Hay canciones que no solo me gustan, me encantan. Esta es una canción que me mostró a un cantante absolutamente desconocido para mí hasta que, por casualidad, descubrí esta pequeña obra maestra. Él Jason Mraz, la canción, I’m Yours.

La canción la descubrí en el año 2008 y teniendo en cuenta que esta canción fue grabada en 2006 tampoco llevo un retraso tan descomunal.

Pero Jason Mraz no solo es esta canción, tiene más temas que demuestran que además de componer unas excelentes canciones es un gradísimo intérprete como en su tema Geek in the Pink o Lucky, de esta última tiene una versión en castellano con Ximena Sariñana, actriz y cantante mexicana que es todo un premio MTV.

Ritmo, musicalidad, alegría, optimismo y AMOR, SOBRE TODO AMOR, ¿qué más se puede pedir en una canción?

I’m yours

Geek in the pink

Lucky

Depois de minha amiga  Onilde, do Rio Grande do Sul,  me perguntar quem era o “bonequinho que eu conversava” na foto do cabeçalho do blog, me abriu a chance de falar de um dos maiores homens de comunicação do Brasil de todos os tempos, o bravo Ari Barroso.

E bravo mesmo! Uma das características do comunicador era a falta de paciência, que divertia tanto quanto deixava os calouros tremendo mais que “vara verde”. Mas até chegar ao comando de programas de rádio, uma longa estrada foi percorrida pelo mineiro nascido em Ubá, Minas Gerais em 7 de novembro de 1903 e radicado no Rio de Janeiro a partir de 1920.

Seu primeiro contato artístico com o público foi em sua cidade natal, aos 15 anos de idade, trabalhando como pianista auxiliar no Cine Ideal. Três anos depois compôs uma marcha em homenagem aos ubaenses e um cateretê de nome “De longe”. Cateretê ou Catira é uma dança indígena-africana, onde se faz duas fileiras, onde homens, de um lado e mulheres, de outro evoluem batendo os pés no chão, acompanhados por violeiros.

Dois anos depois chegando ao Rio começou a traçar um rumo. Passado um ano desde a chegada, se matricula na Faculdade de Direito, mas foi reprovado. Diante desse insucesso caiu de vez na vida de artista. Começou a trabalhar no Cine Iris (até hoje ainda existe, na Rua da Carioca) e fazer fundo musical para os filmes mudos tão em moda naqueles tempos, era 1922.

Em alguns meses depois, passou a fazer parte da Orquestra do Maestro Sebastião Cirino.  Já valorizado como músico, correu trecho como diz o mineiro. Sempre surgiam convites para apresentações fora do Rio de Janeiro e os anos vão passando. Finalmente em 1929 concluiu a Faculdade de Direito. A sorte era sua companheira fiel. Ari Barroso com suas performances ganhou vários concursos musicais e diante do sucesso e do dinheiro que chegava dando tranquilidade ao bolso, casou-se com Ivone Belford Arantes.  Continuou como compositor, com músicas de sucesso e logo se empregou na Rádio Philips, primeiro como pianista e em seguida como locutor esportivo. Mas como sobrava talento, acumulou também as atividades de animador e humorista.

Foi pra São Paulo, voltou pro Rio e para Rádio Cruzeiro do Sul com o programa “Hora H”.  Mais à frente lançou o “Calouros em Desfile”. Os concorrentes eram obrigados a só cantar músicas brasileiras. Depois a Rádio Tupi foi o seu destino.

Em 1939 explodiu com o seu maior sucesso que até hoje é cantado por muita gente boa da música, “Aquarela do Brasil”.

Em 1944 viajou pela primeira vez aos Estados Unidos e compôs para o filme Brasil, “Rio de Janeiro” que é indicada para o Oscar.

De volta ao país se envolveu em política e em 1944 é eleito o vereador mais votado do antigo Distrito Federal.

Foi várias vezes homenageado como grande personalidade, incluindo a Medalha de Honra ao Mérito que lhe foi entregue pelo presidente Café Filho, em 1955.

Torcedor fanático do Clube de Regatas do Flamengo, em 1960 se tornou vice-presidente do Departamento Recreativo e Cultural, do seu clube de coração.

Com essa nova conquista pessoal, a alma Rubro – Negra se encheu de luz ainda mais.

Infelizmente uma cirrose hepática veio para dar um fim em tão brilhante carreira. Depois de várias melhoras e recaídas, Ari Barroso faleceu em 9 de Fevereiro de 1964, deixando um legado de dezenas de obras de sucessos musicais e inspirações para muitos profissionais de comunicação.

Assista o vídeo com Roberto Carlos e Martinho Da Vila, interpretando “Aquarela do Brasil”.

http://www.youtube.com/watch?v=f_r4eCn0poE

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Pesquisa> http://www.arybarroso.com.br

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Leia Também> JORNAL AFOGANDO O GANSO/  http://afogamdooganso.blogspot.com

George Frideric Handel

George Frideric Handel (Georg Friedrich Händel en alemán) nació el 23 de febrero de 1685 y falleció el 14 de abril de 1759. Menciona Pedro Luis Martín Olivares que fue un compositor de origen alemán nacionalizado inglés de música docta barroca. La mayor parte de su vida vivió en Gran Bretaña.

Nació en la ciudad de Halle, ubicada en el centro este de la actual Alemania. Su padre era barbero y cirujano y había decidido que su hijo sería un abogado, pero cuando observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba en secreto, cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. Señala Pedro Luis Martín que de esta forma, Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle, Friedrich Wilhelm Zachau. A la edad de 17 años fue nombrado organista de la catedral calvinista de Halle.

Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del violín y del clavecín en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se estrenó en ese mismo lugar su obra Almira, y poco después Nero. Al año siguiente, aceptó una invitación para viajar a Italia, donde pasó más de tres años. En Italia, se representaron obras suyas en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, y al mismo tiempo Händel escribió música nueva, inspirado por la música de aquel país. Sobre todo, estudió y perfeccionó la forma de combinar su música con textos en italiano. Alega Pedro Luis Martín Olivares que gracias a la alta calidad de sus interpretaciones, conoció a importantes músicos y compositores italianos de la época, como Scarlatti, Corelli y Marcello.

Eu já falei que este não é o Alceu Valença...

