posted by: gcallejo

Ya es cuestionable incluso el hecho de reseñar esta película en Scenas, porque ciertamente no sé si merece tanta atención. Bueno, en sentido estricto quizá sí la merezca, pero desde luego no por su guión. La crítica ha sido bastante unánime a la hora de condenar sus fallos y elogiar sus escasos puntos fuertes.

El argumento es de sobra conocido, tanto por su simpleza como por la frecuente aparición de tramas catastróficas análogas en las carteleras. Aquí la fecha clave es el 21 de diciembre de 2012, cuando el núcleo de la Tierra, recalentado más de la cuenta por unos neutrones, desatará desórdenes geológicos apocalípticos. ¿Buenos efectos especiales? Sobrecogedores. ¿Secuencias frenéticas? Sí, unas cuantas. Pero los diálogos son esquemáticos y tipiquísimos, la historia no tiene más y el reparto protagonista -con grandes actores como Thandie Newton, John Cusack o Danny Glover- tampoco deja mucho que desear. Sólo el gracioso papel de Woody Harrelson resulta relativamente eficaz, y sin embargo su aparición en la pantalla es muy breve.

En realidad, lo que 2012 consigue es que el espectador, después del estupor y de las emociones que le han sacudido durante los casi 160 minutos de metraje, caiga en la cuenta de qué importante es un buen guión y de que los efectos especiales no son nada -absolutamente nada- al margen de una historia bien armada, con personajes creíbles y carismáticos. Parece que eso se le olvida fácilmente a Emmerich. El entretenimiento, por muy articulado que esté, es efímero por definición; lo otro es lo que perdura.

Podría dejar el trailer, pero está muy visto. Prefiero un clip de uno de los poquísimos momentos en el que las actuaciones son convincentes.

posted by: pol

Hombres y “Dibus”

Cuando la premisa de una historia es brillante, lo más importante está hecho. Es cierto que el desarrollo puede ser peor o mejor, pero por lo menos, se ha plantado una buena semilla. Pensé en esto después de ver Who framed Roger Rabbit (Robert Zemeckis, 1988). El punto de partida es Los Ángeles, California. Pero con algunas diferencias: porque hay hombres, que trabajan en Hollywood, y “dibus” -¡sí, dibujos animados!- que trabajan, claro está, en Toontown (“dibullywood”, en la traducción española).

El desarrollo posterior de la historia es discutible, aunque hay que reconocerle la virtud de saber retorcer y adaptar las convenciones propias del cine policíaco, de intriga o incluso del thriller, a un género (¿o es sólo una técnica?) hasta entonces inexistente: el mixto de animación e imagen real. Eso es obra del guionista Jeffrey Price (conocido por su colaboración en otros títulos menos honrosos): aquí queda su tercer borrador.

Y una palabra para la técnica: es de reconocer un trabajo sensacional de animación; y más aún de interpretación. Aquí, un vídeo que lo explica de maravilla:

posted by: chemalopez

♣ El indomable Will Hunting

Good Will Hunting, (1997)

Discursos inolvidables

Si hace algunos años,  en algún momento de tu guión – un punto de giro, quizá, un story beat de importancia – dispusieses de un discurso hecho para marcar un antes y un después en la historia,  te hubiese recomendado la voz y presencia de Robin Williams. Al Pacino mediante.

El joven e ilusionado profesor del Club de los poetas muertos es ahora un hombre maduro, encerrado en sí mismo bajo el peso de una profunda crisis existencial. El bohemio (y sí, también altruista) profesor y psiquiatra conocerá a Will, con quien desarrolla una relación de tira y afloja dialéctico y emocional que es la verdadera riqueza de la película (los secundarios, cumplen; el final, previsible; la historia de amor, obligada y raquitica subtrama).

Quizá, lo realmente interesante aquí, es la metaevolución (no busquen la palabra, que no existe) de Williams, de aquel club de poetas pasados a mejor vida, a través del tiempo, desdoblado en dos personajes “diferentes” – que no son más que el desarrollo del mismo – en una línea cronológica natural hasta volver a guiar al más brillante de sus alumnos y, ahora sí, salvarse a sí mismo.

El Indomable Will hunting es la notable ópera prima como guionistas de Matt Damon y Ben Affleck (el último quizá debió replantearse la interpretación). Llevada a la pantalla bajo la dirección de Gus Van Sant, que pisa terreno “comercial” para repetir más adelante con un producto del mismo estilo: chico superdotado de barrio marginal y conoce a quien será su mentor-salvador (Finding Forrester, 2000).

Debajo, una de mis escenas preferidas. El brillante monólogo del profesor Williams ante un atónito Damon, cuyas palabras considero que forman (además de una verdad como una catedral) un momento memorable en la  historia del cine reciente.

Dentro de este apartado sobre las críticas de cine, antes de pasar a analizar uno por uno los elementos necesarios para realizar una buena crítica de cine me gustaría analizar una página web relacionada con este tema, que pienso que nos puede servir de gran ayuda para adentrarnos un poco dentro de este mundillo de los juegos narrativos.

La página web se llama CriticasCine, se trata de una web con múltiples contenidos multimedia cuyo URL es: www.críticascine.com, una web creada en 2007 por Juan José Calvo Ramos con la intención de ofrecer el máximo de contenidos posibles acerca del mundo del cine, centrándose principalmente en las críticas, los cortometrajes y las bandas sonoras.

Contenidos informativos:

Llevando a cabo un análisis de los contenidos informativos ofrecidos por esta web aquí podemos encontrar:

Un apartado de críticas de cine : que a pesar de disponer de una nube de etiquetas no dispone de un motor de búsqueda específico para esta sección, sino uno general para toda la web. Así pues la única manera de encontrar una crítica en la que estés interesado es ir pasando página por página ya que estas no están ordenadas de forma alfabética ni por fecha de estreno, sino por orden de aparición en la web.

Por otra parte, la web también ofrece trailers de películas aun por estrenar, sinopsis de películas a votar por los usuarios, videoclips de bandas sonoras y cortometrajes. En todos estos apartados los contenidos no están numerados ni ordenados alfabética o temporalmente, ni tampoco ofrecen un motor de búsqueda específico, sino que, como las críticas, aparecen según la fecha de aparición en la web.

