NECA ha anunciado esta semana sus primeras novedades de cara a 2010, que básicamente se reducen a sus más recientes licencias cinematográficas: Furia de titanes y Pesadilla en Elm Street. El origen. Dos nuevas versiones de clásicos que, en el caso de la primera, pedían a gritos una actualización. O no. En lo que todos estamos de acuerdo es en que un remake de Elm Street sin Robert Englund no parece, a priori, la más feliz de las ideas. Arriba tenéis al muñeco de Freddy Krueger pre-incendio violento (¿o quizá es una figura de acción de Joaquín Sabina?), pero me temo que tendréis que pinchar en este enlace si queréis ver el muñeco de Jackie Earle Haley en todo su esplendor caradepizzero, pues podría ser considerado un spoiler. ¿Qué os parece? Yo confirmo algo que ya intuí con el trailer: el nuevo Freddy tiene un aire a (y debería haber sido interpretado por) Tom Waits. Tendremos que esperar hasta el próximo mes de mayo para ver hasta qué punto acierto o me equivoco.

Last night’s jaunt was to the ever-fabulous Astor Theatre, to see a fully restored version of this epic spaghetti western.

Starring Claudia Cardinale, Henry Fonda, Charles Bronson, and Jason Robards as the four main characters, this film is a delight. Ennio Morricone’s score is amazing, Tonillo Delli Colli’s cinematography is superb, and the choreography (especially around the gunplay) is brilliant.

Sergio Leone’s storyline (co-written with Bernardo Bertolucci and Dario Argento) is a masterpiece. Bronson just flows as cool, suave Harmonica, Fonda’s cold-eyed hired gun Frank is riveting, Cardinale sizzles as the irrepressible and determined Jill, and Robards shines as the old-school outlaw Cheyenne. This 1968 gem references many other legendary westerns, and has a slower, darker pace than his Dollars trilogy. Leone shows the New West (trans-American railroad, towns, moneyed businessmen) as unstoppable, and the Wild West as a fading relic, doomed to extinction.

This film has it all – gunslingers, a mysterious (nameless) harmonica player, an outlaw on the run, a ruthless hired killer, get-rich-quick schemes, big money, steam trains, snappy dialogue, and a feisty young woman who will stop at nothing. Tough as nails, with style by the wagonload. A violent, dusty epic you simply must see! The two-week season finishes on December 5.

Watch the trailer here.

Los estudios Cinecittá han decidido rentabilizar su legado a lo grande: construyendo un parque temático. Las autoridades romanas confían en que Cinecittá World incremente el ya impresionante catálogo de estímulos turísticos de la ciudad, pero aún queda la difícil tarea de decidir qué películas rodadas allí tienen potencial como montaña rusa, coches de choque o espectáculo en vivo. Los estudios Universal tienen Parque jurásico (1993), una película con estructura de atracción. Warner Bros. tiene a los Looney Tunes para entretener al visitante infantil y a los superhéroes de DC para los amantes de las emociones fuertes. ¿Y qué hay de Cinecittá?

En principio, lo más lógico sería pensar en las superproducciones de Hollywood: la carrera de cuádrigas de Ben-Hur (1959) darían para una buena montaña rusa de madera, las peleas callejeras de Gangs of New York (2002) serían un gran espectáculo con actores, Daylight (1996) es casi la quintaesencia de eso que los norteamericanos llaman dark ride… También hay posibilidad de un Viaje submarino de Steve Zissou (con un tiburón jaguar animatrónico) o una Visita a la Luna con el Barón de Munchausen. No obstante, los ideólogos de este parque deberían apostar por las películas italianas y edificar las atracciones más heterodoxas y gafapastas de todos los tiempos: ¡un restaurante inspirado en la Via Venetto de La dolce vita (1960)! ¡Unos caballitos con la banda sonora de Bellisima (1951)! ¡Un… algo de Saló o los 120 días de Sodoma (1975)! Al fin y al cabo, la inminente adaptación cinematográfica de Nine promete ya un acercamiento de la ansiedad existencial felliniana a las coordenadas de un parque temático.

Ah, más ideas para un parque temático loco, loco, loco en este antiguo post.

La próxima ceremonia de los Oscar se postula como el inicio de una nueva era, como parecen indicar esa propuesta de diez candidatas a Mejor Película que tanto dio que hablar. ¿Significará eso que la ceremonia será aún más larga que de costumbre? No, porque los nuevos productores de la gala han adelantado la entrega de los Oscar honoríficos para ahorrar tiempo de cara al 7 de marzo. Así, el pasado sábado se dieron en Los Angeles los premios Governor de la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas (ey, ese es su nombre completo), que este año fueron para Lauren Bacall, el director de fotografía Gordon Willis (¡gracias, Tito Gray!), el productor John Calley y Roger Corman.

Es comprensible que nuestros medios de comunicación centrasen su atención en Bacall e ignorasen por completo al tal Calley, pero la ausencia total de comentarios acerca de Corman es inaceptable. El director, productor, guionista y actor ocasional es mucho más que el rey de la serie B, pero solo esa etiqueta debería haber bastado para que alguien le dedicara un mal perfil o una mala columna. ¡Gah! Es imposible no pensar en el Goya que se le concedió a Jesús Franco el año pasado, aunque Sark me explicó (con toda la razón) que este Oscar honorífico tiene más que ver con el hecho de que la mitad de los miembros de la academia comenzaron con o fueron protegidos de Corman: Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Peter Bogdanovich, Ron Howard, James Cameron, Curtis Hanson, Jonathan Demme, Jack Nicholson…