Pois é Moraes, pra você ver. Quem diria que uma simples brincadeira, uma piada em um programa dominical tão criticado pelos cultos, chatos e eruditos guardiões da genuína cultura nacional iria aflorar a ponta do iceberg que é a sua música, sua poesia e a sua obra.

Pois é Moreira, eu ia lhe chamar. Para ver que pelas ruas, pelas veias, daqui ao pelourinho os jovens cantam que, enquanto a barca teimava em correr (mas não seria navegar?), seus versos abandonaram a suave melodia para – enfim – nos conquistar. Mas eu acho é pouco.

Pois é Moraes, pra você ver Moreira. Sobrenomes a estabelecer uma rica melodia, um choro em dó maior, um hino nordestino, ao som de um sanfoneiro, um sanfoneiro bom. Pelas capitais e por todo o Brasil ecoa a beleza de sua música que acompanha a maravilhosa malícia de um país que desce a ladeira.

Pois é Moraes, então chame gente. A gente se completa, se alegra e não se esquece das meninas do Brasil. Algumas dançam, outras viram os olhos em um mistério que nem todo o planeta pode desvendar. Mas besta é tu que prefere questionar porquês ao invés de admira-las até o sol raiar.

Pois é Moraes, acabou chorare. Da guitarra baiana, ao frevo de Pernambuco, do trio de Dodô e Osmar, você é o carnaval em cada esquina do coração do Brasil. És tu quem dá brasa às fogueiras de alegria e anima o nosso bloco – o ‘Bloco do Prazer’… “Escute esta canção que é pra tocar no rádio, no rádio do teu coração…”

Making off do programa Som Brasil Moraes Moreira

Acabou Chorare

Lá Vem o Brasil Descendo a Ladeira

Jussara Silveira – Besta é Tu

Aline Muniz – Bloco do Prazer

Márcia Castro – Vassourinha Elétrica

Três meninas do brasil – Meninas do Brasil

La muestra recorre la vida y obra del compositor tras varios estudios que niegan algunas leyendas.

A Isaac Albéniz le dolía España pese a ser profundamente catalanista. Su pasión nacionalista no le impidió divulgar como nadie la cultura española y marcó un rumbo que luego seguirían Manuel de Falla y Joaquín Turina, que lo etiquetó como “catalán moldeado en andaluz”. Pero por encima de todo fue un compositor cuya obra tiene un carácter universal que se ha querido remarcar en la última exposición conmemorativa del centenario de su muerte, que se cumple este año, inaugurada ayer por su sobrino-nieto y alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón.

La muestra, que se podrá ver hasta el próximo 31 de enero en el madrileño Centro Cultural de Conde Duque, lleva por título Albéniz, leyendas y verdades, y recoge algunos documentos donados por sus herederos que ponen el acento en su vida personal llena de medias verdades y falsas leyendas.

El comisario de la exposición, Justo Romero, afirma en el catálogo que la reciente publicación de rigurosos estudios musicológicos ponen en su sitio al pianista de Camprodon y permiten apreciar la profundidad de su obra. Nacido hace 149 años, Albéniz murió demasiado pronto, sin que hubiera desarrollado toda su capacidad creativa.

NUEVAS CORRIENTES

Tanto Ruiz-Gallardón como Romero destacaron en la inauguración la genialidad del compositor que a los cuatro años dio su primer concierto y engarzó musicalmente de manera magistral los siglos XIX y XX. Según Romero, “supo conjugar como ningún otro su pasión nacionalista con las nuevas corrientes estéticas que surgían en su tiempo”.

Como casi todos los artistas españoles de su época, Albéniz no tuvo en vida el reconocimiento merecido. En un momento “duro y doliente” de la historia de España, marcada por los desastres coloniales de 1898, el pianista “no tuvo una respuesta generosa al esfuerzo artístico que realizó”, dijo el alcalde madrileño.

El autor de Iberia era un hombre “extravertido, cosmopolita, abierto y plural”, plenamente inmerso en las tendencias culturales de su época, por encima de todas el modernismo. Su música, desde las castizas zarzuelas hasta las composiciones con pinceladas wagnerianas, fueron la “visión que un catalán tenía de España”, según Gallardón.

El rechazo que la capital estatal mostró a Albéniz desarrolló en él un sentimiento de amor-odio. Su “discurso severo” contra Madrid, pese a dedicarle su obra Lavapiés, se debió a juicio del alcalde, al desprecio que los editores metidos a empresarios teatrales mostraron hacia sus óperas frente a las de autores italianos o alemanes. Gallardón lamentó esa actitud tan española en la época de “dar la espalda a los artistas que van por delante de nosotros porque son capaces de identificar nuestros sentimientos”.

La exposición muestra algunas facetas menos conocidas de la vida de Albéniz, como por ejemplo, su interés por el arte.

Compositor español. Tras estudiar en el Conservatorio de Madrid, y a través de su maestro Pedrell, se familiarizó con la música popular española. Así compuso la ópera La vida breve (1905), de evidente carácter nacionalista.

En 1907 viajó a París, y su estancia en esta ciudad hasta 1914 fue decisiva en su obra, ya que allí conoció a Debussy, Dukas y Stravinski. Su estilo de influencia españolista se europeíza en obras como el concierto para piano Noches en los jardines de España (1915) y los ballets El amor brujo (1915) y El sombrero de tres picos (1919).

Hacia los años veinte su producción musical entronca con la línea neoclásica abierta por Stravinski. En esta etapa compuso la ópera El retablo de Maese Pedro (1922) y el Concierto para clavecín y orquesta (1926).

Hasta su exilio en 1939 en Argentina y su muerte en este país se dedicó a la composición de la gran cantata escénica Atlántida, que quedó inacabada y terminó Ernesto Halffter para ser estrenada en Barcelona en 1961.

Cádiz, España 1876 - Alta Gracia, Córdoba, Argentina 1946

Ryuichi Sakamoto. Foto de Santi Burgos publicada en El País

Hoy, miércoles 11 de noviembre de 2009 he leido esta noticia en El País, sección Madrid. Confieso que no conocía al personaje, pero tras leer la entrevista me parece que es encantador, además de culto, informado y una persona interesante.

Por eso transcribo la entrevista completa, aunque realmente es el titular lo que me llamó la atención y lo que quería comentar.