Por último, la web también ofrece noticias sobre cine ordenadas según su sucesión temporal. Se renuevan con periodicidad aunque no ordenadamente. Esto quiere decir que en un mismo mes podemos encontrar 3 noticias y en otro mes solo una. sin embargo todas estas noticias vienen ampliadas profundamente, bien desarrolladas en profundidad, y disponen de una serie de artículos relacionados con el objetivo de ampliar información siempre que el usuario así lo requiera.

Como valoración general a cerca de los contenidos informativos de esta web tan solo puedo decir que, a pesar de que no puedan considerarse un ejemplo de orden, todos ellos ponen el máximo de recursos multimedia a disposición del usuario, y se implican en profundidad dentro de cada ámbito informativo.

Contenidos complementarios:

La página web también permite, entre otras cosas comunicarse con otros usuarios a través de lo que ella llama un “chan te críticas de cine” a pesar de que no se trate de un chat en sí sino de una especia de foro desde el cual se pueden dejar o responder a distintos mensajes. Pero no se trata de un canal  verdaderamente online desde el cual todos los usuarios puedan conversar a la vez.

por otra parte la web ofrece a los usuarios la posibilidad de escuchar bandas sonoras online, a través de enlaces a distintas radios de bandas sonoras o de distintos compositores relacionados con el mundillo de las bso’s.

Por último la web también dispone de lo que ella misma denomina como “tiendas”, que en el caso de las tiendas de póster no es más que un enlace a la página web AllPosters.com. Sin embargo en la “tienda de bandas sonoras” la web sí que dispone de un servicio de venta propio.

En general son contenidos bastante variados y diversos. A pesar de que no estén muy bien organizados todos ellos son muy interesantes y complementan perfectamente el resto de contenidos informativos. 

Publicidad:

Hoy en día es difícil encontrar una página web que no la incluya. Sin embargo la hay más o menos molesta. En el caso de esta web la publicidad aparece siempre en uno de los laterales. es un tipo de publicidad inamovible ya que el usuario no la puede evitar. sin embargo no puede considerarse como algo molesto ya que además, es publicidad relacionada en mayor o menos medida con los contenidos.

Otro tipo de publicidad que nos aparece en esta web son pequeñas ventanas multimedia con trailers de películas a estrenar. Estas pequeñas ventanas aparecen sin previo aviso y justo encima de los contenidos web que estemos consultando. Pueden resultar un poco molestos pero al estar también relacionado con el mundo del cine, no supondrían una verdadera molestia si no fuese por su forma de aparición sin previo aviso hacia el usuario.

 Posibilidades de participación:

La web analizada ofrece en todo momento a los usuarios, la posibilidad de participar en los distintos contenidos ya sea mediante el chat sobre críticas de cine o a través de comentarios que pueden ser dejados al final de cualquier contenido. En el caso de que al usuario no se le ocurra nada que decir, este tiene la posibilidad, siempre que quiera, de, únicamente, votar contenidos siempre al final de estos.

A pesar de que la web ofrezca en todo momento esta posibilidad de participación, son pocos los usuarios que se atreven a hacerlo, ya que en la mayoría de contenidos el grado de participación es nulo. Únicamente en el chat se han dejado unos pocos comentarios ni siquiera respondidos.

Por otra parte los usuarios pueden acceder fácilmente al correo electrónico del administrador de la página, ya que se ofrece una sección entera a explicar al usuario como contactar con la web en caso de que este lo desee.

En general este apartado ofrece todo lo que un usuario podría necesitar en el caso de querer participar en la web, pero sin embargo también hemos de admitir que los usuarios apenas llevan a cabo esta tarea, ya sea porque no se sienten interesados o porque no tienen nada que decir al respecto. En cuanto al chat, tal vez se le debería cambiar el nombre ya que no se trata de un chat realmente, sino de un foro. O simplemente se debería cambiar su estructura para que se tratara de un chat de verdad.

Tal vez la página esté abandonada en algunos aspectos. Pero respondiendo a las peticiones de los usuarios, la web en realidad ofrece más contenidos y formas de participación de las que los usuarios están dispuestos a utilizar. Sin embargo por si acaso en algún momento son requeridos, ahí están.

Dentro de los estrenos de dvd’s se destaca para este mes “Che: El Guerrillero”, la segunda entrega del director Steven Soderbergh sobre la vida de Ernesto Guevara. La cinta, junto con develar el fracaso de quien fuera uno de los padres de la Revolución Cubana, deja al descubierto el contraste dentro de una industria que por décadas satanizó y ridiculizó su imagen.

Jorge Núñez Lazcano

Para nadie es un misterio que el cine de los Estados Unidos se ha alzado como puente colonizador dentro y fuera de sus fronteras. Desde sus inicios con El nacimiento de  una nación en 1914 hasta producciones más recientes como Pearl Harbor o 9/11,  Hollywood ha sobrestockeado las salas y tiendas con películas que ensalzan la imagen de una nación pregonera de valores tradicionales. Un homogeneizante mensaje que buscó también minimizar y estereotipar cualquier tendencia que desafiara esta imagen, como por ejemplo, el comunismo y sus referentes.

En una industria que sabe muy bien las reglas del juego  como consecuencia de la feroz persecución del macarthismo medio siglo atrás,  emergió un director dispuesto a dar una mirada distinta. Este año se estrenó en el país  Che, el filme dirigido por Steven Soderbergh y protagonizado por Benicio del Toro, que narra pasajes de la vida de Ernesto Guevara en dos largometrajes, El Argentino y El Guerrillero,  inspirados en los registros del médico: Pasajes de la Guerra Revolucionaria y Diario del Che en Bolivia.

En el pre-estreno del primer filme realizado en el Festival de Cannes del año pasado, Del Toro reveló que había escuchado por primera vez el nombre del ‘Che’ Guevara a los 12 años en una canción del grupo Rolling Stones y que ya desde esa edad lo veía como un hombre malo, un “sangriento”, una imagen en la que los medios y con especial fuerza el cine tuvieron que ver.

