De vineri pana marti scoala la care ma duc eu nu face ore. Asta inseamna 5 zile libere total! Si ce fac eu in acest megaweekend? Ati ghicit: bolnavicesc… Istoria se repeta. Nea’ doctor a zis ca am o viroza respiratorie, dar el a mai zis ca azi ar trebui sa fiu vindecat, deci cam nasoala treaba. Nu tu party, nu tu downtown, nu tu cabana, nu tu nimic. Printre pauzele dintre citit, privit tv, stat in pat, navigat pe net, jucat pe pc, etc. mi-a venit ideea sa pun niste media pe blog, ca arata mai bine. Si ce e mai frumos decat niste picturi acompaniate de putina muzica?

El que baila es Nureyev.

El sarod es un instrumento que, por momentos, tiene un aire muy parecido a la guitarra clásica; sin embargo, sus recursos técnicos le permiten experimentar con otro tipo de sonidos y matices. Rajrupa Sen pertenece a una generación de nuevos músicos. El recibir constantes invitaciones de  All India Radio y Doordarshan India parece indicar que es una gran promesa de la Música Clásica de India.

In timp ce puteam articolul precedent, a venit Mihai, colegul de casa, care a dat drumu la o piesa remixata, o piesa celebra e adevarat. Totusi mie la genul respectiv de muzica imi palce varianta originala asa ca atunci cand am ramas singur am pus ORIGINALUL. Asa ca o sa va pun si voua … ORIGINALUL

Piesa superba care a venit cu un mic cadou care a facut ca “superbitatea” sa fie mai ……. superba. Doar o sticla de:

pe care m-am ofticat ca nu am putut sa o testez deoarece plec la munca si trebuie sa fiu apt de treburile mele de acolo…….. de dormit adica )

Oricum, acum in timp ce o ascult a doua oara mi-am dat seama ce vreau sa ascult in drum spre muzica. Ca sa dau un mic indiciu este vorba de valsul nuntii mele care o sa fie ….. candva

Il stiti pe marele tatic Johann Strauss, dar Johann Straus II cu The Blue Danube

Necesito conocer un poco cuales son los mejores discos de musica de la historia. ¿Alguien me ayuda?

[...]Todos tenemos la experiencia que más atrás relataba, existen dos maneras de oir algo: una es a través de los filtros del pensamiento y otra la mirada ingenua de un niño que aun no ha codificado la realidad y carece por tanto de una estructura que haga de dique entre su percepcion y la misma. El resultado de esta forma de mirar (o de escuchar) es el asombro, a veces, la perplejidad en otras. ¿No es precisamente eso lo que les sucede a los esquizofrénicos? Ellos oyen sus propios pensamientos, o les rebotan en forma de eco, o los sienten como impuestos o que alguien se los está robando, es como si todo en ellos careciera de esa conciencia que ilumina, ese trasfondo que engloba y encuadra toda percepción, es como si ellos solo fueran cuerpo. Un cuerpo sin horizontes, sin trasfondo …

Es por eso que existen profesionales de la escucha pues no todo el mundo tiene adiestrada esta facultad, la mayor parte de la gente solo quiere hablar (aunque no tengan nada que decir) y muy pocos son los que prefieren escuchar a hablar, pero aun en esta franca minoria de personas hay pocos que sepan escuchar en su dimensión mas dura: pues escuchar en realidad es oir sin pensar y sobre todo oir desde la ingenuidad no desde un sistema de creencias en donde encajar lo que el interlocutor nos dice. Es eso precisamente lo que hacen muchos profesionales sin seguir aquella máxima inventada por Freud y reformulada por Bion, en aquella famosa (y hermosa) frase de “escuchar sin tiempo y sin deseo”.

Todos operamos asi en nuestra vida privada, es decir oímos a nuestro interlocutor pero no le escuchamos. Si lo hiciéramos caeríamos en la cuenta de que nuestros pensamientos, nuestras hipótesis, nuestra formación o nuestros condicionamientos nos impiden escuchar realmente al otro y caeríamos además en la cuenta de que nuestra conciencia se encuentra permanentemente atravesada por nubarrones de todo tipo, es muy difícil despejar todos esos intrusos que pueblan nuestra mente, hace falta un entrenamiento que conocemos con el nombre de “presencia plena” o mindfulness.