Asumo que para cualquier extranjero, Almodóvar es el representante de la cultura española, sobre todo por aquello de los óscars. Aunque en España habría muchos otros personajes de la cultura, tan relevantes y destacados como Almodóvar, escritores, artistas plásticos, músicos, incluso posiblemente cineastas. Desde luego la cultura española es algo más que el cine de Almodóvar.

Pero en lo que estoy plenamente de acuerdo con Sakamoto y con el titular destacado por Fernando Neira, es en que la cultura siempre será más importante que la política en general, y desde luego más útil, necesaria y enriquecedora que la monarquía en particular.

Y digo monarquía en particular, por lo que todos sabemos respecto a la importancia que tuvo la cultura durante los años de la II República.

Podría decir que hoy conocemos destacados nombres, obras culturales y el esfuerzo por la difusión de la cultura en general durante aquellos años de poetas, artistas plásticos, filósofos y pedagogos. A cambio nos resultaría más difícil nombrar a algún futbolista, aunque siempre se considerase el deporte como parte de la cultura y formación integral de las personas. Tampoco nos han llegado nombres de personajes famosos que lo fueran por el mero hecho de difundir su imagen y sus comentarios sobre cualquier tema en medios de comunicación. O por el hecho de ser el marido o la esposa de otro famoso. O por el hecho de ser muy rico, o tener un pene muy “Lekio”.

No sé si viene a cuento, pero aprovechando que ayer perdió el Madrid, me acuerdo ahora de aquella ocasión en que, tras vencer, los aficionados rompieron un brazo de la Fuente de Cibeles. El alcalde declaró al día siguiente algo así como que: “No importa, se le hace otro de escayola y listo”. Y luego multan a los jóvenes que rompen el “mobiliario urbano”. Para nuestros políticos monárquicos es más importante una marquesina de la parada de autobús que un monumento del patrimonio artístico nacional.

Desde entonces Manolo y yo siempre que jugaba el Madrid empézabamos a temblar.

En definitiva, cualquier representante de la cultura será más importante que el rey. Abajo la monarquía, viva la República.

ENTREVISTA: RYUICHI SAKAMOTO Compositor

“ALMODÓVAR ES MÁS IMPORTANTE QUE EL REY DE ESPAÑA”

Fernando Neira – Madrid – 11/11/2009

Figura entre los compositores más relevantes del último cuarto de siglo, pero Ryuichi Sakamoto (Nakano, Tokio, 1952) conserva una curiosidad inabarcable por todo lo que le rodea; tanta, que casi comprende el castellano sin haber recibido jamás una sola lección. Fundador de la mítica Yellow Magic Orchestra, autor de bandas sonoras inconmensurables (Feliz Navidad Mr. Lawrence, El último emperador, Tacones lejanos), creador de la música inaugural en los Juegos Olímpicos de Barcelona o ideólogo de las tendencias sonoras más contemporáneas, este hombre de modos exquisitos, humor amable y sonrisa burlona comparece esta noche en el Festival de Otoño con sus dos nuevos discos, de publicación simultánea: Playing the piano y Out of noise. Se dice “en el otoño de la vida”, pero encara el invierno con la agenda a rebosar: prepara un concierto para orquesta y koto (un instrumento tradicional japonés de 17 cuerdas) y la banda sonora de Norwegian wood, la película basada en la célebre novela de su paisano Haruki Murakami.

Pregunta. ¿Cómo convencernos de que el concierto de un hombre solo al piano no es una propuesta aburrida?

Respuesta. Cualquiera es muy libre de pensarlo, pero no comparto esa opinión. Yo mismo voy a conciertos de pianistas, incluso de intérpretes de clavicordio… y los resisto bien. El concierto es aburrido si la música es mala, con independencia de que la interprete un solista, una orquesta de cámara o un grupo de rock.

P. ¿Una buena melodía es aquella que se puede silbar?

R. Casi siempre, pero no es la condición indispensable. Aunque no sería capaz de silbar a Pierre Boulez, le aseguro que es muy bueno. Y en cambio cualquiera puede silbar el tema central de El padrino. Y lo hemos escuchado en demasiadas recepciones de hotel como para no habernos hartado de él…

P. Presume de hogareño. ¿Con qué música se levanta en casa?

R. No soy hogareño, sino perezoso. Como aborrezco los aeropuertos, prefiero el calor del hogar. Y allí escucho de todo, desde música medieval a tecno, ritmos africanos o sonidos del polo norte y sur. Lo único que no soporto es el country. Parece que Kenny Rogers es un tipo afable, pero nunca tendré un disco de él.

P. ¿Le han preparado algún planazo nocturno para su estancia madrileña?

R. Qué va. Tras el concierto salimos en autobús para Santiago de Compostela. Es un vehículo de dos plantas, con 14 camas, DVD y hasta Playstation, pero… no lo definiría como un gran plan.

P. Hable con Almodóvar y que le organice algo…

R. Con él ya experimenté la maravillosa locura de la noche madrileña, pero no sé si esta vez vendrá a verme. Es un hombre más ocupado e importante que el Rey de España. O que la Reina.

P. ¿Le enorgullece ser icono gay?

R. Desde luego. Sólo en lugares como Tejas no comprenden que la libertad sexual forma parte de las decisiones personales. ¿A quién se le ocurre, a estas alturas, limitar por ley la vida privada de las personas? Me alegro de que España figure a la cabeza en las conquistas sociales por la igualdad de los homosexuales.

P. Como usted se besó con David Bowie en Feliz Navidad Mr. Lawrence, igual tiene mano con él para convencerle de que vuelva a los estudios de grabación…

R. Me encantaría, porque yo también espero con ansia algún nuevo disco suyo. El problema es su entorno: se rodea de tantos ayudantes y colaboradores que resulta complicado comunicarse con él. Mi amigo David Sylvian es un hombre afable y natural, pero Bowie ejerce de superestrella.

P. Usted siempre se proclamó beatlemaniaco. ¿Se ha comprado la discografía remasterizada en estéreo o en mono?

R. ¡Las dos! Son muy diferentes y enriquece mucho compararlas. Además conservo los vinilos, claro. A ver si tengo tiempo de quintaesenciar mi discoteca particular, porque acumulo demasiada morralla. Lo ideal sería una habitación con una estantería de vinilos fundamentales de los años sesenta a ochenta y otra balda con los CD relevantes de las dos últimas décadas. Eso sería suficiente.

