Artista Plástico-Tucumán-Argentina.Todavia iniciandose en el mundo blog, seguro que pronto añade las fotos de calidad y muchas más obras.

http://napoleone-artistaplastico.blogspot.com

Artista pintor Napoleon

Blog de artista. Pinturas abstractas demediano formato.

http://www.pilarescota.com/

Título*

Este es el blog de Roberto Marín, que se presenta perfectamente a la derecha de su bñlog. Sus dibujos son muy suaves y bien compuestos. Se nota mucho su experiencia de muchos años. Por eso, es genial que ahora esté blogueando. Por su variedad, lo añado en cómic y en pintores.

Roberto Marín

Blog de la artista argentina con sus obras abstractas, muy plásticas y simbólicas.

http://benaventemirta.blogspot.com/

Mirta Benavente

Blog de artista, de Carlos Casu, con muchos trabajos en paste, una estupenda técnica con más capacidad de lo que puede parecer.

Siempre es bueno ver la variedad creativa en otras personas, por ello, es muy aconsejable darse un paseo por su blog.

Imprescindible la visita al Museo Reina Sofía de la Exposición “Rodchenko & Popova 1917-1925″.  Un excepcional recorrido que muestra el paso de la pintura al diseño de estos “productores de la vanguardia rusa”.

¡No te la puedes perder!  Se cierra el 11 de enero de 2010.

Adjunto los manifiestos que te ayudarán a entender las posturas que se adoptan.

MANIFIESTO PRODUCTIVISTA Rodchenko&Stepanova

MANIFIESTO CONSTRUCTIVISTA GAbo&Pevsner

Foto: http://portal.anhembi.br/

Você gosta de receber os amigos em casa? Fica querendo agradar, arrumar tudo com antecedência, desde o lençol e toalha que o visitante vai usar, até procurar saber o que ele gosta de comer, quais atividades pode fazer, pra onde levar na cidade? Então talvez você tenha o perfil de hoteleiro! O curso de hotelaria ensina como superar as expectativas do cliente, fazer com que ele seja tão bem tratado, que se sinta em casa!

O Bacharelado em Hotelaria possui matérias básicas de um curso de administração, como marketing, matemática financeira, contabilidade, introdução à administração, inglês, TI etc, e também possui matérias específicas para o mundo da hotelaria: recepção, alimentos e bebidas, enologia, governança, lavanderia, entre outros. O profissional de hotelaria pode atuar em diversas áreas, como hotéis, spas, bares, restaurantes, parques de diversão, shopping centers, entretenimento, eventos, cruzeiros marítimos, catering, hospitais e empresas. Algumas áreas que começam a crescer são a hotelaria empresarial e hospitalar: Dentro das empresas, o hoteleiro é peça fundamental para atuar na qualidade do serviço prestado, desde como a empresa atende seus clientes no telefone, qual tipo de revista deixa na sala de espera, como serve um café, quais profissionais precisam vestir uniformes e muito mais.

Na saúde, vários hospitais de alto nível contam com departamento de hotelaria, cuja função é trabalhar para receber bem os “hóspedes” e seus visitantes. Para crescer na carreira de hotelaria, o profissional deve ter fluência em outros idiomas, estar disponível para viagens e até mesmo para mudar de cidade ou país. É uma carreira sem rotina, pois cada dia traz desafios novos. É também uma carreira que exige muito trabalho, horas extras e disposição. Portanto, para ser hoteleiro precisa-se gostar de trabalhar muito e ter facilidade de lidar com todo tipo de pessoa. É gostar de servir o próximo, seja num hotel cinco estrelas, num evento ou mesmo em casa, recebendo um amigo.

(Isabela Munhoz)

En este álbum, Watermelon Slim deja a un lado a su banda The Workers, tomando también un rumbo musical distinto, un poco más orientado hacia el country. Una producción que, en realidad, no difiere mucho de las anteriores aunque los elementos del blues están algo silenciados aquí. Hay muchas reminiscencias de lo que es el trabajo como conductor de tractomulas, labor a la cual se dedicó durante mucho tiempo este músico. En su tiempo libre o para entretenerse durante los largos viajes, Slim compuso muchos de los temas que hacen parte de este trabajo, que podría incluirse dentro de un género llamado “música para manejar camión”. Esta producción es todavía un álbum de blues, por lo menos en la forma en que lo siente Watermelon Slim, un hombre que sabe cómo se debe manejar la música.

Hace algunos meses recibí un sobre desde España, que contenía la primera producción original de este grupo originario de Málaga, una banda con más de una década de experiencia, no sólo en el blues sino en otras bandas andaluzas. A orillas del Guadalmedina, el río que divide en dos a Málaga, este quinteto ha creado un estilo propio, con letras que recrean la cotidianidad de esta ciudad española a orillas del Mediterráneo, con un clima agradable todo el año que se presta para disfrutar de muchas cosas, una de ellas el blues.