El ícono de la revolución, aquel stencil eternizado en millones de camisetas comenzó a retratarse en Hollywood en 1969, con un film homónimo dirigido por Richard Fleischer y protagonizado por el egipcio Omar Shariff, de gran fama por aquella época por su rol en Doctor Zhivago. La cinta resultó ser un verdadero fiasco, y terminó siendo un foco de ácidas críticas que cuestionaban desde su estereotipada visión hasta el financiamiento que recibió de  la CIA. Incluso su mismo protagonista la definió como el mayor error de su vida, calificándola como de producto fascista.

Sin embargo, las realizaciones hollywoodenses no se quedaban únicamente en la tergiversación de hechos históricos, ya que muchas veces se cayó en la mera ridiculización no sólo del Che, sino  también de la ideología comunista. Los ejemplos sobran y las sagas de Rambo, Rocky y las taquilleras Top Gun y Sol de Medianoche se presentan como las más recordadas.

A estas producciones poco felices de la vida de Guevara y del comunismo les siguió un prolongado silencio, interrumpido en 1996 con el musical Evita, de Alan Parker, que mostraba a un Che cantante en una versión light, y Diarios de Motocicleta,  el filme de 2006 con Walter Salles en la dirección de un relato aséptico y exento de lucha armada.

Los riesgos se tomaron calculadamente hasta la irrupción del Che de Steven Sodebergh. El director estadounidense confesó al estrenar su película que quiso darle una historia a la camiseta y, a juzgar por esta narración dividida en dos largometrajes, lo logra plenamente con la proyección de un guerrillero fiel a sus convicciones. Tanto El Argentino como El Guerrillero se presentan como una mezcla de documental y de ficción. Sin embargo, por más que en una primera revisión no se perciban grandes diferencias, existen matices que el propio director resumió declarando que la primera es una película de Hollywood y la segunda es un filme más de autor y modesto,  sin las presiones de la industria y  sin el “para que funcione”.

En esta segunda parte, el director decide no dar las concesiones al espectador como en la primera entrega. Esta vez la historia se desarrolla a un ritmo parsimonioso, despreocupado y sin que la urgencia de Guevara para realizar su revolución trasunte el desarrollo de sus acciones, cayendo en algunas ocasiones en una ralentización del metraje, inédita para este cineasta. Si en El Argentino se muestra la lucha con las fuerzas del dictador Fulgencio Batista con un Guevara narrador en primera persona y reflexivo, El Guerrillero deja de lado la narración en off, con un Guevara hermético, en ocasiones taciturno. La fotografía de la primera entrega, marcada con los lumínicos y extensos parajes de la sierra cubana y sus plantaciones azucareras, da paso en esta ocasión a la seca vegetación boliviana que le otorga a la historia un tono molesto y claustrofóbico, que va a acompañar al Che hasta sus últimos días.

Tal como su precuela, el filme deja al descubierto el interés del director por dejar de lado los aspectos negativos del protagonista mostrándolo como un hombre coherente con sus ideas, que abandonó a Fidel Castro para dar inicio a otra revolución en lugar de instalarse en la comodidad que otorga el poder. Al igual que en El Argentino, se presenta a un líder carismático y con una voluntad a prueba de todo para llevar con éxito la ejecución política de una ideología que se convirtió en su vida. Así lo quiso Soderbergh, con una historia contada a partir de un solo punto de vista, y sin dar espacio a la controversia que genera el personaje.

Sin dejar de tener en cuenta estos últimos elementos,  El Guerrillero puede ser visto como el cierre de un desagravio que el director hace a Guevara, sin endiosamientos, pero rompiendo con los estereotipos de “el maquiavélico” que se le dio en las producciones de fines de los 60’s, y sin la caricaturización de la ideología, distinguible en muchas producciones hollywoodenses, sobre todo de la Guerra Fría. Soderbergh entrega, desde la misma industria, una mirada, madura y desapegada a cualquier pasión anacrónica norteamericana de la vida de Ernesto “Che” Guevara; un acto de justicia para quien buscó eso para todos los pueblos latinoamericanos.

posted by: gcallejo

Si hace unos días subrayamos el papel del silencio en el género del drama, hoy puede ser buen momento para reconocer su importancia en los largometrajes de suspense. Creo que es Alfred Hitchcock, quizá, quien mejor ha sabido explotarlo. Y sin ánimo de echar a un lado los atinados análisis de Txema en torno al cine de Hitchcock, desearía escoger un ejemplo paradigmático de este director: Los pájaros (1963).

Es bien conocida por todos la trama que recorre el nervio central de la historia: una encantadora mujer (la delicadísima Tippi Hedren) conoce en una pajarería a un abogado (el varonil Rod Taylor) por el que no tarda en sentirse atraída. Guiada por un impulso difícil de controlar, decide regalarle un par de periquitos, para lo cual deberá viajar a Bahía Bodega. Allí, de pronto, ella y los habitantes del lugar sufrirán los inexplicables y violentos ataques de miles de pájaros.

Sólo un mago como Hitchcock es capaz de convertir un guión tan sencillo en una pieza cinematográfica sensacional, llena de agobios, angustias y frenesís. Y para lograrlo no recurre a insólitos efectos especiales. Le bastan unas buenas interpretaciones, un montaje agudo y, sobre todo, una estrategia sonora extraordinaria. El espectador necesariamente se encoge inquieto en su butaca al sufrir los abundantes silencios de los protagonistas, y en su mente reverberan con extraordinaria plasticidad los graznidos de los diabólicos animales.

En esta película no hay música, sólo diálogos y ruidos provocados por la naturaleza. Prepondera la ausencia de sonido. A la postre, Hitchcock genera así una tensión difícil de explicar, pero palpable e incuestionable. Sirva la siguiente escena como botón de muestra:

Algunos ya nacieron muertos. Eso me dijo mi amigo el otro día. Y es muy cierto.

En el Club de la Lucha vemos al pobre Raymond K. Hessel, tendero de badulaque, ser sacado de su tienda por un Tyler Durden muy, muy enfadado. Mientras Jack observa la escena desde el fondo, Tyler amenaza a Raymond con una pistola y le hace jurar que va a recuperar sus sueños.

¿Estudias "cosas"? ¿Son muy dificiles los exámenes en "Cosas"?

TYLER: What did you wanted to be, Raymond K. Hessel?

Raymond weeps and says nothing. Tyler COCKS the gun. Raymond GASPS.

TYLER: The question, Raymond, is what did you want to be?

