El cine de Werner Herzog nos remite a menudo a dos ideas claves: la primera a historias sobre hombres fascinados por grandes gestas, emprendedores casi siempre aplastados por la naturaleza implacable; la segunda a Kaus Kinski, actor fetiche con el que se conoce más de un enfrentamiento durante los rodajes, pero cuya carrera resulta indisolublemente ligada a Herzog. Sin embargo, en Stroszek, auténtica obra maestra y posiblemente una de las películas más subestimadas de todos los tiempos, nada de  esto se cumple. Rodada en 1977, cuando el sueño americano todavía era un proyecto a imitar por muchos europeos, sitúa la acción en los suburbios de Berlín. Bruno S. (Bruno Stroszek), alcohólico, asocial y simplón, sale de la cárcel tras cumplir una de sus condenas  y conoce a Eva (Eva Mattes), una prostituta maltratada y hostigada por dos proxenetas, a la que le ofrece refugio en su apartamento en el barrio turco de la ciudad. Allí vive su amigo Scheitz (Clemens Scheitz), hombre de edad que sobrevive a  base de pequeños hurtos en puestos y supermercados.  Scheitz tiene intención de marcharse a los EEUU para reunirse con su primo y Eva convence al reacio Bruno a unirse al viejo para alcanzar juntos el sueño americano. Durante algún tiempo el trío parece comenzar a lograr su propósito: él trabaja como mecánico, ella es camarera en un bar de carretera, compran una casa prefabricada… pero pronto las deudas, las dificultades económicas, la alineación y el desconocimiento del idioma darán al traste con sus sueños, lo que les conduce a recuperar sus antiguos patrones de comportamiento.

Aunque la trama es invención de Herzog, gran parte del poder de esta película se debe al alto grado de verité con la que es construida. Todos los personajes, a excepción de Eva Mattes, son ellos mismos. No son actores profesionales y comparten sus nombres con aquellos a quienes están interpretando. Bruno S. es en realidad Bruno Stroszek, músico callejero que pasó su infancia maltratado en un horfanato,  y la mayoría de sus discursos  son improvisados en base a unas reglas genéricas de guión. Algo parecido sucede con el anciano Clemens, personaje excéntrico sobre el que Herzog había sido advertido antes de contratarlo: muchas de las surrealistas teorías sobre el magnetismo animal o el mesmerismo son cosecha del propio intérprete. Uno de los proxenetas tenía antecedentes y había cumplido condena por violencia, el otro albergaba en su experiencia haber ejercido de gorila para empresarios de dudosa ética. Los turcos de Berlín, los agricultores de Wisconsin, los cazadores, los camioneros, los policías o los subastadores son todos genuinos en su oficio, fueron contratados por Herzog para interpretarse a sí mismos  y es la única vez que participarán en una película. El resultado es una tragicomedia de tono eminentemente realista que, sin llegar al documental, nos muestra  personajes desgarradoramente humanos envueltos en un círculo de fragilidad y exclusión del que no pueden escapar, donde la lucha por la supervivencia se encuentra abocada al fracaso bajo el envoltorio de la sociedad capitalista más hostil y cuyos personajes se rebelan de manera constante ante lo absurdo del futuro que se les presenta.