Además de las diversas presentaciones realizadas en festivales de blues en España y sus performances en los bares de la ciudad, Anomia Blues Band se ha dedicado a difundir el blues a través de conciertos didácticos en institutos de enseñanza secundaria.

Anomia Blues Band sigue el camino de otras agrupaciones españolas, con un sonido muy evocador pero moderno a la vez, inspirado en varios estilos como el slow-blues, el boogie o el blues eléctrico de Chicago. Así como el blues se originó a orillas del Mississippi, esa mezcla de música ha generado ahora, en España, el auténtico blues del Guadalmedina.

http://www.march.es/arte/madrid/temporal/temporal.asp

Recordando los textos sobre lo sublime, tenemos la oportunidad de visitar la obra de Caspar David FRIEDRICH a partir de sus dibujos, en la Fundación Juan March de Madrid.   Adjunto la guía de la exposición en pdf.

Friedrich

El tradicional Bienal de Arte de Venecia, en su quincuagésima edición, registró un récord de personas que asistieron entre junio y noviembre de 2009 con más de 375 mil personas.

Según informaron los organizadores, el número de visitantes aumento el 18% en relación con la edición pasada que se celebró en el año 2007.

Del número de visitantes se estima que un total de 130 mil sean estudiantes, según informó el Bienal por un comunicado.

Esta exposición de arte contemporánea que se presenta en la ciudad de Venecia, en Italia, suele presentarse cada dos años exhibiendo numerosos trabajos de artistas latinoamericanos.

Para esta edición se utilizó el lema “Crear mundos”, debido a que participaron artistas de 77 países, de los cuales fueron un total de 30 países latinoamericanos los que presentaron sus creaciones mas recientes.

En esta ocasión Daniel Birnbaum, director del evento, rompió con la tradición de exponer solo las obras realizadas y mostró el proceso creativo del artista, desde su visión hasta la conclusión de la obra.

La Bienal premió con el León de Oro a Yoko Ono y John Baldessari, por ser artistas que han revolucionado el lenguaje del arte.

Unas esculturas que representan símbolos de la antigua China como una tortuga de mar, un niño montado en un buey y unas grullas descansando encima de unos pinos difícilmente tienen aspecto de basura tóxica, pero casi lo fueron.

Super Dragon Technology Industry, la mayor empresa de reciclaje en internet de Taiwán, fabrica las esculturas con las placas de los 18,000 computadoras desechadas que se reciben cada mes como una forma de diversificar su negocio mientras ayuda al medio ambiente.

Taiwán, que es muy dependiente de la tecnología, produjo más de 80,000 toneladas de ciberbasura en 2008, una amenaza para el suelo y el agua subterránea, según estima la EPA, y alrededor de 60,000 toneladas podrían reciclarse.

Muchos de estos residuos informáticos terminan en los países en desarrollo, causando contaminación en regiones como China, India y Africa.

Super Dragon, un centro de procesamiento privado que funciona desde hace 13 años cerca de Taipei, desmonta los componentes que están en el interior de los ordenadores y los desmenuza en finos fragmentos de fibra de vidrio que son moldeados por un escultor hasta convertirlos en obras de arte.

Cuando se pintan, las esculturas parecen de madera, piedra y porcelana.

Unas esculturas que representan símbolos de la antigua China como una tortuga de mar, un niño montado en un buey y unas grullas descansando encima de unos pinos difícilmente tienen aspecto de basura tóxica, pero casi lo fueron.  

Super Dragon Technology Industry, la mayor empresa de reciclaje en internet de Taiwán, fabrica las esculturas con las placas de los 18,000 computadoras desechadas que se reciben cada mes como una forma de diversificar su negocio mientras ayuda al medio ambiente.

“Preferimos no quemarlos. Mejor dejamos los materiales en la tierra”, dijo el director general Ken Wu. “Si no hay una forma adecuada de usar el material, se causa un mayor daño medioambiental”, apuntó.

Super Dragon, cuya actividad principal es recuperar y vender el metal de los ordenadores desechados, es la única empresa taiwanesa que recicla los componentes completamente, dijo la Administración de Protección Medioambiental de la isla (EPA).

Si a la modelo Galia Katz le dieran elegir el lugar perfecto para vivir, escogería un jardín húmedo, con muchos troncos y musgo donde crecieran orquídeas y ella misma sería un hada que habitaría en ese espacio.

De hortensias y orquídeas estaría repleto también el jardín ideal de Joana Ruiz; así lo afirman estas dos expertas en el tema de florería quienes han unido su sensibilidad e ingenio para crear un concepto llamado Jardín de Malva.

La idea parte de la creación de arreglos florales con formas y diseños innovadores y diferentes.