En Tim Burton. Cuentos en sombras (Glénat, 2000), Jordi Sánchez-Navarro explica la importancia para la cultura popular norteamericana de una de las etapas más interesantes de la carrera de Corman, su ciclo de adaptaciones de Edgar Allan Poe. Más concretamente, el director convirtió un clásico de la cultura en un objeto de consumo: “Corman llevó a cabo un proceso de reconstrucción de una obra similar al ejecutado por los artistas pop (…) La obra maestra de la literatura (…) se convertía en puro objeto de explotación, en objeto de supermercado, hasta el punto de que los niños pueden parrasafear al poeta y quieren ser como Vincent Price“. Esta es la clave de un cortometraje como Vincent (1982), en el que un Tim Burton que nunca había leído a Poe pudo, gracias a la influencia mediúmnica de Corgan, reproducir su imaginería en stop-motion. Corman concibió la posibilidad de adaptar La caída de la Casa Usher (1840) como una manera de manejar presupuestos más amplios y condiciones de rodaje razonables bajo una excusa respetable, pero acabó construyendo un ciclo influyente y lleno de aciertos estéticos que acercó a Poe a varias generaciones. Y esta es solo una de las facetas de este auténtico estajanovista del cine, de este amante de su trabajo. Como se suele decir, ya era hora de que alguien reconociera su labor.

Sospecho que WordPress está llevando a cabo siniestros experimentos en sus blogs, que ahora hacen cosas como no especificar el número de comentarios que tienen algunos posts o poner automáticamente enlaces para ver las fotos más grandes. Son cambios mínimos, sí, pero no se me ocurría ninguna introducción para Stitch Wars, una muestra de arte amateur y hecho a mano inspirada en una película de 1977, en la que parece ser que se ven naves espaciales, monjes guerreros, granjeros galáticos y un villano que respira raro. Una cosa muy lograda, aseguran, pero díselo a esos treintañeros sin novia que van a las convenciones disfrazados de THX 1138. En realidad, todas estas palabras solo sirven de excusa para colocar la imagen que hay arriba. Se trata, en muchos sentidos, de la mejor fotografía jamás tomada.

4. Cuando se le pide que razone su proverbial alergia a cualquier adaptación cinemtaográfica de su obra, Alan Moore ofrece razones ciertamente interesantes. Por ejemplo, en esta entrevista con The Guardian: “Hay alguna cualidad en los cómics que hace posibles cosas que no puedes lograr en cualquier otro medio”. Más: “Con Watchmen, hicimos cosas sobre el papel que pueden ser francamente horribles, sensacionalistas o desagradables si las interpretas literalmente en un medio como el cine”. En otras entrevistas, a medida que se iba acercando el estreno de la película, Moore explicaba que él y Dave Gibbons concibieron la miniserie como una reflexión metalingüística de los cómics en cuanto medio de expresión. Esa es una de las razones por las que la historieta de los piratas es relevante: coloca al lector ante un marco dentro de otro marco, haciendo así que se plantee su propia posición con respecto a la obra. En un nivel de lectura superficial, Watchmen es la historia de unos justicieros enmascarados que deben formar equipo una última vez para detener el retorcido plan mesiánico de uno de ellos, decidido a aprovechar su condición de superhombre para cambiar el rumbo de la humanidad. La película de Zack Snyder hace lo que puede por traducir las tácticas posmodernas y la narrativa no lineal que Moore supo integrar en el lenguaje de la novela gráfica: es muy difícil que una superproducción comercial canalice a la perfección el joyciano flujo de conciencia del episodio narrado por el Doctor Manhattan, pero (al César lo que es del César) el director tampoco sale mal parado en su intento. El problema es que, básicamente, no pasa de ese primer nivel de lectura.

5. La reflexión sobre el propio medio es la razón de ser última de una obra como Watchmen. Su estudio del arquetipo superheroico supuso una deconstrucción y una búsqueda de alma en la ficción popular sin precedentes: el existencialismo por fin cabía en una viñeta. Moore asimiló los fundamentos de la narrativa posmoderna y los adaptó al universo cerrado de los tebeos, obteniendo como resultado un trabajo que tenía mucho de placer intertextual para los conocedores de la historia del cómic. Trasladar tal cual una obra que versa sobre los mecanismos de un medio de expresión artística a otro diferente acaba revelándose como una traición evidente, o al menos como una mera simulación epidérmica del original. Snyder pudo haber calcado hasta la última mancha de la gabardina de Rorschach, pero tendría que haber reparado antes en que el error fundamental estaba en el propio Rorschach. En el fondo, no en la forma. Por paradójico que suene, los protagonistas de un Watchmen cinematográfico realmente fiel a los postulados del original no deberían haber sido arquetipos de cómics, sino arquetipos de película: Sally Jupiter como una femme fatale octogenaria, el Comediante como un Clark Gable realmente crepuscular, el Búho Nocturno original como un detective a lo Humphrey Bogart, Dan Dreiberg como el Philip Marlowe altmaniano de El largo adiós (1973), Ozymandias como un villano del James Bond cinematográfico, Espectro de Seda II como la versión madura de la Jane Fonda de Klute (1971), Rorschach como una evolución del David Sumner de Perros de paja (1971)… Por supuesto, el tebeo de piratas sería sustituido por un serial cinematográfico de piratas, en el que el actor protagonista no dejara de mirar directamente a la cámara (con contraplanos del niño negro sentado en su butaca). Los personajes podrían reflexionar en voz alta sobre lo mucho que se parecen sus vidas a las de los personajes literarios en los que se inspiran y el clímax consistiría en un tiroteo, una pelea de tartas, un beso catártico y el Doctor Manhattan (un sosias de Clint Eastwood) caminando hacia el atardecer.  En suma, la única posibilidad de ser fiel a Watchmen hubiera pasado por remodelar Watchmen de arriba a abajo. Por rodar un Watchmen sin mención alguna a los superhéroes.

