)

Nighthawk Awards:

• Best Picture:  Modern Times
• Best Director:  Charlie Chaplin  (Modern Times)
• Best Actor:  Charlie Chaplin  (Modern Times)
• Best Actress:  Bette Davis  (The Petrified Forest)
• Best Supporting Actor:  Humphrey Bogart  (The Petrified Forest)
• Best Supporting Actress:  Maria Ouspenkaya  (Dodsworth)
• Best Adapted Screenplay:  The Petrified Forest
• Best Original Screenplay:  Modern Times
• Best Foreign Film:  The Crime of Monsieur Lange

Nighthawk Notables:

• Best Film to Watch Over and Over:  Modern Times
• Best Scene:  Spencer Tracy reliving “dying” in Fury
• Best Line:  “I am dead.”  (Fury – Spencer Tracy)
• Best Ending:  Modern Times

Ebert’s Great Movies:

• Swing Time
• My Man Godfrey

Almost a decade into the Sound Era, and Charlie Chaplin was still making his own kind of film.  I’ve already talked here about how brilliant Modern Times is and the amazing virtuoso that was Charlie Chaplin.  It is easily the best film of 1936, currently sitting almost 500 spots higher than any other film from the year in the Top 1000.  In my own Top 1000, Modern Times finishes a good 160 spots above The Petrified Forest and some 250 above Mr. Deeds.  I don’t find 1936 to be quite as bad a year as the Top 1000 does, but it is one of the lower years for both Top 5 films and Top 10 films, though not in the bottom 10 years for either.

Film History: The film world is shaken by the death of Irving Thalberg of pneumonia at the age of 37.  Norma Shearer, his widow, will never be the same again on-screen.  Deanna Durbin makes her film debut, marking the start of a long, but very annoying career.  Bugs Bunny is created by Warner Bros. as a way to counteract Mickey Mouse.  Carl Laemmle is one of the first of the big studio heads to exit, selling Universal Films.  Price-Waterhouse begins as the tabulator of Academy Awards votes.  The Screen Directors Guild is incorporated.  John Gilbert, whose career died out in the Sound Era, makes his last film with Greta Garbo (Queen Christina), then dies of a heart attack at age 40.

Academy Awards: The Academy decided to finally reward the actors who weren’t stars with the addition of Supporting Actor and Supporting Actress.  They are both established with 5 nominees, and Actor, Actress, Director and the Screenplay categories are also changed to have 5 nominees.  The Academy gives Best Original Story to Story of Louis Pasteur, inspiring the question of how a true story can be the Best Original Story.  Frank Capra joins Frank Borzage and Frank Lloyd with his second Oscar.  My Man Godfrey becomes the first film to earn acting nominations in all 4 categories, and in spite of that and nominations for Best Director and Best Screenplay, fails to get a Best Picture nomination while Libeled Lady gets a Best Picture nomination and nothing else (and both star William Powell).  In spite of sympathy for Norma Shearer, she comes in third for Best Actress, behind Rainer and Carole Lombard.  Gary Cooper comes in second to Paul Muni for Best Actor.  Frank Capra finishes just barely ahead of W.S. Van Dyke (San Francisco) and Gregory La Cava (My Man Godfrey).  The Story of Louis Pasteur comes in second for Best Picture.

• Worst Oscar:  Best Editing for Anthony Adverse
• Worst Oscar Nomination:  Best Editing for Anthony Adverse
• Worst Oscar Omission:  Best Picture for Modern Times
• Worst Oscar Category:  Best Editing
• Best Oscar Category:  Best Actress

Awards: The two critics groups agreed not just on Best Picture (Mr. Deeds), but also on Foreign Film (Carnival in Flanders).  The NYFC Awards for Best Actor would go to Oscar nominee Walter Huston, while the Best Actress would go the eventual Oscar winner, Luise Rainer.  But oddly, Best Director would go to Rouben Mamoulian for The Gay Desperado, an almost forgotten film today.  The NBR would do better than the Oscars in that it would once again take my choice for the best film (Modern Times) and put it in its Top 10.  Only three of the NBR Top 10 would overlap with the Best Picture nominees and would not include the winner (Mr. Deeds, Story of Louis Pasteur, Romeo and Juliet).

My winner for Best Actress (Bette Davis) and Best Supporting Actor (Humphrey Bogart) with my #2 Best Actor (Leslie Howard) in my #2 film of 1936: The Petrified Forest

Over-looked film of 1936:

The Petrified Forest (dir. Archie Mayo)

How can a film so good be so unknown?  With all the attention paid among film buffs to Bette Davis and clips of her films all over YouTube, with Bogart the most widely celebrated film star of the 20th Century and still it’s nowhere in sight.

The Petrified Forest is the perfect way to remember Leslie Howard.  He was so wrong in Gone with the Wind, it’s hard to figure out where to begin explaining.  And the problem with his Romeo and Juliet wasn’t that he was too old (as was Norma Shearer, but she was radiant); the problem is that Leslie Howard is utterly unbelievable as Romeo.  If there is anything to define Howard’s screen persona it is the quiet intellectual, the one who thinks and ponders.  He may have strong feelings, like in Pygmalion, he may have an air of romance like in Berkeley Square, he may even be the hero, like in The Scarlet Pimpernel, but he is someone who has taken the time to think about things.  He could never be confused with someone who would act so irrationally, so blindly out of passion (and stupidity) as Romeo.  He would have been far more believable as Mercutio, the dreamer, the thinker, not the fickle Romeo.  But in The Petrified Forest, as the depressed, world-weary Alan Squier, the thinker, the man who wants to act and can’t bring himself to do it, who will so quickly fall in love with the waitress who shares that dream, but be unable to fully act upon it, that is the role that Leslie Howard was born to play.