P. Usted compuso politonos para Nokia. ¿Cuál utiliza ahora en su móvil?

R. Uno que creé única y exclusivamente para mí. A veces es más difícil componer 20 segundos que cuatro minutos, créame. Mi politono actual apenas destaca sobre el ruido ambiental, así que supongo que ningún fabricante me lo compraría. Pero me gusta y sólo lo tengo yo.

P. ¿Existe algún japonés más universal que usted?

R. Yoko Ono, pero no estoy seguro de si es japonesa o no. Genéticamente sí, pero… ya me entiende. Y Kurosawa, claro. Pero todos somos irrelevantes en comparación con paisanos nuestros como Sony, Honda, Toyota o Panasonic. Esos sí que son importantes…

P. ¿Qué palabra japonesa rima con su apellido?

R. No es fácil encontrarle rima, pero ya sé que ustedes, los españoles, me podrían decir: “¡Saca la moto, Sakamoto!”. ¿O se creía que no estaba enterado?

Ryuichi Sakamoto actúa esta noche (21.00) en el Teatro Circo Price. Entradas, a 40 euros en www.entradas.com

http://www.elpais.com/articulo/madrid/Almodovar/importante/Rey/Espana/elpepiespmad/20091111elpmad_9/Tes

A cantora Vania Abreu comemora 15 anos de carreira em apresentação
dia 19 de novembro, quinta-feira, às 21 horas, no Teatro Bradesco.
O registro do show será lançado em DVD, o primeiro de sua carreira,
com a direção artística de Daniel dos Santos e direção musical
de Paulo Dáfilin. O cantor e compositor Chico César fará participação
especial.

LEIA MAIS NOS SITES
:: SORTIMENTOS.COM >> http://www.sortimentos.net/?p=4036
:: GEBBEG >> http://gebbeg.com.br/?p=7153

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Mais entretenimento e cultura musical e instrumental para você!

Agenda de Shows de Michel Leme:

Programa Michel Leme & Convidados
12 de Novembro de 2009

Nesta quinta, Michel toca com os baixistas Jim Stinnett e Todd Johnson. O programa é transmitido ao vivo pelo www.tvciadamusica.com.br todas as quintas-feiras, às 19h30min. Para conferir in loco, venha ao auditório da Cia da Música!

Endereço: Rua Afonso Celso, 124 – Vila Mariana (SP), ao lado do metrô
Fones pra informações e reservas: 11 5574-0039
Horário: 19h30min
Couvert: Entrada Franca!

Projeto Toca Brasil
14 de Novembro de 2009

Michel Leme toca em frente à loja Matic instrumentos, às, na. Música na rua!

Endereço: Rua Teodoro Sampaio, 850 – Pinheiros/ SP
Horário: 16h

Twitter |  Site

Ao Vivo Music

Agenda de Novembro:

Polissíntese Jazz Group – 1º Show
20:00hs às 21:30hs

Quatro mentes em perfeita harmonia deflagram composições elaboradas, junto a releituras muito particulares de obras de outros autores, recheadas de improvisação e muita energia.

Bruno De La Rosa – 2º Show
22:30hs

Violonista, compositor e dono de uma belíssima voz, o músico apresenta show com composições próprias, além de canções de grandes nomes como Toquinho, Vinicius de Moraes, Carlos Lyra, Chico Buarque e Edu Lobo. Já se apresentou com Francis Hime (seu parceiro musical), Gerson Conrad (ex Secos e Molhados), entre outros.

Ao Vivo Music
Endereço: Rua Inhambu, 229, Moema.
Tel.: (11) 5052-0072 – São Paulo – SP Brazil
Horário de Funcionamento: de Segunda à Sábado, das 19h as 02h.
info@aovivomusic.com.br
www.aovivomusic.com.br

Sostiene Pereira (piano solo) Ennio Morricone

Mercuziopianist

Hoy, ‘La del Soto del Parral’, a cargo de la Compañía Lírica de Madrid

Si el otoño se dibuja con el desnudo de los árboles, el Teatro Cervantes lo identifica con la música. El clásico del género chico ‘La del Soto del Parral’, a cargo de la compañía Lírica de Zarzuela de Madrid, abre esta noche, a partir de las 22.00 horas y por 20 euros la butaca, la segunda edición del Festival Otoño, Arnedo y la Música.

Este formato es por el que ha apostado la Concejalía de Cultura para renovar los noviembres musicales en la ciudad, desde el 2007 con la cita veterana del Festival de Zarzuela. Pero esa renovación no supone aparcar el género chico, que tiene muchos aficionados en la comarca. Es por ello que el arranque de esta segunda edición es con este clásico estrenado en el madrileño teatro de La Latina en octubre de 1927.

«Todos los fieles al antiguo festival de la Zarzuela han disfrutado de esta compañía, un público que salió bastante contento en la última edición en el 2007, lo que nos garantiza calidad», ha presentado la concejala de Cultura, Juani Hernández, sobre la compañía de ballet, coro y orquesta lírica protagonista esta noche.

Otras dos citas

La segunda edición del Festival prosigue los dos siguientes sábados: el próximo con un concierto lírico de la compañía Ópera Magna y el tercero que celebrará los 25 años de Javier Segarra.

La temporada de zarzuela organizada en Irun por la Asociación Lírica Luis Mariano llega a su conclusión con la puesta en escena el 14 de noviembre (20.00) en el Amaia Kultur Zentroa de La del soto del parral, obra compuesta por los maestros Soutullo y Vert, que se presenta en una producción de la compañía Antología de la Zarzuela.

Tras la representación el pasado mes de junio de ‘Gigantes y Cabezudos’, la zarzuela vuelve a nuestro escenario para clausurar esta exitosa temporada 2009 el próximo 14 de noviembre. El título escogido para tal ocasión es La del Soto del Parral, compuesta por los maestros Soutullo y Vert.

Siguiendo con la moda de la época de centrar argumentos en diversas regiones españolas y resaltar su folclore, esta zarzuela se ambienta en la campiña segoviana, donde como a veces suele ser habitual en los pueblos, los cotilleos y chismorreos típicos y sin fundamento ponen en peligro amistades y amores. Aunque ‘La Leyenda del beso’ y ‘El Último Romántico’ aún se mantienen en el repertorio, se trata prácticamente de la única zarzuela de estos maestros que ha perdurado en el tiempo y que aún se representa a menudo, debido quizás a la seriedad de su argumento, pero sobre todo a la magnífica orquestación, en algunos momentos semejante a una opera en cuanto a intensidad dramática y composición.

