Aunque el título parezca el antecendete a un artículo de Pérez Reverte, con su Siglo de Oro, su idealización de la vida del ladrón del mar, que si el honor, que si lamadrequeloparió, no tiene nada que ver. Bueno, podría hacer una sesuda reflexión sobre el barco español secuestrado por piratas en aguas internacionales y, de ese modo dármelas de sabihondo en materia de Derecho Internacional. Pero paso, porque no voy de sobrao. Casi nunca.

Va más por el rollo internáutico y el acuerdo sotovocce de la UE, mediante el que da libertad a los países para que le corten la red a todo tipo que se descargue material con derechos de autor. Estoy muy de acuerdo, sí señor. Pero exigiría que fueran un poco más allá con el celo a los derechos de los autores. Por ejemplo, cuando Gemma Hasen-Bey nos tangó un formato de tele, en colaboración con TVE, hubiera aplaudido si la tipa en cuestión hubiera o hubiese sido condenada a cadena perpetua y, si un ejército de alabarderos hubiesen entrado a sangre y fuego en el despacho de Javier Pons y le hubieran descargado un cañonazo a veinte centímetros de su agradecido estómago.

Los hijosdeputa, por ejemplo, que han decidido remasterizar la discografía de The Beatles, o que han retocado Con la muerte en los talones, deberían penar largamente, por utilizar el talento creativo de señores muertos, por seguir dándole a la máquina del negocio. Tampoco entiendo las bibliotecas, esas fuentes de contenidos gratuítos. ¿Qué coño somos, una ONG? ¿De qué van a vivir los pobres editores y libreros cuyos precios son tan extraordinariamente competitivos? ¿Quién no tiene ocho euros para comprarse un clásico en edición ultracutre?, ¿O veinticinco en una buena?, ¿O treinta en una novedad, que puede ser un libro de mierda? Será por dinero…

Quien diga que, de pequeño iba al cine por trescientas pelas y las palomitas valían cincuenta, no es más que un mentiroso de la secta de los piratas. Ahora, por unas mil setecientas pesetas puedes ver Dos colgaos muy fumaos y cocacola pequeña. Tú decides lo que quieres ver y lo que quieres beber. Y como eso, en casi todo. Propongo una ponencia en la UE, juro que la prepararía bien, y que mi exposición sería nítida, brillante y divertida: “Consecuencias de las grandes estafas. O de cómo en el XVIII nos pasaban por la guillotina, y ahora protestan en foros“

Quién no ha oído hablar y/o visto alguna de las películas del director británico Alfred Hitchcock. Cintas como “Rebeca”, “La sombra de una duda”, “Recuerda”, “Encadenados”, “Extraños en un tren”, “Crimen perfecto”, “La ventana indiscreta”, “El hombre que sabía demasiado”, “Vértigo”, “Con la muerte en los talones”, “Psicosis”, “Los pájaros”, “Marnie, la ladrona”, “Frenesí” y tantas y tantas otras colaboraron a que dicho realizador se granjeara el calificativo de maestro del suspense.

Sin embargo, este post solamente va a detenerse en una simpática seña de identidad que caracterizó a buena parte de sus películas: sus cameos. Esas breves apariciones en pantalla se iniciaron de manera accidental (tuvo que “actuar” por falta  de extras) y pasaron casi desapercibidas en un primer momento, pero a medida que aumentaba su fama fueron ganando en importancia. Fue tal el interés que despertaban entre el público que el director decidió llevarlas a cabo en los primeros minutos de metraje para evitar que los espectadores se “distrajeran” de la trama.

Aquí tenéis una selección de algunos de esos famosos cameos.

El enemigo de las rubias (The Lodger, 1926)

Aparece en dos ocasiones: una sentado de espaldas en el escritorio de una oficina y otra formando parte de una multitud.

Fácil virtud (Easy Virtue, 1927)

Con un bastón en la mano, abre la verja de una pista de tenis y se introduce en ella.

La muchacha de Londres (Blackmail, 1929)

Se encuentra sentado en el metro leyendo un libro hasta que un niño le incordia y Hitchcock le reprende por ello.

Asesinato (Murder, 1930)

El director camina distraídamente por delante de la casa donde se ha cometido un asesinato.

39 escalones (The 39 Steps, 1935)

Cuando los protagonistas (de espaldas) están a punto de subir a un autobús, Hitchcock pasa junto a ellos. 

Inocencia y juventud (Young and Innocent, 1937)

En esta ocasión interpreta a un torpe fotógrafo que intenta tomar una foto a la salida de un juzgado.

Alarma en el expreso (The Lady Vanishes, 1938)

Hacia el final de la película, podemos ver cómo cruza una estación de tren mientras mientras fuma un cigarrillo. 
 

Enviado especial (Foreign Correspondent, 1940)

El director camina leyendo un periódico y pasa junto a Joel McCrea.

Rebeca (Rebecca, 1940)

Mientras George Sanders habla con un agente de policía, podemos ver a Hitchcock pasando detrás de ellos. Parece ser que existía otro cameo (el director esperaba junto a una cabina telefónica en la que se hallaba  Sanders) que finalmente fue eliminado.