Of course, you need someone to play opposite him.  He dominates Pimpernel and Berkeley, but is matched well with Wendy Hiller as Liza in Pygmalion.  So he is cast opposite Bette Davis, who had already proved his watch on screen in Of Human Bondage (being robbed of an Oscar at the same time).  But they have been on screen together before, have shown how much they can match.  So to add something more we have Bogart, and not the Bogart we would all later know and worship.  This is the younger Bogart, desperate to become a bigger star, helped along by Howard, both in terms of getting the role, and as the character Duke Manatee in the film.  It is Howard’s push that propels the action, much as he propelled the making of the film.  This is a Bogart performance that will help you to understand how the same actor could so convincingly play both Rick Blaine and Fred C. Dobbs.

Then there is the script, of course.  Yes, there is not a whole lot of opening up of it as a film, it feels much like a staged play.  But when you have a location like this, when you have star power like this that knows so well how to respond to each other do you really need more than that?

http://www.youtube.com/user/carlostheseries

Dans les vidéos suivantes, vous allez trouver de quoi illustrer le cours sur l’Allemagne nazie.

Tout d’abord, voici un premier extrait du Dictateur, de Charlie Chaplin (1940). Dans cet extrait, Chaplin fait faire un discours sur la démocratie au barbier juif qui a remplacé le Führer Hynkel . Dans ce discours, il démonte toute la propagande nazie.

Autre extrait du Dictateur : le dictateur Hynkel rêve d’une grande Tomanie. C’est une des scènes les plus connues de ce film, dans laquelle Hynkel danse avec le globe terrestre.

Ici, un extrait du Triomphe de la Volonté, de la réalisatrice allemande Leni Riefenstahl (1935). Elle a filmé le congrès du parti nazi à Nuremberg (Bavière, dans le sud de l’Allemagne).

Voici la notice qu’en donne M. Vinot, un professeur d’histoire géographie au lycée français de Djibouti :

“Adolf Hitler se rend à Nuremberg pour le congrès du parti nazi. Les fêtes, les parades, les épreuves sportives et les discours se multiplient. Ce film se présente comme un documentaire. Il est en fait un film de propagande. La réalisatrice filme un discours d’Hitler dans un stade. Les travellings sur la foule comme les contre-plongées sur Hitler permettent d’impressionner le spectateur. L’alternance de gros plans entre Hitler et de jeunes allemands illustrent la communion du peuple avec son Führer. La réalisatrice joue aussi de la bande son : les acclamations cessent à la seconde où Hitler lève la main.”

E’ giunta la sera, calata la notte.
I pensieri ormai vagano spersi
nell’ombra viscosa del tempo.

Senza colore. Solo nel grigio,
nel bruno del sangue,

Finalmente consegui um suporte realmente eficiente para a minha escrita. Fiquei por muito tempo ocupado pelo pouco espaço das folhas que sobravam do pão ou limitadíssimo pelas margens e linhas da brochura convencional. Fora isso, o movimento mecânico, o barulho contínuo e as não-respostas da máquina de escrever sempre me deixaram tímido – meu espírito se recusou por um bom tempo em conseguir se comunicar comigo pela falta de um espaço e uma ferramenta devida para que ele pudesse agir. Com um bloco de notas em rolo, como um manuscrito e a leveza do grafite, as narrativas não são interrompidas e por isso não posso reconhecer a formalidade como um recurso, no mais, uma maneira de recusar o verdadeiro talento, a obra de arte em combustão. Outro dia ouvi mais um daqueles judeus malucos que fugiram da Alemanha. Antes de qualquer Pearl Harbor, esses caras já estavam aqui nos dizendo sobre toda a perversidade do sonho americano.Uma das poucas conferências que participei em Columbia fundou o resto da minha vida. E acho que é assim mesmo, as coisas beatíficas funcionam num átimo de segundo, num momento isolado que a gente não percebe. Só vê quando está nele, afundado, um pouco confuso, mas ainda assim, lúcido como um maquinista nos Alpes.