Con este entrenamiento somos capaces de -al profundizar en su práctica- controlar el flujo de los subproductos de nuestra mente, y lo hacemos a través de nuestra propia mente, de su recursividad. Precisamente porque nuestra mente es recursiva (puede referirse a sí misma y puede autoobservarse) podemos planear en ese cielo despejando pensamientos y nubes. En realidad todos estos subproductos de la mente sólo aparecen porque somos muy distraídos por naturaleza y tenemos un enorme tendencia a distraernos mirando el panorama. De lo que se trata es de impedir de que los árboles no nos dejen ver el bosque.

Pero el bosque y los árboles son la misma cosa o al menos se encuentran acoplados del mismo modo que las abejas y las flores lo están tal y como comenté en este post. Es verdad que el bosque no es sólo una población de árboles sino algo más con su propio microclima, su fauna y su flora, su humedad y sus constantes biológicas, el bosque es un nicho ecológico, una emergencia de los árboles que ni existe ni no existe, es como la mente de los árboles. El bosque no podría existir sin los árboles pero los árboles pueden existir sin ser bosque.

Eso les sucede a los pensamientos de los esquizofrénicos, son como árboles sin bosque y esa es la idea que quiero reiterar aqui, no necesitamos creer que existe una trascendencia del bosque o una conciencia cósmica de los bosques para explicar su existencia real, porque el bosque es algo más que una idea sin dejar de ser una abstracción, una palabra de seis letras que no podemos despejar diciendo que no existe (pues todos tenemos una representación mental de qué cosa es un bosque) sin embargo el bosque no existe del mismo modo que el árbol, se trata de dos planos diferentes de la palabra “existir”.

Neurociencia y neurocultura.

   Always in the night you can’t get too far  – you’ll come back to me !

   Simfonia fantastică de Hector Berlioz .

La leyenda de La tía Casca: Trasmoz, cuyo castillo situado sobre una loma fue construido en una sola noche con la ayuda del diablo.

En su Carta Sexta, cuenta Bécquer que abandonó Lituago para dirigirse a Trasmoz con el fin de conocer su castillo. En su gusto por los parajes más ásperos y accidentados, tomó el camino más largo y dudoso, hasta que se perdió.
Preguntó a un pastor el camino del pueblo, y éste se lo indicó lo mejor que pudo. Pero antes de despedirse le advirtió que no tomara la senda de la tía Casca si quería llegar sano y salvo a la cumbre, pues por allí andaba penando el alma que, “después de dejar el cuerpo, ni Dios ni el diablo han querido para suya.”

- Y ¿en qué diantres se entretiene el alma de esa pobre vieja por estos andurriales?
- En acosar y perseguir a los infelices pastores que se arriesgan por esa parte de monte, ya haciendo ruido entre las matas, como si fuese un lobo, ya dando quejidos lastimeros como de criatura o acurrucándose en las quiebras de las rocas que están en el fondo del precipicio, desde donde llama con su mano amarilla y seca a los que van por el borde, les clava la mirada de sus ojos de búho y cuando el vértigo comienza a desvanecer su cabeza da un gran salto, se les agarra a los pies y pugna hasta despeñarlos en la sima…
El viajero quiere sonsacar al pastor diciéndole que todo eso de las brujas y los hechizos no eran sino antiguas y absurdas patrañas de las aldeas.