“Todo empezó porque yo, con la ayuda de mi mamá, decoré mi boda. En aquel tiempo me dedicaba al interiorismo y de ahí me dieron ganas de organizar eventos. Cuando estaba en mi luna de miel, Galia me contactó y me dijo que acababa de hablar con un amigo que le había metido la idea de ambientar eventos, así surgió todo”, dice Joana.

Por su parte, Galia ha dejado un poco de lado las pasarelas para dedicarse a su nueva aventura; su experiencia en el tema del diseño la ha inspirado para dar origen a novedosos arreglos.

“He modelado por muchos años y he estado dentro del mundo del diseño con mi línea de zapatos, esto me ha servido un poco para inspirarme.

“Las flores tienen la connotación de que son algo cursi o femenino, nosotros creemos que puedes explotar la materia y el medio para hacer cosas fuera del contexto al que estamos acostumbrados”, expresa Katz.

Gerberas montadas sobre redes de alambre, juegos geométricos creados a partir de hojas que cubren la superficie de un cuadro; orquídeas sobre plataformas cubiertas con corteza de árbol seca -idóneas para decorar pasillos-, elegantes composiciones en bowls de cristal, forman parte de lo que estas jóvenes ofrecen. “Nuestra idea es crear diseños basados en la arquitectura floral, es decir instalaciones de flores”, explica Ruiz.

“Estás trabajando con cosas vivas que tienen un determinado tiempo de vida, es necesario saber en qué momento comprar la flor y cómo trabajarla.

“Es triste que sea tan efímero, pero eso le da también un aspecto romántico. Es crear fantasías e ilusiones, por eso le pusimos Jardín de Malva, porque sientes que estás entrando a un cuento, lleno de nuevas experiencias”.

Muy en tendencia

Así como en la moda, en la florería también hay tendencias. Actualmente hay un poco de todo, nos gusta lo minimalista, hay arreglos saturados que se ven bien, pero depende mucho del evento.”

“La tendencia, igual que en el interiorismo es a manejar los extremos: el minimalismo y el saturado, te puedes adaptar a cualquiera”, afirma Katz.

Dice, “hay que divertirse con las flores. Por otra parte, es importante recordar que hay que cambiar el agua a diario y cortar los tallos para que duren más”.

En cuanto al tema del romanticismo, las expertas están de acuerdo en que es necesario mantener la tradición de dar flores para preservar la tradición. “Se ha perdido un poco el gesto de regalarlas, es lindo conquistar a una mujer así.

“En el caso de los hombres, ¿por qué no regalárselas? Nosotras tenemos arreglos muy masculinos compuestos por alcatraces y otros complementos dedicados a ellos”, sugiere Katz.

Empezó a bailar debido a una lesión que sufrió jugando al fútbol. Esther comenta:”Mientras practicaba mi deporte favorito me lesioné la rodilla y estuve un año recuperándome sin hacer absolutamente nada, fue en ese momento cuando descubrí el hip – hop, y no he parado desde entonces”.

Esta breaker catalana sueña con bailar el resto de su vida. Quiere dedicar todo su tiempo a estar encima de un escenario y montar sus propias coreografías. La gusta mucho la danza, y no se imagina haciendo otra cosa que no sea bailar.

Domina el break dance, new style, popping, locking y contemporáneo.Tiene nociones de danza clásica y oriental.

Se autodefine como una chica exigente, luchadora y muy constante. Es perseverante y todo lo que se propone, lo consigue.

Gran variedad de libros y documentos de la colección Ecléctica Monclau serán subastados.

Coleccionar ediciones raras, ediciones príncipe, libros fundamentales de la cultura universal: arte, derecho, religión, cocina, enciclopedias, así como documentos y fotografías de personajes que han marcado el sentido de una época o de una sociedad es atesorar la memoria que la historia de un país y la humanidad misma tejen a lo largo de los siglos y de sus diferentes procesos y vicisitudes; es también una tarea especial y acuciosa, en la cual la paciencia se convierte en la virtud más alta para adquirir conocimiento.

Esta es la cualidad de la Colección Ecléctica MONCLAU, poseer uno de los acervos más completos para coleccionistas, libreros anticuarios e inversionistas; una labor de más de cincuenta años dedicados al acopio de obras como una primera edición mexicana del Quijote, o Los conventos suprimidos en México de Manuel Ramírez, editado en 1861.

La enumeración de obras y documentos que pertenecen a esta colección no sólo sería larga sino, al mismo tiempo, nos obliga a reconocer que el interés del coleccionista es mayormente el de preservar aquellos aspectos que componen la identidad de nuestro país, el sentido profundo y vivo de nuestra historia y proyectarla hacia lo universal.

Por ello, encontramos documentos y tratados que se refieren a la historia patria, Atlas con mapas y dibujos de la Gran Tenochtitlan, el Memorandum sobre el proceso a Maximiliano de Austria, seis volúmenes de la obra conmemorativa del primer centenario de la Independencia de México.

