Cuando uno era jovenzano estaba de moda la música de un fulano con bombachos y gafas que con una canción llamada U can’t touch this copaba las listas de éxitos del mercachifleo musical. Como es obvio, aclamado como precursor del rap y el hip-hop, el tipo en cuestión fue olvidado como siempre en estos casos justo al cuarto de hora de su éxito. Perplejo se quedó quien escribe cuando, todavía de joven y para más inri, en una de las millonésimas reposiciones de El equipo A que emitía (y sigue emitiendo) cierto canal televisivo español con cierta inclinación a lo cutre, descubrió este tema del ya fallecido (pero no creemos que por eso) Rick James, Super Freak, todo un homenaje a sí mismo (mucho ojito, que aunque el meloncio éste gaste semejante pinta en la foto, en sus inicios compartió grupo con todo un Neil Young), en un capítulo que contaba con el intérprete en un pequeño papel. Luego resultó evidente que M. C. Hammer había destrozado la (ya de por sí triste) canción de James para “rapear” (en esa asquerosa moda consistente en tomar una melodía de éxito y devaluarla poniéndole chumba chumbas varios, costumbre convertida en habitual ya y a la que se ha consagrado lo más vomitivo del espectro musical mundial, empezando por ese engendro llamado Madonna), despojándola, eso sí, de la guasa con que se la tomaba el autor original.

Avispados, los responsables de Pequeña Miss Sunshine, esa joya de la comedia dramática dirigida por Jonathan Dayton y Valerie Faris en 2006 recuperaron la versión original para la escena final, el número musical de la pequeña Olive (Abigail Breslin) en el certamen de belleza infantil con cuyo despliegue coreográfico ensayado durante horas en compañía de su abuelo, habitual de los bares de strip-tease, la niña escandaliza a la concurrencia y defeca virtualmente sobre semejante bochorno de concurso (lo cual es extensible a los de la misma especie protagonizados por mayores de edad).

Aunque ha participado en unos cuantos proyectos más desde entonces, es Venus, de Roger Michell (2006), la última ocasión en que Peter O’Toole, actor de amplia y muy irregular filmografía (nos quedamos con lo mejor, Lawrence de Arabia, Becket, Lord Jim, La noche de los generales, El león en invierno, Adiós Mr. Chips o El último emperador), nos ha obsequiado una vez más con una interpretación memorable encarnando de nuevo a un personaje carismático y atormentado al estilo de los que le han dado fama y reconocimiento pero con tintes mucho más amables que de costumbre, gracias al cual obtuvo una nominación al Oscar. Esta vez da vida a Maurice, un actor en los últimos momentos de su carrera que todavía realiza pequeños papeles televisivos y cuyos momentos de ocio transcurren en compañía de sus camaradas Ian (Leslie Philips) y Donald (Richard Griffiths), actores jubilados como él. Los tres se reúnen diariamente en un bar para hablar del pasado y del presente, chincharse, lanzarse dardos irónicos y tomar una copa en un ambiente de camaradería y recuerdos. Al menos es así hasta que Ian manifiesta su preocupación por la llegada de Jessie (Jodie Whittaker), la hija adolescente de su sobrina, que viaja a Londres para atenderlo como enfermera las veinticuatro horas por la falta de alicientes y de posibilidades laborales en el campo. La chica modosita, tímida y apocada amante de la vida tranquila y de la música de Bach que él espera es una joven muy distinta, devota de la comida basura, sin experiencia como enfermera y con un gusto por las bebidas alcohólicas impropio para su edad.

Curiosamente, y utilizando como metáfora de su relación la historia que rodea la pintura de Velázquez La Venus del espejo, será Maurice y no Ian quien conecte más fácilmente con la recién llegada, de manera que las cada vez más horas que comparten y que sirven a Ian para escapar de la perniciosa, para él, influencia de la joven, les ayudan a establecer un extraño vínculo que se mueve en el fino límite de la amistad, la relación paterno-filial, el nacimiento a la vida adulta, el último aliento de deseo carnal de un anciano, la necesidad de paliar sus respectivas soledades y, sí, también el amor, extraño, entre crepuscular, ingenuo y morboso, pero amor. Así, Jessie se abrirá a un mundo que desconoce (los teatros, los museos, las tiendas caras de la City) y Maurice sentirá nostalgia por un tiempo que ya hace mucho que pasó, volviendo a sentirse joven al internarse con una chica joven en la vida nocturna de Londres; sólo su trabajo y su mujer (Vanessa Redgrave), con la que ya no vive pero con la que sigue manteniendo el trato, pone un punto de sensatez en su vida.

La película está construida a la medida de O’Toole, existe por y para él. Tras más de veinte años en papeles menores o secundarios, incluso en producciones mediocres y malas, vuelve por todo lo alto para dar una lección de lo que significa interpretar, manejando su espléndida voz y su todavía mejor dicción a capricho (se recomienda encarecidamente más que nunca la versión original), y haciendo de su rostro un mapa de emociones. Consigue dotar a su personaje de una fuerza difícilmente igualable, quizá porque en cierto modo se interpreta a sí mismo y cede al personaje de Maurice buena parte de su propio bagaje para componer ese actor prácticamente acabado que lucha por ofrecer la mayor de las dignidades al menos una última vez, tanto en su carrera como en su vida personal.