- Eso dicen los señores de la ciudad, porque a ellos no les molestan, y, fundados en que todo es puro cuento, echaron a presidio a algunos de los infelices que nos hicieron un bien de caridad a la gente del Somontano despeñando a esa mala mujer.
Y el pastor le cuenta la historia. La tía Casca era muy conocida en Trasmoz. Los vecinos del lugar la acusaron de ser la ejecutora de males de ojo y todos los hechizos imaginables. La persiguieron hasta el precipicio en cuestión, y a pesar de los ruegos y súplicas de la anciana, fue arrojada al arroyo donde murió.

lacoctelera.net

La 67 Edición del EICMA ha sido el escenario para el retorno de una firma mítica: OSSA. A mi me da que hoy por hoy que el negocio de OSSA está basado en la explotación de la imagen de marca, en plan Bultaco… Ojalà me equivoque y el negocio se base en la venta y fabricación de buenas motos, más q en la de bolsas, camistas, chaquetas, mecheros, etc. Se ha presentado un prototipo de moto de trial la TRI 280.

Web de Ossa

Aquí se pretende narrar la historia de artistas y bandas que han formado parte de la historia de la música. Para ello se abarcan diferentes estilos en los que se irá introduciendo a dichos creadores de armonía. Es cierto que a algunos de ellos resulta muy difícil catalogarlos, por lo que se espera contar con la ayuda de comentarios y teorías propias de todos los seguidores del blog para que, en caso de una opinión mayoritaria, se puedan reubicar dentro del estilo que más justicia les haga.

Tan solo queda despedirse esperando que este blog sea del agrado de todos y una ayuda para que muchos lectores puedan descubrir nuevas bandas y artistas de su interés.

JohnMa “The Godfather”

A toda aquella música que nos hizo sentir algo en nuestro interior: rabia, deseo, tristeza, amor, locura, dulzura, y un larguísimo etcétera de emociones… GRACIAS!!!

Este blog está dedicado a Ella…

JohnMa “The Godfather”

Precioso. No hay más que decir.

Artes y Oficios: Blogs sobre talento y la creatividad

La creatividad artística es una de las características más notables de los seres humanos: la necesidad de expresar sentimientos, deseos, temores y las tradiciones a través del lenguaje, los signos, los sonidos y manufacts puede ser de hecho indicado como uno de los elementos que diferencian a las criaturas inteligentes y los seres sintientes de las formas de vida menos desarrolladas. A lo largo de la historia, una inmensa variedad de contenidos, culturas, disciplinas y los mensajes han estado representados en los dibujos, pinturas, graffitis, poemas, letras de canciones, estatuas, libros, bailes y coreografías, en todos los países y en todas las edades, con los propósitos más diversos. Sin embargo, en este panorama muy diferenciado de los productos creativos, podemos reconocer la constante investigación de calidad, belleza, originalidad y excelencia, que de hecho son algunas de las nociones básicas de lo que un artista se debe seguir, cuando el arte se define como la habilidad y la profesión.

References: hiphopmusic, electronicmusic, housemusic, heavymetal, drawing, rapmusic, ballet, classicalmusic, canvas, broadwayshow, cast, tablet, sing, artauction, artcollection, artdealers, dailyhoroscope, lovepoem, virgo, poems,

Arte sin duda puede ser consagración, la provocación, el legado y un reto hacia la sociedad, público y la crítica, ya sea que se expone en las plazas o conservados en los museos. El arte es también un rico mercado para los coleccionistas, expertos, comerciantes y subastadores, así. Somos conscientes del potencial de Internet para informar a la población acerca de los contenidos artísticos y creativos, por lo que hemos enumerado aquí algunos de los sitios que http://www.thenew.com y http://www.euroserve.cn (por http : / / servicios www.esw3.eu DNS) se han desarrollado para traerle noticias y datos sobre una estética contemporánea, Visual Creatividad, Servicios de Diseño y Arte de mercado.

References: rapper, painters, postmodern, taste, graffiti, symphony, archaeologists, archaeology, abstractart, acrylic, architects, artdealer, artfair, artadviser, artadvisor, artconsultant, artindex, artistsretreat, auditions contemporaryart,

Azi va voi povesti despre un pianist si compozitor francez, care impinge limitele muzicii clasice, fiind un analog al technical death metal-ului. Compozitiile sale fiind foarte rapide si complexe, prezentand intervale uriase, tonalitate progresiva, ajungand intr-acolo incat muzica lui e mai dificila de interpretat decat “Etude Transcedental” al lui Franz Liszt. Una dintre inovatiile sale a fost ca el a compus pentru pedalier, iar adeseori semnaturile de timp nu erau standard (de ex. 4/4).