Vou me permitir encerrar esta primeira parte com um novo parágrafo. Não quero transparecer qualquer tipo de ofensa a quem lê e se acostumou a ver os assuntos separados por vírgulas, pontos e parágrafos. Deixei sim, a faculdade no meio do primeiro ano por que não conseguia me ver adormecido no sonho americano, servindo a pátria de acordo com o poder oficial. Servir ao sonho da liberdade não é seguir as normas de um estado e sim, praticar cotidianamente a diferença sutil que atinge ao espírito de quem se afeta com nosso presença. É na hora de atravessar a rua, se impondo na frente dos carros que insistem como reis da civilidade, entidades mais importantes que os homens que os navegam ou que passam por eles nas calçadas. É quando comprimentamos as pessoas nas ruas, independente da cor da pele, do tipo de roupa ou do lugar onde mora. Uma lástima cada vez mais aceita pelos jornais, corrompida pelo rádio e largamente inflamada pelo cinema. Não quero que o espírito que me habita e me habilita a falar sobre a verdade seja corrompido pelo sistema. Vou ser mais um branquinho a trilhar o verdadeiro caminho da América. A indústria que se forma é muito mais preocupante do que aquela que Chaplin denunciou – alienante, repetitiva. Agora é a propaganda, a própria empresa que Carlitos criou ao amenizar nossa angústia rindo de nossa ignorância diante o poder vigente. O nazismo não ocorreu apenas na Europa, nós, ou eles – eu sou fraco-canadense, os da América, fizeram o mesmo ou pior contra aqueles que aqui estavam. E foram os de pele branca, machos, protestantes que importunaram ainda os que são classificados como negros, nativos, latinos, judeus, velhos, bichas, mulheres e crianças. Para estes, qualquer lei é um absurdo! Os negros valiam 3/5 de seus pares brancos há pouco mais de 40 anos e hoje, precisam se esconder para apresentar a beleza de sua arte, principalmente, em se tratando de música e movimento. O jazz se tornou, finalmente, um grito negro. Algumas pessoas me olham de forma insinuosa quando converso com negros ou judeus. E esta história é resgata até por aqueles que não nasceram no novo mundo. Italianos, Irlandeses, amarelos, todos estes, pegam nas mesmas armas do preconceito e mesmo ridicularizando o modo americano de resolver as coisas, se tornam cidadãos quando se sentem incomodados pelas minorias. Eu ainda creio em Jesus Cristo como o meu grand Senhor. Quando li Camus no último verão, cheguei a conclusão que o nazareno seria a porra de um existencialista se habitasse entre nós nos dias de hoje. Um apaixonado pelo seu próprio romantismo, mas cético o suficiente em um niilismo incapaz de fazê-lo sofrer na cruz. O problema é que as mães não querem sofrer como Maria. Seus filhos não precisam do amor ou da sabedoria e sim, ser alguém, predominantemente, que seja alguém de posses, mesmo que a cargo de mentiras, assassinatos e conspirações.

BÀI DIỄN VĂN CỦA ÔNG THỢ CẠO TRONG VỊ THẾ MỘT NHÀ ĐỘC TÀI VĨ ĐẠI BẤT ĐẮC DĨ

Tôi xin lỗi. Tôi không muốn làm một đại đế. Đó không phải là công việc của tôi. Tôi không muốn thống trị hay chinh phạt ai cả. Trong khả năng của mình, tôi muốn giúp đỡ mọi người — Do-thái, không Do-thái, da đen, da trắng.

Tất cả chúng ta đều muốn giúp đỡ nhau. Con người là như thế. Chúng ta muốn sống vì niềm vui của nhau — không phải vì nỗi khốn khổ của nhau. Chúng ta không muốn thù ghét và khinh bỉ nhau. Thế giới này có đủ chỗ cho mọi người và quả đất tốt lành này thì giàu có và có thể nuôi sống mọi người.

Con đường của sự sống có thể là tự do và đẹp đẽ, nhưng chúng ta đã đánh mất con đường ấy. Sự tham lam đã đánh độc tâm hồn con người, đã vây hãm thế giới trong sự oán thù, đã xua chúng ta dấn bước vào sự lầm than và đổ máu. Chúng ta đã phát triển tốc độ, nhưng chúng ta đã giam hãm chính mình. Máy móc đáng lẽ mang đến cho chúng ta sự dư dật, thì lại khiến chúng ta đói rách. Sự hiểu biết của chúng ta đã làm chúng ta trở nên chua cay; sự khôn khéo của chúng ta đã làm chúng ta trở nên khắc nghiệt. Chúng ta suy nghĩ quá nhiều và cảm nhận quá ít. Hơn cả máy móc, chúng ta cần tình người. Hơn cả sự khôn khéo, chúng ta cần sự tử tế và sự dịu dàng. Không có những phẩm tính này, cuộc sống sẽ trở nên cuồng bạo và chúng ta sẽ đánh mất tất cả.

Máy bay và máy truyền thanh đã mang chúng ta đến gần nhau hơn. Bản chất của những phát minh này đòi hỏi thiện tâm của con người, đòi hỏi tình anh em trong nhân loại, đòi hỏi sự hợp quần của tất cả chúng ta. Ngay trong giây phút này tiếng nói của tôi đang đến với hàng triệu người trên khắp thế giới — hàng triệu người đàn ông, đàn bà, và trẻ con đang tuyệt vọng — những nạn nhân của một hệ thống — cái hệ thống đã sai khiến những kẻ hành hạ và giam cầm những người vô tội. Đối với những ai có thể nghe tôi, tôi nói: “Đừng tuyệt vọng.” Sự khốn khổ hôm nay đang đè nặng trên chúng ta chỉ là khoảnh khắc ngắn ngủi của sự tham lam, chỉ là sự cay đắng của những kẻ sợ hãi trước sự tiến bộ của nhân loại. Lòng thù hận của con người sẽ trôi qua, và những tên độc tài sẽ chết, và cái sức mạnh mà họ chiếm đoạt từ con người sẽ trở lại với con người. Và đến khi con người còn phải chết đi, thì khi ấy tự do vẫn không hề tàn lụi.