Otro documento de interés especial es la primera edición del periódico Excelsior publicada en 1917; este ejemplar representa un gran valor histórico por los hechos que relata, pero además un valor periodístico inigualable.

Todas estas ediciones, documentos, fotografías serán ofrecidas en la Subasta Especial de Libros, Documentos, Manuscritos y Mapas Antiguos y/o Raros, Segunda Selección de la Colección Ecléctica MONCLAU, que se llevará a cabo en Louis C. Morton, la casa de subastas, el sábado 28 de noviembre a las 11:00 horas.

Consulte el catálogo digital 

El paso de David Alfaro Siqueiros por Buenos Aires en la década de 1930 dejó un mural poco conocido que estuvo sumergido en la oscuridad por años, sin que su valor artístico ni el aluvión de pasiones que despertó recibiesen demasiada atención.

Esa rica historia saldrá a la luz ahora con su exhibición en público por primera vez y con una película del laureado realizador Héctor Olivera.

La estadía del muralista mexicano marxista en Buenos Aires estuvo rodeada de todo tipo de vicisitudes, incluida una compleja relación con un magnate argentino y una novelesca historia sentimental, que involucra también a Pablo Neruda. Olivera no lo pensó dos veces cuando se enteró de todos los entretelones y decidió hacer una película.

“Son personajes muy atractivos y complejos porque no tienen una línea de conducta coherente”, señaló el cineasta argentino en alusión a El Mural, la cinta protagonizada por el mexicano Bruno Bichir en el papel del famoso muralista y por la argentina Carla Peterson en el de la escritora uruguaya Blanca Luz Brum, esposa del pintor.

El rodaje comenzó hace poco en Buenos Aires y localidades cercanas a la capital, en las que se intenta recrear la Argentina de entreguerras. Siqueiros llegó a principios de los años 30 a Buenos Aires, donde dejó su huella como artista en el sótano de la casona del magnate de la prensa Natalio Botana.

En esa mansión, rodeada por un jardín, pintó Ejercicio plástico, obra en la que se basa el filme y que después de numerosos avatares y de haber sido casi destruida, será exhibida en Argentina en mayo de 2010.

El mural alrededor del cual gira la trama está considerado por expertos consultados, como una pieza extraña en la producción del muralista mexicano. “Es única por su forma semicilíndrica” y por su temática, ya que tradicionalmente Siqueiros pintaba temas políticos y sociales y en este caso “realizó un ejercicio erótico o plástico”, señaló Eduardo Guitima, uno de los especialistas que participaron recientemente en la restauración del mural.

A excepción de Bichir, el resto de los principales actores son argentinos. Sergio Boris interpreta a Neruda; Luis Machín hace de Botana; Ana Celentano es Salvadora Medina, y Mónica Galán encarna a Victoria Ocampo.

“La obra del pintor mexicano es el desencadenante de todo lo que pasa”, explicó Olivera.

Siqueiros vino a Buenos Aires con la intención de pintar un gran mural en un silo, pero al ser marxista, se encontró sin apoyo oficial en la Argentina conservadora de la época.

En la realización de Ejercicio plástico participaron pintores locales que alcanzarían renombre como Lino Enea Spilimbergo, Carlos Castagnino, Antonio Berni y el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro.

Guitima explicó que Ejercicio plástico resistió el abandono gracias a la novedosa técnica que aplicó Siqueiros. En las paredes y techo del sótano empleó aerógrafos y pinturas a base de silicatos que crearon el efecto de una superficie vidriada, dura y protectora. En tanto, el suelo es de cemento coloreado.

“Para mí este mural es mágico por todo lo que le ha pasado y por su contenido. Fue creado en un ámbito privado. Muy pocos tuvieron acceso a él. Y luego permaneció mucho tiempo oculto”, afirmó.

Es un proyecto para replicar masivamente piezas consagradas de célebres artistas. 

El artista plástico mexicano Artemio (1976) anunció que prepara el relanzamiento de “Arte de facto”, un proyecto para replicar masivamente piezas consagradas de célebres artistas, “Es interesante preguntar sobre los derechos de autor. Pero no me preocupa, yo no haga falsificaciones”.

“El proyecto es tan demente que si te lo crees es que estás pendejo”, explicó el artista en entrevista.

En una primera etapa, en 2008, Artemio presentó al mercado réplicas de obras de Gabriel Orozco, Dan Flavins y Lawrence Weiner. Las piezas estaban firmadas por el artista y abajo incluían la leyenda: “Por Arte de Facto“.

Artemio ahora prepara el relanzamiento del proyecto en el mes de mayo, por lo que trabaja en los infomerciales y en la campaña de presentación.

“La primera vez el método que empleé fue un poco absurdo. Fue muy improvisado. Y lo que quiero es que el proyecto opere como si fuera un bufete de abogados”, explicó el artista, reconocido por emplear “apropiaciones” como método creativo.