C. Alkan a mai avut 5 frati, 3 dintre care s-au ocupat cu muzica (familie boema!?). Precum Mozart, Alkan inca de mic i-a uimit pe cei din jur cu tehnicalitatea si acuratetea sa, de altminteri la varsta de 7 ani a castigat premii pentru solfegiu, pian si orga, iar la 14 ani si-a scris primul Opus (nr. 1… duh!)

Viata sa intotdeauna s-a invartit in jurul muzicii, motiv pentru care in 1848 cand a fost refuzat pentru pozitia de Decan al Sectiei Pian din Conservator, fiind acceptat in locul sau un fost elev (ironic, nu-i asa?), l-a dezamagit atat de tare, incat a evitat interpretarile in public timp de 25 de ani. In ciuda acestei auto-ostracizari, el a continuat sa compuna, urmand ca in ultimii 10 ani din viata sa reia aparitiile si concertele publice.

Probabil cel mai incitant aspect al vietii sale se invarte in jurul propriei morti, multi crezand ca in timp ce Alkan incerca sa ajunga la un roman pozitionat in partea de sus a bibliotecii, aceasta cade peste el, strivindu-l. De asemenea, circula zvonul conform caruia imediat dupa moartea muzicianului, a aparut un articol intr-un ziar al vremii ce zicea: “Alkan a murit. A trebuit sa moara, pentru a i se dovedi existenta”.

Daca stam sa analizam, muzicienii vremurilor de mult apuse erau adevarati “rock stars”, cu multe excentricitati … si instrumente acustice.

Mai jos, va ofer ochilor una dintre operele mele preferate, “Comme le vent” (Precum vantul – aluzie la viteza uimitoare,totusi pastrand un sunet cald si calm). De asemenea, daca va veti uita pe partitura, atunci va spun eu ca ai vostri ochi nu va inseala, intr-adevar acelea sunt 128zecimi (!)

tiber

Trivia:

- Concerto Op. 39 dureaza o ora intreaga( saracul interpret, cata anduranta ii trebuie – traiasca Red Bull!)

- una dintre compozitiile sale este putin mai… speciala, sa zicem – “Marcia funèbre, sulla morte d’un Pappagallo” (Marsul funebru asupra mortii unui papagal)

- pentru a evita scrierea enharmonica a notelor (de ex. Fa# este aceeasi nota cu Sol b), trecea la cheie ## sau bb … ermm… nevermind e greu de explicat pe blog, pur si simplu apela la diferite artificii pentru evitarea scrierii enharmonice a notelor!

- a compus melodia “Le chemin de fer” (Calea ferata), care imita mersul rapid al unui tren, melodie care face parte din genul muzicii programatice – muzica ce evoca sentimente extra-muzicale; motivul amuzamentului fiind acela ca la 1844, trenurile atingeau viteza maxima de 30 km/h

Cred  ca v-am imbuibat capul destul pentru astazi. 

Sa ne fie tarana usoara,

This is the music guy,

Tiberiu

Eu sunt aici ca sa va indrumez catre comorile ascunse de pe youtube in materie de muzica clasica (si nu numai), asa ca data viitoare cand va plictisiti si nu stiti ce sa cauti, cititi unul dintre posturile mele.

Rachmaninoff este recunoscut ca fiind unul dintre cei mai mari compozitori ai lumii moderne, iar de fiecare data cand ii asculti muzica, gandul iti fuge catre o Rusie acoperita de zapada si un pahar cu vodka. Insa muzica lui nu se opreste aici, el este recunoscut ca fiind unul dintre ultimii compozitori din curentul romantic al muzicii clasice, iar muzica sa ii va inspira pe multi, inclusiv pe Scriabin si Prokofiev.

Operele sale sunt complexe atat ca structura, cat si din punct de vedere tehnic, nefiind indeajuns sa stii a zdrangani un pic la pian. Un lucru ce-l il face a fi cu adevarat inovator sunt acordurile sale complexe, care necesita o putere ridicata in degete, si tonul pe care il scoate din pian.