La banda sonora, mezcla de folk, piano y percusión metálica, da el tono de la película. La música es una parte muy importante en todas la obra de Herzog, y junto a la utilización del contraluz, el travelling y una sugestiva fotografía conforman unos efectos que ningún otro cineasta imprime a sus trabajos. Stroszek comienza de manera muy lineal, plagada de personajes extraños, tranquilamente anormales, que deambulan sin demasiado sentido por las calles de Berlín. No apresura la acción ni añade episodios artificiales de suspense o acción, siquiera se entretiene en diálogos complejos o aleccionadores. Werner Herzog es siempre impredecible, no hay forma de saber adónde nos lleva.  Sin embargo, dosifica in crescendo con tal habilidad la carga dramática que logra hacernos partícipes de los sueños, las desilusiones de sus personajes, su desolación, su desesperación y sus miserias. La escena final es probablemente una de las mejores secuencias rodadas por el alemán y resume el sentido total de la película: animales bailando enjaulados bajo neones (cual atracción de feria) tras un cristal repitiendo, ajenos a su naturaleza, una y otra vez la misma acción mecánica. Tremenda metáfora de la deshumanización y la mezquindad: Eva vuelve a vender su cuerpo, Clemens a los supermercados y Stroszek, invadido por la cotidiana e intranquila normalidad que le ofrece el nuevo mundo al otro lado del océano, decide acabar con su vida en un telesilla. Como anécdota, Ian Curtis vería esta película antes de partir hacia su primera gira por Estados Unidos, pero jamás emprendió el viaje, porque esa misma noche se suicidaba en la cocina de su apartamento. Pero lo de Joy Division es… otra historia.

La semana pasada se celebró el 20 aniversario de la caída del muro de Berlín. Por ese motivo, el pasado sábado, en la 2 de TVE, la Noche temática se dedicó a este episodio de la historia europea. La película que se proyectó fue “La vida de los otros“, dirigida por Florian Henckel-Donnersmarck, que en el momento en que la filmó contaba sólo con 33 años. En su momento la película fue un éxito completo recibiendo el Oscar a la mejor película en habla no inglesa 2006 y en los Premios del Cine Europeo, los galardones a Mejor película, mejor guión y mejor actor (Ulrich Mühe).

En La vida de los otros, el capitán Gerd Wiesler (protagonizado por Mühe), instructor y mando intermedio de la Stasi, la policia secreta de la RDA, recibe la orden de espiar al escritor Georg Dreyman (Sebastian Koch) y a su pareja, la popular actriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedenk). Los artistas, que aún quieren creer en el socialismo de su país,  descubrirán poco a poco las amargas verdades de un régimen corrupto pero también el eficiente, serio y duro Wiesler hallará una parte de él mismo que desconocía.

No es fácil resumir todas las virtudes de la película: todos los detalles que la hacen al mismo tiempo  entretenida e intensa, todo lo que hace que un drama político, un thriller de espías, sea al mismo tiempo una historia sobre la soledad del ser humano y también sobre la bondad y la esperanza.

Lo más destacable de la cinta es que no hay ningún tópico, ningún maniqueísmo, simplemente personajes reales, personajes que luchan por sobrevivir, que ceden a las circunstancias, que despiertan, que se hunden y se levantan de nuevo, personajes con buenas intenciones y auténticos sinvergüenzas, hombres y mujeres que abandonados a su suerte en una sociedad opresiva  se las arreglan como pueden, salen adelante tomando cada uno su camino… y entre esos personajes un idealista que se equivoca pero que también sabe comprender y perdonar, un hombre bueno que se merece “una balada”, una mujer débil que muestra su fortaleza y su amor de la forma más dramática…. Personajes complejos que nos emocionan, una interpretación excepcional por parte de los tres protagonistas pero sobre todo de Ulrich Mühe, un final que es un homenaje a la ética y a la justicia… un final silencioso, limpio… en el que dos hombres por fin comprenden, en el que dos hombres siguen estando solos pero por fin libres y en paz.

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Enlaces relacionados:

Los falsificadores

Crítica de Cuidado con esa prostituta tan querida de Fassbinder

Amaury Brondo

Desde que el film comienza , se sabe que, a lo largo de este, no veremos tantas prostitutas queridas como relaciones extrañas entre actores de cine que intentan enlazarse unos con otros, sin importar el sexo o nacionalidad; y al parecer para esto es lo único para lo que la nacionalidad no importa.