6. Aún sería necesario dar un paso más para alcanzar la adaptación definitiva de la obra de Moore y Gibbons. El Ultimate Cut ha convertido la historieta de piratas en un mediometraje de animación, lo que desvirtúa gran parte de su sentido y lo convierte en poco más que un extra vistoso. Otro error cometido en aras de la literaridad es trasformar los fragmentos de Under the Hood, la autobiografía de Hollis Mason, en un documental, cuando su potencial como postre de los primeros números de Watchmen residía, precisamente, en su condición de páginas con mucha letra y pocos dibujos en un medio caracterizado por presentar muchos dibujos y poca letra. Traducir esas páginas estáticas al lenguaje audiovisual es contraproducente: si Snyder quería literaridad, debería haber filmado un largo plano en HD de cada página del falso libro. Así, llegamos a la idea de montaje intelectual de Eisenstein, quien no en vano pretendía hacerle justicia a la teoría marxista con una adaptación (un Ultimate Cut avant la lettre) de El Capital que integrase una serie de imágenes dispares y aparentemente inconexas en un Todo que solo tendría sentido una vez decodificado por la mente del espectador. Así, el Ultimate Cut de Watchmen debería ser algo más parecido a un hipertexto que a un largometraje tradicional: un montaje no lineal de secuencias audiovisuales que despliegan una reproducción en movimiento (un motion comic) de la página original, fragmentos de animación, textos del libro de Mason o del New Frontiersman, archivos de audio con las canciones que cerraban cada episodio, fotografías del hongo atómico y de la superficie de Marte, clips de Los arquitectos del miedo superpuestos al clímax revisado de la película… El espectador formularía el significado abstracto de Watchmen a partir de esta sobredosis de significantes concretos. El resultado sería una adaptación tan fiel que solo tendríamos una opción al terminar de verla: quemar la novela gráfica original.

El lanzamiento en DVD y Blu-ray de Watchmen: The Ultimate Cut (2009) ha hecho realidad, por fin, el sueño megalómano de su director Zack Snyder: una adaptación cinematográfica que reprodujera, con una voluntad mimética casi obsesiva, la experiencia de leer el cómic de Alan Moore y Dave Gibbons. El montaje definitivo es producto de descomponer Tales of the Black Freighter (2009), versión animada del relato-dentro-del-relato que Moore concibió como juego de espejos y enésimo nivel de lectura, de manera que cada fragmento corte la narración principal en el mismo punto que el original. En suma, la desproporcionada edición de cinco dvds y cuatro Blu-rays presenta como plato principal un montaje del director (que ya había sido editado previamente) con el relato de piratas incluido, formando así lo que para muchos espectadores supondrá la adaptación definitiva, la experiencia análoga total que ya tantearon Robert Rodriguez y Frank Miller con su Sin City (2005). Sin embargo, este blog propone a sus lectores una paradoja: es posible que el Ultimate Cut no sea la adaptación más literal posible de Watchmen, sino una traición falsamente mimética que, en realidad, le es infiel al original en lo fundamental.

1. En los meses anteriores a su estreno, la película de Snyder provocó la ira de los fundamentalistas del comic-book, considerado durante décadas como una pieza de ficción intocable e inabarcable. Los rumores apuntaban a que el director y sus guionistas habían cambiado el final imaginado por Moore, sustituyendo la falsa amenaza extraterrestre con forma de pulpo gigante por una solución más viable desde el punto de vista narrativo. El problema estaba en que los fundamentalistas tenían razón: Watchmen es realmente inabarcable para el lenguaje cinematográfico, aunque solo sea por el hecho de que ninguna película podría condensar su multiplicación de subtramas y líneas narrativas. Ni siquiera el Ultimate Cut, de tres horas y media, podría haber incluido la explicación al pulpo gigante (un grupo de artistas y científicos son secuestrados y trasladados a una isla desierta para imaginar una amenaza del espacio exterior). Por tanto, Snyder no tuvo más remedio que recurrir a uno de sus protagonistas para simplificar el clímax final.

2. Las quejas de los integristas de la viñeta se pueden interpretar como una advertencia sobre los peligros de prometer una literaridad extrema que se antoja imposible (si los acostumbras a darles absolutamente todo, es normal que se vuelvan contra ti cuando les escatimas aunque sea un ápice), pero no les faltaba parte de razón: el pulpo gigante tiene unas connotaciones políticas y culturales que forman parte del ADN de Watchmen. Además, es uno de los pocos momentos en los que el lector comprueba hasta qué punto lo extraordinario está integrado en la realidad paralela de la historia. Es bien sabido que Moore pudo haberse inspirado en Los arquitectos del miedo (1963), episodio de The Outer Limits que también presentaba una amenaza desproporcionada y monstruosa como única solución posible a la Guerra Fría. Hacia el final de la película, Snyder hace una referencia directa al episodio, que se está emitiendo en el televisor de Sally Jupiter cuando su hija y Daniel Dreiberg van a saludarla. De esta manera, el director invalidaba cualquier crítica por parte de los fundamentalistas: si su deseo era que todo estuviera ahí, que todos los elementos se vieran en pantalla, Snyder había cumplido, a través de un guiño al espectador-lector que tenía mucho de disculpa. La referencia a Los arquitectos del miedo era una manera de suplicarle a un sector del público que no lo linchase, pues conocía el material y sus fuentes. La fiebre por la adaptación al pie de la letra como sinónimo de calidad (el modelo Sin City) significa que cualquier desvío del original conlleve una escena posterior en la que alguien pida perdón.