Trivia:

- a fost dirijor al Teatrului Balshoi

- dupa moartea lui Scriabin, a inceput un turneu unde canta numai muzica acestuia, desi publicul ii cerea opere proprii.

- in concerte, nu a avut (aproape) nicio greseala, cunoscut fiind pentru acuratetea sa

- memoria sa era incredibila, putand memora melodii intregi doar dupa o singura auditie

Dupa toate acestea, sper ca v-am prins macar putin atentia, asa ca mai jos va las una dintre operele sale.

Cheers! This is the music guy,

Tiberiu

Este es un articulo muy importante y se que tambien sera controversial, por lo que pido que no lo lean sin tener  una mente abierta a las muchas tecnicas existentes. No extoy clamando que solo existe una tecnica para el canto, ni tampoco que la Tecnica Clasica no es buena, de echo la moderna deriva de ella. Todos estan invitados a sacar sus propias conclusiones y espero dejen un comentario sobre sus opiniones.

La Tecnica clasica data desde siglos atras, aun en los tiempos cuando los doctores mas famosos no tenian idea de como funcionaban las cuerdas vocales, ya habian maestros de canto que hacian lo posible para mantener un sonido vivo. Con el tiempo las tecnicas fueron mejorando, aunque hubieron muchos caidos en combate (muchas voces seriamente lastimadas) La ciencia no tenia la tecnologia para poder diagnosticar o tratar problemas vocales que son mas faciles de solucionar ahora (aunque eso no los hace menos peligrosos!)

Pero tambien con el tiempo algo mas comenzo a cambiar, y eso es el estilo musical. El cantante se veia presionado a cantar nuevos generos usando una tecnica que solo habia demostrado su eficiencia en la musica clasica. Podemos darnos una idea que en ese proceso, muchas voces tambien terminaron mal.

Muchisimos maestro de canto que han sido entrenados y profesan la tecnica clasica, aseguran que de esta puede nacer cualquier otro estilo necesario. Y aunque debo admitir que muchos de ellos han logrado hacer probar ese comentario, la gran mayoria de los casos, ha sido gracias a que los maestros (a veces hasta sin notarlo) han logrado implementar cambios en la tecnica, y tambien hay estudiantes que simplemente tienen un excelente oido, o un gran instinto musical, y muchas veces el maestro le da el merito a la tecnica y NO al estudiante.

Desgraciadamente en la gran mayoria de todos los casos ( en general) La Tecnica clasica no puede llevar al cantante a cantar algo mas que los temas, arias, partes,etc del canto clasico. Ahora mismo explicaremos por que:

El Canto clasico es bastante avanzado, requiere mucha tecnica y a veces años de entrenamiento, pero si funciona. En pocas palabras cumple su objetivo, entonces cual es el problema?  Pues es que la tecnica clasica requiere de eso precisamente: Muchisima tecnica y muy poco estilo.  El canto clasico necesita que el cantante repita una cancion de acuerdo al personaje o al tema escrito por un compositor desde hace mucho, es el trabajo de ese cantante de tratar de revivir su arte y ese ciclo se repite con cualquier otro cantante clasico. Ellos carecen de estilo propio y han sido entrenados a verlo asi.

De ahi viene el otro problema de la clasificiacion de voces, si tu voz no tiene el brillo y la fuerza necesaria probablemente te pongan de Baritono y solo te cierren a cantar temas que no salgan de tu “rango”, pero en realidad solo te estarian limitando solo por el echo de que quieren que te concentres a cantar de una sola forma.

En los hombres la Tecnica Clasica, obliga a los hombres a solo usar su voz de Pecho, aunque en la actualidad ya hay maestros que estan considerando otros terminos; el echo es que no hay rastros de resonancia craneana, osea, voz de cabeza. (A menos que seas contra tenor pero esa ya es otra historia), La Tecnica Clasica crea una fuerte voz y ayuda al formante del cantante,ademas de que enfatiza la proyeccion que es sumamente importante. Pero de ahi, a cosas como crear efectos, cambiar de registros, improvisar, etc, No se acerca.