Sospecha (Suspicion, 1941) 

Hitchcock es el hombre que deposita una carta en el buzón.

Matrimonio original (Mr. and Mrs. Smith, 1941)

Podemos verle pasando por delante del edificio donde viven el Sr. y la Sra. Smith.

Sabotaje (Saboteur, 1942)

Hitchcock es el hombre que mira el escaparate de una tienda.

La sombra de una duda (Shadow of a Doubt, 1943)

Le vemos de espaldas jugando al póker (¡con una mano ganadora!) en un tren.

Náufragos (Lifeboat, 1944)

Uno de sus cameos más complicados, puesto que la mayor parte de la película tiene como escenario un bote salvavidas en medio del mar. Hitchcock resuelve el problema apareciendo en un anuncio de un periódico, un anuncio de un producto adelgazante…

Recuerda (Spellbound, 1945)

Podemos verle saliendo de un ascensor, llevando una funda de violín y fumando un cigarrillo.

Encadenados (Notorious, 1946)

Aquí aparece bebiendo una copa de champán justo antes de la entrada de Gary Grant e Ingrid Bergman.

El proceso Paradine (The Paradine Case, 1948)

En esta ocasión le vemos saliendo de una estación  junto a Gregory Peck.

La soga (Rope, 1948)

Existe la duda de si son dos los cameos del director. En uno cruza la calle (es muy difícil apreciar si es él) y más tarde cuando unas luces de neón reproducen su conocidísima silueta. Yo me quedo con el segundo.

Atormentada (Under Capricorn, 1949)

Aquí le vemos charlando con dos hombres junto a una columna. Él aparece en el centro.

Pánico en la escena (Stage Fright, 1950)

Hitchcock se cruza con Jane Wyman que habla sola por la calle y se la queda mirando atentamente.

Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951)

Cuando Farley Granger desciende del tren, vemos al director que sube al mismo.

Yo confieso (I Confess, 1953)

Le observamos caminar desde lejos.

Crimen perfecto (Dial M for Murder, 1954)

En este curioso cameo, podemos localizarle en una fotografía que Ray Milland le muestra al futuro (y fallido) asesino de Grace Kelly.

La ventana indiscreta (Rear Window, 1954)

En una de las ventanas que “observa” James Stewart, aparece Hitchcock dando cuerda a un reloj.

Pero, ¿quién mató a Harry? (The Trouble with Harry, 1955)

Cruza la calle mientras alguien contempla unas obras de arte.

Atrapa a un ladrón (To Catch a Thief, 1955)Aparece sentado junto a Cary Grant en un autobús.

El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1956)

Podemos observarle de espaldas (el hombre calvo con las manos en los bolsillos)  mientras disfruta del número de unos acróbatas.

Falso culpable (The Wrong Man, 1957)

Otro curioso cameo: presentando la película al inicio de la misma.

Vértigo. De entre los muertos (Vertigo, 1958)

Cruza un astillero luciendo un traje gris.

Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959)

Justo al terminar los títulos de crédito (podréis observarlo mejor en el vídeo final), Hitchcock pierde el autobús que le cierra la puerta en las narices.

Psicosis (Psycho, 1960)

Le vemos a través de los cristales de la oficina donde trabaja Janet Leigh. Está parado en calle y luce un sombrero vaquero.

Los pájaros (The Birds, 1963)

Hitchcock, paseando a dos perros (curiosamente los suyos propios), sale de la tienda de animales cruzándose con Tippi Hedren.

Marnie, la ladrona (Marnie, 1964)

Al principio de la película, Tippi Hedren cruza el pasillo del hotel donde va a alojarse. Hitchcock aparece abriendo la puerta de su habitación y asomándose a dicho pasillo.

Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966)

Observamos al director en el vestíbulo del hotel donde se alojan Paul Newman y Julie Andrews. Hitchcock sostiene a un bebé que se hace pis encima de él.

Topaz (Topaz, 1969)

En un aeropuerto aparece sentado en una silla de ruedas que empuja una enfermera. De repente, se encuentra con otro hombre, se levanta, le saluda y ambos se marchan juntos.

Frenesí (Frenzy, 1972)

Hitchcock luce un sombrero bombín y se halla entre el público que escucha el discurso de un político. 

La trama (Family Plot, 1976)

Aparece su inconfundible silueta tras una puerta que reza “Registro de nacimientos y defunciones”.

Briony  

El excelente y prolífico actor James Mason, al que hasta el final de su vida pudimos ver actuar en numerosos films, nació el 15 de mayo de 1909 en Huddersfield, Yorkshire, (Inglaterra).

Ser perteneciente a una adinerada familia de empresarios, lo llevó a estudiar arquitectura en la Universidad de Cambrige, pero poco tiempo después, su verdadera vocación hizo que comenzara a trabajar en el teatro “Old Vic”, de Londres, así como con la Gates Company, en Dublín. Del teatro pasó al cine, debutando en 1935,  con el drama criminal titulado “Late extra”.