Các chiến sĩ! Đừng nạp mình cho những con thú — những kẻ khinh bỉ các bạn và bắt các bạn làm nô lệ, những kẻ đặt cuộc sống của các bạn vào hệ thống, điều khiển hành động của các bạn, ý nghĩ của các bạn và cảm xúc của các bạn! Những kẻ trui rèn các bạn, kiểm soát khẩu phần của các bạn, xem các bạn như trâu bò, dùng các bạn như những con cờ thí. Đừng nạp mình cho những kẻ quái đản ấy, những con người máy móc với những đầu óc máy móc và những trái tim máy móc! Các bạn không phải là máy móc! Các bạn không phải là trâu bò! Các bạn là những con người! Các bạn có tình yêu nhân loại trong tim. Các bạn không thù hận. Chỉ những kẻ không được yêu thương thì mới thù hận. Đó là những kẻ không có tình thương và những kẻ quái đản!

Hỡi các chiến sĩ! Đừng chiến đấu cho sự nô lệ! Hãy chiến đấu cho sự tự do! Chương thứ 17 của sách thánh Luca có viết rằng vương quốc của Thượng Đế thì ở trong con người, không chỉ trong một người hay một nhóm người, mà trong mọi con người! Trong các bạn! Các bạn, là nhân dân, các bạn có sức mạnh — cái sức mạnh để sáng tạo ra máy móc. Cái sức mạnh để sáng tạo ra hạnh phúc! Các bạn, là nhân dân, các bạn có sức mạnh để làm cho cuộc sống này tự do và đẹp đẽ, để làm cho cuộc sống này trở thành một cuộc phiêu lưu tuyệt vời. Thế thì, nhân danh dân chủ, chúng ta hãy sử dụng sức mạnh đó. Tất cả chúng ta hãy đoàn kết lại. Chúng ta hãy chiến đấu cho một thế giới mới, một thế giới tốt lành nơi đó con người sẽ có một cơ hội để làm việc, tuổi trẻ sẽ có một tương lai và tuổi già sẽ được an dưỡng.

Bằng lời hứa hẹn về những điều này, những con thú đã nổi lên nắm lấy quyền lực. Nhưng chúng chỉ nói láo! Chúng không giữ lời hứa. Chúng sẽ không bao giờ giữ lời hứa! Những tên độc tài giành lấy tự do cho chính họ nhưng lại bắt nhân dân làm nô lệ. Giờ đây chúng ta hãy chiến đấu để thực hiện lời hứa đó! Chúng ta hãy chiến đấu để làm cho thế giới được tự do, để xoá bỏ những biên cương quốc gia, để xoá bỏ lòng tham lam, hận thù và bất dung. Chúng ta hãy chiến đấu cho một thế giới hữu lý, một thế giới trong đó khoa học và sự tiến bộ sẽ mang hạnh phúc đến cho mọi con người.

Hỡi các chiến sĩ! Nhân danh dân chủ, hãy đoàn kết lại!

Chaplin, Charlie

Why do we cry when we see a sad movie? It usually isn’t the movie itself that makes us cry. It is when the movie stirs up some memories inside you, when you start to think of your loved ones or the things you feel guilty about. I have been depressed for almost ten years now, and it is a daily struggle for me to keep my spirits high. As I made this list of movies that have made me cry and browsed through youtube clips for you, I had a hard time holding back my tears. I had a fight with my mother a few days ago, and watching these clips made me realize how stupid I was. At first when I wrote down these movie titles, I just thought that this would be another one of those lists. Maybe I could generate some traffic to my blog. People like these things, as do I, but I hope that this post might make you think about your loved ones. It is Christmas again soon. Hug them, kiss them, tell them you love them.

Making this list made me so depressed that I think I’ll make a comedy list next. A cure for this goddamned thing.

This list isn’t in any particular order. The youtube clips are for people who’ve seen the movies and don’t care about the spoilers.

Terms of Endearment (1983) Director: James L. Brooks
Marley & Me (2008) Director: David Frenkel
The Godfather: Part III (1990) Director: Francis Ford Coppola
Dumbo (1941) Director: Ben Sharpsteen
Click (2006) Director: Frank Coraci
Hilary and Jackie (1998) Director: Anand Tucker
Breakfast at Tiffany’s (1961) Director: Blake Edwards
La vita è bella (1997) Director: Roberto Benigni
Up (2009) Director: Peter Docter, Bob Peterson
Schindler’s List Director: Steven Spielberg
Forrest Gump (1994) Director: Robert Zemeckis
The Kid (1921) Director: Charles Chaplin
Dead Poets Society (1989) Director: Peter Weir
E.T.: The Extra-Terrestrial (1982) Director: Steven Spielberg
Old Yeller (1957) Director: Robert Stevenson
Field of Dreams (1989) Director: Phil Alden Robinson
Terminator 2: Judgment Day (1991) Director: James Cameron
My Girl (1991) Director: Howard Zieff
Love Story (1970) Director: Arthur Hiller
An Affair to Remember (1957) Director: Leo McCarey
Return to Me (2000) Director: Bonnie Hunt
Dances with Wolves (1990) Director: Kevin Costner

Have a tissue ready… (WARNING! Spoilers)

Fobia berasal dari kata Yunani phobos, berarti takut. Konsep takut dan cemas bertautan erat. Takut adalah perasaan cemas dan agitasi sebagai respon terhadap suatu ancaman. Menurut Rathus (2003), gangguan fobia adalah rasa takut yang persisten terhadap objek atau situasi dan rasa takut ini tidak sebanding dengan ancamannya. Fobia merupakan suatu bentuk rasa takut yang kuat, terus-menerus, meskipun tidak ada alasan yang nyata (irasional) yang ditimbulkan oleh suatu stimulus objek atau situasi tertentu (Chaplin, 2000). Dengan kata lain, fobia merupakan suatu bentuk rasa takut yang ekstrim. Supratiknya (1995) juga menulis dalam bukunya, fobia adalah perasaan takut yang bersifat menetap terhadap objek atau situasi tertentu yang sesungguhnya tidak menimbulkan ancaman nyata bagi yang bersangkutan atau yang bahayanya terlalu dibesar-besarkan.