Las declaraciones de Artemio sucedieron tras su participación en la feria de arte latinoamericano más importante de Estados Unidos, PINTA, en la que exhibió su obra y durante la que conversó públicamente con el curador Aldo Sánchez Ramírez.

En enero, además, el artista comenzará formalmente otro de los esfuerzos que impulsa decididamente, la escuela Soma, hecha por artistas y para artistas. Las clases comenzarán con talleres de Taiyana Pimentel y María Alos.

Participan también en el proyecto Eduardo Abaroa, Eduardo Thomas, Francis Alys, Joaquín Segura, Juan Carlos Reyna, Laureana Toledo, Mario García-Torres, Pablo Vargas-Lugo, Raúl Ortega Ayala, Sofía Táboas, Teresa Margolles y Yoshúa Okón. “Este es el primer esfuerzo de este tipo en México”, dijo.

“Hay otras dos escuelas similares, una en Argentina, que se llama Centro de Investigación Artística (CIA) y otra en Nueva York, nombrada Bruce High Quality Foundation”, enfatizó Artemio. 

La  obra de Artemio se ha presentado en el Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, Sala de Arte Público Siqueiros, CCA Wattis Institute for Contemporary Art, en San Francisco, y CECCH Centre d”edition Contemporaine en Ginebra, entre otros.  (Con información de Notimex/AYV)

El mercado del arte sigue vivo, así lo muestra un estudio elaborado por la economista cultural especializada en el sector de bellas artes y artes decorativas, Clare McAndrew.

Dicho estudio revela que el arte antiguo, especialmente la pintura, sigue mostando fuertes rentabilidades atractivas en sus ventas. Precisamente, Madrid volverá a convertirse en el centro del mercado del arte antiguo, las artes decorativas y la pintura, con la celebración de la trigésimo tercera edición de FERIARTE, Feria de Arte y Antigüedades.

La pintura continúa siendo uno de los medios de inversión más populares entre compradores, aficionados, coleccionistas y artistas. De hecho, para muchos, la pintura es un medio muy versátil, que permite infinitas combinaciones de materiales, temas y estilos, además de un seguro aante la crisis. En este sentido, FERIARTE constituye uno de los grandes puntos de encuentro para los amantes de la pintura y las artes plásticas de todos los tiempos. Una ocasión única para admirar y adquirir lienzos de gran valor histórico y artístico, entre las que destacan las pinturas antiguas, especialmente medieval y renacentista, y los autores contemporáneos de prestigio internacional.

Pintura antigua

Junto con algunas muestras de las artes plásticas en las culturas antiguas, mosaicos, relieves y esculturas, FERIARTE constituye un interesante recorrido por la historia de la pintura. Así, la GALERÍA BERNAT, especializada en pintura y escultura de alta época, mostrará la “Presentación de Jesús en el Templo”, un óleo sobre tabla del maestro Robredo, realizado en la segunda mitad del s. XV. y “La Anunciación”, de Juan de Borgoña, de principio del s. XVI. THEOTOKOPOULOS, mostrará “Santa Ana, la Virgen y el Niño”, otro óleo, proveniente de Bruselas y fechado entre 1480 y 1500.

Es destacable, igualmente, la pintura “Fiesta Campesina” (Circa 1650), de David Teniers el Joven, pintor flamenco de renombre con más de 50 obras en el Museo del Prado traída  a la feria por ANTIGÜEDADES SERRANO. La galería SORAYA CARTATEGUI, mostrará pinturas de la segunda mitad del siglo XVII, como es el caso de “Vaso con flores”, de Hieronymus Galle, “Fragata holandesa y barcos de pesca delante de la costa de Vilissingen”, de Jacob Adriaensz Bellevois, y “Kermesse”, de Claes Molanaer. 

De finales del siglo XIX, LORENAT expondrá una pintura de Joaquín Sorolla, “Los cordeleros”, de 1893, expuesta precisamente este año en el Museo del Prado, junto a las 101 obras más importantes del pintor. Por su parte, ALCOLEA presentará, también de Sorolla, “Niños en el jardín”.  De principios del s. XX, FERIARTE acogerá diversas pinturas como “Mujeres con mantón”, de Francisco Iturrino y “La Catedral de Burgos”, de Darío de Regoyos, ambas de la galería LORENAT.

DOLORS JUYENT, especializada en vanguardias históricas y artistas contemporáneos de prestigio internacional, mostrará un óleo de Santiago Rusiñol del año 1927, y otro de Pere Pruna, de 1930, entre muchas otras pinturas.  MANUEL BARBIÉ expondrá un espléndido óleo sobre tela de Fernand Léger, titulado “Paysage”y realizado en 1929. Además esta galería, que ha profundizado en vanguardias europeas y maestros españoles del s. XX, mostrará “Bel”, un óleo sobre lienzo de Antonio Saura, de 1960.