Como complemento, un guión acertadísimo, tanto en los aspectos más dramáticos como con los toques de humor y sarcasmo, incluyendo fragmentos y réplicas desternillantes que explotan las manías, rarezas de los ancianos, y también sus carencias y remilgos a la hora de adaptarse a los nuevos tiempos, en el que la mayor virtud consiste en tratar temas espinosos, o que en otras manos daría lugar a aspectos morbosos, con elegancia y tacto, consiguiendo salir más que airoso. Con alguna que otra debilidad en el aspecto visual, predomina en la película la atención al texto del guión y a la caracterización de los personajes sobre cuestiones como el diseño de producción y la ambientación.

Bordeando, sin pringarse, aguas pantanosas como el morbo, saliendo indemne de los peligros del sentimentalismo o de la lágrima recurrente, la película es un acertado ejercicio de equilibrio entre drama y comedia en la que la ironía somardas y algunos momentos descacharrantes se alternan con una emotividad que en ningún caso es fácil ni gratuita, que conmueve sin apelar a lugares comunes o tópicos sentimentales, y cuya mayor expresión tiene lugar cuando Ian y Maurice visitan en una iglesia londinense, con nostalgia contenida, las lápidas de algunos de los más célebres actores británicos de todos los tiempos y se detienen ante los nombres de Boris Karloff, Laurence Harvey o Robert Shaw. Un homenaje más que merecido a la vida y obra de tantos actores y actrices que nos han hecho un regalo inmejorable: la oportunidad de disfrutarlos para siempre en la pantalla.

Título: Viaje a Darjeeling
Título original: The Darjeeling Limited
País: USA
Estreno en USA: 26/10/2007
Estreno en España: 04/01/2008
Productora: American Empirical Pictures / Cine Mosaic / Scott Rudin Productions
Director: Wes Anderson
Guión: Wes Anderson, Roman Coppola, Jason Schwartzman
Reparto: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Bill Murray, Amara Karan, Camilla Rutherford, Irfan Khan, Natalie Portman

Sinopsis:

Francis, Peter y Jack son tres hermanos que se han ido distanciando con el paso del tiempo y ya ni siquiera se hablan. La muerte de su padre los reúne de nuevo y de ese reencuentro surge la necesidad de volver a estrechar sus lazos familiares. Es entonces cuando Francis, el mayor de los hermanos propone un viaje en tren por la India a modo de peregrinaje espiritual. El recorrido lo harán en el Darjeeling Limited, la línea ferroviaria que recorre el país de un extremo al otro. Ya en el tren, comienzan las peleas, las disputas verbales y hasta físicas y su comportamiento llega a tal extremo que son obligados a apearse del tren. A partir de aquí, abandonados a sus propios recursos, comienza un nuevo viaje que no estaba en sus planes…

Opinión:

Vale, esta es una película de Wes Anderson, así que atente a las consecuencias. Y es que este director esta tras esas marcianadas llamadas “Los Tenenbaums” y “The Life Aquatic”, y este, aunque tal vez sea su largometraje mas accesible y comercial, va por la misma senda, humor absurdo, situaciones a cada cual mas extraña, chistes muy pero que muy sutiles y un ritmo pausado que no monótono, todo al servicio de un soberbio guion en el que se nos cuenta el viaje espiritual que emprenden tres hermanos a la India para intentar recuperar su perdida relación, así como volver a ver a su madre.

Tres hermanos

Y es que Anderson no es un director para todo el mundo. Su humor no va a gustar a mas de uno, ya que mas que comedias el tipo hace dramas profundos que disfraza de mascaradas. Para ello cuenta con un trió protagonista de lujo, encabezados por un soberbio Jason Schwartzman que da un recital de  como comerse la pantalla sin necesidad de abrir la boca, seguidos por unos espectaculares Owen Wilson y Adrien Brody. Amen de la aparición en plan cameos de gente como Anjelica Huston o Bill Murray.

Un viaje que cambiara sus vidas

Ademas de una banda sonora simplemente alucinante, y que casa a la perfección con las imágenes que estamos viendo. Imágenes dotadas de un colorido espectacular que resaltan la belleza de los parajes que van visitando en sus locas peripecias estos tres extravagantes hermanos. Una película recomendable al cien por cien, pero eso si, si buscas carcajadas por minuto, esta no es la tuya.

Puntuación:

7 / 10

En esta preciosa y agridulce película de Ted Demme, de 1996, descubrimos a la vecinita que todos quisimos tener, una joven dulce, sensata, espontánea, ácida, inteligente, irónica, hermosa, y con un puntillo de atractivo más que sugerente. El problema: sólo tiene 14 años. Esta joven era la promesa incipiente llamada Natalie Portman, y junto a Timothy Hutton, Uma Thurman, Matt Dillon, Mira Sorvino, Lauren Holly, Rosie O’Donnell, Michael Rapaport o David Arquette, forma parte del reparto de esta cinta de amistad, reencuentros, compromisos y desaparición de los sueños de juventud una vez llegados los 30. Un grupo de jóvenes se vuelve a reunir en un pueblo del medio oeste para la fiesta que conmemora el décimo aniversario de su graduación en el instituto. Esta película destila la nostalgia de la juventud perdida con diálogos acertados, trabajados, admirables, agudos y certeros.

Y uno de los momentos de clímax, cuando el grupo canta a voz en grito, y muy mal, este Sweet Caroline, del pasteloso intérprete Neil Diamond, que hace pocas fechas ha revelado que la canción surgió de la contemplación de Caroline Kennedy, la hija de J.F.K., mientras montaba en poney (mientras montaba ella). Qué cosas.