JACK: Answer, Raymond! Jesus!

RAYMOND:  Veterinarian! Veterinarian!

TYLER: Animals.

RAYMOND: Yeah, animals and s-s-s….

TYLER: –Stuff, yeah I got that. That means you have to get more schooling.

RAYMOND: Too much school.

TYLER: Would you rather be dead? Would you rather die? Here? On your knees? In the back of a convenient shop?

RAYMOND: Nooo!

Tyler UNLOCKS the gun, lowers it.

TYLER: I’m keeping your license. I’m going to check on you. I know where you live. If you aren’t back in school and on your way to being a veterinarian in six weeks, you will be dead. Now run on home.

Tyler throws him his wallet. Raymond takes it, staggers to his feet and heads down an alleyway, running.

TYLER: Run, Forrest, run!

JACK: I feel ill.

TYLER: Imagine how he feels.

JACK: Come on, this isn’t funny! That wasn’t funny! What the fuck was the point of that?

TYLER: Tomorrow will be the most beautiful day in Raymond K. Hessel’s life. His breakfast will taste better than any meal you and I have ever tasted.

(extraído de aquí)

Hay quien dice que la adaptación de la escena no es muy fiel al libro, pero desde mi punto de vista el mensaje está claro. ¿Qué es lo que más te gustaría hacer en la vida antes de morir? ¿Tenemos trabajos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos? ¿A qué sueños has renunciado ya? ¿Por qué?

posted by: gcallejo

Leo con expectación que Lars Von Trier, el director danés, ha decidido embarcarse en el proyecto de escribir y dirigir una película de catástrofes. A mi memoria acude rápidamente Dancer in the dark, aquel filme suyo de hace unos años que, en una palabra, sobrecogió al mundo, y me pregunto si logrará alcanzar en el género de la ciencia ficción la altura y calidad que logró con aquel inolvidable drama musical.

Aquél era -y es- un largometraje en el sentido más puro del término. Björk, su protagonista, es una checa emigrada a EEUU que trabaja duramente en una fábrica para costear su supervivencia y la de su hijo. Pero le consume una ceguera progresiva que, casi con total seguridad, heredará también su hijo si no consigue el dinero preciso para operarle. Su única vía de escape, su fuente de alegría en un contexto miserable y desolador, es su pasión por la música y el baile.

Resulta difícil enumerar aquí las virtudes de una película que brilla se mire por donde se mire. Las interpretaciones de los secundarios, y no sólo la de la protagonista, son sensacionales; la banda sonora y los bailes componen secuencias vibrantes, antológicas; el drama se sucede con un realismo pasmoso y con una contundencia inapelable; el guión (¡lo encontré!) carece de altibajos; y el estilo documental está amueblado de un modo genuino y ejemplar. Aquí dejo una pequeña perla:

Para quitarse el sombrero. Veremos si cambiando de género Von Trier perpetúa su arte.

posted by: chemalopez

Quizás la historia de la humanidad no sea sino una sucesión de postguerras, es decir de desajustes entre quienes poseen desmedidamente el poder y quienes lo padecen, en las que volver a recuperar la vida sobre los destrozos de la irracionalidad, mientras los guerreros repostan y los nuevos alevines vuelvan a surgir para salvar a los demás mediante sus cruzadas enloquecidas.

Basilio Martín Patino

Salvar al soldado Ryan (Saving private Ryan, 1998) es, probablemente, una de las mejores películas bélicas de la historia del cine. Y, entre otros aspectos, se debe a escenas como el desembarco inicial del film en Normandía: cámara en mano (“reporterismo realista”), recreación minuciosa y un sonido ambiente que nos impulsa a tirarnos al suelo como si estuviésemos pisando la misma arena que el ejército (no sólo americano, querido Spielberg) tiene bajo sus botas.

Excluyendo el sobradamente representado patriotismo (nada que objetar, eh) y la etapa histórica en la que está enmarcada la historia que el Rey Midas de Hollywood busca contarnos, la narración y caracterización de cada uno de los personajes principales liderados por el capitán John Miller (Tom Hanks) está muy lograda. Excelente guión de Robert Rodat.

Pero, de momento, tan solo citar la primera escena. Ya habrá tiempo de centrarse en otros detalles concretos de esta película, por cierto, germen de la posterior serie de éxito Hermanos de sangre (Band of brothers, 2001).

Debajo de estas lineas disponen de un video que recrea – de la mano de únicamente 4 diseñadores, una cámara, cuatro días de rodaje y muchas tablas en esto del diseño cinematográfico -  el desembarco visto en la película de Spielberg. Espero que haga las delicias de más de uno.

posted by: gcallejo

Ésta fue una película muy controvertida en su tiempo, si todavía no lo es. A su director, Oliver Stone, le gusta la polémica, y suele inclinarse por historias no exentas de debate. En este caso, escribe y dirige un largometraje intenso y demoledor, una adaptación de la novela de Jim Garrison centrada en algunas de las complejas investigaciones que siguieron al asesinato del presidente Kennedy.

La obra dura más de tres horas, pero ciertamente se pasan volando. Las interpretaciones de los conocidos y numerosos protagonistas, tanto la del brillante Costner como la de Joe Pesci, Donald Sutherland, Gary Oldman y Tommy Lee Jones, entre otros, son de una solidez pasmosa. Tienen una gran presencia frente a la cámara. Les ayuda también la batuta del sensacional Williams.

Y sobresale el montaje, hábilmente pensado, que en su día mereció un Oscar -el otro fue para la fotografía- y se ganó el reconocimiento unánime de la crítica. No es para menos. En el filme se recaba una ingente cantidad de información, de imágenes (algunas históricas), de declaraciones y de tramas que se dosifican y exponen con magistral tino, hasta el punto de que el espectador siente con frecuencia que está contemplando más bien un exhaustivo documental.

La aproximación de Stone al magnicidio de Dallas es contundente, y su guión ofrece minutos memorables a la historia de cine. Aquí pongo el lúcido discurso final de Garrison –Costner- ante el jurado, de una tremenda fuerza visual. Sólo lo he encontrado en V.O.