También de este mismo pintor  la GALERÍA DEL CISNE presentará “Perro de Goya”. La obra, realizada en un viaje que el artista hizo a La Habana en 1966, es una técnica mixta sobre carbón de tinta y acuarela. Asimismo, llevará a la feria el “Bodegón”, de Joaquín Peinado, de 1987 y “Mar del Norte”, un óleo sobre papel marrouflé, de Carlos Nadal.

Expresionismo abstracto

Otra galería que apuesta por el arte moderno español del s. XX es IGNACIO REDONDO FINE ARTS, que mostrará una pintura cubista del canario Óscar Domínguez, “Etude d´après la bataille de San Romano d´Ucello”, de 1954, y otras figurativas como la del salmantino Celso Lagar, “La Corrida”, y la del catalán Emilio Grau Sala, “Trouville”. Por su parte, DANIEL CARDANI también apuesta por una obra de Óscar Domínguez, de 1947, titulada “Guitarra española”, así como por el autor Alexander Calder, con “Satellites”, de 1964, y “Kakemono”, de 1973, una pintura, de origen chino, que se desenrolla verticalmente con un solo tema.

Igualmente, expondrá “El grito”, de Manolo Millares junto a  “Paisaje” de Joan Hernández Pijuán,un óleo sobre papel Japón pegado a un lienzo, y “Composición”, una magnífica pintura de Juan Uslé, de 1993.

A todos estos maestros de la pintura presentes en FERIARTE, se suman los nombres de otros grandes artistas españoles que han logrado el reconocimiento internacional y han puesto a la pintura en los primeros puestos de cotización.

Así, lo visitantes podrán contemplar obras de Pablo Picasso, pinturas de las distintas etapas del genio catalán Joan Miró, y obras de otros artistas, como Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Juan Muñoz, Antonio López, Manolo Millares, Miquel Barceló, Lucio Muñoz, Casamada, José María Sicilia, Joan Hernández Pijuan, Manolo Valdés, Antoni Clavé, Jaume Plensa, entre muchos otros.

La feria Pinta de arte de América Latina volverá a realizarse en noviembre próximo en Nueva York, pero también organizará en 2010 un evento similar en Londres, según los organizadores.

Del 3 al 6 de junio tendrá lugar la primera edición de Pinta dedicada al mercado europeo, indicó su director institucional, Mauro Herlitzka, al cierre de la tercera edición de la feria en el barrio Chelsea de Manhattan.

Al hacer un balance del evento, Herlitzka dijo que “el número de visitantes fue mayor y estimamos que a pesar de la crisis se habrá vendido por una suma global equivalente a la del año pasado”, de 5 millones de dólares.

Unas 60 galerías de las Américas especializadas en el arte latinoamericano presentaron del 19 al 22 de noviembre la producción de algunos de los mejores creadores de la región, incluyendo los consagrados y algunos menos conocidos.

En esta tercera edición, en la que participaron 15 galerías de Nueva York, Herlitzka destacó las adquisiciones institucionales, con la compra de obras por parte de museos tanto de Estados Unidos como de América Latina e incluso bancos.

“Las compras de museos y particulares reconfirman la consolidación de un mercado para el arte latinoamericano en la escena internacional, cuya perspectiva es crecer inexorablemente”, dijo.

Diego Costa Peuser, otro de los tres directores de la feria, destacó la participación de ocho museos internacionales que compraron obras para enriquecer sus colecciones.

Citó como ejemplos la Tate Modern Art Gallery de Londres, que compró ‘Las desformantes’ (1964) de Horacio Zabala. La Pinacoteca de Sao Paulo escogió dos Fiaminghi de 1956.

El Harvard Museum reservó una escultura histórica de Víctor Grippo, mientras que el Museum of Fine Arts de Boston manifestó interés en adquirir ‘Untitled with fallen chairs’ (2009) de Liliana Porter.

El Museo Tamayo de México compró ‘The painter’ (2009) de la misma artista, así como ‘Even days, odd days’ (1969-2009) de David Lamelas. El Museo del Barrio de Nueva York adquirió obras de Fanny Sanín, Karlo Cárcamo y Milagros de la Torre.

El banco MBA Lazard compró dos obras para su colección itinerante de arte latinoamericano: un dibujo de Darío Escobar y una foto de Denise Lira.

Nara Roesler, de la galería homónima de Sao Paulo que participa en PINTA desde sus inicios en 2007, ve con optimismo la evolución de la feria.

“Este año fue mejor que los anteriores, porque recibimos más colecionistas, tuvimos más ventas y vinieron más museos”.

El éxito de la feria coincide con una temporada de otoño buena para las dos subastadoras de Nueva York, donde Christie’s y Sotheby’s vendieron la semana pasada por un total de 32 millones de dólares de arte latinoamericano.