Desde su debut, hasta finales de los 40, protagonizó numerosas películas británicas, de las que destacan títulos como el drama de época, “The man in grey”, de 1943, (titulado “Perfidia” en España), y dirigido por Leslie Arliss, en el que compartió cartel con Stewart Granger, y cuya interpretación del cruel Lord Rohan lo consagró como uno de los mejores actores ingleses, “El séptimo velo” (1945), de Compton Bennett, o “Larga es la noche”, de Carol Reed.

Un característico tono de voz, su porte elegante, y su carisma para interpretar a atractivos personajes malvados, hicieron que la Meca del Cine se fijara en el.

Fue en 1949, y en la película de género negro “Atrapados”, de Max Ophüls, cuando interpretó su primer papel para Hollywood, junto a un magnífico Robert Ryan.

Durante toda la década de los 50, se le pudo ver dando vida a convincentes personajes en excelentes films que tienen en el presente un destacado hueco en la Historia del Cine. Títulos como: “Pandora y el holandés errante” (1951), de Albert Lewin, al lado de Ava Gardner, “Rommell, el zorro del desierto”, también del año 51, dirigida por Henry Hathaway, “El prisionero de Zenda” (1952), de Richard Thorpe, en donde destacó interpretando a uno de sus habituales y seductores malvados, “Julio César”, a las órdenes de Joseph L. Mankiewicz, componiendo un memorable Bruto, “Ha nacido una estrella” (1954), de George Cukor, en la que trabajó al lado de Judy Garland, y obtuvo por su interpretación de Norman Maine una nominación al Oscar al Mejor Actor Principal, “20.000 leguas de viaje submarino”, del mismo año, dirigida por Richard Fleischer  dando vida a un inquietante Capitán Nemo, o “Con la muerte en los talones”, de 1959, film en el que, de la mano del eficaz maestro del suspense Alfred Hitchcock, y compartiendo cartel con Cary Grant y Eva Marie Saint, ofreció un breve, pero como siempre, notable papel de villano.

La década de los 60 también le ofreció trabajos importantes en películas de renombre.

“Lolita” (1962), de Stanley Kubrick, no le aportaría una nominación a los Oscar, pero los espectadores de aquellos años, reconocieron como excelente, al igual que la reconocen los espectadores de ahora, su interpretación del Prof. Humbert Humbert, al lado de una igual de excelente Shelley Winters, y una jovencísima Sue Lyon. Tambien de esa década, se pueden mencionar a modo de ejemplo: “La Caida del Imperio Romano” (1964), dirigida por Anthony Mann, “Lord Jim” (1964), de Richard Brooks, “Gengis Khan” (1965), de Henry Levin, o la que le valió su segunda nominación al Oscar (aunque esta vez, para Mejor Actor Secundario), “Georgy Girl” (“Soltera retozona” su título en español), de 1966, dirigida por Silvio Narizzano.

Combinando en los setenta, trabajos para cine y televisión, la carrera de Mason no sufrió mayores altibajos, y continúo trabajando sin interrupción, aportando su presencia a destacadas películas como, “El hombre de Mackintosh” (1973), de John Huston, junto a Paul Newman, “Mandingo” (1975), de Richard Fleischer, “El viaje de los malditos” (1976), de Stuart Rosemberg, un coral film que contó en su reparto con numerosos actores de renombre, “La cruz de Hierro”, de Sam Peckinpah, “El cielo puede esperar” (1978), una agradable y recordada comedia dirigida y protagonizada por Warren Beatty, o “Los niños del Brasil”, rodada ese mismo año y dirigida por Franklin Schaffner.

En los 80, ya en la última etapa de su vida, consiguió por su papel en “Veredicto final” (1982), una nueva nominación a los Oscar. En esta ocasión trabajó bajo la dirección de Sidney Lumet, y al lado de Paul Newman y Charlotte Rampling.

Celoso siempre de su vida privada, poco trascendió de ella a los medios de comunicación. Estuvo casado en dos ocasiones, la primera con la guionista y actriz Pamela Kellino, a la que conoció durante el rodaje de “I med a murdered”, en 1939. Casada con el director de la película, Roy Kellino, se divorció de el, para contraer matrimonio con Mason, en 1941. Se divorciaron en 1964.

En 1971 volvió a casarse, y lo hizo con la también actriz, Clarissa Kaye, a la que había conocido en el rodaje de “Age of Consent” (1969), de la que fue uno de los productores. Este matrimonio duró hasta la muerte del actor.

Falleció en Lausanne (Suecia), lugar al que había trasladado su residencia habitual desde hacía unos años, a causa de un inesperado ataque cardiaco, el 27 de julio de 1984. Contaba 75 años.

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Para acceder a su filmografía completa, pinchad aquí

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(Gracias a Carlos, uno de los lectores de “Tierra de Cinéfagos”, que con su comentario de esta mañana, me ha recordado a este notable actor, lo que ha hecho que tomara la decisión de confeccionar su biografía)

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Swanson 

Representación del regalo donado por Luxemburgo a las Naciones Unidas

El edificio de las Naciones Unidas, donde teóricamente se parte el bacalao a la hora de resolver los conflictos bélicos entre las naciones de todo el globo (aunque algunos dirán que las recetas vienen mandadas por la Casa Blanca), es un argumento fundamental para considerar a Nueva York como la capital oficial del planeta.