La película  introduce a un elenco disperso, sin orden alguno, indiferente; que espera la llegada de su director en lo que parece ser una filmación prometedora, a pesar de que el asistente a cargo (actuado por el mismo Fassbinder) parece obtener mucho placer al tratar a todos los demás como basura. Comienza a haber dificultades cuando no se consiguen los materiales.

De esa forma tan sencilla se plantean varios de los problemas cruciales de la filmación, por ejemplo el presupuesto consumido totalmente en dos días (pienso yo la mayoría gastado en cigarros), pero problema real aún no aparece…

Cuando aparece Jeff, el esperado director, me pareció que fácilmente puede ser el Axl Rose del cine, con actitudes de diva, egocéntrico, gritón, pero como después descubrí, talentoso.

Y este talento se hace muy evidente en una toma que casi a manera de juego, nos muestra simultáneamente el talento de Jeff, director de la película dentro de la película, y el talento de Fassbinder.

Dicha toma nos muestra a Jeff hablando con su director de fotografía acerca de un traveling de cámara que quiere hacer al día siguiente explicando contextos y psicología de los personajes y del crimen a cometerse y dándose lujo de detalles en la toma que quiere, mencionando incluso algunas pinturas al óleo. Ésta escena es presentada hermosamente en un traveling de cámara alrededor del cuarto mientras los personajes caminan y en el fondo se distinguen las pinturas al óleo, siendo ésta casi la toma que Jeff quiere para su película mezclando así el film que vemos con el que está por grabarse dentro de éste.

A pesar de que lo parece, está no es solo una película acerca del arte de hacer cine, esa es solo la situación para hacer un estudio profundo a la psicología humana. Los actores inseguros que se alcoholizan todo el día, el director a quien nadie parece merecer, y sus romances con todo el equipo de producción, incluyendo hombres, e incluso el insignificante ayudante que trabaja de traer bebidas al equipo, y que asegura en diferentes ocasiones que no es un idiota (lo cual pongo en duda) y que el filmará sus propias películas.

El film es en sí, no un tributo, si no una inteligente sátira, una burla de la industria cinematográfica y de la humanidad en general, lo cual se evidencia en una frase de Jeff que nos dice “el público cree que conoce a ésta gente, pero no tanto como ellos creen” lo cual aplica para su película, pero también lo dice directamente a mí, a ti y a todos como espectadores, en realidad no conocemos a ésta gente, ni la que está en la película, ni la que está al lado nuestro; al menos no como creemos.

El racismo, la desesperación y las cubas libres están siempre presentes, pero al parecer son éstas últimas las que dan la inspiración, motivación o disposición del equipo para grabar la película de una vez por todas, pero a cambio de eso también traen fricciones y cada vez más peleas entre los personajes.

La película cierra bellamente con una frase de Thomas Mann que no dice “Estoy harto de retratar a la naturaleza humana, sin participar en ella” que es lo que hace con nosotros ésta película, retratarnos, proyectarnos, y diseccionarnos en una pantalla con la realidad de que los romances y las cosas bonitas en la vida solo que son posibles en esta.

Una película más que interesante para cualquiera al que le guste el drama no hollywoodense o la política o la historia o los límites de la mente humana o todos los anteriores.

Poster publicitario de la pelicula

Me gustaría empezar esta reseña hablando de la historia de la película, para eso como minimo habría que saber que es la autocracia. Wiki:Autocracia (del griego αυτος autos ‘uno mismo’ y χρατος khratos ‘gobierno, poder’) es un sistema de gobierno absoluto.

Un ejemplo claro de la autocracia son los famosos gobiernos de Hitler y Mussolini. El plot de la película gira completamente en torno de la idea de un régimen de este tipo, pero con el giro de que se inicia dentro de un aula, en una escuela alemana y en solo una semana. La idea del profesor al iniciar el proyecto era contestar una simple pregunta que les hace a sus alumnos el primer día. ¿Podría originarse otro movimiento autocrático?