En la obra cabe destacar la romanza de Germán ‘Ya mis horas felices’, una de las más famosas y bellas compuestas para barítono. La función será llevada a cabo la compañía Antología de la Zarzuela, que tendrá como director musical al irundarra José Antonio Irastorza, mientras que la dirección escénica corre a cargo Antonio Ramallo.

Calixto Bieito firma la puesta en escena de la ópera ‘A la casa dels morts’ que se estrena el próximo domingo 8 de noviembre en el Teatro de Basilea. El libreto de la ópera, compuesta por el checo Leos Janácek y estrenada por primera vez en 1930, se basa en la novela La casa de los muertos (1862), de F. Dostoievski sobre la vida en un campo de prisioneros de Siberia.

Bieito firma también, junto con Philipp Berweger, la escenografía del espectáculo que incluye un avión real de grandes dimensiones sobre el escenario. La dirección musical de esta producción está a cargo de Gabriel Feltz.

Este es el cuarto espectáculo que Calixto Bieito estrena en el Teatro de Basilea, después de las óperas Don Carlo, de Verdi en 2006 y Lulu, de Alban Berg en 2009, además de una antología de zarzuelas, Pasión, dirigida en colaboración con Joan-Anton Rechi en 2008. El Teatro de Basilea ha sido escogido “Teatro operístico del año 2009” por la prestigiosa revista alemana Opernwelt

Por otra parte, esta es la segunda vez que Bieito trabaja en una ópera de Janácek, autor del cual ha estrenado anteriormente Jenúfa en la Ópera del Teatro de Stuttgart en 2007 y en el Teatro Nacional de Weimar en el 2008.

El director escénico y director artístico del Teatre Romea de Barcelona, Calixto Bieito fue galardonado este verano en Basilea con uno de los Premios de Cultura Europeos que otorga la fundación Pro-Europa, por su innovadora contribución al ámbito operístico.

José Antonio Abreu

El Maestro José Antonio Abreu recibió el día 4 de noviembre de 2009, en la ciudad de Las Vegas, el premio Grammy Latino en su versión Honorífica, por su aporte a la música a través de El Sistema.

Para Pedro Luis Martín Olivares, este galardón ha sido el fruto del esfuerzo de un cúmulo de profesionales de la música que le han acompañado a José Antonio Abreu desde la creación de El Sistema, por lo que no pudo dejar de compartirlo con ellos y los miles de jóvenes en las filas del movimiento musical, que lidera desde hace 35 años.

En declaraciones a los medios de comunicación, Abreu dijo sentirse muy comprometido con el premio, y con todos los educadores que han trabajado en El Sistema, por lo que ellos también son protagonistas de esta distinción.

Así mismo destacó que continuarán trabajando porque la música es “una causa fundamental, una victoria”.

Eduardo Marturet, reconocido director venezolano fue el encargado de entregar el Grammy Honorífico a José Antonio Abreu en compañía del concertino de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar Alejandro Carreño y la violinista Verónica Balda.

Pedro Luis Martín Olivares ha reseñado una entrevista con José Antonio Abreu, el día 4 de noviembre en la que éste destaca su percepción al recibir el Grammy:

“Mi mayor premio es que sigan existiendo oportunidades para los niños y jóvenes pobres, que podamos continuar en la lucha por la educación musical en Venezuela, por el derecho de los niños y los jóvenes de mi país a la educación musical y sobre todo para que los niños y jóvenes de bajos recursos en mi país participen plenamente de los derechos a la educación al más alto nivel”.

José Antonio Abreu

En un tono altruista, este hombre de 70 años abogó porque numerosos premios y reconocimientos que ha venido recibiendo el sistema de orquestas juveniles venezolanas, cruce fronteras y se comprenda la necesidad de seguir apoyándolo. “Para los niños pobres los mejores instrumentos, para los niños pobres los mejores profesores, para los niños pobres las mejores instalaciones y por eso es que estamos aquí luchando para que a través de la música sigamos rescatando para el mundo y la humanidad lo más noble del espíritu de los jóvenes”, recalcó.

Pedro Luis Martín Olivares asistió al evento junto a otros músicos que también fueron premiados, como el roquero argentino Charly García, los artistas mexicanos Marco Antonio Muñiz y Juan Romero, la cantante peruana Tania Libertad, la brasileña Beth Carvalho, que no asistió, y el percusionista cubano Cándido Camero.

Ricardo Aguirre

Muere en 1969 en un fatal accidente automovilístico el compositor y músico Ricardo Aguirre, llamado con justicia “El Monumental de la Gaita”. Argumenta Pedro Luis Martín Olivares que se consolida como gaitero en 1960 cuando funda varios grupos de este popular ritmo, siendo el  más famoso Los Cardenales del Éxito.  Aguirre escribió numerosas gaitas, pero de todas la que más ha tocado la fibra sensible es la Grey Zuliana, convertida en algo así como un segundo himno del Zulia.

Herbert Vianna - cantor e compositor

“Pelo amor de Deus, eu não quero usar nada nem ninguém, nem falar do que não sei, nem procurar culpados, nem acusar ou apontar pessoas, mas ninguém está percebendo que toda essa busca insana pela estética ideal é muito menos lipo-as e muito mais piração?

Uma coisa é saúde outra é obsessão. O mundo pirou, enlouqueceu. Hoje, Deus é auto imagem. Religião é dieta. Feia só na estética. Ritual é malhação.
Amor é cafona, sinceridade é careta, pudor é ridículo, sentimento é bobagem.

Gordura é pecado mortal. Ruga é contravenção. Roubar pode, envelhecer não. Estria é caso de polícia. Celulite é falta de educação. Filho da puta bem sucedido é exemplo de sucesso.

A máxima moderna é uma só: pagando bem, que mal tem?

A sociedade consumidora, a que tem dinheiro, a que produz, não pensa em mais nada além da imagem, imagem, imagem. Imagem, estética, medidas, beleza. Nada mais importa. Não importam os sentimentos, não importa a cultura a sabedoria, o relacionamento, a amizade, a ajuda, nada mais importa.

Não importa o outro, o coletivo. Jovens não têm mais fé, bem idealismo, nem posição política. Adultos perdem o senso em busca da juventude fabricada.