En las salas de esta construcción, que hemos visto en tantas películas (yo me quedo con la obra de Hitchcock Con las muerte en los talones), se han tomado decisiones trascendentales en sus más de sesenta años de historia. Si bien ha actuado con mucho más éxito que su predecesora, la Sociedad de Naciones (en el periodo de entreguerras), ha quedado patente su incapacidad para intervenir como organismo verdaderamente independiente en muchas ocasiones. La invasión de Irak es uno de sus sonoros fracasos, pero nada en comparación con las permanentemente incumplidas resoluciones 242 y 338 del Consejo de Seguridad (conflicto palestino-israelí), caso flagrante que lleva avergonzando a la Comunidad Internacional desde hace más de cuarenta años.

Pese a sus defectos, no se puede restar importancia a esta institución. Es la democracia del mundo. El derecho a la pataleta de los países. Un organismo de control y de denuncia como mínimo, aunque se haya visto salpicado por diversos escándalos (que siempre se han buscado más con fines de desprestigio de la entidad que como denuncia con la intención de corregirlos).

El interior es hermoso. Regalos donados por decenas de países han jalonado todos sus rincones. El presente luxemburgués, una escultura de una pistola con el disparador hecho un nudo, es tan evidente como llamativo. Por ello, está dispuesto para que sea lo primero que veas al entrar en territorio ONU.

Nosotros nos hemos encontrado con una exposición de 192 cuadros realizados por niños de todo el mundo, cada uno con su particular visión de la paz. Algunos de mucho mérito. Yo me he quedado sorprendido por el trabajo de Zack, un niño de 12 años de Armenia. En su obra se ve cómo un negro, con sombrero tribal sostiene un cuadro (arte dentro del arte), y en éste observamos a un cerdo tumbado viendo la televisión, inmóvil, sin hacer nada, mientras que al fondo las fábricas contaminan. El conjunto, con su adecuado uso del color, es desolador. En la imagen de la televisión parece estar Bin Laden. Para ser sinceros, si analizas el contenido del cuadro, no puedes dejar de admirar la capacidad crítica del crío. Es más, piensas que si no ha recibido mucha ayuda de un mayor, el niño es un figura en potencia. Espero que la fortuna le acompañe.

Hay diversas reliquias entre los muros de la ONU, como los restos de una bandera de la organización de un ataque del que fueron víctimas en Irak, en el cual fallecieron 22 representantes del organismo en el año 2003. Con una especie de santuario, a oscuras, en el que se puede entrar a orar.

Esto se combina con la parte más comercial: te puedes hacer un sello con tu cara, con un ojo menos que es lo que te habrá costado, y con validez oficial si haces el envío desde la oficina de correos de este edificio. Y también tienes la opción, como yo, de comprarte la Rolling Stone en una de sus tiendas. Como toda atracción turística que se precie, la ONU tiene sus dependencias destinadas a la adquisición de diversos recuerdos. No nos vamos a poner puristas a estas alturas: si necesitan fondos, esta manera es una de las más legítimas que conozco, y más en Manhattan. Peor sería que se subvencionaran con el petróleo de un país al que bombardearan.

Ni que decir tiene que, como máxima expresión de la paz mundial, es un territorio neutral. Las manifestaciones están prohibidas en el edificio y su entorno. Ése sí es el espíritu con el que se creó: aquí, resolvemos; si quieres protestar, vete a Times Square que es donde están las cadenas de televisión. Los carteles te informan de esto… Y tú te lo crees, porque eres un ingenuo que piensas en el país de los arco iris perpetuos, donde siempre brilla el sol y la gente se ama y se respeta… Y un cojón de paloma, pero de la paz.

Domingo, 10 de agosto de 2008. 13:00 horas. Justo enfrente del edificio de la ONU. Congregación de judíos ultraortodoxos. Se encuentran acordonados y no sé si vigilados o escoltados por un coche de la policía de Nueva York. Hay varias decenas de personas y parece que se van aproximando, en un goteo continuo, algunas más que se introducen en el área delimitada.

Nos acercamos. Decenas de carteles en blanco y negro piden rezos para los israelíes secuestrados y desaparecidos. Asimismo, está la cuestión principal: «Bush libera a Pollard. Encarcela a Ahmadinejad y Bin Laden» (como si fuera tan fácil). El perla en cuestión, Jonathan Pollard, lleva 23 años en prisión. Motivo: era un espía israelí que estaba pasando secretos de los Estados Unidos a Israel. Si no fuera judío, estoy convencido de que le habrían dado matarile: no es chaladura, en cualquier país del mundo el espionaje es un crimen de máxima categoría y con la obsesión de los norteamericanos con la seguridad que el Pollard esté vivo y que, encima, le hagan manifestaciones a favor de su liberación me deja perplejo.