Seguimos con música casposa.

Esta fresca y preciosa película de 1996 dirigida por Isabel Coixet en tierras americanas cuenta en su banda sonora con dos clásicos imperecederos de la música de los sesenta, I’m sorry, de Brenda Lee, y para cerrar la película, el famoso Is not unusual, de Tom Jones.
Se permite karaoke.

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Resenha do filme P.s. Eu Te Amo (P.s. I Love You) – comédia dramática – Richard LaGravenese

Por: Natália Alves

O que fazer quando uma parte de sua vida morre? Tudo fica um tanto confuso, é difícil deixar uma pessoa partir, ainda mais se esta pessoa é tudo que você sempre desejou. Mas Gerry (Gerard Butler) teve uma brilhante idéia para ajudar sua esposa Holly Kennedy (Hilary Swank) a superar sua morte.

Gerry é irlandês e Holly o conheceu em uma viagem que fez até a Irlanda. Desde o momento em que ele a viu, já soube que era ela quem estaria sempre ao seu lado. Os dois se casaram e moram em um pequeno apartamento. Gerry trabalha dirigindo limosines e Holly tenta descobrir o que quer de sua vida profissional. Como todo casal comum, eles têm discussões banais e fazem as pazes sempre de forma engraçada e intensa, pois Gerry é muito bem-humorado e sempre tenta fazer da vida de Holly algo prazeroso de se lidar.

Mas logo no início, Gerry morre de câncer e durante todo o filme Holly tenta descobrir como deixar que uma parte de sua vida vá embora sem levar a outra parte. Através de um plano bem elaborado Gerry deixou cartas para Holly, que chegam algumas vezes pelos correios e outras vezes por modos descontraídos. Nestas cartas ele escreve o que Holly deve fazer para ir levando a vida sem ele, deixa dicas e a faz sair com suas amigas, Sharon (Gina Gershom) e Denise (Lisa Kundrow), para se divertir. No fim de cada carta ele assina desta forma: P.s. I Love You.

O que mais encanta neste enredo não são as atrapalhadas de Gerry, que nos causa boas risadas, e nem as loucas amigas de Holly, mas sim o fato de Gerry ter se preocupado com Holly a beira da morte. Gerry sabia que ia morrer e sua principal preocupação foi fazer com que sua esposa conseguisse aceitar sua morte e fazer com que ela encontrasse um objetivo na vida para seguir seu caminho. Se já é difícil encontrar alguém que nos de valor de verdade quanto mais um marido igual Gerry, que além de amar incondicionalmente sua esposa, aceitou a própria morte e o fato de que Holly devia seguir com sua vida.

Um filme interessante. Por não fazer uso da data como um motivo para piadas ou explicitação do espírito natalino, talvez. É uma família mostrando para  o espectador que os laços sangüíneos não implicam em amor necessariamente, mas em uma relação de troca, de obrigações e deveres. Reconhecimento. Corrijo-me, a premissa é que é interessante. O filme é prolixo, cada personagem tem seu momento de desabafo e seu momento de atitude com relação àquilo que lhe perturba. Cansa, né. Naquilo que posso denominar de “vida real”, nem todo mundo reage, qualquer que seja o estímulo. Não comparo o cinema a vida real, mas esse filme se supõe um retrato dela. Pior: uma lição.

Estruturalmente, a quebra da quarta parede se votla contra o filme. O filme é um filme. Pode haver quebra formal (deus me livre desse mal), investigação estrutural, psicodelia estética ou pirotecnia tecnológia. Que seja. Mas não se pode esquecer nunca que o cinema não é teatro. O cinema dialoga com o teatro, dialoga com as artes plásticas, mas o cinema não é e nunca será teatro. Sua investigação formal aqui, Sr. Desplechin, a que vem? Brecht já morreu faz um tempo e esse escolha para o seu filme não foi muito funcional.

Catherine Deneuve, você ainda é musa.

Nota: 7/10

Blockbuster sessão da tarde típico. Cenas engraçadinhas, personagens carismáticos (fora o tal Marley), nada de supreendente em termos técnicos. Aliás, direção bem preguiçosa, sem nenhum vigor. Closes, planos e contra planos, música emocional e apelativa que ora faz rir ou ora faz chorar. Óbvio demais.

Passatempo razoável, mas cumpre ao que vem. Quem leu o livro (comentários de pessoas no pós-sessão) se emocionou e achou digna a adaptação. De qualquer maneira, Alan Arkin sempre vale o ingresso.

Nota: 6/10

Pedazo de banda sonora, como casi siempre en el cine de Jim Jarmusch, la de Flores rotas, película en la que Bill Murray explota una vez más sus excelsas cualidades para poner cara de palo durante ciento y pico minutos, acompañado esta vez de mujeronas tales como Sharon Stone, Jessica Lange, Julie Delpy, Chloe Sevigny o Tilda Swinton. La película es estupenda y no poca culpa la tiene la magnífica música, de la que es buena muestra este There is an end, de The Greenhornes.

     Parece ser que Woody Allen le ha tomado el gusto a inspirarse en la literatura decimonónica para sus últimos trabajos. Si en Match Point tomaba el arribismo de Zola y la novela naturalista francesa como objetivo, en la incomprendida El sueño de Cassandra (lástima de final fácil) era la tortura moral de Dostoyevsky. Ahora, en su célebre antes de estrenarse producción barcelonesa, vuelve su mirada a Henry James y a sus americanitas perdidas en la libidinosa Europa. Vicky y Cristina, sus protagonistas, son herederas de Daisy Miller y las bostonianas que pergeñó en su momento el novelista neoyorquino.