Creador de una obra que abarca más de cuatro décadas y numerosos libros, Jorge Ayala Blanco es uno de los críticos cinematográficos más reconocidos del mundo de habla hispana. No hay nadie como él: ilustrado, corrosivo y en extremo inteligente, Ayala Blanco sólo considera válida la crítica que se demanda la misma clase de rigor que le exige a la obra artística

En entrevista, el autor de Cinelunes exquisito, espacio que publica semana tras semana en el diario El Financiero, reflexiona sobre el papel que debe jugar la crítica cinematográfica que aspire a ser algo más que una mera reseña promocional.

¿Para qué sirve hoy la crítica de cine?

La crítica sirve para prolongar e intensificar el placer del cine. Esa siempre ha sido mi postura. ¿Para qué otra cosa podría servir? La crítica seria, la que aspira a desmenuzar una película, es casi algo del pasado. No existe en los medios tradicionales, porque estos mismos medios son ya especies en extinción. La mayoría de los críticos funcionan como guías para saber qué ver el fin de semana, y nada más. Se hace más marketing que crítica real. Algunos dicen que quizá el futuro de la crítica se encuentre en Internet, pero la idea no me entusiasma: a excepción de uno o dos sitios, me parece que Internet funciona más para crear grupos o sumarse a tribus; casi todo el lenguaje está expresado en una clave cerrada y poco trabajada. Como lector, Internet no me parece interesante. Probablemente los tiempos nos obliguen a repensar las cosas, pero yo me aferro a mi idea original: desde los 12 años de edad busco y leo crítica de cine por un motivo perfectamente egoísta, prolongar e intensificar mi placer. Ser crítico significa estar vivo: equivale a jugar, a negarse a renunciar a una dimensión de tu personalidad que disfrutas y te define.

Algunos críticos se imaginan como gurús supremos que deciden lo que es bueno o malo. Su juicio de valor parece importarles más que la película en sí.

Yo los llamo “críticos Ratatouille”: personas que se asumen como una clase de supraconciencia de la obra, la cual siempre requiere ser evaluada. Concebir así a la crítica puede ser un ejercicio de soberbia o humildad, todo depende de la persona que la ejerza. Ratatouille se burla de una manera muy inteligente de esa clase de crítica, al tiempo que la rescata y hasta la valora. Yo creo que uno debe de estar siempre al servicio de la obra. El “crítico Ratatouille” puede resultar molesto, pero a mí me parece todavía más abominable el “crítico pilmama”, que es el que se la pasa en el apapacho constante a las películas y los directores. El “crítico pilmama” es el que se apiada del director porque “le echó muchas ganas”, o se conmisera de los productores porque “le invirtieron mucha lana al proyecto”, o suelta frases como “hay que apoyar al cine mexicano”. Otro crítico pavoroso es el “rellena planas”, que es el que habla de la sinopsis, la trayectoria del director, las circunstancias de la filmación y un sinfín de paja que no dice en realidad nada de la película. El juicio del “crítico rellena planas” siempre aparece en el último párrafo y es una cochinadita de dos líneas. También está el otro extremo. A mí me encanta que la crítica sea corrosiva, pero si no se va más allá de eso, uno se convierte en un “crítico vinagrillo”: un amargado al que le obsesiona más la guillotina que la crítica misma. La vida de la crítica es lo importante; es decir, la crítica debe ir hacia un lugar: la premisa introductoria no puede ser la conclusión. La crítica que no va a ninguna parte, la que sólo da vueltas sobre sí misma, es gratuita y poco placentera.

¿Qué tanto te importa el lector? ¿Cómo concibes tu relación con él?

El lector me importa enormemente. No me interesa el solipsismo ni hablarle a mi ombligo. En mis libros jamás hablo en primera persona, al contrario, intento borrarme, ser impersonal. El uso de la tercera persona siempre es más inteligente. Es una cuestión de respeto: nunca debemos suponer que estamos por encima del lector. Mi lector ideal es un compañero de butaca con el que puedes platicar y establecer una complicidad inteligente. Quiero creer que a mí me hubiera interesado leer las notas que hoy escribo cuando tenía 18 años; me gusta pensar que escribo para el joven que yo fui. Para mí, un buen crítico descubre aspectos que yo no detecté, o que quizá sí sentí pero no pude precisar. O como alguien decía de manera muy inteligente: un buen crítico es el que esclarece las películas oscuras, y oscurece las películas claras. Eso sigue vigente. Hay películas que en apariencia lucen transparentes y simplonas, pero una vez que te das el lujo de meterte en el inconsciente del cineasta, resultan ser complejísimas. A veces, el mejor crítico es el que se asume como el terapeuta de los directores. ¿Por qué no? Me parece muy válido. También creo que un buen crítico debe de nutrirse de cosas diferentes al cine. Una crítica que sólo se alimenta de la cultura cinematográfica se convierte en algo absurdo y autorreferencial que no le hace ningún servicio al lector.

Imaginar al Ayala Blanco que conjuga fascinado lo que ve me resulta imposible en un medio que no sea impreso. Hay una ambición formal en tu prosa que te coloca muy por encima de tus colegas.

Cuando escribes hay una sobrecarga conceptual y expresiva que te obliga a asumir un estilo, la intención formal a la que te refieres. Uno no puede escribir como habla, ni hablar como escribe. Sería un absurdo. Ahora, en mi caso, el estilo no viene de un rincón de mi mente que sea enteramente propositivo. Mi intención es desmontar los mecanismos internos de una película e interpretar las emociones que sentí, y no verme a mí mismo en el papel de escritor o en función de otras expectativas que no sean la de explicarme la película. Es una especie de conversación unilateral: me explico a mí mismo la película para así intentar explicársela a las demás. También es cierto que ejerzo la crítica con libertad, pues no me limito forzosamente al formato de la nota de periódico, sino que escribo bajo la asunción de que todo va a ser plasmado en un libro: si la crítica da para 7,000 o 20,000 caracteres me da lo mismo, escribo lo que debe de salir. Eso repercute en que mi estilo sea menos compacto y mucho más libre, a la vez que me hace más consciente de la permanencia del juicio. Mi obra va sobre tres caminos desde hace 40 años, que son tres series de libros. La primera serie es sobre el cine mexicano, la cual está ordenada alfabéticamente. La letra “i” ya está en imprenta y ya preparo la “j”, que se titulará La joda del cine mexicano. La segunda serie es sobre el cine extranjero, la cual se agrupa bajo el nombre de “cine actual”. De ésa ya entregué un tomo titulado Verbos nucleares y preparo Estallidos genéricos, donde abordo cómo han estallado los géneros cinematográficos en los últimos años. Finalmente, la última serie es la de La cartelera cinematográfica, que ya lleva ocho tomos y enlista los estrenos cinematográficos. Sé que suena excesivo que un crítico escriba sobre la marcha tres series de libros, sobre todo en México, donde ya escribir crítica de arte es un triunfo, no se diga crítica cinematográfica.