Ok, eu também quero me sentir bem, quero caber nas roupas, quero ficar legal, quero caminhar, correr, viver muito, ter uma aparência legal, mas…

Uma sociedade de adolescentes anoréxicas e bulímicas, de jovens lipoaspirados, turbinados aos vinte anos não é natural. Não é, não pode ser. Quer as pessoas discutam o assunto. Que alguém acorde, Que o mundo mude. Que eu me acalme, Que o amor sobreviva.”

“CUIDE BEM DO SEU AMOR, SEJA ELE QUEM FOR”

Herbert Vianna
Cantor e compositor

Texto sugerido pelo internauta Fabrício Margotto.

Mónica Lowick-Russell

Sentado en una silla blanca, con las manos cruzadas y su mirada perdida donde no se puede uno imaginar, se encuentra Patricio Manns. Es la historia en carne y hueso, contempladora y silenciosa. El sutil sonido del viento marino y el cantar de las gaviotas aleteando lo hacen perderse en sus pensamientos incesantes que, con el pasar de un segundo, se convierten en palabras. “En Chile está la cultura de los muertos, no la cultura de los vivos”.

En un solitario edificio, a la orilla de las playas de Con-cón, vive el legendario cantautor. Allí, en el esporádico encuentro con jóvenes hambrientos de recuerdos ajenos, rememora su vida, su obra, sus dolores y sus triunfos.

Se encuentra viviendo el desexilio, como él mismo afirma, recordando las palabras del escritor Mario Benedetti; es el retorno luego de su vertiginosa y obligada despedida, 34 años atrás. Manns está de vuelta en su país y Chile aun no lo sabe.

El primer logro musical del cantautor fue ganar el Festival de Cosquín (Argentina) en el 59, con su canción Bandido, desde ese momento sería una de las figuras, junto a Víctor Jara, Isabel y Ángel Parra, que sentó las bases del movimiento de la Nueva Canción Chilena. “Creo ser una figura relevante de la música chilena. No sé si eso es ser parte del panorama musical actual o no. Te puedo decir que cada día que pasa músicos jóvenes y no tan jóvenes graban mis canciones. Creo también que Jara, Violeta, Advis y yo somos irrepetibles”, afirma Manns.

Una familia musical se formó en el 65, al abrir la Peña Carmen 340, más conocida como la Peña de los Parra. Formada también por otros importantes apellidos artísticos; fue el primer lugar de interés entre nacionales y extranjeros que disfrutaban de la cultura y de la bohemia chilena. Manns cofundó dicho lugar, ahí compuso canciones coronarían su carrera musical, además de lograr un reconocimiento a nivel masivo. Valdivia en la niebla y Arriba en la Cordillera las concretaría un día cualquiera, para presentarla en la peña esa misma noche. Era una de las características de los músicos: utilizaban la improvisación para formar su repertorio. “De repente hablábamos con Jara y me decía ‘oye mira, escúchate esto, estoy haciendo esta cosa’, así, me mostró Te Recuerdo Amanda cuando la estaba empezando y yo le mostré Arriba en la Cordillera, era un trabajo maravilloso”, recuerda emocionado el compositor.

La peña era un lugar de encuentro donde la luz la entregaban el centenar de velas que adornaban el recinto, lleno de redes de colores que prendían el ambiente y las energías de las personas que la visitaban, “…éramos una cooperativa, trabajábamos juntos, mientras unos cantaban, otros estaban sirviendo tragos, empanadas, anticuchos”.

Toda su carrera artística está marcada por su militancia política, aportando como periodista y músico a la campaña presidencial del 64 y del 70 del fallecido Salvador Allende, siendo el último año el triunfo del ex presidente. En su disco Patricio Manns (1971) aparece la premonitoria canción No cierres los ojos, que habla del triunfo de la Unidad Popular e incluye versos premonitorios del Golpe.

En un sitio aislado del sur de Chile, bajo noches oscuras, entre montañas inmensas y el silencio que otorga la falta de luz eléctrica, nace Patricio Manns. En un lugar de su casa yacía una guitarra, prediciendo quizás el destino de uno de los grandes de la música popular chilena. Con ella se acompañó y como si siempre lo hubiera sabido, comenzó a tocar, las armonías nacieron con el natural movimiento de sus dedos, dedos que no todavía no encuentran descanso. 

Patricio Manns llegó a sexta preparatoria y no tuvo estudios universitarios, sin embargo, además de ser músico y compositor, ha explorado y ha sido reconocido en el mundo de la escritura y la dramaturgia.

A mediados de los 60 llegó a Santiago a trabajar como periodista, en el canal 9 de la Universidad de Chile. Fue allí donde se gestó la idea de componer una cantata y comenzó a escribir Sueño Americano, disco con una serie de canciones referentes a la historia de América, desde su descubrimiento. Sin poder llevar su guitarra a sus jornadas laborales, compuso todo de memoria. Aquel trabajo es considerado la primera cantata de Sudamérica.

Al poco tiempo del golpe militar, Patricio Manns se vio obligado a dejar el país. Con un bolso pequeño en donde llevaba con suerte un cepillo de dientes, un calzoncillo y unos calcetines, y luego de estar más de dos meses oculto en Chile, con la posibilidad inminente de que le dieran muerte, llegó a La Habana. En el aeropuerto lo esperaban a él y a otros de sus camaradas, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés.

La relación con Silvio Rodríguez se hizo estrecha. Él llegaba todos los días a la pieza donde se estaba quedando Manns, y religiosamente tocaba su timbre a las once de la mañana. En ese cuarto de hotel, en un catorceavo piso, sólo con el mar de espectador, estos dos hombres se hicieron amigos y en ese intercambio de melodías y pensamientos, hicieron historia. Patricio Manns presenció la creación de la mundialmente conocida Sueño con Serpientes, de Silvio, y él, a su vez, contempló como el chileno plasmaba su nostalgia en Cuando me acuerdo de mi país, canción que 17 años después sería coreada por jóvenes compatriotas.

Ni la dictadura, ni los años de exilio, evitaron que Patricio Manns continuara el trabajo que venía haciendo desde el 60. Trascendental resultó para la historia de la música popular chilena y latinoamericana, el trabajo que realizó junto a Horacio Salinas, José Seves y los Inti-Illimani en general, con quienes grabó Retrato y Vuelvo, en coautoría con Salinas, por nombrar algunas. Además de sus aportes a la agrupación Quilapayún. Todos logran conquistar los escenarios europeos, atrayendo las miradas del continente.