            Ahí tenemos a Scarlett Johansson, Javier Bardem y Penélope Cruz, con la pobre Rebecca Hall de convidada de piedra, dando cuerpo a la fantasía española de Woody. Porque ese es el calificativo que merece este film, el peor en la carrera del genio neoyorquino. Tal vez abandonar el mundo anglosajón le siente mal o se sienta en deuda con nuestro país merced al Príncipe de Asturias. Pero la impresión que se tiene al ver Vicky Cristina Barcelona es que se lo ha tomado como unas vacaciones, tanto físicas como creativas. Si no, no se entiende este guión tan lleno de arbitrariedades y donde el topicazo más hiriente cae de vez en cuando. Es posible que a Woody le parezca de lo más normal que un sujeto pintor tenga el título de piloto y un amigo que le deje una avioneta. A lo mejor es para él un símbolo de la libertad española, pero es un disparate. Tanto más cuando esta secuencia es un pretexto para que los personajes se vayan a Oviedo para enseñarla para el morro. Claro que podía ser peor. En un momento de la trama dos de los personajes se van a Sevilla. Afortunadamente, se nos ahorra ese episodio.

            Y así va todo. El novio americano de Vicky es metido con calzador en la trama cuando decide irse a Barcelona porque es guay casarse allí con ella (¡). Para gozo de los nacionalistas de la debilitada ERC, la misma Vicky se halla haciendo un master en identidad catalana en sus Estados Unidos natales (!!). Hay en los jardines de Barcelona tocaores convenientemente morenos y barbudos interpretando el romance anónimo (!!!). Hasta las prostitutas del Raval son encantadoras en esta impostura de película. Pero lo que a Alcancero más rabia le dio fue el tratamiento del ex matrimonio encarnado por Bardem, cuyo talento se contagia del despiste general del film, y la insoportable Pé, que al menos tiene el detalle de retrasar su insoportable presencia a la segunda parte de Vicky Cristina Barcelona. Sus peleas no dejan de ser el tópico de la pareja ardiente y gritona latina made in Hollywood. Y es que insistimos que Allen lejos de su anglosajonia parece perderse.

            Además, Allen da un paso atrás pues vuelve a sus historias, que parecían superadas, de parejas que se cruzan y descruzan entre ellas, modelo que hace tiempo agotó y del que se salvo gracias al giro dado por la gran Match Point. Y se contagia del mal de gran parte del cine catalán de caer en huecos personajes de diseño, todos ellos artistas y que viven en grandes casas de campo, como si el tema inmobiliario que ahora está estallando no les afectara. Eso sí, Woody le regala por el morro a Scarlett Johansson unos primeros planos absolutamente dignos de los que Stenberg montaba a su musa Marlene Dietrich. Woody, viejo verderón, tú si que sabes.

Fernando Colomo es un superviviente sin sitio. Sigue agarrado como cual Peter Pan a la comedia madrileña de la que fue santo y seña en los tiempos de la Transición. Otros compañeros suyos de generación, como Fernando Trueba o Almodóvar, ya hace tiempo dejaron lo cañí y se metieron en jardines más sofisticados, pero él sigue a lo suyo. Lo malo es que no sólo se le ha parado el reloj a él como cineasta, sino que sus historias se contagian de ese infantilismo vital.

            Y es que viendo su última obra, Rivales, uno piensa que sus personajes no evolucionan y parecen incapaces de superar la fase anal. Colomo debe ser conciente de este problema e intenta darle más peso dramático a sus protagonistas, contando con la ayuda de Joaquín Oristrell e Inés París al guión, pero no lo consigue. Al final son todos unos obsesos sexuales como alumnos de instituto y eso parece ser el fin de sus vidas. Hasta los chicos que salen en el film parecen más adultos que sus mayores. Da igual el intento de densidad dramática de la trama, o que se quiera hablar en clave de comedia de las tensiones entre Madrid y Cataluña. Colomo siempre fue un tipo demasiado amable como para entrar a saco en nuestras diferencias territoriales o en cualquier detalle de los que ensombrecen el alma human y su devenir por este valle de lágrimas.

            Hay otro intento en Rivales de ponerse al día como es usar el ya manido truco de presentar a los personajes con historias separadas que al final confluyen. Esta vez tiene su lógica, puesto que todos ellos van a Sevilla a jugar o ver jugar a sus hijos una final de fútbol juvenil y ya el argumento les pone a huevo lo de relacionarse. Pero las diversas peripecias están muy desequilibradas. La de Ernesto Alterio y su hijo se parece demasiado a Carreteras secundarias, novela de Martínez de Pisón y película de Martínez Lázaro. La de la trastornada Kira Miró y los falsos guardias civiles es demasiado grotesca. Y el personaje de Juanjo Puigcorbé es absolutamente gratuito. Los actores brillan a un gran nivel pero poco pueden hacer para salvar unos papeles que ya vienen viciados desde el guión.

            Y entre tanta quincallería brilla con luz propia la gran Rosa Mª. Sardá. Ella da humanidad al mejor personaje y segmento de la película (o tal vez sea bueno por su presencia, quien sabe), una progre trasnochada a la que sólo queda el derecho al pataleo frente a un mundo tecnificado y cada vez más lejos de los ideales de los 60. Pero no es suficiente para que Rivales remonte el vuelo. Por cierto ¿sólo lo creo yo o Santi Millán se pasa la película imitando a Alberto San Juan? Y lo de meter a toda pastilla por todos sitios cárteles y anuncios de una determinada distribuidora de carburante y de determinada línea aérea llega a unos niveles bastante tristes, digno de una serie televisiva.