3. El modelo Sin City tiene su contrapartida en Ghost World (2001): el director Terry Zwigoff también contó con la estrecha colaboración de Daniel Clowes, autor de la novela gráfica original, en las fases de escritura y preproducción. Su estrategia no pudo ser más diferente a la de Rodriguez y Miller, que escogieron cuatro historietas firmadas por el segundo y las tradujeron a un lenguaje cinematográfico que hibridaba el estaismo de los tableaux vivants con una suerte de infografía noir para reproducir viñetas en las composiciones de plano. Zwigoff y Clowes, en cambio, decidieron conservar el espíritu del original y proponer una historia paralela, pero complementaria. El resultado fue una película más viva y satisfactoria que Sin City, que aún hoy supone una experiencia extraña, casi una naturaleza muerta, que no aporta demasiados placeres inéditos al lector de cómics. Por suerte, Snyder no decidió seguir este modelo hasta sus últimas consecuencias: su diseño de producción y su encomiable formalismo no calcan la estética de Dave Gibbons, sino que dejan a la película respirar y encontrar su propio ritmo. No obstante, el director no puede prescindir del todo de esos ralentís que tanto lastraban 300 (2007), su adaptación de Miller, y que los fans del original aplaudieron como intentos de reproducir las viñetas en pantalla grande. Esta manera de pensar debería haber llevado a muchos a preferir Watchmen: The Complete Motion Comic, una producción de no-animación que se lanzó al mismo tiempo que la película llegaba a los cines. En principio, su premisa fundamental podría parecer una deconstrucción crítica (propia casi de instalación artística) del modelo Sin City: si se lleva hasta el extremo, esta estrategia tan amada por cierto tipo de espectador no difiere demasiado de pasar muy rápido las páginas del cómic.

Seguimos mañana.

Muito movimentada foi e está sendo ainda essa semana. Um zilhão de coisas para fazer e ainda estou furando um pouquinho do meu tempo para escrever aqui. Mas não resisto. Me divirto um bocado com o blog.

Na quarta-feira (dia 11/11) foi lançamento do CD da Érika Machado no Teatro Alterosa, cantora que eu simplesmente amo! Entrevistei ela pro Mondo BHZ e ela foi super simples e simpática. Adoro gente assim, humilde. E o som dela é fan-tás-ti-co. Quem não conhece, precisa conhecer. Escutem um pouquinho do trabalho dela no site. Vocês vão se apaixonar! Ela e o som dela são muito cativantes.

Ainda na quarta, me matriculei no curso do Pablo Villaça. Lembra que eu falei desse curso há quase um ano? Ele está acontecendo em BH de novo. E dessa vez eu não dei bobeira! Já me matriculei. Vai acontecer de 30 de novembro a 04 de dezembro, à noite. Só recebi referências boas. E sei que vou curtir adoidado.

E falando em cinema, esse fim-de-semana vai ser movimentado para os amantes da sétima arte. Na Casa do Baile, começa no sábado (14/11) a programação do Filme no Baile, que nesse mês contempla ninguém menos que Jean-Luc Godard, grande cineasta francês que é praticamente uma unanimidade quando se trata de cinema. E no Cine Humberto Mauro teremos a mostra A Perseguição no Cinema, que traz quatro filmes clássicos e um seminário com a filósofa francesa Marie-Jesus Mondzain. Dentre os filmes exibidos estão O Mensageiro do Diabo, de Charles Laughton; e Os Pássaros, do grande Hitchcock.  Tudo gratuitamente. Dessa vez não tem desculpa pra não sair de casa e pegar um cineminha!

E, para completar, no Domingo tem o primeiro Encontro de Twitteiros Culturais em Belo Horizonte. Irei, junto com meu marido, representando os sites. O objetivo desse encontro é promover um debate saudável entre os twitteiros de BH que usam o twitter como uma ferramenta de divulgação cultural. O Encontro vai acontecer às 16hs no Status Café. Nesse link no início do parágrafo tem mais detalhes, caso você tenha se interessado.

Ainda não me segue no Twitter? Tá dando bobeira… Meu endereço é twitter.com/priskka e os endereços dos sites são twitter.com/opperaa e twitter.com/mondobhz. Segue a gente pra saber do melhor em programas culturais em BH!

Beijos!   

1) Star Trek: Fue vuestro segundo blockbuster veraniego preferido (¿veis? ¡Me acuerdo de lo que votáis!) y la primera película de Trek que todos aquellos que odian Trek vieron más de una vez en cines. J.J. Abrams y sus guionistas utilizaron una pieza fundamental del universo trekkie, la prueba Kobayashi Maru, para inyectarle una generosa dosis de Red Bull a la franquicia: por un lado, se trata de un guiño a La ira de Khan (1982) que los fans veteranos agradecieron; por otro, es un mecanismo que le permite llevar su nave Enterprise hacia donde ningún hombre (o vulcano, o alienígena verde sexy) ha ido jamás. La edición especial contiene un audiocomentario, escenas eliminadas —entre las que se incluye toda una subtrama ambientada en una prisión klingon—, una visita interactiva por la nave y documentales sobre los distintos aspectos de la producción. Los verdaderos creyentes deberían hacerse con el Blu-ray, la edición más completa de la película: casi tres horas de contenido exclusivo y un puerta de acceso (vía internet) a los últimos avances de la NASA en el campo de la exploración espacial. Beam me up, J.J. A la venta el 17 de noviembre (Amazon)

2) Muchachada Nui. Tercera temporada: La secuela de Los Goonies. Perro Muchacho en la bolera. Juan Antonio ‘El Bocas’. El Tridente Catacrocker. John Travolta perdiendo el ovni de las menos cuarto. Eric Olsen, poli con sobrepeso. La mona Chita. Indurain visitando Twin Peaks. El cumpleaños del Hombre Elefante. Y, sobre todo, Arturo Pérez-Reverte y Javier Marías. La tercera temporada de Muchachada está llena de razones que la convierten en un regalo esencial dentro la espiral navideña. Si todas las de arriba no te convencen, quizá lo hagan las chapas de Loqui and the Loquer, la cinta VHS y, claro está, Enjuto Mojamuto. Ya a la venta