En estos 20 años compone canciones todavía recordadas como Balada de los amantes del camino de Tavernay, La dignidad se convierte en costumbre, El equipaje del destierro, Palimpsesto, entre tantas otras.

Corría el año 1990, la dictadura había terminado y las emociones se apoderaban de todos los chilenos. Patricio Manns vuelve a su país. Pensando que ya nadie lo recordaba, lo invadió la felicidad al darse cuenta que chicos que ni siquiera habían nacido al momento de su partida, conocían y cantaban sus canciones. Alrededor de cinco mil personas se agolpaban en el estadio Chile para presenciar en vivo al ídolo y sobreviviente de la Nueva Canción Chilena.

Hoy se encuentra realizando su último trabajo discográfico, un disco que está en gran parte dedicado a la ecología y a los que él considera los problemas de nuestro tiempo. Aunque como siempre dedica algunas pistas al amor, siendo fiel a su historia discográfica. Lo acompaña  con los arreglos el pianista de jazz Gonzalo Palma y, si todo sale como espera, estará lanzándolo a finales de este mes.

“Este año estoy viviendo una serie de homenajes, primero fue el coro de jóvenes la orquesta juvenil en el gimnasio del Colegio Melipilla, donde unos 350 jóvenes de menos de 18 años cantaron mis canciones en un formato que llamaron Cantata la vida total. A ellos y ellas se sumó el coro de los presos de Talagante, todos bajo la dirección de Jaime Herrera, fue maravilloso. Este mes se estrena en Concepción Patricio Manns Sinfónico, con la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Concepción y su Coro Polifónico, y como solista va José Seves. Los directores y arregladores fueron Guillermo Riffo, Mario Villalobos y Carlos Zamora. Además, la Universidad de Concepción y la Universidad de Playa Ancha me han presentado al Premio Presidente de la Republica que se dará en noviembre de este año. La prensa nada dijo”, Patricio Manns.

 

Sentado en el camerino de las discoteca “Pa lo Bonito” de Bogotá, minutos antes de una presentación junto a Pillao Rodríguez a quien ha acompañado como corista por varios años, estaba sentado frente a mi el compositor de la que muchos han llamado LA CANCION DEL AÑO 2009: “MALO”
“Compadre esa canción tiene una historia muy curiosa porque yo nunca se la entregué a LOS GENIOS directamente sino a un amigo mío, un productor Vallenato muy reconocido, Braulio Tilano. Yo se la di a él y luego me vine a entera´ que se había convertido en un éxito. Me empezaron a llamar desde Medellín y Antioquia a decime: Oye Llera, esa canción tuya esta sonando por aca… y yo me puse contento porque no esperaba una reacción tan grande no solo en el público en tan poco tiempo”
A Manuel Pineda ya le han grabado varias canciones, artistas como Pipe Peláez, Los Iguaran y Jorge Mario Peña han confiado en sus letras pero ninguno de sus temas se había vuelto protagonista como el famoso MALO. Yo le pedí que me contara la historia y con detalles me dijo: “Yo soy de El Cerro, San Antonio (Magdalena) pero esa letra me salió EN EL AÑO 2005 una vez que estaba sentado en el parque de otro pueblo (Sabanalarga-Atlantico) y de un momento a otro pasó en una moto una pela´ de nombre Novelis que fue novia mía, ja! yo me acordé de muchas cosas que me habían pasado con ella y yo le dije que había sido malo conmigo y en ese momento empezó a fluir la letra, ahi mismo me entró el afan y busque a un amigo que tenía un estudio pequeñito y le dije que me pusiera a grabar y luego que comencé no paré de hacerla completica. El orden fue las estrofas primero y por ultimo el coro”. Y pensar que el coro fue el que se quedó entre la gente: MALO, A MI CORAZÓN LO VOY A PONER MALO, LA QUE VENGA ME LA GOZO Y LA DESPACHO, Y NO ME ENTREGO A NADIE, NO ME ENAMORO DE NADIE Y ASÍ SABROSO LA PASO. Compadre usted viera la felicidad que me da saber que esa canción ya se convirtió en un himno en toda Colombia y claro que me cambió la vida, ahora me llaman muchos grupos que quieren grabame y yo a todos les respondo, me tomo mi tiempo y trato de cumplirles a los que me buscan con insistencia y quieren contar con mis letras. No cabe la menor duda, a mi MALO me cambió la vida, con decile que yo por descuidao no estaba ni afiliado a Sayco y me tocó hacer esa vuelta pa la platica de regalías por derechos de autor. Le agradezco a mi amigo Braulio Tilano que fue quién tuvo en cuenta la canción para darsela a los pelaos, a Jorge Pabuena y Los Genios quienes fueron los que a la final me la grabaron y con su estilo hicieron que gustara en toda Colombia, y a usted compadre Jota que me da la oportunidad para que la gente conozca aún mas de mi…”
En ese preciso momento, el presentador del evento tomó el microfono y anunció a Pillao y su grupo en la tarima por eso tuvimos que finalizar nuestra conversación. “Llera” quedó inmensamente agradecido por esta pequeña crónica y quedó endeudado con BlogVallenato pues nos prometió enviarnos la versión de la canción en su propia voz y que logicamente ustedes disfrutaran a través de BV.

Last night at the Mandalay Bay Casino in Las Vegas, every Latino Celebrity and Latin Press was in attendance to celebrate Juan Gabriel’s homage in Latin Music. For those of you who do not know who Juan Gabriel is? Well let me give you a lil bit of insight and 411 about who this Talented individual is and why we as Latinos admire his art and talent.

Born in Paracuaro, Michoacán, he attended boarding school in Ciudad Juárez, Chihuahua^[3], but he left to work as a craftsman at the age of 13. Already a songwriter, he began his performing career in nightclubs and local television using the stage name Adán Luna. A lot of his musical skills were also learned from an older man that befriended Alberto at an early age. He perfected playing the guitar and eventually changed his name to Juan Gabriel to honor his friend and his father, dropping Adan Luna completely.^[4] Juan Gabriel is best known for his first hit single “Querida” and his recent “Abrázame Muy Fuerte.” [Source: Wiki]

I’m not finished that’s just the beginning… This man has written some of the most heartfelt music that anyone can imagine. My all time favorite was when he and his Spaniard friend, Rocio Durcal started collaborating together. It was a match made in heaven. It was the Latin version of Sonny and Cher. Rocio recently passed away and rumour is that her daughter [below] will take her rein and follow in her mom’s footsteps with Juan Gabriel as her mentor and songwriter! loves it! Here she is seen on stage receiving her blessing from her mentor.