Según Alejandro Zaia, presidente de la empresa organizadora de Pinta, “en este año tan difícil, pudimos superar nuestras propias expectativas, en calidad y cantidad de propuestas artísticas y de público. Esto nos da confianza para encarar nuestro nuevo gran objetivo, que es hacer Pinta también en Londres el año próximo”.

La feria Pinta de arte de América Latina volverá a realizarse en noviembre próximo en Nueva York, pero también organizará en 2010 un evento similar en Londres, según los organizadores.

Del 3 al 6 de junio tendrá lugar la primera edición de Pinta dedicada al mercado europeo, indicó su director institucional, Mauro Herlitzka, al cierre de la tercera edición de la feria en el barrio Chelsea de Manhattan.

Al hacer un balance del evento, Herlitzka dijo a AFP que “el número de visitantes fue mayor y estimamos que a pesar de la crisis se habrá vendido por una suma global equivalente a la del año pasado”, de 5 millones de dólares.

Unas 60 galerías de las Américas especializadas en el arte latinoamericano presentaron del 19 al 22 de noviembre la producción de algunos de los mejores creadores de la región, incluyendo los consagrados y algunos menos conocidos.

En esta tercera edición, en la que participaron 15 galerías de Nueva York, Herlitzka destacó las adquisiciones institucionales, con la compra de obras por parte de museos tanto de Estados Unidos como de América Latina e incluso bancos.

“Las compras de museos y particulares reconfirman la consolidación de un mercado para el arte latinoamericano en la escena internacional, cuya perspectiva es crecer inexorablemente”, dijo.

Diego Costa Peuser, otro de los tres directores de la feria, destacó la participación de ocho museos internacionales que compraron obras para enriquecer sus colecciones.

Citó como ejemplos la Tate Modern Art Gallery de Londres, que compró ‘Las desformantes’ (1964) de Horacio Zabala. La Pinacoteca de Sao Paulo escogió dos Fiaminghi de 1956.

El Harvard Museum reservó una escultura histórica de Víctor Grippo, mientras que el Museum of Fine Arts de Boston manifestó interés en adquirir ‘Untitled with fallen chairs’ (2009) de Liliana Porter.

El Museo Tamayo de México compró ‘The painter’ (2009) de la misma artista, así como ‘Even days, odd days’ (1969-2009) de David Lamelas. El Museo del Barrio de Nueva York adquirió obras de Fanny Sanín, Karlo Cárcamo y Milagros de la Torre.

El banco MBA Lazard compró dos obras para su colección itinerante de arte latinoamericano: un dibujo de Darío Escobar y una foto de Denise Lira.

Nara Roesler, de la galería homónima de Sao Paulo que participa en PINTA desde sus inicios en 2007, ve con optimismo la evolución de la feria.

“Este año fue mejor que los anteriores, porque recibimos más colecionistas, tuvimos más ventas y vinieron más museos”.

El éxito de la feria coincide con una temporada de otoño buena para las dos subastadoras de Nueva York, donde Christie’s y Sotheby’s vendieron la semana pasada por un total de 32 millones de dólares de arte latinoamericano.

Según Alejandro Zaia, presidente de la empresa organizadora de Pinta, “en este año tan difícil, pudimos superar nuestras propias expectativas, en calidad y cantidad de propuestas artísticas y de público. Esto nos da confianza para encarar nuestro nuevo gran objetivo, que es hacer Pinta también en Londres el año próximo”.

Los artistas y artesanos han tomado como modelo todo aquello que forma parte de su entorno, ya sea en lo real o en lo imaginario, a través de distintas técnicas que dan cuenta del conocimiento teórico y práctico que poseen, con picardía, coraje o buen humor.

A partir de una fusión de proyectos, técnicas, formas y experiencias diversas de una visión plástica de la artesanía mexicana, un total de 70 artesanos y 75 artistas plásticos presentarán la exposición “Arte-sano ö artistas“.

A exhibirse desde el próximo sábado 28 de noviembre y hasta el 28 de marzo de 2010, en el Museo de Arte Popular (MAP), la exhibición está conformada por más de 130 obras que reflejan la correlación existente entre ambos artistas.

La fusión de proyectos, técnicas, formas y experiencias diversas, muchas de ellas opuestas, dio como resultado un universo rico en todos los sentidos, para los artesanos y artistas plásticos, quienes representan fronteras y libertades, barro y encáustica, diseño y concepto, pigmento y líneas, vivencias y frustraciones.

Los artistas y artesanos han tomado como modelo todo aquello que forma parte de su entorno, ya sea en lo real o en lo imaginario, a través de distintas técnicas que dan cuenta del conocimiento teórico y práctico que poseen, con picardía, coraje o buen humor.

Naturaleza, paisajes, acontecimientos y objetos de la vida cotidiana como un trozo de madera, el tinte de la grana cochinilla, un simple popotillo, los huesos de un animal o materiales como el cartón, son la base de signos, formas y colores que expresan fielmente la idiosincrasia de todo un pueblo.