Y todo esto en las narices de las Naciones Unidas, cerca de una vía que lleva el nombre de Yitzhak Rabin, el último (algunos dirán que el único) primer ministro israelí que verdaderamente ha intentado dar una solución al problema existente con los palestinos. De lo visto en primera persona, sólo puedes inferir una conclusión: lo siento muchísimo por vosotros, queridos palestinos, pero lo tenéis realmente jodido.

La obra expuesta por un chico armenio llamado Zack en el edificio de las Naciones Unidas en el verano de 2008

Las películas de Hitchcock hoy día siguen siendo en atención a su argumento igualmente brillantes, pero todo envejece con mayor o peor suerte y si se trata del technicolor puedes fliparlo.

Cuando vi Con la muerte en los talones la primera vez supongo que era más tolerante con ciertos detalles en cuanto a dirección artística e interpretación mímica de los figurantes – que en esta película parecen estar más para despistar por histrionismo que para rellenar y dar verosimilitud a las escenas -. Porque hay que reconocer que la historia y su puesta en escena son realmente entretenidas. Para los que no la hayan visto, se trata de un tipo que es publicista y está como un queso (como un queso de los 50, hoy día resultaría un poco rancio o sería George Clooney) que accidentalmente es confundido por unos criminales con un agente del gobierno que, en realidad, es un señuelo creado por la Cia para engañar a los “malos”.

Cary Grant pasa toda la película huyendo y desconcertado pero aún le quedan ganas para ligarse a una rubia en el tren a lo largo de la escapada. Atencíón merece por cierto al cambio de doblaje cuando Cary y la Eva Marie Saint se dan el filete en el compartimento del tren (o compartimiento como decían los rancios de la época); de pequeña pensaba que era un efecto añadido conscientemente para que el espectador supiera que los protagonistas estaban realmente enamorado porque les cambiaba el tono de voz o la voz misma dada la confianza latente empezando a aflorar por el toqueteo.

En todo caso no voy a mostrar la secuencia en la que se enrollan, me da un poco de vergüenza ver a Cary Grant arrugándose el traje. No obstante los dos mejores y perfectamente prescindibles chistes de todo el metraje están protagonizados por él; un tipo con una vis cómica indiscutible a la par que un magnetismo sexual irresistible (algo con lo que todas soñamos, eh?…). Son los siguientes:

1º CARY GRANT CONSCIENTE DE SU SEX APPEAL BROMEA CUAL TÍABUELA COMÚN

2ºAFEITADO RASURADITO

Y esto ha sido todo en la segunda edición de Chistes tontos en películas serias. Creo que Hitchcock es una mina de ellos así que la semana que viene probaré con Los puentes de Madison, un reto mucho mayor.

Alfred Hitchcock, el auténtico Sir Alfred, no sólo es un cineasta capital para la Historia del cine y del arte del siglo XX por la inmensa calidad de su trabajo, sino también por lo que su figura supuso para la industria del cine como creador capaz de cubrir todos los aspectos de la producción cinematográfica, desde la técnica a la escritura de guiones, desde la publicidad al control financiero, llegando a ser uno de los primeros directores capaces de convertirse en productor de sus propias obras, e incluso, cosa realmente insólita, en constituirse en propietario del negativo de sus propios films. Sin embargo, su audacia, su enorme capacidad, su talento, no estuvieron libres de fracasos, de proyectos que nunca vieron la luz, de frustraciones y derrotas creativas al intentar llevar a la pantalla historias que nunca salieron adelante. Repasamos las más importantes:

Number thirteen: en 1922 Hitchcock se encontraba dando los primeros pasos para superar su condición de rotulista y responsable de dibujos de los estudios filiales de la Paramount en Londres y poco a poco intentaba convencer a los productores de que era capaz de escribir guiones y además de dirigirlos. Su primera película, Woman to woman, vino precedida de un fracaso al rodar una historia escrita por una empleada de los estudios antigua colaboradora de Chaplin que no pasó de dos rollos de filmación ante el abandono del inversor norteamericano de los estudios. La película, inacabada, durmió para siempre el sueño de los justos.

Titanic: en 1939 los últimos éxitos de Hitchcock en el cine británico y su proyección internacional le habían asegurado un contrato con el magnate David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, para su desembarco en Hollywood y el rodaje de una película sobre el hundimiento del famoso transatlántico. Hitchcock, nunca convencido del todo de lo ajustado de ese proyecto a sus intereses y métodos de trabajo, era más partidario de rodar Rebeca, sobre la novela de Daphne du Maurier cuyos derechos ya habían sido adquiridos. Durante el año que faltaba para su incorporación efectiva a Selznick International, Hitchcock, mientras rodaba Posada Jamaica para matar el tiempo, intercambió frecuentes comunicaciones con Selznick, y tras varios tiras y aflojas y un complicado intercambio de impresiones con un hombre tan controlador y temperamental como Selznick, con el que Hitchcock nunca se entendió, el Titanic se hundió. Hitchcock debutó en Hollywood con la más inglesa de sus películas americanas.