¿Qué tan consciente eres de las tendencias de opinión que se generan en torno a un director o una película? ¿Te afectan a la hora de decidir sobre qué y cómo vas a escribir?

Yo escribo sobre la película que vale la pena escribir. No sobre la que me encantó o la que odié, sino la que me resultó más interesante esa semana. Yo sé que a veces el criterio puede ser frustrante: a ti te puede parecer muy atractiva una película y esperar en vano a que escriba sobre ella. Tomemos el ejemplo de Michael Mann. ¿Por qué demonios no escribí sobre Colateral o Miami vice? Pues porque me parecieron pueriles y de dudoso interés. A muchos críticos les parecieron increíbles, formidable, pero a mí no. Lo mismo me pasó con Heat. Su película más reciente, Public enemies, ya estaba en otra dimensión y decidí escribir sobre ella. Mi espacio es demasiado valioso como para escribir sobre mugres. Hay veces en las que de plano veo algunas películas por sola disciplina. ¿Para qué analizarlas? No se trata de buscar lo raro o lo diferente, sino de encontrar algo que te motive a escribir. ¿Para qué perder el tiempo con otro pinche thriller de autos chocones? Esas películas se desmontan solas. No tiene sentido. Sobre todo ahora, cuando hay muchas expresiones radicales que merecen ser comentadas.

En estos años se ha dado un rompimiento muy importante: aferrarse a una obra personal y llevarla hasta sus últimas consecuencias, a pesar de que el autor esté en lugares donde prácticamente la industria ha desaparecido. La polarización es fascinante: en paralelo al macrocine, el de onerosos presupuestos y efectos especiales, se ha desarrollado un microcine de avanzada que, a mi juicio, constituye lo más valioso de esta década. Yo no me hubiera imaginado nunca que en México, donde la industria está devastada, surgieran monstruos como Carlos Reygadas o Amat Escalante, que manejan un nivel asombroso. Lo mismo sucede en lugares tan insospechados como Malasia o Filipinas, donde de repente surgen autores que nadie conoce y terminan haciendo obras maestras. En términos cualitativos, esta década dio un salto enorme con respecto a las anteriores. Ya no vimos un cine determinado por los grandes nombres, sino por el surgimiento de obras mayores realizadas por desconocidos y de manera mínima y marginal. Las catedrales del cine ya no van a ser firmadas por las vastas trayectorias, sino por nombres discretos, quienes probablemente no volverán a filmar tras descollar con una o dos películas magistrales. De esos autores habrá miles y en todas partes del mundo. ¡Qué bueno! Eso es lo maravilloso de estos años: en el momento aparentemente crepuscular de la industria del cine, el arte cinematográfico ha dado un levantón espectacular.

¿Qué tan cinéfilos somos los mexicanos? ¿Cómo se conecta esa cinefilia con nuestra industria cinematográfica?

No nos va bien si nos comparamos con el resto de Latinoamérica. Argentina y Perú, por mencionar dos ejemplos, están muchos más desarrollados que nosotros en ese aspecto. ¡En Argentina hay 10,000 estudiantes de cine! En México no existe una verdadera cultura cinematográfica; existen, eso sí, “las beatas de la Cineteca”: personas que están al pendiente de ciertas películas renombradas, como las de los Oscares, o de asistir a eventos sociales relacionados con el cine, como conciertos o cocteles. Está muy bien que hagan toquines en la Cineteca y que vayan los “roqueritos”, pero esos no son verdaderos cinéfilos. Eso pasa también con la mayor parte de los críticos. A mí no me gusta echar pestes contra la Cineteca, porque bien o mal es una organización que opera en la mera resistencia cultural, sobrevive a su propia muerte. Los amantes del cine en México no cultivan su cinefilia en los cineclubes; son chavos que se surten con los piratas que están afuera de las librerías y de la misma Cineteca. Esos chavos cuentan con una cultura cinematográfica mucho más grande que la que yo tenía a su edad: lo saben y lo consiguen todo. Lamentablemente, esa gente es minoría. Ni siquiera ves cinéfilos en las seis o siete escuelas fraudulentas de cine que hay aquí. Lo primero que les dicen los maestros a los alumnos en esas escuelas es que ya no vayan al cine, porque les da malas ideas y luego creen que pueden hacer aquí lo que ven ahí. ¡Las escuelas de cine ni siquiera cuentan con la capacidad de formar buenos cinéfilos! Se crea un círculo vicioso: los malos cinéfilos no pueden ser buenos cineastas. A menos, claro, que sean genios de la intuición. Puede pasar, pero es rarísimo.

¿Cómo imaginas al Ayala Blanco crepuscular? ¿Planeas retirarte o piensas morir en la sala de cine, tomando notas y planeando el siguiente libro?

Yo me veo como un aspirante a ser el Manoel de Oliveira de la crítica cinematográfica: el señor es un director de más de 100 años de edad y sigue haciendo las películas más avanzadas de la actualidad. Mientras tenga lucidez, la edad me vale madres. Hay muchas maneras de plantearte la vejez. Lo padre de tener 67 años es que, mientras tengas memoria, tienes ese año 67 y todos los anteriores, ¡pero al mismo tiempo! Aún encuentro revelaciones y momentos perfectos que me motivan a hacer crítica. Cuando deje de disfrutar el cine dejaré de escribir, pero no veo cercano ese momento. No siento que mi prosa o mis puntos de vista se sientan viejos o rebasados. Me interesa lo que sucede y lo que va a pasar. No me refugio en el pasado, sino que hurgo en él para descubrir más placer. El viejo es una persona que dice todo el tiempo “no tengo ganas”: “no tengo ganas de salir”, “no tengo ganas de ir al cine”, “no tengo ganas de confrontar lo nuevo”, etcétera. Yo todavía tengo ganas, muchas ganas. (F)

+Esta entrevista se publicará en la edición de noviembre de Deep. ¡Compren la de octubre ya!