En las mujeres, La Tecnica Clasica, las lleva a usar solo su voz de cabeza y no siempre es la voz de cabeza pura, ya que conlleva un poco mas de aire que vibracion de las cuerdas. Las hace suaves y agudas, muchas veces extienden su rango muchisimo, pero solo su rango alto y aunque en lo clasico es muy importante, en la musica moderna, la falta de resonancia de pecho haria esa voz bastante monotona y a veces irritante. ( La frecuencia de la voz de una mujer cantante notas agudas, es altisima!)

En resumen, la tecnica clasica no es mala, nunca lo fue; pero a la hora de ver otros generos, limita muchisimo, y aquellos maestros que se la han pasado la vida asegurando que cualquier cantante clasico puede dar un grito desgarrado de Rock…, les sugiero que entiendan que no es asi.

La Tecnica moderna ha derivado de la clasica. Ya desde tiempo habian maestros (primero cantantes) que notaban que la tecnica clasica no podia cumplir con las demandas de la musica moderna, por lo mismo comenzaron investigar mas la anatomia vocal y usar de referencia lo aprendido de la Tecnica Clasica.

Tomaron muchisimos años para tener lo que tenemos ahora, y debo asegurarles a todos que aun seguimos en “pasos de bebe” en lo que estudio vocal se refiere, La voz es el instrumento mas misterioso del mundo, pero definitivamente tenemos muchisimas mas ventajas que hace 50, 100, o hasta 200 años atras. Tenemos que agradecer de corazon a muchos maestros que pasaron todas sus vidas buscando una mejor solucion, a los maestros de hoy que siguen ese camino y a los que han de venir ( y puede que sean muchos de los que esten leyendo este articulo).

La Tecnica Moderna debe permitir maxima versatilidad vocal sin lastimar las cuerdas vocales. Completo control del rango, desde voz de pecho a cabeza y viceversa. Tiene que permitir el uso facilitado de efectos vocales (vibrato, raspor, gutural,melismas,etc), y al mismo tiempo debe mantener todos los fundamentos de la musica clasica, con la unica diferencia que te debe permitir cambiar de un genero a otro.

Para la mala suerte de muchos, No hay tantos maestros aun, que esten enseñando esta tecnica, o algunos estan en un pais extranjero, o simplemente son muy caros para el presupuesto de muchos. Sin embargo, como mencione antes, la educacion vocal sigue progresando, tenemos ventajas que antes muchos cantantes jamas podian ni imaginar. Nunca pierdan la fe, y sigan siempre sus sueños. Al final un maestro de canto de Tecnica Moderna, puede ser un poco caro, pero es una inversion que la Tecnica Clasica no podria darte ni en años de entrenamiento (aparte de las bases), si tienen esa oportunidad, no la dejen pasar, nunca es tarde para aprender, y menos para cantar, pero… por que esperar?

   Lacul lebedelor de Ceaikovski .

Am dat un telefon la EMag pentru a face o comanda si cat timp am fost nevoit sa astept am fost uimit de piesa care a inceput sa se auda in receptor. Ajunsesem chiar in punctul in care am fost pe punctul sa o injur pe fata de la aia ca mi-a raspuns asa de repede si nu m-a lasat sa ascult piesa.

“Somewhere Over the Rainbow” by Israel Kamakawiwo’ole

Bartók trabajó en el Tercer Concierto para Piano durante el verano de 1945. En el momento de su muerte había terminado toda la partitura a excepción de los últimos 17 compases. El estreno estuvo a cargo del pianista Gyórgy Sándor y la Orquesta de Filadelfia, dirigida por Eugene Ormandy, el 8 de febrero de 1946.