- CASAMENTO EM DOSE DUPLA

Título original: Smother

Gênero: Comédia

Ano: 2007

País:EUA

Duração: 92 minutos

Língua: Inglês

Classificação: 12 anos

Diretor: Vince Di Meglio

Elenco: Diane Keaton, Dax Shepard, Liv Tyler e Mike White.

Sinopse: Quando Noah Cooper é demitido de seu trabalho ele acha que seus dias não podem piorar. Mas, quando chega em casa, ela já esta cheia e vai à loucura quando Marilyn, mãe superprotetora de Noah chega com seus cachorros na cidade, precisando de um lugar para ficar. A história piora quando Noah precisa lidar com a pressão de arrumar um novo emprego, uma esposa que quer desesperadamente um filho e, o pior de tudo, uma mãe que não pára de incomodá-los

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- AGENTE 86

Título original: Get Smart

Gênero: Comédia

Ano: 2008

País: EUA

Duração: 110 minutos

Língua: Inglês

Classificação: 12 anos

Diretor: Peter Segal

Elenco: Steve Carell, Anne Hathaway, The Rock, Alan Arkin, Terence Stamp, Masi Oka e Terry Crews.

Sinopse: Maxwell Smart (Steve Carell), agente 86, tem a missão de combater os vilões que trabalham para o sindicato do crime chamado KAOS. Ele unido a sua companheira agente 99 (Anne Hathaway) tem como objetivo salvar o mundo da conspiração.

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- CINTURÃO VERMELHO

Título original: Redbelt

Gênero: Ação, Drama

Ano: 2008

País: EUA

Duração: 99 minutos

Língua: Inglês

Classificação: 14 anos

Diretor: David Mamet

Elenco: Rodrigo Santoro, Alice Braga, Chiwetel Ejiofor, Tim Allen, Emily Mortimer, Joe Mantegna.

Sinopse: Mike Terry (Chiwetel Ejiofor) é um mestre lutador que se afasta do circuito de competições para comandar uma escola que ensina luta autodefensiva em Los Angeles. Até que numa noite ele salva o famoso ator de filmes de ação Frank (Tim Allen) de ser espancado numa boate. Em agradecimento, o astro consegue trabalho para Mike na indústria de cinema. E é justamente aí que tudo conspira para que ele participe de competições de luta.

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- A QUESTÃO HUMANA

Título original: La question humaine

Gênero: Drama

Ano: 2007

País: França

Duração: 143 minutos

Língua: Francês

Classificação: 16 anos

Diretor: Nicolas Klotz

Elenco: Mathieu Amaric, Michael Lonsdale, Edith Scob

Sinopse: Psicólogo de uma coorporação petroquímica investiga um dos executivos da empresa. A experiência afeta seu corpo, sua mente, sensibilidade e vida pessoal. Prêmio da Crítica na Mostra de Cinema de São Paulo 2007.

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- O GUERREIRO DIDI E A NINJA LILI

Gênero: Infantil

Ano: 2008

País: Brasil

Duração: 95 minutos

Língua: Português

Classificação: Livre

Diretor: Marcus Figueiredo

Elenco: Renato Aragão, Lívian Aragão, Vanessa Lóes

Sinopse: No início do século vinte, um mestre oriental fica responsável pela educação de Lili, a filha de um oficial europeu convocado para a guerra.

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¿Qué opinará Michael Moore de La edad dela ignorancia cuando vea como su admirado Canadá, al que contrapone como modelo a la locura estadounidense en sus documentales, es un caos en este film de Denys Arcand? El presunto paraíso es en realidad un sitio con una burocracia inhumana, con un sistema sanitario desastroso y con un grado de incomunicación y competitividad que no tiene nada que envidiar al resto del mundo posindustrial. 

            Arcand cierra con esta película una inconfesa trilogía que inició hace 22 años con El declive del imperio americano y siguió con la soberbia Las invasiones bárbaras. En ellos hace una crítica de la generación progre, la que iba a cambiar el mundo en los 60 y sólo trajo a la larga el neoliberalismo salvaje, convirtiéndose en víctimas y verdugos. En la primera de la serie veíamos a un grupo de personajes atrapados en sus contradicciones. En la segunda, cómo el paso del tiempo les había afectado y se reunían para despedir a uno de ellos que se moría de cáncer. En su adiós y en su autoeutanasia se ennegrecía el discurso. En La edad de la ignorancia seguimos a un superviviente de esa generación. Tal vez envidie al que murió, pues su vida está completamente carente de atractivos.

            Pero hay mucho más que una desencantada crónica generacional en esta trilogía. Si seguimos sus títulos, vemos una nada inocente e irónica reflexión histórica. Al igual que la caída del imperio romano dio lugar al oscurantismo de la Edad Media, así nosotros estamos entrando en otra era similar. La película contrapone las fantasías del protagonista para evadirse de su triste realidad con el absurdo de un mundo tecnificado pero insensible. No obstante, este es el punto más débil la cinta. No añade nada a otras historias de corte similar. Pero es más efectivo el choque entre la insensibilidad de la administración frente a las tonterías New Age. Puede que estos funcionarios hagan feng-shui y motivación, pero luego no pueden dar respuestas a sus usuarios y a veces toman decisiones inhumanas. Como a esa víctima de un accidente a la que hacen pagar una farola que rompió en su desgracia.