++Las fotos son de Guacamole Project. ¿Te gustaron? Visita su sitio: Guacamoleproject.com

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Estética, propagandística y plúmbea

Entre los erráticos bandazos post-Matrix de los hermanos Watchowski destaca “V for Vendetta”. Se trata de una historia futurista: el mundo está sumido en el caos, los EEUU son pasto de una guerra civil y sólo el Reino Unido se sostiene en pie, manteniendo la seguridad de sus ciudadanos. Pero a un precio muy alto: el de la libertad (nótese, hasta aquí, la llamativa coincidencia con la premisa dramática de Children of Men). Y ahí entra el enigmático protagonista: “V”, un enmascarado de pasado oscuro que pretende acabar con la opresión del régimen británico, abriendo los ojos al pueblo… A través de una forma un tanto lírica de terrorismo.

El guión es interesante, por cuanto plantea temas que, por lo menos, dan qué pensar. Además, presenta un acierto único y muy digno de mención: la curiosa y difícil empatía que se establece entre el público y el protagonista, a pesar de la máscara que oculta su rostro (¿o gracias a ella?). Otros aciertos verdaderamente llamativos son la dirección artística, la estupenda ambientación, la caracterización fantástica de los personajes; la coreografía de las escenas de acción, etc.

Pero fallan, en cambio, el ritmo y la unidad de acción. El segundo acto -minutos 30 a 80, aproximadamente- es un agónico relato con historias ajenas al argumento que distraen al espectador de la acción central. Un verdadero plomazo.

Y lo más llamativo: es una obra ideológica hasta el extremo. Plantea, por un lado, el dilema político entre seguridad y libertad (dentro de lo que Miguel Ángel Huerta llamaría cine rebelde post-11S), constituyendo una importante crítica a la actitud de la administración Bush. También lleva a cabo una defensa de la homosexualidad que, si bien es legítima, resulta exagerada. Tanto, que el espectador se da cuenta, y empieza a sentirse como ante una columna de opinión. Y finalmente, la película critica, de forma descarada y sorprendente, la religión: pero de una forma tan deliberadamente sesgada, que a la legua resulta sospechosa. Me explico [spoiler]: mientras que el personaje de Deitrich es condenado a muerte y ejecutado por poseer una copia del Corán (una lanza rota a favor del Islam); el obispo Lilliman –probablemente anglicano, pero cristiano en todo caso- resulta ser un viejo verde que gusta de alternar con muchachas de corta edad [fin del spoiler]. Claro, deja un regusto como de manipulación barata.

Además, en medio de toda esta propaganda, no falta una clamorosa incoherencia: para “V”, defensor de  la libertad, la violencia puede ser un argumento legítimo. En sus propias palabras: … that is the nature of change. She is a temperamental creature that appears in earnest rarely but, when she does, she will wear one of two faces. The first face is the destroyer. It is lamentable but all true change begins with death.

En conjunto, la película presenta un protagonista atractivo y una estética fascinante; pero adolece de una terrible falta de ritmo y unidad; y resulta descaradamente folletinesca.

Aquí queda la apabullante y sensacional secuencia de clausura:

Y aquí queda, como siempre, el guión de la película (una versión bastante prematura).

Esta es la primera vez que hago una critica de cine, y la verdad, para seros sinceros, no tengo ni idea. Por no tener, no se por donde empezar. A mi me han dicho” haz la critica de esta peli” y yo la hago. Que os parezca buena  o mala me importa tres pueblos.

Despues de este parrafillo introductorio empezare diciendo que es una peli ambientada en la Segunda Guerra Mundial, en la que un grupo de hombres judios ( los bastardos) tienen como objetivo matar a tantos nazis como vean. Es como una legión que se dedica a eso y está comandada por Brad Pitt ( Aldo Raine). Por otro lado está una judia llamada Shosanna Dreyfus(Melanie Laurent) cuya familia fue asesinada por las SS y que huyó a París, donde dirige un cine, del cual es su dueña.

Allí se desencadena una serie de sucesos que permiten a la joven vengarse de lo que le hicieron a miles de judios.

Cabe destacar tambien la actuación de Diane Kruger (Bridget Von Hammersmark) que a mi me parece buenísima y la de Christhop Waltz ( Hans Landa), porque hace de un personaje que es capaz de descubrir la verdad y ser inteligente pero que tendrá un inesperado destino.

Hablando de destinos, el final es distinto al de la realidad.

La peli esta dirigiida por Quentin Tarantino, y como tal no puede faltar la sangre. Te hartarás de ver sangre. Además, da más miedo que la de Expediente 39.

Y para terminar diré que lo mejor de la peli son las situaciones embarazosas que deben superar algunos de los bastardos en el cine, aunque realmente la peli en si es buenísima, me gustó un mónton. Como parte mala, yo diría ninguna, pero como tengo que decir una, diré los cortes de cabelleras y heridas y la sangre; para la gente que no lo soporte, esta peli no les será de su agrado.

Y no se que decir más, yo creo que ya está bien, que mis palabras no valen nada si no vas al cine y te la ves, porque merece la pena.

Por último dejarles aquí el trailer de la peli:

Fernando Trueba

Nueva lección de periodismo del crítico de cine Carlos Boyero. Una de los grandes reproches que se le pueden hacer hoy al periodismo en España es el cainismo que lleva a adular sin medida al amigo y atacar sin piedad la yugular del enemigo. Muy pocas excepciones encontramos a esta ley, a esta falta endémica de honestidad profesional. Por ello es muy gratificante leer textos como la crítica que Boyero publica hoy y en el que no deja muy bien parada la película ‘El baile de la victoria’, dirigida por Fernando Trueba, de quien dice que es su amigo (por lo menos, hasta ahora).

La estructura del palo que Boyero le mete a Trueba, y cuya lectura recomiendo, tiene tres partes. La primera es la advertencia sobre la amistad y afecto que le une con la persona a la que va a realizar la crítica. La segunda consiste en la crítica propiamente dicha, en la que no deja muy bien parada a la película. Por último, y como colofón del texto, una coletilla en la que casi pide perdón por la crítica que acaba de hacer.