Bartók realizó una gira por Estados Unidos en 1927. Fue a Cincinnati para ensayar el estreno norteamericano de su Primer Concierto para Piano, con Fritz Reiner como director. Como sabía poco inglés y conocía poca gente en Cincinnati, no es extraño que pasara la mayor parte de su tiempo libre con Tibor Serly, un compositor que tocaba en la sección de violas de la orquesta. Serly había conocido a Bartók cuatro años antes mientras estudiaba en Hungría.

Cuando varios años después Bartók se mudó definitivamente a los Estados Unidos, Serly volvió a formar parte de su vida. El violinista se había mudado a Nueva York para tocar en la Orquesta Sinfónica de la NBC. Fue él quien recibió a los Bartók en el puerto cuando llegaron en 1940. Serly estuvo cerca del compositor durante el resto de su vida.

Esos fueron años difíciles. Bartók extrañaba su país desesperadamente, pero le era imposible regresar debido a la guerra. Tenía poco dinero, y él y su esposa se vieron obligados a vivir en un pequeño apartamento en Nueva York. Tenía mala salud y ya no podía hacer presentaciones como pianista. Dio su último concierto en enero de 1943.

El compositor estaba ansioso por recibir encargos de piezas musicales que le proporcionaran los ingresos que tanto necesitaba. Sin duda recibió con gran placer no menos de cuatro encargos en los primeros meses de 1945, pero su estado de salud era demasiado precario como para aceptarlos todos. No obstante, se comprometió a escribir el Concierto para Viola para William Primrose, y también aceptó un adelanto de dinero por un séptimo cuarteto para cuerdas (que jamás compuso), pero rechazó el encargo de un concierto para dos pianos. Al llegar el verano y con la posibilidad de abandonar su diminuto apartamento para pasar unas vacaciones en el lago Saranac, donde podía componer mucho mejor, Bartók planeó trabajar en el Concierto para Viola y, sorprendentemente, en una obra que no le había sido encargada.

El editor de Bartók le había pedido el Tercer Concierto para Piano en 1940, pero el compositor no lo había escrito. Quiso aprovechar la ocasión para emprender esta obra además del Concierto para Viola, a pesar de que raramente componía dos piezas a la vez. Tibor Serly explica:

“En Norteamérica, la principal fuente de ingresos regulares de Bartók procedía de conferencias y compromisos para dar conciertos. Pero durante dos años había estado demasiado enfermo como para realizar cualquiera de ambas actividades y ahora temía no volver a estar lo suficientemente bien como para regresar a los escenarios y dar conciertos. Bartók consideraba que su talentosa esposa y antigua alumna, Ditta Pásztory Bartók, era una de sus discípulas más representativas y admiraba enormemente la interpretación de esta de sus obras para piano. Presintiendo lo grave de su enfermedad, Bartók se decidió a dejarle la única herencia que estaba a su alcance, un concierto para piano y orquesta hecho especialmente para su estilo, una obra que le diera a su esposa la oportunidad tanto de exhibir su talento, y al mismo tiempo, continuar como discípula de la tradición de Bartók. Y, podría agregarse, para que tuviera una fuente de ingresos segura como la principal ejecutante del concierto.”

Durante todo el verano, Bartók trabajó en ambos conciertos todo lo que se lo permitió su estado de salud. Al regresar a Nueva York en el mes de setiembre, el Concierto para Viola todavía estaba en estado fragmentario (aunque su correspondencia indica que en su mente ya lo tenía completamente formulado). El bosquejo del Concierto para Piano estaba completo y ya estaba terminada gran parte de la orquestación.

El 21 de septiembre, Serly visitó al compositor en su pequeño apartamento.

“Evidentemente estaba muy enfermo. Cuando hablé con él, estaba tendido en la cama. Para ese entonces, se sabía que estaba próximo a terminar el Concierto para Viola para el señor Primrose. Pero, extrañamente, tenía encima un manuscrito totalmente diferente. Se trataba del Tercer Concierto para Piano. Yo tenía alguna noción de que Bartók había estado escribiendo un concierto para piano, pero nadie más sabía nada al respecto.”