3) Viernes 13. La colección completa: Todo Jason Voorhees es mucho Jason Voorhees. Paramount ha metido en una misma caja todas las entregas de la saga más asesina, psicópata y peligrosa de la historia del horror cinematográfico, aunque a los completistas les hubiera gustado que Freddy contra Jason (2003) hubiera ocupado su lugar, justo entre el cachondeo metaterrorífico de Jason X (2001) y la nueva versión de la… ¡Un momento! ¿Tampoco está Jason X? ¡Gah! Colección completa, dicen. Dejémoslo en una colección de todas las entregas ortodoxas (nada de crossovers ni ciencia-ficción) cuyos derechos posee Paramount. En cualquier caso, la segunda y la tercera parte vienen en edición especial, lo que no está nada mal. En cuanto al remake, hay una manera de hacer que sea aún mejor: imaginarte que es un episodio especial de Sobrenatural. Ya a la venta

Aquí tenéis la primera imagen de Santiago Segura en la película El gran Vázquez, basada en la vida del dibujante más prolífico, audaz y caradura de la editorial Bruguera. Por lo que sabemos, el proyecto de Óscar Aibar va más allá del mero biopic del creador de Anacleto o Las hermanas Gilda: Absence nos dejó esta crónica improvisada de un día de rodaje en las Ramblas, en la que se percibe una intención de abarcar también la vida social y cultural de la Barcelona de Vázquez. Ahí va la sinopsis que incluyen en la nota de prensa:

Barcelona, años 60. Vázquez, el mejor dibujante de tebeos de España, disfruta de lo que quiere cuando quiere, no paga nada, esquiva con ingenio a sus acreedores, burla y tima a sus jefes y se casa alegremente coleccionando una familia tras otra. Hasta que un gris contable de su editorial decide que debe pasar por el aro como todo hijo de vecino. No será tarea fácil: para el genial dibujante, la vida es una fiesta en la que hay que colarse si no te han invitado.

Aún no hay fecha de estreno, pero sí muchas ganas.

El último Saturday Night Live tuvo un Digital Short de altura: la invitada Taylor Swift interpretaba a Bella Swan en una parodia de Crepúsculo titulada Firelight. La diferencia, lo habéis adivinado, es que el protagonista (y objeto deseable adolescente) no era un vampiro, sino un monstruo de Frankenstein. Más concretamente, Bill Hader como un monstruo de Frankenstein. La estrategia de repetir lo de “estrangular por accidente” como un mantra cómico invita a la reflexion: si todo el mundo consideraría ridículo un romance adolescente con homúnculos, ¿por qué ha funcionado tan bien el mismo concepto con los vampiros?

RvR is delighted to have guest writer Gavin Burke, presenter of Phantom 105.2’s brilliant Cinerama show, to take us through some famous filmmakers’ eagerly anticipated second movies that just couldn’t live up to their predecessors.

Brilliant Debuts and Lacklustre Follow-ups

By Gavin Burke from Cinerama at Phantom 105.2, Dublin’s Indie Rock

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Diablo Cody won an Oscar for Best Screenplay with her debut script Juno two years ago, so we (and when I say ‘we’ I mean ‘me’) were waiting with breath that is baited for her follow-up. When I heard it was to be a teen comedy-horror my shoulders slumped – the sub-genre was already running out of steam – but there was still hope if Cody could bring her offbeam dialogue that made Juno a delight. Then it was announced that Megan Fox would star, she of the perfect body and perpetually parted lips that seemed adept at running away from explosions and falling buildings in both Transformers. These weren’t roles that could suggest she could act so maybe we’d find out in Jennifer’s Body.

We didn’t. Fox plays the titular character, the school bike, who is transformed into a demon that feasts on teenage boys to stay pretty. All Fox had to do is be sexy, which she undoubtedly can. But all eyes were on Cody’s script and that was found wanting too: Cody strained for originality (‘extra salty’ apparently means ‘good-looking’; a ‘wetty’ is what happens to girls when… you get the idea. I can’t see these catching on).

Is it the weight of expectation? If something hits in Hollywood, it hits BIG. Producers scramble like rats for whatever else the new hottest thing in town has in the drawer, regardless if the new talk of the town is ready or not. Just ask Candy Flip.

Could it be a case of ‘You’re damned if you do and you’re damned if you don’t’? If you repeat the formula that made the first one a success, you’re shot down for being a one-trick pony (Rednex followed up Cotton Eye Joe with Old Pop In An Oak – basically the same tune with different lyrics). If you try something totally different, you’re shot down for not sticking with what you know (again, just ask Rednex, who followed up Old Pop In An Oak with Wish You Were Here – a ballad! A can-you-believe-it ballad!).

So what about other follow-ups that failed to live up to a debut’s promise?

10. Orson Welles – from Citizen Kane to… The Magnificent Ambersons

Okay, so The Magnificent Ambersons is a good show, but how do you follow up the greatest film ever made?

9. Charles Laughton – from The Night of the Hunter to… nothing

The Oscar-winning actor stepped behind the camera for 1955’s The Night of the Hunter. It was panned by critics and audiences stayed away. Laughton never directed again.  The Night of the Hunter is now considered one of the best films ever made.

8. Dito Montiel – from A Guide To Recognising Your Saints to… Fighting

Writing from the heart and basing …Saints on his own childhood, Montiel had a certain early Scorsese vibe about him with his impressive debut that convinced the world that Channing Tatum could act. Then Montiel ruins everything by reminding us that Tatum can’t act with a by-the-numbers street Rocky.

7. Jared Hess – from Napoleon Dynamite to… Nacho Libre

The low-budget cult movie Napoleon Dynamite crossed over to the mainstream when middle-aged women in Tesco were spotted wearing ‘Vote For Pedro’ T-shirts. Hess then moved south to Mexico and a Jack Black ‘comedy’ about wrestlers and nuns. Nah.

6. Zach Helm – from Stranger Than Fiction to… Mr. Magorium’s Wonder Emporium

Helm’s delightful and weird rom-com Stranger Than Fiction filled the boots of a missing Charlie Kaufman with a kids movie that was a love letter to Willy Wonka’s Chocolate Factory. Nobody cared.

5. Harmony Korine – from Kids to… Gummo and oblivion

He was odd, that Harmony. After penning the bleaker-than-bleak Kids for Larry Clark, Korine followed it up by writing and directing the odder-than-odd Gummo. Nobody saw it.