            Es por ello que la mejor secuencia es la del torneo medieval, mitad fantasía de unos pocos mitad fiesta gótica para unos descerebrados. En ese policía que se transmuta de fraile en la mascarada y porta un discurso fascista está la caña de la película. Estamos en un mundo donde la tecnología no esconde que entramos en una nueva Edad Media donde la razón está marginada y el integrismo con visos de cruzada toma el mando. Ya hemos visto en la triste labor de este funcionario el fracaso del estado liberal y éste se halla desmantelado y las grandes corporaciones trasnacionales toman el lugar de los señores feudales.

            Arcand cuenta esto con su habitual humor dolorido. La pena es que La edad de la ignorancia tiene los fallos dichos de las fantasías y un final excesivamente largo y poco convincente, donde se defiende la vuelta a los orígenes comunales ante tanto caos. Pero a pesar de estos handicaps es un film inteligente y con los suficientes momentos álgidos como para justificar su visionado. No es el menor de ellos la aparición del cantante de moda, Rufus Wainwright.

Un poco de chocolate no hace justicia a su nombre, pues es mucho el dulce que da al espectador. Es un film donde los buenos sentimientos acaban empalagando. Habla del pintoresco grupo que acaban formando una panda de desclasados: dos hermanos ancianos, uno de ellos con alzeihmer, y dos jóvenes, un okupa que se mete en la casa de los anteriores y una auxiliar de clínica que anda enamorado del chico aunque no se atreve a decírselo.

 El film tiene muchos problemas, pero el más grave de ellos es que está construido en torno a su protagonista masculino, Héctor Alterio. Él lo focaliza todo y vemos la historia a través de sus enfermos ojos. El alzeihmer le lleva  a un cóctel indigesto donde mezcla la realidad y la ficción, sus deseos y sus recuerdos, un mundo a su medida, tierno y amable. Esta preponderancia del gran actor argentino daña la estructura, pues los demás actores de la cinta –la no menos grande Julieta Serrano, Daniel Brühl y Bárbara Goenaga- son meros sparrings de Alterio. Su labor prácticamente se limita a sentarse junto a él y escuchar sus monólogos. Y no es que el protagonista lo haga mal, pues da una interpretación a su nivel, pero es cansino y erróneo.

            Además, la narración es espesa y se queda sin nada que contar a la media hora de película. Resulta increíble que la chica encarnada por Goenaga se porte como una quinceañera en su enamoramiento de Brühl, así como la limpieza de su relación, que parece digna de Verano azul. Definitivamente, Un poco de chocolate no va a complicarse mucho con las oscuridades de la vida. A esto se añade una dirección tosca y tenemos la definitiva constatación de que el cine es como la vida: un empedrado de buenas intenciones no hacen una buena película necesariamente.

En un visionado superficial, Casual Day puede verse como una hija bastarda de Smoking Room. También hay una crítica a los usos y costumbres de las grandes empresas actuales a través de la relación de dominación entre sus empleados, pero el debut de Max Lemcke en la dirección llega más allá que la algo sobrevalorada película de Roger Gual y Julio Wallowits. Y eso que la primera escena hace temer que la inspiración de Smoking Room sea más que admiración. Afortunadamente, el film que nos ocupa encuentra pronto su propio rumbo.

            El Casual Day es una de estas prácticas que se han copiado de Estados Unidos, como el neoliberalismo y otras joyas del moderno orden mundial. Consiste en que los empleados de una empresa se vayan juntos al campo, dejando las corbatas en casa y conviviendo o fingiendo convivir. Uno cree que antes de esta moda ya en España teníamos los partiditos de fútbol los sábados y ese invento genial de las relaciones sociales que son las comidas de Navidad, pero no soy nadie para enfrentarme a la modernidad. La película habla de uno de estos Casual Day. En realidad resulta ser una trampa. Se aprovecha para hacer pruebas psicológicas a cargo de un profesional de los recursos humanos (encarnado por Alberto  San Juan) en las que se adivina el truco, como cuando consigue que uno de los empleados confiese que su bajo rendimiento laboral deriva de sus problemas matrimoniales.

            En realidad, el día contra el stress y por el buen rollito va dejando claro que las clases quedan patentes. Las diferencias son explotadas, como la planta que ocupa cada uno en el edificio, o la rabia de uno de los empleados cuando se queda fuera del reparto de un oso con su madroño. Hay un jefe –Juan Diego, que se está especializando en estos papeles- que no descansa y aprovecha el Casual Day para hacer alguna de las suyas, mezclando el paternalismo de los viejos lobos de empresa con los despiadados métodos actuales. La partida de Paintball que más que unir encona a los unos con los otros. Y, sobre todo, la historia que une a todas las demás: la del novio de la hija del jefe, una metáfora del empleo moderno. A pesar de no gustarle nada todo lo que ve, no tiene más remedio que ir tragando, incluso a través de un magnífico final donde queda claro que lo que importa es mantener el sistema. En el fondo, muchos somos como este chico. Con lo que se demuestra que este día no tiene nada de casual, sino que sirve para fortalecer los lazos, no emocionales, pero sí sociales.

            Lo curioso es que esta magnífica película no concursara en el pasado Festival de Málaga, como todas las españolas que se estrenan estos meses primaverales. A lo mejor es que es buena.