Fobia kucing tergolong ke dalam jenis fobia spesifik. Fobia spesifik adalah ketakutan yang persisten dan berlebihan terhadap suatu objek atau situasi spesifik. Fobia spesifik merupakan salah satu gangguan psikologis yang paling umum, mengenai sekitar 7% sampai 11% dari populasi umum pada suatu saat dalam hidup mereka (APA dalam Rathus, 2003). Fobia spesifik cenderung untuk berlangsung terus selama bertahun-tahun atau selama beberapa dekade kecuali ditangani dengan sukses (USDHHS dalam Rathus, 2003). Perempuan mempunyai kemungkinan dua kali lebih besar untuk mengembangkan fobia spesifik (APA dalam Rathus, 2003)

Orang dengan gangguan fobia tidak kehilangan kontak dengan realitas. Mereka biasanya tahu bahwa ketakutan mereka itu berlebihan dan tidak pada tempatnya. Sesuatu yang aneh tentang fobia adalah biasanya melibatkan ketakutan terhadap peristiwa yang biasa dalam hidup, bukan yang luar biasa. Namun hal tersebut dapat mengganggu aktivitas mereka sehari-hari. Bahkan pengorbanan apapun akan dilakukan untuk menghindari stimulus yang menyebabkan fobia. Hal tersebut menyebabkan terganggunya fungsi sosial dalam diri individu.

posted by: gcallejo

Ya hemos hecho ver cómo el silencio en el cine puede ofrecer secuencias memorables en géneros cinematográficos tan importantes como el drama o el suspense. Pues bien, es el momento de mostrar cómo en uno tan distinto como es el del humor -por no decir risa- posee también un enorme valor.

Un paradigma del humor sin sonido tiene un nombre, sin duda: Charles Chaplin, quien incluso cuando ya existía el cine sonoro se atrevió a seguir encarnando al silencioso Charlot y dejó así al mundo los largometrajes más memorables y desternillantes de su carrera. Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) o El gran dictador (1940). Además, él acostumbraba a escribir y dirigir sus películas.

Y ahora tomaremos otro ejemplo indiscutible: el de Harpo Marx, célebre personaje mudo que, junto con Groucho, Chico y (en alguna ocasión) Zeppo, protagonizó una serie de hilarantes películas en los años veinte y treinta del siglo pasado. Sus papeles son, en una palabra, inolvidables, pues con la solvencia de un formidable payaso conseguía entretener al espectador desde el momento mismo en que aparece ante la cámara. Mejor dicho, le arrancaba las carcajadas más sonoras que quepa imaginar.

¡Y no hablaba! Bueno, no hablaba en sus películas, entiéndase bien. Su arte consistía en la mímesis, en los gestos alocados o relajados, según conviniera, de todas sus extremidades. Dejaba que los compañeros de sus andanzas le gritaran y se enfadaran, se rieran y le pegaran, le quisieran y le ignoraran… Todo un alarde de buen cine, buen montaje y mejor interpretación.

Me atrevo, por una vez, a poner dos escenas sensacionales:

Hay grandes personalidades de la historia que se han hecho famosos junto con sus bigotes, pero ahora los amigos de English Russia nos enseñan como serían algunos de ellos sin su entrañable mostacho.

Albert Einstein

Charles Chaplin

Ernesto "Che" Guevara

Dali

Adolf Hitler

José Stalin

Vladímir Lenin

Vía: English Russia

uma das melhores propagandas que eu já vi na vida:

‘it’s the hat’

muito bem pensada. e, sério, se não for óbvia pra você, fik dik.

(achada a long time ago @ ads of the world)

My Top 10:

1. City Lights
   

   Charlie Chaplin in the final, touching scene in City Lights

2. Dracula
3. The Three Penny Opera
4. Le Million
5. Earth
6. The Public Enemy
7. Waterloo Bridge
8. The Front Page
9. Little Caesar
10. Woman in the Moon

Academy Awards:

• Best Picture:  Cimarron
• Best Director:  Norman Taurog  (Skippy)
• Best Actor:  Lionel Barrymore  (A Free Soul)
• Best Actress:  Marie Dressler  (Min and Bill)
• Best Writing Adaptation:  Cimarron (from the novel by Edna Ferber)
• Best Original Story:  The Dawn Patrol

TSPDT Consensus Top 5 Films:

• City Lights – #23
• Earth – #134
• Tabu – #216
• The Blue Angel – #255
• Le Million – #275

Top 5 Awards Points:

1. Cimarron – 360
2. Skippy – 215
3. A Free Soul – 150
4. The Front Page – 130
5. Morocco – 125

AFI Top 100 Films:

• City Lights – #76  (1998 poll) / #11  (2007 poll)

Nighthawk Awards:

• Best Picture:  City Lights

   

  