4. John Singleton – from Boyz In Da Hood to… Poetic Justice

‘It’s either they don’t know, don’t show or don’t care about what’s going in the ‘hood.’ 24-year-old director Singleton knew and showed what was going on in the ‘hoods of 1991’s LA but then showed he didn’t care: romantic drama Poetic Justice was his next shot. Nobody saw it.

3. Charlie Kaufman – from Being John Malkovich to… Human Nature

Without the doubt the most original Hollywood writer of his generation delivered without doubt the most original film Hollywood has produced in an eon, Kaufman then turned up with a too-wacky-for-it’s-own-good Human Nature. Having Patricia Arquette and Rhys Ifans star didn’t help matters.

2. Matthieu Kassovtiz – from La Haine to… Assassins

From a socially conscious film that had something to say about French racial tensions and created such a storm that then president Mitterrand ordered his cabinet to watch it, Kassovitz then made a crime drama about hitmen. The decision suggests that the writer-director was/is a tourist.

1. Dennis Hopper – from Easy Rider to… The Last Movie

From a groundbreaking film that signalled the death of the hippy dream long before anyone knew the game was up, Hopper then moves kit and caboodle to South America (who in their right mind let Hopper do that?) to shoot a movie about shooting a movie in Peru. Nobody saw it.

WHAT DO YOU THINK?

For more movie chat from Gavin and Cinerama, click HERE.

TOP FIVES ARCHIVE

GREAT SCENES ARCHIVE

Last night’s backyard cinerama was a great success. Pals, tunes, good bbq, and great times. I made these salads, which were most popular…

Beetroot, Carrot & Sesame Salad (for 4-6, or 6-8 as one of 2 salads)

500g peeled beetroots
1 large peeled carrot (I used 3 average size)
2 tblsp toasted sesame seeds (I forgot them, but was still fabulous)

dressing:
zest and juice of 2 large lemons
2 tblsp toasted sesame oil (I like Spiral)
1/2 tsp salt (I like Maldon flakes)
1/2 tsp black pepper
1 heaped tsp sugar (I used dark muscovado)

Grate vegetables, place dressing ingredients in jar and shake to combine. Stir well, add seeds, cover and refrigerate.

Peanut Rice Salad (serves 6-8)

1 cup each jasmine and wild rice (I used all brown rice and it was fabulous)
2 cups unsalted roasted peanuts

dressing:
3cm ginger, grated
4 cloves garlic, grated or crushed (I use a Japanese ginger grater, for a smooth paste result)
4 tblsp soy sauce (I like Spiral Tamari)
2 tblsp peanut oil
1 tblsp sesame oil

Cook rice/s, drain and cool. Grind 1 cup of peanuts in mortar and pestle until look like fine breadcrumbs.
Combine dressing ingredients, pour over cold rice. Add ground peanuts, stir well. Fold in whole peanuts.

Recipes adapted from Julie Le Clerc’s Simple Cafe Food

We watched two films:

The Mysterious Geographical Explorations Of Jasper Morello (the first voyage: Jasper Morello and the lost airship) – a beauteous but tragic tale of misfortune, greed, iron dirigibles, and steam powered computers, presented in dark silhouette style (think Indonesian shadow puppets, but noir)

Yojimbo – one of Kurosawa’s archetypal dramas. Masterless samurai on crusade to clean up a small town. Influenced by John Ford, remade by Sergio Leone-Clint Eastwood as the Fistfull of Dollars trilogy (and Walter Hill as Last Man Standing). Always fabulous…

Read the Gothia Gazette for all your Jasper Morello requirements.

See the trailer for Yojimbo here.

Zöe Lund / Thana.

Activista de la drogadicción con las venas picadas más glamourosas y llenas de vida de la historia del cine, Zoë Lund es la cría de pelo rojo y piel clara que resplandece en dos de los largometrajes más celebrados de Abel Ferrara. Con una carrera cinematográfica que no fue mucho más allá de ellos (un cortometraje dirigido, algunos guiones inconclusos…), se estrenó con Ms. 45 (1981): clásico de rape & revenge con un argumento extremadamente lineal – trama de homicidios in crescendo apenas alternados con contrapuntos cómicos a costa del perro de la vecina – tensado única y exclusivamente para dar cuerpo a un inmejorable arquetipo del psychokiller femenino. Aunque más allá de la justiciera deseadora de injusticias y de mitologías actualizadas, la película se consagra en última instancia a sus labios puro espectáculo, a una boca formulada muda para subrayar tanto la indefensión del personaje como su perfecta carnalidad. Esa boca, la de ahí arriba.

Travestida de monja, Thana termina de dar rienda suelta a su nueva y explosiva sexualidad en una masacre masculina en la que los hombres, fiesta de Halloween mediante, son ellos mismos y son monstruos a un tiempo: pandilleros, muertos vivientes, chuloputas, vaqueros, jeques millonarios, dráculas, jefes y compañeros de trabajo, asnos, ociosos piropeadores, novias de punta en blanco… Y así, travestida de monja, protagoniza también una de las muertes más sexys que recuerdo.

Quizás un auténtico “Horror Love” deba mezclar, no sólo en la ficción sino también en la realidad, una belleza superlativa con una muerte repentina a la manera de, pongamos, la no menos exquisita Soledad Miranda de Las Vampiras (Jesús Franco, 1971). Diríase que consciente de ello, Lund marchó a París en 1996, cambió de marido, cambió de vida, cambió de droga y murió por sobredosis de cocaína al año siguiente. Un fallecimiento que resonará para siempre en Bad Lieutenant (Abel Ferrara, 1992), cinta en la que tras tantearse un hueco en el que inyectar su imperiosa heroína, y sobre la imagen de Harvey Keitel procediendo a hacer lo propio, improvisó: “Los vampiros lo tienen fácil. Ellos se alimentan de otros. Nosotros tenemos que alimentarnos de nosotros mismos”.