Los creadores, que basados en tres diferentes proyectos, tuvieron las opciones de realizar de forma conjunta la planeación y construcción de la obra; que el artista la generara y el artesano pudiera intervenirla o interpretarla, y en el tercer caso, que el artesano iniciara su fabricación y el artista la concluyera.

Este proceso dio como resultado que ambos unieran sus experiencias en beneficio de un objeto que refleja la creatividad, sensibilidad, talento y el conocimiento en el manejo de cada uno de sus oficios.

Así, surgió un ejercicio de retroalimentación en el que queda al descubierto el sentido artístico del artesano y el lado artesanal de los artistas.

La exposición incluye también una sección de invitados, como Francisco Toledo y Gustavo Pérez, entre otros, quienes denotan en su trabajo una relación intrínseca que funde lo artesanal con lo artístico o lo artístico con lo artesanal.

Uno de los objetivos del MAP es facilitar la creación, por ello, esta exposición permite tener una visión plástica de la artesanía mexicana, así como un mejor entendimiento del público tanto a las expresiones artísticas, como a las manifestaciones particulares de cada uno de los creadores. La muestra se presenta de martes a domingo en el MAP.

Un equipo encabezado por López reunió no sólo las divagaciones de Reyes, sino 182 obras que las inspiraron.

Alfonso Reyes (Monterrey, 1889 – DF, 1959) desdeñó la crítica de arte, pero no dejó de escribir sobre la obra de Diego Rivera, Goya, Ángel Zárraga, Caravaggio, Velázquez, El Greco, Matisse, Modigliani, Picasso o Rembrandt. 

“Lo hacía más como una divagación necesaria ante la contemplación artística, nunca aceptó que fueran críticas de arte”, afirmó el investigador Arturo López, del Museo Nacional de Arte (Munal) y curador de la muestra “Alfonso Reyes y los territorios del arte”, que se estrena hoy a las 19:00 horas en ese recinto.

Un equipo encabezado por López reunió no sólo las divagaciones de Reyes, sino 182 obras que las inspiraron. La afición a las artes plásticas del candidato al Premio Nobel en 1949 y autor de “Visión de Anáhuac” es un aspecto desconocido hasta ahora, consideró el curador.

Así que esta muestra se presenta como el mayor festejo por el 120 aniversario de su nacimiento y el 50 de su muerte. “Hacía falta una exposición integral con las opiniones de Alfonso Reyes sobre el arte de su tiempo”, dijo Arturo López ayer durante un recorrido.

“Alfonso Reyes y los territorios del arte” se integró con obras procedentes, en su mayoría, de recintos y colecciones nacionales, como la Capilla Alfonsina, el Museo Nacional de San Carlos, la Colección Andrés Blaisten y el Museo Casa Diego Rivera, de Guanajuato, y de algunas de extranjeros como The Hispanic Society of America, el Museo de Arte de El Salvador, la Royal Society y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A las obras de Ángel Zárraga, Manuel Rodríguez Lozano, Diego Rivera, Angelina Beloff, Gregorio Prieto, José Moreno Villa, Roberto Montenegro o Robert Delaunay, los une sólo el interés que despertaron en Alfonso Reyes, dijo el encargado de la exposición.

A la mayor parte de los cuadros los acompaña una cita textual del regiomontano. Junto al óleo de Rivera “Cabeza clásica” (1898), el fragmento: “Yo vi nacer con entusiasmo la pintura de Diego Rivera, allá por los días de Savia Moderna, revista donde hice mis primeras armas, como lo he contado en Pasado inmediato”, y la cita bibliográfica correspondiente.

“Mostramos las obras que provocaron sensibilidad en su producción literaria”, señaló Arturo López . La primera referencia al gusto por el arte plástico de Reyes es el ensayo “Julio Ruelas, subjetivo”, publicado en Revista Moderna de México, en 1908.

Después, la exposición se divide en “Albores, los modernistas del Ateneo”, con obras de Ruelas y Rivera; “Lejanías, estampas de París y Madrid”, con obras de Josep Torres y Robert Delaunay, y cartas de Reyes escritas en esas ciudades; “Cuadros, el cine que vio Fósforo”, una selección de películas reseñadas por el escritor; “Latidos, los fuegos de la razón”, con pinturas de Goya; “Andanzas, Monterrey en Sudamérica” y “Transparencias, la tierra de Anáhuac”, con textos y piezas de Rodríguez Lozano, Montenegro y María Izquierdo.

La exposición permanecerá abierta hasta el 14 de febrero en el recinto ubicado en Tacuba 8, en el Centro Histórico. Próximamente se editará un catálogo con textos de Christopher Domínguez, Héctor Perea, Adolfo Castañón y Raquel Tibol, entre otros.