Lo interesante en si de la película es ver como muy diferentes personajes (seguro el público puede identificarse con por lo menos una) van desarrollándose dentro y fuera del aula y del movimiento llamado “la ola”(Die Welle).

La historia esta basada en un hecho verídico durante los años 60 en una escuela estadounidense, donde el profesor trataba de contestar la pregunta ¿Por qué los alemanes se unieron(o mejor dicho no se opusieron) al partido nazi? En este caso el movimiento llamado “Tercera Ola” (por la idea de que la tercera en una serie de olas es la más fuerte y arrasadora.) llego a muchas escuelas de todo el país del norte.

En fin, recomiendo esta película para cualquiera que tenga un rato libre, es muy atrapante y deja un impacto al terminarla. Click aca. Quiero, ademas, aclarar que trate de mantener todo tipo de spoilers de la pelicula al minimo asi que van a disfrutarla tranquilos.

By Gen

Um dos lugares que mais gosto em Buenos Aires é o Teatro San Martin. Primeiro porque fica na avenida Corrientes, o que por si só já vale a viagem. Depois, porque tem uma programação excelente de teatro, cinema, fotografia, música e dança. Na próxima quarta começa, por exemplo, um ciclo de 15 filmes da nova geração do cinema alemão, que vem ganhando visibilidade nos últimos anos, a exemplo de Os Falsificadores, Goodbye Lenin e A Vida dos Outros. Os críticos destacam que é a primeira grande renovação desde Fassbinder, Wenders, Herzog, Kluge y von Trotta.

Uno de los lugares que más me encanta en Buenos Aires es el teatro San Martin. Ademas de estar ubicado en la calle Corrientes, lo que de por si vale la visita, tiene una das mejores selecciones de teatro, cine, fotografía, música y danza. El próximo miércoles empieza un ciclo de 15 películas del nuevo cine alemán, que viene recobrando visibilidad y reconocimiento en los últimos años, a ejemplo de Los falsificadores, Goodbye Lenin! Y  La vida de los otros. Los críticos destacan que es la primera gran renovación desde Fassbinder, Wenders, Herzog, Kluge y von Trotta.

Nota sobre el ciclo en Página 12 y programación completa en el sitio del Teatro San Martin

Foto:  ”Los Hermanitos del Bosque Lacteo” (divulgação)