La misma mañana de la visita de Serly, Bartók fue internado en el hospital. Murió cinco días más tarde, habiendo terminado toda la orquestación del Concierto para Piano, excepto los últimos 17 compases. Serly se dio cuenta de que, si no hubiera ocupado el tiempo del compositor con su visita en esa fatídica noche, el concierto hubiera quedado concluido. El mismo Serly asumió la tarea menor de completar la orquestación de los últimos compases. Dos años más tarde también asumió la tarea mucho más difícil de ordenar los fragmentos del Concierto de Viola, de manera que resultara ejecutable.

Ditta Bartók no tocó el Tercer Concierto durante algunos años. El compositor había escrito la obra especialmente para el talento y la personalidad de su esposa, pero recayó sobre Gyórgy Sándor la misión de presentar el concierto al mundo. Es imposible saber en qué medida la decisión de Bartók de escribir para Ditta fue responsable del carácter sumamente especial de su última obra terminada. Es mucho más simple, más directa, más tonal y menos disonante que cualquier otra de sus composiciones maduras.

Algunos comentaristas han sugerido que Bartók cultivó un estilo más accesible en sus obras tardías (el Concierto para Viola comparte este idioma consonante del Tercer Concierto para Piano) con el propósito de capitalizar la atención del público que, finalmente, estaba comenzando a recibir. Otros piensan que esta nueva simplicidad de Bartók era resultado de su incapacidad para manejar formas complejas en momentos en que sufría de leucemia. Sean o no estas ideas tan poco benévolas las verdaderas razones de la nueva simplicidad que encontramos en el Tercer Concierto, el resultado es una música de atractiva belleza e inocencia luminosa.

La simplicidad del Tercer Concierto para Piano se extiende más allá de sus armonías consonantes. Atrás queda el conflicto entre el piano y la orquesta que encontramos en los conciertos Números Uno y Dos: en el Tercero, la orquesta acompaña en calidad de subordinada. Atrás quedan las formas complejas de Bartók. Y también queda atrás el contrapunto elaborado en su música anterior. Escuchemos, por ejemplo, la hermosa melodía inicial del piano. El acompañamiento es de una simplicidad elegante; ondulaciones de cuerdas, notas sostenidas con los clarinetes y puntuaciones rítmicas primero con los timbales y luego con el pizzicato de las cuerdas bajas. El pianista toca la misma música con ambas manos (con una separación de dos octavas), en vez de una combinación de figuras en contrapunto. Aunque a lo largo del primer movimiento crece el juego recíproco de contrapunto entre el piano y la orquesta, el tratamiento del piano es siempre virtualmente el de un instrumento de una sola línea, con toda suerte de duplicaciones inteligentes.

El segundo movimiento está basado en el movimiento lento del Cuarteto para Cuerdas Número 15 en La menor, Opus 132, de Beethoven. Este es el famoso movimiento en el cual Beethoven canta un himno de alabanza después de verse recuperado de una grave enfermedad. Tal vez Bartók tema la esperanza de que el componer un himno similar pudiera significar que él también se recuperaría. Ambos movimientos comienzan -con temas casi idénticos- con las cuerdas, que entran de arriba hacia abajo. Este material se alterna (otra vez en ambos movimientos) con el himno propiamente dicho, en bloques de acordes. El himno de Bartók siempre está en el piano y su parentesco con el de Beethoven es más de carácter espiritual que melódico. Igual que en el movimiento de Beethoven, el concierto avanza hacia una segunda parte completamente en contraste. Ambos compositores optaron por yuxtaponer la austeridad del himno a una música sumamente ornamentada, mucho más mundana. Bartók recurrió a algunos cantos de pájaros, que había anotado dos años antes en Carolina del Norte. Después de la sección de cantos de pájaros, el himno retorna en una versión ornamentada, igual que en el Cuarteto de Beethoven, donde el himno de alabanza es elaborado en su aparición final.

El tercer movimiento es un rondó que brinda el contrapunto que falta en los movimientos anteriores. Incluye dos fugas. Sin embargo, el ánimo no es para nada erudito. Es distenso, casi despreocupado: difícilmente el tipo de música que uno esperaría de un compositor que sabía que su vida estaba llegando a su fin.