  Norma Shearer in the film she should have won the Oscar for: A Free Soul

• Best Director:  Charlie Chaplin  (City Lights)
• Best Actor:  Charlie Chaplin  (City Lights)
• Best Actress:  Norma Shearer  (A Free Soul)
• Best Supporting Actor:  Leslie Howard  (A Free Soul)
• Best Supporting Actress:  Lotte Lenya  (The Three Penny Opera)
• Best Adapted Screenplay:  Dracula (from the novel by Bram Stoker)
• Best Original Screenplay:  City Lights
• Best Foreign Film:  M

Nighthawk Notables:

• Best Film to watch over and over:  Dracula
• Best Scene:  the final scene of City Lights
• Best Lines:  “What do you fellas get an hour?”
• “For playing we get ten dollars an hour.”
• “What do you get for not playing?”
• “Twelve dollars an hour.  Now for rehearsing, we have special deal.  Fifteen dollars an hour.”
• “That’s for rehearsing?”
• “That’s for rehearsing.”
• “What do you get for not rehearsing?”
• “You couldn’t afford it.”  (Animal Crackers – Groucho and Chico Marx)

Ebert Great Films:

• City Lights
• Dracula

Films started to move forward as an art form in 1930 and 31, even as the Academy regressed.  While there had been Horror and Gangster films before, they suddenly became a vital part of the industry.  Universal, minus the star power of Lon Chaney (who sadly died in August of 1930 robbing the film world of an amazing talent) went forward with Dracula and cemented their hold on Horror films.  Warner Brothers, on the other hand, made their first two Gangster films, Little Caesar and The Public Enemy, marking them as a powerful box office force and defining the kind of films they would be known for during the next decade.  We also have City Lights.  Completely ignored by the Academy (though mentioned by the National Board of Review as one of their Top 10), it is pretty much universally acknowledged as the best film of the year these days.  It moved way up on the second AFI poll, was one of the first Ebert Great Movies and is the third highest ranking film of the entire decade in the Top 1000.  It also not only wins 7 Nighthawk Awards (the four mentioned above plus Editing, Cinematography and Score), but an incredible 6 of those awards went to Chaplin himself.  The only comparable mastery of all aspects of film is also Chaplin, when he wins the same 6 awards in 1936 for Modern Times.

Film History: The stars of the Studio Era began to emerge.  Clark Gable took on his first credited role.  Bette Davis signed her first contract with Warner Bros.  Helen Hayes made her film debut.  Marlene Dietrich first teamed with Josef von Sternberg.  The silent stars were on their way out with the death of Lon Chaney and the marriage (and soon after, retirement) of Clara Bow, though Chaplin remained strong with yet another silent film.  Unfortunately, Chaney wasn’t the only loss to the industry, as F.W. Murnau was killed in a car crash at the age of 42.

Academy Awards: They get it right one year, then badly screw it up the next.  It seems to be a general consensus that Cimarron was a terrible Best Picture winner (I rank it the second worst behind Broadway Melody).  It was one of 7 Best Picture winners dropped by AFI for its second poll and has by a large margin the lowest user rating on the IMDb of any BP.  But then, it was pretty slim pickings.  They nominated East Lynne, which is only available to view at UCLA (and thus one of three BP nominees I have never seen).  Skippy is extremely difficult to find and is not worth watching, and certainly didn’t deserve its Best Director Oscar.  Trader Horn is easier to see, but not necessarily worth it.  That really leaves The Front Page as the top of the nominees and even that pales in comparison to its remake His Girl Friday.  Three of my top 5 were foreign films, but the other two, City Lights and Dracula, both hits, went completely un-nominated.  But in spite of being relentlessly mediocre, Cimarron was a trend-setter, the first film to get 7 nominations and the first BP to win a Screenplay award.  Cimarron (along with A Free Soul) was the first film to get nominated for both Best Actor and Best Actress and Cimarron was the first to get the big 5 nominations (Picture, Director, Actor, Actress, Screenplay).

• Worst Oscar:  Best Writing Adaptation for Cimarron
• Worst Oscar Nomination:  Best Picture for Skippy
• Worst Oscar Omission:  Best Picture for City Lights
• Worst Oscar Category:  Best Picture – None of the films deserved nominations, but Cimarron and Skippy are particularly bad choices.
• Best Oscar Category:  Best Actress – All of them worthy – my top 5 is different only because I nominate Dietrich twice (also for Blue Angel)

Bela Lugosi in the original Dracula (1931)

Under-appreciated Film of 1931:

Dracula (dir. Tod Browning)

How can this be?  The film that truly sparked the Golden Age of Horror?  The film that made Lugosi a star and Universal a box office power?  The first authorized use of the character who has appeared on film more than any character except Sherlock Holmes?  Under-appreciated?

Well, in a word, yes.  In spite of great direction, a great script, amazing art direction and first rate cinematography, Dracula failed to receive even a single Oscar nomination.  Sadly this started a trend, as Dr. Jekyll and Mr. Hyde was the only Horror film in this era to get any decent appreciation from the Academy.  Even given the few categories at the time, Dracula should have gotten 6 nominations and 2 Oscars (Adapted Screenplay and Art Direction), and the only film better for Best Picture, Director and Cinematography was City Lights, which also went unrecognized.