Teatro San Martin – Sala Lugones – Av. Corrientes, 1530

Tras la implantación del sonido en todo el mundo, las industrias de cada país comenzaron a producir y a abastecer el mercado con películas que fueron interesando al público. No obstante, el clima político que se vive en varios países a lo largo de los años treinta y la Segunda Guerra Mundial, afectaron irremediablemente en el modo de hacer y los temas a abordar por quienes deseaban dirigir cine.El cine francés se mueve en el realismo que se ofrece desde la tradición y los ambientes populares de René Clair (Catorce de julio, 1932) y Jean Renoir (Toni, 1934; Los bajos fondos, 1936; La regla del juego, 1939) y el drama que, con ciertas dosis de fatalismo, recrean Julien Duvivier (Pepe-le-Moko, 1937) y Marcel Carné (El muelle de las brumas, 1938), ambas películas interpretadas por el gran actor Jean Gabin. La guerra delimitó espacios. Más allá de abordar temas realistas, los directores franceses se centraron en las adaptaciones literarias y muy académico en las formas, un cine llamado “de qualité”, con el que convivieron directores consolidados como Clair (El silencio es oro, 1947) y otros directores más jóvenes como Jacques Becker, Henry-George Clouzot y Robert Bresson.El cine inglés comenzó a diseñar una estructura proteccionista para su cine, dada la implantación del cine estadounidense en su mercado e industria. El gran impulsor del cine de los treinta fue Alexander Korda, director y productor que consiguió uno de sus grandes películas en La vida privada de Enrique VIII (1933). Son los años en los que Alfred Hitchcock demuestra que sabe contar historias (treinta y nueve escalones, 1935; Alarma en el expreso, 1938) y Anthony Asquit alcanza su madurez con Pigmalion (1938). No obstante, los treinta confirman que los británicos son unos maestros del documental. La Escuela impulsada por John Grierson y con apoyo del gobierno, permitirá que un grupo de directores (Basil Wright, Harry Watt, Paul Rotha, etc.) realicen un cine informativo de gran altura con el apoyo de maestros como el propio Grierson y Robert Flaherty. Los años cuarenta van a estar dominados por la producción de John Arthur Rank, con películas de prestigio como Enrique V (1945) , dirigida e interpretada por Laurence Olivier, uno de los mejores actores británicos y el que mejores adaptaciones hizo de la obra de William Shakespeare, y Breve encuentro (1945), de David Lean. Fueron años, los cuarenta, en los que el maestro Carol Reed dirige películas como Larga es la noche (1947) y El tercer hombre (1949), y los Estudios Ealing desarrollan una gran e interesante producción en el campo de la comedia social con gran ironía (Pasaporte para Pimlico, 1949; Ocho sentencias de muerte, 1949).El cine alemán se muestra muy activo durante los primeros años treinta de la mano de Joseph von Sternberg (El ángel azul,1930, con una excepcional papel de Marlene Dietrich) y Fritz Lang (M. El vampiro de Dusseldorf, 1931, con una interpretación especial de Peter Lorre), antes de que estos directores se incorporaran al cine estadounidense. George W. Pabst mostró su gran vena realista en Westfront (1930) y Carbón (1932). El ascenso político de los nazis tiene su proyección en obras de singular relieve como El flecha Quex (1933), de Hans Steinhoff, y El judío Süss (1940), de Veit Harlan, mientras que la directora Leni Riefenstahl acomete dos de los pilares del documentalismo cinematográfico: El triunfo de la voluntad (1934) y Olimpiada (1936). Con un deseo de superar viejos traumas y, sobre todo, volver la mirada a la sociedad, surge el neorrealismo impulsado por una generación que, aunque escasa de recursos, supo ofrecer algunas de las historias más brillantes del cine en la inmediata postguerra.

Dada la situación política europea, Italia se ve sumida en la producción de cine con marcado cariz propagandístico en la línea de La corona de hierro (19), de Blasetti, y en la comedia intrascendente (llamada de “teléfonos blancos”) de Mario Camerini (¡Qué sinvergüenzas son los hombres, 1932). No obstante, en la inmediata postguerra cobrará fuerza un movimiento neorrealista centrado en temas sencillos, extraídos de la vida cotidiana y plasmados con gran realismo y un tono visual próximo al documental.El cine soviético alcanza unos de sus grandes momentos con Iván el Terrible (1945), de Sergei M. Eisenstein, mientras que la presión política que se ejerce sobre los creadores obligará a realizar otras muchas películas que pretenden ensalzar la figura de Stalin, un culto a la personalidad que dará origen a un retroceso en la producción cinematográfica.

La adaptación de Murnau para el cine, en 1922, de la novela de Bram Stoker, “Drácula“, está considerada la primera película de terror de la historia. Tanto el título como el nombre de los personajes fueron cambiados debido a que la viuda de Stoker les denunció por usurpación de la obra de su marido, negándose además a la venta de los derechos. El juicio lo ganó la viuda, pero para entonces ya estaba en fase de distribución. Los originales de esta polémica película sufrieron un auténtico calvario, porque el tribunal ordenó que se destruyesen todas las copias de la cinta,  aunque algunas lograron sobrevivir permaneciendo escondidas en casas de particulares, motivo por el que hoy existen diferentes versiones, dependiendo del montador y de los trozos de cinta que encontraba.