El naufragio del Mary Deare: en 1958, entre Vértigo y Con la muerte en los talones, Hitchcock coescribió con Ernest Lehman una historia sobre un carguero que es descubierto con un solo tripulante a bordo en medio del Canal de la Mancha. La historia, inspirada en el hecho real de un yate encontrado en pleno Atlántico sin un solo pasajero pero con señales evidentes de estar tripulado e incluso con comida humeante recién servida en los platos nunca fue rodada por el recelo de Hitchcock ante la idea de empezar un film con una intriga en un punto tan álgido que el resto del metraje no pudiera estar a la altura.

La pluma del flamenco: delirante intriga sobre un grupo de indígenas adiestrados por agentes rusos con fines indescriptibles, Hitchcock abandonó la idea de rodarla justo después de haber cancelado El naufragio del Mary Deare cabreado ante la serie de contingencias que le impedían realizar sus propósitos: la falta de población indígena para sumar un número importante de figurantes, la falta de vestuario adecuado (curioso que la vestimenta tribal “típica” de los indígenas sudafricanos hubiera de ser transportada desde Estados Unidos), los exteriores similares a los californianos que le evitaban rodar en África…

Los tres rehenes: primero de los proyectos tras Marnie, la ladrona (1964), se basaba en otra obra de John Buchan, el autor de 39 escalones, llevada al cine por Hitchock en 1935 y tenía que ver con el mundo de la hipnosis. La trama enfrentaba al gobierno británico con un grupo de espías que secuestraba a los hijos de varios mandatarios para chantajear al Estado. Richard Hannay, el personaje protagonista de 39 escalones que encarnó Robert Donat, sería de nuevo quien hubiera de salvar la situación junto a Medina, un tipo sombrío que en realidad sería un doble agente y estaría tratando de hipnotizar a Hannay, quien, dándose cuenta de la argucia, se haría el hipnotizado incluso imitando a perritos en situaciones cómicas. La trama llevaría a Hannay desde los barrios pobres de Londres a los fiordos noruegos. El proyecto nunca salió a flote por la dificultad de mostrar la hipnosis en la pantalla. Según Hitchcock, no era posible separar visualmente lo que era una hipnosis cierta de una fingida, y por tanto sentía que el público creería que se le tomaba el pelo. Hoy en día se echa mucho en falta este grado de respeto al público.

María Rosa: segundo proyecto tras Marnie, era una historia sobrenatural sobre un soldado que descubre, gracias a los padres de su prometida, que ésta desapareció de niña por unos días en una isla de Escocia, que no recuerda nada de su experiencia, pero que nadie supo qué pasó ni dónde estuvo. Cuando una vez casados, ella le sugiere ir a esa misma isla de vacaciones, él cede por temor a refrescarle un recuerdo traumático olvidado, y ella vuelve a desaparecer, y su familia, tras años de búsqueda y de espera, termina por olvidarla. Años más tarde, aparece de nuevo en la isla sin que el tiempo haya pasado por ella. Cuando regresa a casa, su marido es un anciano y sus hijos son mayores. Fallecida, su fantasma habitará la casa familiar. Es el componente sobrenatural lo que hizo a Hitchcock desestimar el rodaje de la historia.

R.R.R.R.: tercer proyecto tras Marnie, escrito en colaboración con los guionistas italianos Age y Scarpelli, trataba de un emigrante italiano a Estados Unidos que, empleado como ascensorista de un hotel, lograba llevar con él a su familia siciliana. Compuesta ésta por ladrones, él intentaba evitar que su propia familia desvalijara el hotel y a sus huéspedes. Hitchcock abandonó la idea por la negligencia de los italianos en cuanto a la estructura cinematográfica. Un poco severo, Sir Alfred, más si cabe viendo los grandes genios que el cine italiano ha dado al cine.

Frenesí; primera versión de 1967: aunque luego titularía de este modo su película londinense de 1972, seis años antes concibió Hitchcock una modernísima y revolucionaria película sobre un estrangulador de rubias en Nueva York que, de haberse rodado, hubiera sido sin duda otra de las grandes obras maestras del mago del suspense. Hitchock la dejó de lado porque contenía ciertos puntos de conexión con Psicosis: joven traumatizado por su difícil relación con su madre estrangula chicas; una de ellas es una mujer policía utilizada como cebo para capturarlo. Sin embargo, los fotogramas descubiertos hace algunos años y sobre todo, algunos metros de película rodados por Hitchock nos revelan lo grande que pudo ser este proyecto: inteligente uso del color, escenas de sexo y desnudos integrales ¡¡¡¡en cine comercial de 1967!!!! Su posterior tratamiento en 1972 no lo desmereció en absoluto, pero siempre quedará la duda de en qué hubiera quedado tan excelente material.