- Por Cannibal Andrés Oliva.

Un momento… ¿La semana especial de Halloween no se había acabado ya? Entonces, ¿por qué publico esta aportación a destiempo? Pues porque el texto es bueno y porque de todos modos ya tenía pensado dedicarle un post a El estado de la mar, podcast cultural basado en entrevistas extensas a personas de bien. Sus responsables son el (tardón) señor Oliva y Daniel de Partearroyo, aunque ya han contado y seguirán contando con la colaboración de algunos de los más insignes blogueros. No os perdáis el segundo programa, en el que Jordi Costa y Darío Adanti hablan de sus ya emblemáticos problemas con el director de Ágorer, entre otras cosas. Vosotros lo escucháis y aprendéis algo: así de fácil.

Nervioso perdido estoy con el estreno de The Box, la nueva película de Richard Kelly, que utiliza un relato de Richard Matheson como base para construir un thriller de ciencia-ficción con regusto a conspiranoia setentera. En este reportaje para Cine 365 me planteo las claves de uno de los cineastas más interesantes y polémicos de ahora mismo, mientras que John Tones firma la crítica de su tercera película. Ya que estáis en la web, no os perdáis el artículo de Grace Morales sobre la vida y obra de José Luis López Vázquez, bajo ningún concepto. Hala, ya tenéis lecturas para estar entretenidos toda la mañana.

Me lo han preguntado en privado: ¿por qué no he escrito nada para My Horror Love, sección de amores halloweenescos que yo mismo propuse? Hay dos razones: a) pensaba escribir un texto corto sobre la Tippi Hedren de Los pájaros (1963), pero una planificación previa en mi cabeza me bastó para darme cuenta de que iba a ser incapaz de resumir todo lo que tenía que decir sobre esta secuencia en un único post; y b) una revisión de El mundo nunca es suficiente (1999) me hizo preferir escribir sobre Bond girls que sobre final girls.

En Lacrimae rerum (2005), Slajov Žižek reflexiona sobre el destino final de toda chica Bond, sobre lo que ocurre más allá del despreocupado encuentro sexual con el que acaban muchas películas del 007 pre-Daniel Craig. El autor se pregunta qué pasa entre ese momento y la siguiente misión del agente secreto: “tal vez este sería el auténtico Bond posmoderno, una especie de aburrido drama existencial sobre una relación en decadencia: Bond se cansa poco a poco de su chica, comienzan a surgir peleas, la chica quiere casarse, Bond se opone a la idea, etcétera, hasta que al final la llamada de M llega como agua de mayo para ayudarle a escapar de una relación que se estaba volviendo cada vez más claustrofóbica”.

Resulta curioso que las dos chicas Bond que abrieron y cerraron la presente década desafiasen el arquetipo y, por tanto, escaparan de su destino: hablamos, respectivamente, de Elektra King (Sophie Marceau) en El mundo nunca es suficiente y de Camille (Olga Kurlylenko) en Quantum of Solace (2008). Las dos comparten su determinación a no dejarse dominar por Bond, a no convertirse en una de esas pequeñas tragedias sentimentales entre misiones (o entre películas), aunque sus destinos no podrían ser más opuestos. Elektra es una villana que seduce a Bond como parte de su plan terrorista: es decir, utiliza al agente del mismo modo en que este utiliza a las mujeres que conoce en sus aventuras. Bond es incapaz de aceptar esta situación, así que mata a Elektra a la menor oportunidad, no sin antes haberse dejado dominar por ella en un instrumento de tortura filo-S&M, ajustada metáfora de su relación. Su frase tras dispararla, “I never miss”, lo acredita como el psicópata sin sentimientos y al servicio de la Patria (la única amante que nunca le aburrirá) que era antes de su última reformulación. Nuestro hombre acaba la película en brazos de una chica Bond arquetípica, sin personalidad y dotada de una predisposición casi natural a acabar pasando por ese proceso que describe Žižek.

La Camille de Quantum of Solace es mucho más interesante y poderosa. Elektra era, al fin y al cabo, una víctima de la opresión masculina (que tan bien simboliza Bond) por otros medios: su propio nombre indicaba la relación que tenía con el villano de la función, el hombre que asesinó a su padre y la convirtió en villana. Además, sufría las consecuencias de sus actos a manos de un 007 implacable, quien la estaba castigando más por su osadía al no aceptar su rol en el universo Bond que por sus actos terroristas. Al contrario de lo que pudiera parecer, ese disparo no es producto del corazón roto de un personaje que ve cómo su amada nunca le ha querido realmente, sino el ego dolido de un hombre alfa que no acepta a una mujer rebelde. Camille, en cambio, no se deja seducir por Bond, ni siquiera como un medio para alcanzar un fin (como sí hace Elektra). Resulta significativo que ninguna de estas dos protagonistas tenga el nombre ridículo que suele ser marca de la casa, algo que sus respectivas chicas Bonds secundarias —Christmas Jones en El mundo nunca es suficiente, Strawberry Fields en Quantum of Solace— sí comparten. La primera aún conserva una referencia al complejo de Electra, pero Camille es simplemente Camille: no hay apellido que de origen a doble sentido o a referencia pop.