Wayne Wang saltó al Olimpo hace más de diez años cuando con la ayuda de Paul Auster filmó el delicioso díptico formado por Smoke y Blue in the Face. Pero la gran promesa que se adivinaban en estos filmes no se cumplió. Wang empezó una errática y fracasada carrera, que salvando La caja china incluye comedias con Queen Latifah y películas familiares con perro. Pero cuando el cineasta hongkonés afincado en Estados Unidos parecía definitivamente condenado al baúl de los juguetes rotos ha resurgido de sus cenizas con la magnífica Mil años de oración, ganadora del último Festival de San Sebastián. El hecho de que Auster fuese presidente del jurado no invalida los valores del film.

             Muy breve –no llega a la hora y media-, la película desarrolla con intensidad un buen catálogo de sensaciones. El origen de la historia es un ingeniero espacial chino que se traslada a Estados Unidos para estar con su hija, que acaba de pasar por un traumático divorcio. Entre ellos no hay sintonía. Aunque es la viga maestra de la trama, no es lo fundamental del film. Este tema se resuelve en una emblemática escena de conversación catártica. Lo más importante es que Wang ha hecho su “película americana”, en el sentido de hacer una cruel radiografía del país que lo ha acogido. La “mirada del extraño” del chino recién llegado al país del dólar es la que tuvo que poseer el director en su momento. Desfilan extraños paisajes urbanos, carreteras y viaductos, pero lo mejor es su fauna humana. Un país de emigrantes destinados a no entenderse entre ellos, chiflados porteros presuntos agentes de la CIA, un inquietante tendero con tácticas agresivas de venta, seguratas obsesionados con la seguridad que inunda el país tras el 11-S, rubias celulíticas en piscinas, etc. El inocentón ingeniero chino, perdido en USA, es el guía que nos lleva por un país roto por la incomunicación y sus taras. Es significativo que su hija hable más con su esporádico amante ruso que con su padre.

            El mensaje en realidad es demoledor, pero nadie lo diría viendo el elegante, minimalista y sensible estilo de Wang, que prefiere los sentimientos y el humor sutil al drama y al sarcasmo. Un hermosa película protagonizada por un grupo de magníficos desconocidos encabezados por un soberbio Henry O.

El film israelí La banda nos visita muestra algo que bien mirado agita una pesadilla en el inconsciente de los ciudadanos del país hebreo. No debe ser muy agradable ver a un montón de egipcios de uniforme, aunque sean una inofensiva banda de la policía, dar vueltas por los desiertos de Israel. La película, ópera prima de Eran Kolirin, ofrece este punto de arranque para su historia. Eso le ha valido premios internacionales y el comentario de que aboga por el diálogo entre judíos y árabes. Pero visto el film, esta lectura es muy limitada.

             Kolirin demuestra se un aplicado discípulo del genio finlandés Aki Kaurismaki, trasladando su marciano estilo del frío Báltico al luminoso Oriente Medio. Sus personajes son tullidos emocionales y un corrosivo humor recorre la cinta, ambientada en un desolado pueblo que deja en muy mal lugar la política estética de los Kibbutz . Esta influencia está más clara en escenas impagables como la del baile con patines. Incluso es imposible no pensar en los Leningrad Cowboys, el grupo que se sacó de la manga Kaurismaki para alguno de sus filmes y ha obtenido vida propia, y sus delirantes itinerarios. En circunstancias normales, se podría pensar que como en el finlandés, hay un negro cuadro de relaciones humanas. Pero el cineasta israelí lo lleva a un terreno más político, ya que la posibilidad de diálogo entre dos etnias, dos religiones, y dos pueblos enfrentados es inútil.

            Puede que haya generosidad en los habitantes del pueblo que acogen a la banda egipcia, pero eso no lleva a una comunión. Hay que agradecer a Kolirin que evite el fácil humanismo y nos ofrezca escepticismo envuelto en un frío humor. Al final la visita de los músicos será un acto protocolario, como demuestra el concierto final. Han venido a lo que han venido, a vender la idea de la amistad entre pueblos que no se materializa. Y es que parece que las nuevas generaciones criadas en medio del conflicto árabe-israelí no le ven mucha salida al tema.

Cobardes no es un film sobre Chiquito de la Calzada, sino el segundo del sorprendente dúo formado por José Corbacho y Juan Cruz, que dio la campanada hace dos años con Tapas. El cómico televisivo formado en el grupo teatral La Cubana y su compinche –es estos casos uno se pregunta quien de los dos es el verdadero cerebro- hacen un cine que no es lo que se espera de ellos, sobre todo del primero. Dramático y con un sentido social ausente de sus apariciones catódicas.

Su segundo film es curioso, porque tarda en detonar. Frente a los humildes currantes que protagonizaban Tapas, ahora los personajes son más burgueses. Tal vez eso lleve a una desnaturalización de lo narrado, pues se nota que los directores no andan tan finos con esta clase social, lo que lleva a una primera parte plagada de tópicos. Familias estiradas y diálogos un tanto de baratillo. Sin embargo, mediada la película, empieza a subir el interés cuando entran los verdaderos temas del film. El niño horrorizado por el acoso escolar (Bullying) que sufre a manos de una panda de sus compañeros es la excusa para sacar a la luz los miedos que atenazan a nuestra sociedad. Los padres que prefieren callarse antes de enfrentarse con los problemas de sus hijos. Los matrimonios qué viven con el miedo al fracaso. Los currantes acojonados por perder el puesto de trabajo. Los directores demuestran en este segmento de Cobardes un gusto por el detalle malévolo. En una reunión de padres se prefiere hablar de chorradas antes que de temas importantes. Cuando uno de los niños protagonistas acompaña a su progenitor a su trabajo oye de su jefe un “si no se cumplen los objetivos del trimestre ya sabes lo que pasa”.