The short night: Catherine Denevue y Walter Matthau primero, y Liv Ullman y Sean Connery después, sonaron para interpretar la que hubiera sido última película de Alfred Hitchcock en 1978 si su salud se lo hubiera permitido. Basado en un hecho real muy próximo a la historia que narra la hitchcockiana El hombre de Mackintosh (John Huston, 1975), la historia, que se habría situado en Finlandia, trataría de un espía inglés al servicio de los soviéticos que huiría de su prisión en Londres y se encaminaría a Moscú tras recoger a su familia en una isla del Báltico. Un espía norteamericano, enviado allí para capturar al doble agente, se enamoraría de su mujer y el drama giraría en torno al amor y el sentido del deber que culminaría en una persecución en un tren en la frontera de la URSS. La película nunca pasó de la pre-producción. Alma Reville, esposa de Hitchcock, había quedado impedida tras el rodaje de Frenesí seis años antes. Hitchcock apenas podía moverse ya por sí mismo, y aunque había hecho un viaje a Finlandia para rodar exteriores y una segunda unidad rodó varias escenas y planos por la costa, la película se perdió en los despachos, en la burocracia y en la eterna reescritura de un guión, de nuevo con Ernest Lehman, y nunca salió a flote.

Pocas veces puede señalarse la importancia para la Historia del cine de un guionista con apenas una docena de películas escritas. Pero este precisamente es el caso de Ernest Lehman, seis veces nominado al Oscar y recompensado con un galardón honorífico en 2001, cinco años antes de su muerte. Nacido en el seno de una familia acomodada del Este venida a menos como consecuencia de la Gran Depresión de 1929, Lehman, instalado en Nueva York, se dedicó a escribir novelas y pequeñas historias para diversas publicaciones periódicas de la época, llegando a despertar el interés de la Paramount, que le ofreció un primer contrato como guionista gracias al cual vio la luz, entre otras, la comedia romántica Sabrina (1954), de Billy Wilder.

Sin embargo, su fama mundial y su gran reconocimiento como guionista le llega, como a otros muchos, de la mano de Alfred Hitchcock y del guión de Con la muerte en los talones (North by northwest, 1959), en la que la ingeniosa trama y su importancia a la hora de crear modelos de los que el cine ha bebido constantemente durante décadas le colocan entre los guionistas más importantes e influyentes de Hollywood. Hitchcock, cosa rara en él, quedaría muy satisfecho del trabajo de Lehman, y, tras recurrir a él puntualmente en diversas situaciones, finalmente contaría de nuevo con un guión suyo para el rodaje de la que sería su última película, La trama (Family plot, 1976).

Pero en el breve pero intenso currículum de Lehman hay otras perlas a rescatar. Además de El rey y yo (1956) son obra suya los guiones de películas tan recordadas como West Side Story (1961), El premio (1963), historia dirigida por Mark Robson al más puro estilo hitchcockiano, The sound of music (1965), de Robert Wise, musical para el lucimiento de Julie Andrews, y sobre todo ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1967), de Mike Nichols, obra maestra indiscutible del guión por la que Lehman se consagró definitivamente.

Tras el guión de Hello, Dolly (Gene Kelly, 1969), protagonizada por Barbra Streisand, dio el salto (primero y único) a la dirección con Portnoy’s complaint (1972), adaptada a partir de una novela de Philip Roth, con Richard Benjamin y Karen Black. En 1979 se retiró del cine y tras algunos trabajos para televisión, disfrutó de una plácida jubilación interrumpida para acudir a la ceremonia de los Oscar de 2001, donde fue agasajado con un premio honorífico y la ovación cerrada de un estamento cinematográfico que es consciente de la notoria influencia de una gran autor con apenas una docena, pero eso sí, imprescindible, de guiones.

Como en los últimos tiempos nos llevan a mal traer los carteles de las nuevas películas, y somos tan sibaritas en el tema, que todo lo que nos llega nos parece que carece de originalidad, que no tiene atractivo, o que nos dice poco acerca del contenido de la peli, hemos decidido crear una nueva sección en la que iremos colgando carteles de películas famosas del cine clásico.

Intentaremos encontrar los carteles con los que se anunció su primer estreno (hace años, las películas se reestrenaban, y se iban confeccionando nuevos, lo mismo que ocurrió después para su lanzamiento en video y posteriormente en dvd, ya que en muchas ocasiones se han hecho nuevas versiones).

El fin de esta sección, aparte de recordar esas películas, y crear interés por ellas en los que nos leen y no las hayan visto, es establecer la relación que entonces existía entre el cartel, y lo que la película contenía, y si en algo podía guiarnos para hacernos una idea sobre ella.  ¿Su atractivo?.  ¿En que residiría?.

El primer cartel es el de “Rebeca” (1940), película dirigida como todas las demás de este post, por Alfred Hitchcock.

Para los que por entonces no hubieran leído la novela de Dafne du Maurier o se hubieran informado a través de alguna revista cinematográfica, muy poco sabrían acerca del argumento, y… ¿Les desvelaría algo de su trama este cartel?  ¿Despertaría su interés?.

Lo que vemos en el, es la silueta recortada en la sombra de una mujer.  Y en segundo plano una inquietante mansión con un cielo crepuscular a su espalda.  No hay mucho más.  ¿Sería suficiente para imaginar ese retorcido argumento que esconde?