Quantum of Solace contiene un momento en el que M (encarnación de la Patria, esa única mujer a la que Bond nunca podrá dominar) reflexiona en voz alta sobre el destino que parece esperarle a todas las chicas Bond de la etapa Daniel Craig: le aman incondicionalmente y luego mueren, mientras él puede vivir (otro día) para vengarlas. La película no se puede entender sin el precedente de Casino Royale (2006): más concretamente, sin Vesper Lynd (Eva Green), una mujer que, como Elektra, enamora a Bond para luego traicionarle. La sombra de Vesper es la que mueve todas las acciones del héroe en Quantum of Solace: puede que se engañe a sí mismo pensando que la única razón por la que deja marchar a Camille es para evitar que comparta el mismo destino que todas sus amantes, pero uno tiene la sensación de que es ella quien ya ha llegado a esa conclusión. Su sed de venganza la convierte en un ser parecido a 007: por primera vez, la chica Bond no es una mera comparsa del héroe masculino, sino un complemento. No necesita que Bond la seduzca para tener una razón de ser, sino qye está en igualdad de condiciones desde el punto de vista dramático. Su necesidad de que el héroe la rescate de las llamas en el clímax impide a Camille ser la primera chica Bond completamente desvictimizada (o independiente), pero es un gran paso hacia una nueva década que debería estar orientada hacia un nuevo arquetipo femenino dentro de la saga.

Hard Candy (2005).

Si  bien la película dejaba que desear en muchos aspectos, Ellen Page era, precisamente, lo más destacado de ella. Bajo la apariencia de ingenua pero sofisticada adolescente, amante de las, uhm, deliciosas tartas de chocolate, se escondía una caperucita roja que había aprendido a invertir la jugada del lobo, y convertirse en una dulce y perversa vengadora: Su aparente condescendencia final con el hombre al que tortura se revela como el más pérfido y cruel plan de los posibles. Una falsa redención. Por su crueldad, inteligencia y belleza púber consigue ser mi escogida.

Pero qué demonios…

Seamos sinceros, vamos. Fue culpa tuya, Ellen. Nunca te hubiese elegido la reina absoluta de mi Halloween si no me hubieras llamado temblorosa, embaucándome bajo tu supuesto candor. Llegaste a mi casa tan ávida de Eros y Thanatos que sólo la mitología griega podría compararse con la noche que pasaste en mi cubículo londinense, que había mutado en la ciudad de los muertos vivientes. De aquella noche permanecerá en mi memoria de fantasma tu obra maestra : Tu vestido ensangrentado, y la sardónica y retorcida sonrisa que me clavaste mientras me enviabas al infierno. Feliz Halloween.

- Por Satanic Salanova.

La niña que fue Miércoles.

Existe una verdad irrefutable: el niño es el lobo del niño. Al menos, del niño diferente. Aquel que por su miopía, su timidez o su gordura, sus llamativas características físicas, sus defectos en el habla o la ropa que sus padres eligieran para él, aprendió pronto en la vida que el infierno son los otros.

No se engañen, todos somos aquel niño al que señalaron con el dedo hasta obligarlo a ver a La Infancia desde fuera y sentir un ascazo que te cagas. Menuda piara de imbéciles con la que me han ido a encarcelar, pensamos, sucios, prepotentes y totalmente carentes de empatía y originalidad. Por eso todos jaleamos mientras la Fábrica de Chocolate de Willy Wonka va destrozando uno a uno a Los Demás. Y por eso todos nos enamoramos de aquella niña llamada Miércoles.

Miércoles Addams, menudo partidazo. No sólo vivía en la mansión que nosotros sólo podíamos imaginar, no sólo tenía los padres más geniales del mundo, no sólo inventaba los juegos más sangrientos y (por lo tanto) divertidos que pueden existir. Por encima de todo eso, aquella niña no estaba obligada a participar en La Infancia, a interpretar el estúpido, sonriente y cansino papel que nos habían adjudicado a todos sólo en base a nuestra edad. Dios Santo, me vuelvo a enamorar sólo con pensarlo. Miércoles era libre para vestir de negro, portarse mal y no sonreír, y le importaba una mierda lo que los demás pensasen de ella.

Por eso tiene todo el sentido que aquella niña siniestra terminase trabajando con Tim Burton, Terry Gilliam, John Waters, Woody Allen o los hermanos Wachowski. Nos lo debían, joder. Porque Christina Ricci fue la Musa Del Outcast Prepúber; un primer amor tan grande que, por mucho que fuéramos creciendo, nunca aceptamos dejar atrás

- Por Graveyard Snob Megalove.

Chicas.

Las quiero. A todas. Todas esas pequeñas, frágiles, inocentes mujeres. Todas esas chicas que parecían tan perfectas, que estaban siempre por encima de los demás, que creían saberlo todo hasta… Ya sabéis. Hasta el día en que el voyeur se instala en sus vidas. El momento en que sus compañeros de clase, de trabajo o de diversión empiezan a ser un estorbo en el campo de visión y no hay más remedio que hacer una limpia de árboles para poder ver los… arbustos. Qué extremo placer, verlas despojadas de ese manto de diosas blancas intocables, hacerlas terrenales por la fuerza, mostrar sus carencias, sus miedos, y revelar así hasta que punto existe una fortaleza interior, una determinación, dentro de la dulce figurilla de porcelana sin una grieta por la que entrar que siempre ha sido su coraza. Descubrir si son florecillas que no sobrevivirían a una tempestad o juntos, esbeltos, flexibles, adaptables a la situación y con sus propia forma de fustigar.

Mis queridas Final Girls, ¿cómo no seguiros a todas? Alice, Nancy y, sobre todo, Laurie. Tan magnífica era Laurie que me parecía verla cuando contemplaba a Kim Hammond, Alana Maxwell, Megan Hunter o —todos podemos sentirnos lovecraftianos en ocasiones— Ezabeth Solley. Pero es porque con todas las chicas a las que he visto pasar… corriendo… ninguna ha llegado jamás a eclipsarte, Laurie. Sí, os quiero a todas, pero tú eres especial. La mejor. Pero, compréndelo, no puedo conformarme con sólo una. Me gustan las relaciones como las cajas torácicas: abiertas. Así que sigo viendo chicas, siguiéndolas, escuchándolas gritar… y todas son buenas para mí. Las quiero a todas. Incluso a las que aún no conozco. Por eso Halloween es amor. Porque puedo conocer a otra chica especial. Quién sabe, quizá este año seas… Tú.

- Por Nightmare Sark.