El desenlace deja un regusto agridulce. Se escoge la figura del justiciero para arreglar el entuerto y el discurso más agresivo de Cobardes lo lleva un personaje que oculta una sorpresa que es algo discutible. Pero los últimos minutos parecen abonarse a la teoría de que la violencia genera violencia. Una película irregular pero muy interesante que tiene un pero. ¿Era necesario que la gaditana Paz Padilla ocultase su acento andaluz y hablase con uno perfecto de Valladoliz?.

Juno es una chava inteligente, particularmente mordaz y aguda, su vida cambia cuando decide tener relaciones con su mejor amigo Bleeker, un tipo sencillo y normal. Juno se convierte se convierte en la atípica adolescente embarazada, aceptando su problema de frente Juno decide dar a luz al bebé y se convence de darlo a una pareja casi perfecta, Mark y Vanessa Loring, que a su vez pasan por momentos difíciles por una cuestion de madurez. Juno crece  de una manera sorprendente en muchos aspectos relacionandose con su ambiente, en talla de cintura , entendiendo la vida, y compendiendo el amor en su vida.

La pelicula es simpatica, entretenida y sorprendentemente fresca, con un ritmo rápido y fluido. Propone una visión clara y significativa de un tema que por lo común es sordido y dramatico, la música fue algo completamente diferente a cualquier otro sonido puesto en pantalla. Las actuaciones fueron reales y muy probables, los dialogos estuvieron cargados de slang y de cultura popular americana, no es un film cursi, ni sobreactuado, ni pretende colocas un mensaje oculto, es fresco, sencillo y sabroso. (como las sandías).

3.5/5 estrellas

Segue abaixo as previsões de estréia dos filmes no circuito nacional.

- AS CRONICAS DE SPIDERWICK

Título original: The Spiderwick Chronicles

Gênero: Aventura

Ano: 2008

País: Estados Unidos

Duração: 96 minutos

Classificação: 10 anos

Língua: Inglês

Diretor: Mark Waters

Elenco: Freddie Highmore, Mary-Louise Parker, Nick Nolte e Sarah Bolger

Sinopse: Após a separação dos pais, dois garotos gêmeos, Jared e Simon (ambos interpretados por Freddie Highmore) e sua irmã Mallory (Sarah Bolger) se mudam com a mãe para uma casa em ruínas. Por meio de um livro mágico, eles se vêem transportados para um mundo de fantásticas criaturas. Baseado na série de livros homônima de Tony DiTerlizzi e Holly Black.

- Um Amor de Tesouro

Título original: Fool’s Gold

Gênero: Ação

Ano: 2008

País: EUA

Duração: 112 minutos

Classificação: 12 anos

Língua: Inglês

Diretor: Andy Tennant

Elenco: Kate Hudson, Matthew McConaughey, Donald Sutherland, Ewen Bremner e Roger Sciberras

Sinopse: Ben “Finn” Finnegan (Matthew McConaughey) é um surfista amante da natureza que é obcecado por sua busca a um lendário tesouro perdido no mar desde 1715. Em sua procura, Finn deixa de lado tudo que é importante em sua vida, incluindo seu casamento com Tess Finnegan (Kate Hudson). Ela está disposta a reconstruir sua vida e começa a trabalhar no iate do bilionário Nigel (Donald Sutherland). Quando tudo parecia estar perdido para Finn, ele descobre uma pista importante que pode levá-lo direto ao tão sonhado tesouro. Tess passa ajudá-lo e, nesta aventura, eles irão redescobrir o amor que os uniu. Porém, outras pessoas estão interessadas em achar o tesouro.

- Chega de Saudade

Gênero: Drama

Ano: 2008

País: Brasil

Duração: 92 minutos

Classificação: 14 anos

Língua: Português

Diretor: Laís Bodanzky

Elenco: Maria Flor, Betty Faria, Tônia Carrero, Paulo Vilhena, Cássia Kiss, Stepan Nercessian, Elza Soares.

Sinopse: Chega de Saudade conta, numa única noite, várias histórias vividas pelos freqüentadores de um salão de baile. Com muita música e dança, os acontecimentos fazem o espectador se sentir dentro da vida pulsante do baile. Sutil e empolgante, o filme, aos poucos, faz o espectador se sentir íntimo dos personagens e dentro do salão.

- Um Sonho Dentro de um Sonho

Título original: Slipstream Dream

Gênero: Comédia Dramática

Ano: 2007

País: Estados Unidos

Duração: 96 minutos

Língua: Inglês

Diretor: Anthony Hopkins

Elenco: Anthony Hopkins, Stella Arroyave, Lisa Pepper, Lana Antonova, Michael Clarke Duncan, Fionnula Flanagan, Jennifer Anne Franklin, Monica Garcia, Dana Generally, Saginaw Grant, Gavin Grazer

Sinopse: Próximo da terceira idade, um ator e roteirista de cinema vive em dois estados de existência: o mundo real e o mundo dentro de sua mente. Contratado para reescrever um filme de mistério, ele começa a confundir realidade e imaginação quando os personagens da trama aparecem em sua vida.