Here is the snippet of Juan Gabriel’s, “Querida” aka “My Dear” which put him on the map and made him who he is today, Juan Gabriel!!

O guitarrista e compositor Michel Leme nasceu em 1971, na cidade de São Paulo, toca desde os oito anos de idade e atua profissionalmente desde 1990. Durante sua trajetória pelo universo musical, multiplicou-se através das notas e conquistou um espaço sólido no mundo dos grandes. Hoje é inútil tentar defini-lo com palavras, pois não pode ser contemplado em apenas um panorama; basta ouvi-lo para saber que é Michel Leme.

Agenda de Michel Leme:

05 de Novembro de 2009
Programa Michel Leme & Convidados

Nesta quinta, o quarteto Kyabatt: Marcelo Coelho (sax soprano), Michel Leme (guitarra), Edgar Bueno (tabla) e Emilio Martins (percussão). O programa é transmitido ao vivo pelo www.tvciadamusica.com.br todas as quintas-feiras, às 19h30min. Para conferir in loco, venha ao auditório da Cia da Música!

Endereço: Rua Afonso Celso, 124 – Vila Mariana (SP), ao lado do metrô
Fones pra informações e reservas: 11 5574-0039
Horário: 19h30min
Couvert: Entrada Franca!

07 de Novembro de 2009
Som no Souza Lima Moema

Michel Leme toca na unidade Moema do Conservatório e, a cada sábado, haverá uma banda de abertura diferente, formada por estudantes ou músicos formados pelo Souza Lima. Não perca!

Endereço: Av. Miruna, nº 190
Horário: 15h
Couvert: Entrada franca!

Para conhecer mais sobre o guitarrista e compositor Michel Leme, acesse:
Site Oficial
Twitter

Juventus Lyrica cerró un gran año con una propuesta repleta de hallazgos

Opera La Traviata. De Verdi.Elenco: Soledad de la Rosa (Violeta) Santiago Bürgi (Alfredo), Enrique Gibert Mella (Germont), Eugenia Fuente (Flora). Puesta escénica: Ana D´Anna. Director de orquesta: Antonio María Russo. Juventus Lyrica. Teatro Avenida (Nuevas funciones, hoy, a las 17.30 y el jueves, viernes y sábado, a las 20.30).
Nuestra opinión: Excelente

La consagrada soprano Soledad de la Rosa fue, en la versión ofrecida por Juventus Lyrica, una intérprete exquisita desde el punto de vista vocal del complejo personaje de Violeta, que implica afrontar en cada acto caracteres dramáticos diferentes en una sucesión que va desde la frivolidad (soprano de agilidad) a la dramática (soprano spinto), pasando por la realidad de una mujer frágil y a la deriva (soprano lírica). Ella, por otra parte, con esa sinceridad y franqueza que la distingue, hizo gala de la belleza de su voz y la infalibilidad de su afinación, don que proviene de un oído absoluto.

Lógicamente que, para el logro de estas variables del personaje central y la concreción de una versión jerarquizada, tuvo relevancia la faz musical de Antonio María Russo por el logro de amalgama entre orquesta y cantantes, la aplicación sutil de una expresión cálida y refinada en el discurso musical, con la evidencia auditiva de haber llevado a cabo un trabajo de preparación meticuloso que apuntó a no permitir en ningún pasaje una interpretación vulgar o aparatosa.

El tenor Santiago Bürgi como Alfredo, acaso la figura central que hizo honor a los postulados de la institución ?esto es promover a los jóvenes valores para que adquieran experiencia?, cumplió su cometido con solvencia en la faz actoral y dando ejemplo de poseer musicalidad, segura entonación, voz de grato color y de volumen que destaca el decir con refinamiento y delicadeza.

Por su parte, el barítono Enrique Gibert Mella fue un Germont de lujo, no sólo por su experiencia, sino por la idoneidad de su canto, la nobleza de su entrega para afrontar sin reticencias las exigencias de un autor que a los barítonos les legó una interminable serie de momentos vocales que forman un corpus de exquisita inspiración dentro del repertorio italiano. Fue admirable su versión de la siempre comprometida “Di Provenza il mar…” e impecable en los dúos y concertantes. En una palabra, la ratificación de méritos de una figura que forma parte del ramillete más destacado del arte lírico nacional.

Un detalle significativo lo aportó María Eugenia Caretti, encarnando al personaje episódico de Annina, simplemente porque pocas veces como en este caso, se observó y escuchó un trabajo de actriz de tanta naturalidad y emotividad. Claro está que la Flora de Eugenia Fuente y los personajes de flanco destacaron por su sobriedad y buena presencia escénica. Del mismo modo el coro preparado por Miguel Pesce fue muy efectivo y los bailarines en las pinceladas de danzas, flexibles y desenvueltos.

Desde el punto de vista teatral, Anna D?Anna logró una sugerente ambientación en cada uno de las escenas, no sólo por el acertado diseño y la muy buena utilización de la iluminación, sino también por el magnífico vestuario diseñado por María Jaunarena y lo cuidado del maquillaje y los peinados. En definitiva, un espectáculo que ha de quedar para el recuerdo de la actual temporada, que además, por el lleno total de la sala y el entusiasmo del público, sirvió para reafirmar la vigencia y triunfo de la ópera y la justicia del Premio ACE recibido recientemente por la entidad.

Video que corresponde a la canción “Dame tus besos” de la autoría de Alberto “Tico” Mercado y que viene en el álbum de Gusi y Beto titulado “Por Las Calles”.

El video de este tema se grabó bajo la dirección de Alberto González en el auditorio del centro comercial Santafe se reunieron más de 500 personas para la grabación del film en que se quiso conservar la naturalidad del toque en vivo.

From/De: Final Fantasy Distant Worlds [www.ffdistantworlds.com]

A Lins Imperial fará palestra na terça-feira, dia 3, às 20h, para passar as regras aos compositores interessados em participar da competição. Não é necessário ser inscrito na agremiação. O endereço da escola é Rua Lins de Vasconcelos, 623, Méier.