El vampiro que interpreta Max Shereck tiene poco que ver con la mayoría de los que a posteriori fueron llevados al cine encarnados por reconocidos actores como Christopher Lee, Gary Oldman, Bela Lugosi o Langella. Cuando hablamos de Drácula, casi siempre nos viene a la mente de modo recurrente ese flamante hombre preso de una extraña y espantosa maldición que le obliga al consumo de sangre. Sin embargo, el vampiro de Murnau se aleja de casi todos los clichés que a lo largo de la historia del cine han conformado el personaje. Shereck no es un tipo apuesto y seductor, sino un enfermo cuyas reacciones son más parecidas a las de un animal que a las de un ser humano; incluso la diferencia con el estereotipo de Drácula llega a ser física, ya que el conde Orlock (nombre que recibe en la película) que dibuja Murnau es un ser permanentemente en la sombra, con orejas semejantes a las de un murciélago, uñas  como garras y colmillos centrados en la dentadura. Sólo Werner Herzog construye un personaje de similares características artísticas en “Nosferatu, la noche del vampiro” con el inolvidable Klaus Kinski en el papel protagónico. Y más tarde, en el año 2000, E. Elias Merhige en “La sombra del vampiro” reinventa el rodaje de film con una ficción que cuenta con John Malcovich en el papel de Murnau y un excelente Willem Dafoe que da vida a Max Shreck, reavivando la leyenda de que se trataba de un actor con verdadero gusto por la hemoglobina humana.

Nosferatu es una auténtica obra maestra del expresionismo, portadora de una atmósfera maravillosa, capaz de manipular las emociones que desea crear a golpe de cámara. No asusta tanto por lo que muestra como por lo que sugiere, oscuros temores asistidos por un estilo visual a base de sombras y claroscuros que soportan gran parte de la película. Murnau utiliza a menudo las esquinas del encuadre, lugar desde el que los personajes acechan y que le sirve para crear la tensión necesaria al no ser vistos en el centro de la escena, como venía siendo habitual hasta entonces en el cine. También es la primera vez que se utiliza el montaje en paralelo de diferentes secuencias que representan un mismo tiempo, intercalándolas para referir cómo diversos acontecimientos suceden a la vez en la narración. Y lo más increíble: el empleo de determinados efectos especiales, pura imaginería, realmente sorprendente para la época; efectos del todo manuales pero que consiguen crear esa atmósfera inquietante impresa en la película y que denotan la mágica capacidad creativa de Murnau: los movimientos rápidos del conde Orlok, la escena de la desaparición del carromato, cuando más tarde el conde surge en medio de la pantalla de la nada o el particular uso del negativo fotográfico para dar la sensación del color blanco en los árboles bajo un ennegrecido cielo.

De la película completa circulan actualmente dos versiones en la red; una de ellas en inglés, que parece se acerca más a lo que pudiera ser la originaria (en blanco y negro-copia, perdiendo los probables tonos originales), y otra restaurada con intertítulos en castellano y quizás demasiado saturada de color, además de que hoy día se desconoce si Murnau llegó a utilizar la película pancromática para el rodaje, capaz de otorgar los tonos azulados o sepia con los que se muestra esta versión. Ante el dilema de atenerme a la que más me gusta u ofrecer la más fácilmente entendible por razones de idioma, he optado por acercar ambas a la página On-line y que sea cada cual quien decida la que mejor se adapta a su gusto particular. Y en este enlace, los que estéis interesados y dominéis algo el inglés, hay una interesante transcripción del guión de Henrik Galeen con muchas notas  de rodaje hechas por el propio Murnau. A disfrutarla!

Todos nos llamamos Alí - Rainer Werner Fassbinder

No soy muy proclive a hacer recomendaciones, pero decidí que de vez en cuando haré algún comentario sobre un film que me haya gustado mucho, y bien este es el caso. El nombre en original Alemán es Angst essen Seele auf , que muy bien se puede traducir como Miedo devorar alma. Espero que la tengan en cuenta para sus futuras sesiones de cine.

trailer - moidixmois

Sobre Fassbinder:

• wikipedia
• imdb

Sobre Todos nos llamamos Alí:

• wikipedia
• imdb

¡Feliz Fin de Semana!