El segundo que he elegido de la filmografía de Hitchcock, es de 1945, “Recuerda”.  Con su carga de suspense psicológico, parece que este cartel no aportaría mucho al futuro espectador que intentara hacerse una idea sobre su argumento.  Sobre fondo negro, un hombre abrazado a una mujer en busca de consuelo, y en una de sus manos una navaja barbera. ¿Va a matarla?.

¿Y que vemos en “Extraños en un tren” (1951)?  Los raíles de una vía, un hombre intentando estrangular a una mujer, y una mano masculina sujetando el auricular de un teléfono.  Detras de este cartel, la envenenada relación de dos hombres que comienza con un viaje en tren en el que pactan el favor que deberán hacerse cada uno. ¿Nos da esa idea sobre esta adaptación de la estupenda novela de suspense de Patricia Highsmith?

“De entre los muertos” (Vértigo), de 1958, se promocionaba con este cartel. El rostro de los dos protagonistas, y una mujer que cae desde una torre.  No es mucho, pero si que iba relacionado con el título con el que se estrenó entonces.  La Novak “volvía” del más allá.

Y al año siguiente, en el 59, se estrenaba  “Con la muerte en los talones”.  El cartel no es que sea expecialmente atractivo.  Realmente no dice nada.  ¿Una mujer disparándole a Cary Grant?.  Poco es para relacionarlo con el ritmo y el suspense que contiene esta magistral película.

En el 60 llega “Psicosis” (basada en la novela de Robert Bloch) con un cartel más colorista, rasgado por la mitad desde su parte superior, hasta más o menos el centro de la cabeza de su protagonista masculino, Anthony Perkins.  Teniendo en cuenta las recomendaciones de no contar su final cuando se estrenó, ¿Alguien repararía en esa pista, relacionándo esa división con la doble personalidad de Norman Bates?.

Conforme pasa el tiempo, parece que los carteles aclaran más las cosas.  En 1963, se estrenaba “Los pájaros”, y aparte de contar con la presencia de la imágen de su director en un lateral del cartel, vemos a una mujer que grita de pánico, al tiempo que trata de defenderse de lo que manifiestamente es el ataque de una bandada de cuervos.

Con Hictchcock vamos a dejarlo aquí, pero creo que estos carteles nos pueden dar una idea de como se presentaban sus películas, y la evolución que tuvieron a lo largo de esos 20 años.  Desde parecer portadas de novelas de encuadernación barata de la época (las dos primeras), a estar más elaboradas, como es el caso de “Extraños en un tren”, o dar el protagonismo a sus actores principales (un gancho de lo más adecuado), hasta llegar a las que el protagonismo lo tiene el tema central de la película…  Aunque, reflexionando, con el maestro del suspense, creo que no hacían falta ni carteles para despertar interés.  El interés residía en quien dirigía la película, y eso, los expectadores de entonces lo sabían.

Nota: Siempre me ha gustado revisar carteles de películas clásicas, y espero que a los que os paséis por este post, también.  Disfrutadlos.  Habrá próximas entregas.

Swanson   

¿Las famosas de ahora tienen el mismo glamour que las de otras épocas? Muchos son los que piensan que la elegancia que desprendían actrices como Audrey Hepburn o Grace Kelly ha desaparecido en la actualidad.

La Revista Vanity Fair ha decidido dotar de glamour a los actuales famosos y los ha colocado en las escenas más recordadas de las películas de Alfred Hitchcock.

Charlize Theron aparece en una de las escenas míticas de la película ‘Crimen perfecto’ de 1954 emulando a Grace Kelly. Algo nos recuerda la actriz sudafricana con la Príncesa de Mónaco, ¿No crees?

Las imágenes recrean las escenas más famosas de los clásicos del director británico. En la imagen podemos ver la película ‘La ventana indiscreta’ de 1954 pero en esta ocasión Scarlett Johansson y Javier Bardem se convierte en los protagonistas y sustituyen a Grace Kelly y James Stewart.

La actriz Keira Knightley tampoco se libra de esta recreación. En la foto aparece en una escena de ‘Rebecca’ de 1940, una de las primeras películas de Hitchock rodó en Hollywood.

La actriz Jodie Foster es la elegida para recrear la escena de ‘Los pájaros’ en la que Tippi Hedren se haya en la cabina telefónica y es atacada por las aves.

‘Con la muerte en los talones’ también aparece representada en este homenaje a Hitchock. En esta ocasión, el actor Seth Rogen se pone en la piel del actor Cary Grant que no deja de huir durante toda la película.

A la británica Naomi Watts casi no se la reconoce en esta imagen. La actriz consigue parecerse hasta límites insospechados a Tippi Hedren en ‘Marnie la ladrona’ de 1964.

Renée Zellweger se convierte en la moderna Kim Novak de la película de Alfred Hitchcock ‘Vértigo’.  

La oscarizada actriz francesa Marion Cotillard se deja asesinar en la ducha como Janet Leigh en ‘Psicosis’.
 

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