But put the Academy aside.  That was the past.  What about the present?  Well, Roger Ebert did place it in his Great Movies fairly early on.  But it barely makes it on the IMDb’s top 50 Horror films (at #50), doesn’t make the TSPDT Top 1000 and wasn’t included as one of the 400 initial films for either AFI poll.  This is one of those things that happens when you exist in a genre that doesn’t get any respect.  Hell, the AFI didn’t even bother to include Horror when they did their Top 10 Genre lists.  AFI obviously has little use for the genre given the omissions in its 400 lists (no Bride of Frankenstein, Invisible Man, Dr. Jekyll and Mr. Hyde and the original Frankenstein was one of the films that was dropped from the top 100 in the 2007 poll).

So what do we have here?  We have, 78 years after it was filmed, a film that still stands as the best English Language Vampire film ever made (the only better Foreign films are Nosferatu and Vampyr).  In the era of Twilight and “True Blood” and the flourishing Vampire Romance concept, the king of them all still stands un-appreciated.  It is not just the film that goes over-looked these days either.  Why would people buy Twilight and The Historian and the new crappy version written by Stoker’s descendant when you can read the original?  And why would you waste time with the dozens of new, crappy vampire films (Let the Right One In is a notable exception), when you can rent the original?  There are great versions out on DVD and it’s easy as hell to find.  Your local library probably has copies.  Copies of the book too.

What new Vampire films do wrong is focus on effects.  The original Dracula had terrible effects.  It had the bat, which looks ridiculous now and probably looked ridiculous then.  It doesn’t try to establish any kind of visual flair.  Dracula doesn’t change form.  He disappears off the balcony and then we hear about a wolf (without seeing it).  What it has it atmosphere.  It has mood and setting, much like the novel did.  It has the brilliant fog, the castle, the magnificent steps in Cairfax Abbey.  We have the great tracking shot, the first time we move inside the castle.  It starts with Renfield alone at the Pass, is followed by a cut to the castle, then a cut inside the castle, then moving slowly along the floor to the coffin, which opens slowly and a hand appears.

Yes, this is not quite Stoker’s Dracula.  It is based more on the play, economizing with its characters and settings, never leaving England.  But Dwight Frye is a properly deranged Renfield (look at the shot of him when he is discovered on the ship), Helen Chandler is a lovely Mina, and Bela is so perfect, approaching the role as if he really was the Count, living centuries in his castle and only now venturing out into society.  He fits the atmosphere perfectly and while later versions would perfect the gore and the sex, they still don’t compare to the original.

A pocas semanas de abrir puertas a las más recientes producciones cinematográficas del continente, crece la expectativa en torno a la edición 31 del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, uno de los eventos culturales más esperados del año, cita que sigue tendiendo puentes. Se celebrará en la capital con subsedes en varias provincias, del tres al 13 de diciembre, y esta fiesta del cine mantiene los concursos de ficción, documental y animación, óperas primas, guiones inéditos y carteles. Alfredo Guevara, presidente del Festival, declaró en reciente entrevista que se trata de que no sea igual que el Festival anterior, sino mejor, y aseguró que el más ambicioso de sus sueños es  tender puentes y más puentes .Por segundo año consecutivo, el sector industria ofrece un programa de actividades destinado a los profesionales de la realización, producción y distribución cinematográfica, que comprende talleres de guión, seminarios, mercados de proyectos y el concurso de posproducción Latinoamérica Primera Copia.

El público cubano podrá disfrutar de la primera gran muestra retrospectiva de cine chicano organizada fuera de Estados Unidos, y de una exhibición de lo más trascendente de la cinematografía puertorriqueña. Otro acontecimiento que reserva este XXXI Festival es la retrospectiva del Noticiero ICAIC Latinoamericano, acreedor de la condición de Memoria Mundial de la UNESCO por sus elevados valores estéticos. Las muestras fuera de competencia y los seminarios teóricos, reafirman que este encuentro se mantiene como uno de los espacios de confrontación cultural más importantes de América.

Es un festival de la cultura cinematográfica que no puede vivir sin las otras manifestaciones del arte , subrayó Guevara.

Unido a los premios Coral que tradicionalmente se entregan, las cintas en concurso optarán por los lauros colaterales que confieren la Asociación Católica Mundial para la Comunicación, la Federación Internacional de Críticos de Cine, la UNICEF, Telesur y Amazonia Films.

Ya está a la venta el pasaporte que por un valor de 20 pesos contiene 15 entradas con acceso a todas las salas que integran el circuito de exhibición, y podrá adquirirse en la sede del Festival y en las taquillas de los cines Payret, Yara y Chaplin, en la capital.

Fuente: AIN

indicado pelo meu ermaum que é o único profissional de TI, programador hardcore que não tem celular que eu conheço…

Desde o surgimento do cinema, que se deu no século XVIII, os filmes eram mudos. Um filme mudo é um filme que não possui diálogos falados, sendo estes substituídos por músicas ou rudimentares efeitos sonoros durante a exibição. A idéia de combinar filmes com sons gravados é quase tão antiga como o próprio cinema, mas antes do fim dos anos vinte, a maioria dos filmes eram mudos devido a inexistência de tecnologia para tornar isso possível.