En 1955 aparece publicada la novela El talento de Mr. Ripley (The talented Mr. Ripley), la carta de presentación del personaje seductor, culto, amante del buen vino, estafador y asesino creado por la magnífica escritora Patricia Highsmith, y que últimamente va apareciendo en alguna lista de las mejores novelas del siglo xx. Tras ella, otras cuatro obras, todas buenísimas, tienen a Tom Ripley como protagonista: La máscara de Ripley (Ripley under ground, 1970), El juego de Ripley (Ripley´s game, 1974), Tras los pasos de Ripley (The boy who followed Ripley, 1980) y Ripley en peligro (Ripley under water, 1991), todas ellas publicadas por Ed. Anagrama. Sólo la primera y la tercera han sido llevadas al cine.

        El realizador francés René Clément adapta la primera de las novelas en A pleno sol (Plein soleil, 1959), con Alain Delon en el papel de Ripley. Valiéndose de una fotografía (en color y muy pictórica, obra de Henri Decae), una música (Nino Rota), y un ritmo nada propios, a priori, de un film de intriga, y cambiando el final, que en la novela propicia la continuidad del ciclo, Clément consigue una obra maestra y su película más conocida junto a Juegos prohidos (Jeux interdits, 1951). La propia Patricia Highsmith dijo que era la mejor adaptación de una de sus obras, por encima incluso de Extraños en un tren (Strangers on a train, 1951), de Hitchcock.

        En 1999 se estrenó una versión homónima de la novela dirigida por Anthony Minghella, absolutamente plana e insulsa, en parte por contar con un imposible Matt Damon dando vida (o muerte) a Tom Ripley.

        La tercera de las novelas del ciclo es adaptada por el alemán Wim Wenders en El amigo americano (Der amerikanische freund, 1977), uno de sus mejores films, en el que consigue aunar lo mejor del cine de género americano (p.e. la escena del asesinato en el tren) con el ritmo más pausado característico del cine europeo. Junto a un sorprendente Dennis Hopper interpretando a Ripley con sombrero vaquero, y a un, como siempre, magnífico Bruno Ganz, en la película aparecen en papeles secundarios Sam Fuller y Nicholas Ray, como homenaje de Wenders a unos cineastas a los que admiraba.

        Liliana Cavani dirigió una nueva adaptación de la historia, con el mismo título que la novela, estrenada en 2002. Vale la pena verla por la interpretación de John Malkovich y porque es bastante mejor que los horrores a los que nos tenía acostumbrados la directora de Portero de noche.

               A pleno sol está editada en DVD por Manga Films.

               El amigo americano está editada en DVD por Filmax.

Des Teufels General 1955

Había oído hablar de una escena de la película llamada "Revenge", interpetada por Kevin Costner y Madeleine Stowe, película también interpretada por Anthony Quinn. En la escena aparecen Kevin y Madeleine en la cocina, una escena erótica (él la ayuda a cortar una lima… creo recordar). Aprecié en la escena ciertos tintes eróticos, ciertamente. Pero anteayer pude compararla con creces con esta escena de "El General del Diablo", donde un fascinante Curd Jürgens supera al primero y la escena, bajo mi punto de vista, resulta llena de un erotismo dado a entender con mucha más fuerza y al tiempo con un velo sublime que lo hace todavía más subyugante. Ella es Marianne Koch.

Muchas veces es cierto que directores de cine se inspiran en escenas que han visto en películas clásicas e incluso pertenencientes al cine mudo. Yo me quedo con esta.

Released: 1955

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Des Teufels General

Curd Jürgens, Viktor de Kowa, Eva Ingeborg Scholz, Bum Krüger, Camilla Spira, Albert Lieven,