No dia 28 de dezembro de 1895 aconteceu a primeira seção de cinema paga, numa sala dos fundos da Grand Café, no Bulevard Capucines, em Paris. A platéia assistiu a imagens de pessoas a se movimentar; eram trabalhadores saindo de uma fábrica e de um trem chegando à estação. Essa projeção foi dos irmãos franceses Louis e Auguste Lumière, os primeiros a fazer e projetar filmes (fitografia animada) com um aparelho que funcionava com desenhos e fotografia (o cinematógrafo). No período mudo do cinema a compreensão dos filmes se fazia através de explicações em forma de textos (a legenda) e os atores abusavam dos gestos. Durante trinta anos o cinema se resumiu a esse modelo, que mesmo sem apoio sonoro transmitia uma grande magia ao público. No início do século XX o cinema gerou muito dinheiro com seus filmes cultos, baseados em obras literárias para pessoas de gosto mais refinado e também com os filmes chamados de pastelões, os preferidos do povão, que eram comédias rasgadas cheias de tortas na cara e perseguições.

Charles Chaplin, a estrela mais célebre e mais conhecida do Cinema Mudo, foi o responsável pela roteirização, direção e atuação de 90 filmes, como O Garoto (1921), Em Busca do Ouro (1925) e O Circo (1928). Desde sua estréia, com o curta Carlitos Repórter, em 1913, Chaplin deu vida ao vagabundo Carlitos. O personagem compõe o exotismo da trama com o figurino de calças largas, chapéu-coco e bengala. A peculiaridade de Carlitos é o silêncio. Mesmo com a chegada do som, o singelo indivíduo não expressa uma palavra, com exceção da divertida canção nos minutos finais de Tempos Modernos, em 1936.

No Brasil, o cinema mudo chega às principais capitais brasileiras no início da década de 20, através do movimento nacional pró-cinema, promovido pela publicidade das revistas Para Todos e Selecta, na época, os maiores veículos de comunicação de massa. Em sua fase pioneira surgiram os ciclos regionais, que eram os movimentos anti-estrangeirismos. Ou seja, eram filmes produzidos a partir da realidade sociocultural do povo brasileiro. Desses ciclos, o que mais produziu e se destacou foi o de Pernambuco.

A era do cinema mudo permaneceu no Brasil até os anos 30. Nesta década, surgiram as companhias cinematográficas. Em 1930 Adhemar Gonzaga fundou a Cinédia, que garantiu com grande importância a continuidade do cinema brasileiro. Vieram então a era das chanchadas produzidas pelas companhias cinematográficas Atlântida (1941), em São Paulo, e a pioneira Cinédia que revelou nomes como Oscarito, Grande Otelo e Dercy Gonçalves.

Desde o surgimento do cinema, que se deu no século XVIII, os filmes eram mudos. Um filme mudo é um filme que não possui diálogos falados, sendo estes substituídos por músicas ou rudimentares efeitos sonoros durante a exibição. A idéia de combinar filmes com sons gravados é quase tão antiga como o próprio cinema, mas antes do fim dos anos vinte, a maioria dos filmes eram mudos devido a inexistência de tecnologia para tornar isso possível.

No dia 28 de dezembro de 1895 aconteceu a primeira seção de cinema paga, numa sala dos fundos da Grand Café, no Bulevard Capucines, em Paris. A platéia assistiu a imagens de pessoas a se movimentar; eram trabalhadores saindo de uma fábrica e de um trem chegando à estação. Essa projeção foi dos irmãos franceses Louis e Auguste Lumière, os primeiros a fazer e projetar filmes (fitografia animada) com um aparelho que funcionava com desenhos e fotografia (o cinematógrafo). No período mudo do cinema a compreensão dos filmes se fazia através de explicações em forma de textos (a legenda) e os atores abusavam dos gestos. Durante trinta anos o cinema se resumiu a esse modelo, que mesmo sem apoio sonoro transmitia uma grande magia ao público. No início do século XX o cinema gerou muito dinheiro com seus filmes cultos, baseados em obras literárias para pessoas de gosto mais refinado e também com os filmes chamados de pastelões, os preferidos do povão, que eram comédias rasgadas cheias de tortas na cara e perseguições.

Charles Chaplin, a estrela mais célebre e mais conhecida do Cinema Mudo, foi o responsável pela roteirização, direção e atuação de 90 filmes, como O Garoto (1921), Em Busca do Ouro (1925) e O Circo (1928). Desde sua estréia, com o curta Carlitos Repórter, em 1913, Chaplin deu vida ao vagabundo Carlitos. O personagem compõe o exotismo da trama com o figurino de calças largas, chapéu-coco e bengala. A peculiaridade de Carlitos é o silêncio. Mesmo com a chegada do som, o singelo indivíduo não expressa uma palavra, com exceção da divertida canção nos minutos finais de Tempos Modernos, em 1936.

No Brasil, o cinema mudo chega às principais capitais brasileiras no início da década de 20, através do movimento nacional pró-cinema, promovido pela publicidade das revistas Para Todos e Selecta, na época, os maiores veículos de comunicação de massa. Em sua fase pioneira surgiram os ciclos regionais, que eram os movimentos anti-estrangeirismos. Ou seja, eram filmes produzidos a partir da realidade sociocultural do povo brasileiro. Desses ciclos, o que mais produziu e se destacou foi o de Pernambuco.

A era do cinema mudo permaneceu no Brasil até os anos 30. Nesta década, surgiram as companhias cinematográficas. Em 1930 Adhemar Gonzaga fundou a Cinédia, que garantiu com grande importância a continuidade do cinema brasileiro. Vieram então a era das chanchadas produzidas pelas companhias cinematográficas Atlântida (1941), em São Paulo, e a pioneira Cinédia que revelou nomes como Oscarito, Grande Otelo e Dercy Gonçalves.

Por: Sandra de Freitas