Primero, la advertencia: “Siempre me acerco al cine con la esperanza de disfrutarlo, pero hay casos en función de la amistad y la admiración que profeso hacia la persona que firma la película en los que daría cualquier cosa porque se cumplieran mis expectativas.”

Segundo, la crítica propiamente dicha en la que, más o menos, dice que la película de Trueba no le ha gustado lo más mínimo. Un ejemplo: “A pesar de ese material argumental, yo no logro creerme casi nada en trama tan presuntamente emotiva”. Otro ejemplo: “La volcánica e hipersensible danzarina también me suena a irreal“. Y todo en este plan.

Por último, el genial colofón final: “Y piensas que a un director que ha demostrado tantas veces talento y sabiduría contando historias con una cámara, en comedia y en drama, no se le puede haber secado la inspiración ni el lenguaje. Ojalá que sea mi sensibilidad como espectador la que está atrofiada“.

¡Chapeau, maestro Boyero!.

Más información:

. Texto íntegro de la crítica

. Carlos Boyero, un crítico que no deja indiferente a nadie

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Superman -un auténtico salvador de la humanidad venido del cielo, de origen incierto y de naturaleza sobrehumana- réune todas las virtudes dramáticas para crear una historia épica verdaderamente memorable. Pero, en mi humilde opinión (y puedo equivocarme, claro está), algo falla.

Así que me he puesto a pensar: ¿qué necesitaría Superman para ser el héroe único, indiscutible e inolvidable que está llamado a ser? Repasando las aventuras de Lois & Clark, me ha parecido caer en la cuenta de que el superhéroe por excelencia tiene un grave problema: le falta un enemigo a su altura. En la serie televisiva, Clark sólo tenía que enfrentarse a pequeños tiranuelos malvados y díscolos, muchos de los cuales tenían como único fin vital acabar con él, sin ningún otro interés particular.

Así que ya sé cuál es el problema de Superman: está condenado a ser aburrido (al margen de la parafernalia efectista y espectacular que provee la técnica). Porque -muy a pesar de la consabida criptonita- no tiene un rival considerable, ya que ninguno de sus enemigos ha tenido aspiraciones totalizadoras, universales, absolutas.

Creo que los guionistas de Superman Returns (Dougherty, Harris, Singer, etc.) intuyeron este escollo, y por eso dotaron a la historia de un anatagonista -lamentable, por cierto- que pretendía arrebatar a la humanidad absolutamente todo: la tierra. Pero ahí volvieron a equivocarse, porque este planteamiento degeneró en una ridícula escena climática en la que el protagonista “lucha” contra un pedazo de roca que no para de crecer. Decepcionante.

Superman, he ahí tu problema: eres de una naturaleza tal, que tus objetivos se quedan cortos para ser tomados en serio, o bien se hacen tan ‘relevantes’ que resultan aburridos. Búscate la vida, que para eso eres un super-hombre.

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Leía hace un par de días una noticia acerca del fallecimiento de Budd Schulberg. Se trata del guionista de “La Ley del Silencio”. Ese guión se llevó un Oscar. Y no es para menos. La película se desarrolla en los muelles de Nueva York, entre los estibadores del puerto. Es un reino de opresión, en el que el poder recae en manos de los Sindicatos de trabajadores. La regla de oro es: dont ask no questions— don’t answer no questions.

Y entre ellos se encuentra Terry Malloy (Marlon Brando). Es una de esas narraciones de conversión del protagonista –la llamada transformación, de Ronald Tobias. Es su paso del bando fuerte al débil, por causa del amor y la moralidad. La primera imagen de la película –tan importante en el guión- es estremecedora: la muerte de Joey Doyle en la azotea de su casa, entre palomares, al anochecer. Ahí empieza todo, porque es Terry el que ocasiona esa muerte: Wasn’t a bad little fella …

Otro personaje despampanante es el Padre Barry (Karl Malden). Sensacional. Es la voz de la esperanza en un mundo de sangre, sudor y lágrimas. Y tiene un monólogo verdaderamente emocionante, hacia la mitad de la película. La carne de gallina y los pelos como escarpias:

¿Qué es un héroe? Esta sempiterna pregunta halla su respuesta en una escena de la película: la conversación de Terry y Charley (Rod Steiger) en el coche, cuando éste tiene que convencer a su hermano de que no declare contra la mafia del puerto. El sacrificio de un hermano por el otro es, en última instancia, heroico:

 Aquí queda el guión de la película.

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Steven Spielberg se ha hecho un hueco entre los genios del séptimo arte; sin embargo, incluso –y sobre todo– a los genios les da por hacer experimentos. Y uno de ellos fue Taken (en España, Abducidos), serie de televisión sobre alienígenas en la que el rey Midas del Hollywood actual ejercía de Productor ejecutivo.
Un producto al que ciertamente le faltaba “chicha narrativa”, aunque su creador y guionista Leslie Bohem (que ganó un Emmy, su único premio destacable hasta el momento, gracias a la serie) se afanase en dejar por el camino no ya migas, sino grandes pedazos de pan. En cada capítulo, Dakota Fanning –otra niña prodigio– narraba en off sentencias existenciales, de esas que uno repasa a posteriori, cigarrillo mediante.

En una de ellas, nos explicaba algo que tan asumido, como olvidado:

A todos nos gusta pensar que tenemos cierto control sobre nuestras vidas, y muchas veces nos engañamos a nosotros mismos pensando que estamos al mando. Pero entonces pasa algo que nos recuerda que el mundo funciona con sus propias reglas, y no con las nuestras. Que sólo estamos de paso.

En una conversación con un colega de este mundillo –recalco el diminutivo– surgió la pregunta de las dos tes (típica; trampa): ¿dónde te gustaría trabajar? Tal cuestión, llevada al contexto de nuestra profesión, sería algo así como: ¿con quiénes te gustaría aportar tu visión del mundo, de la vida, a través de lo que opinas, sientes y sueñas? A qué diantres me gustaría dedicar mi vida. Inquietante.

Todo escritor (lo admita o no) sueña con trabajar junto a los mejores, con quienes crear las historias más memorables y los personajes más completos; para llegar a sentir ese poder, esa satisfacción de contemplar cómo ríen donde tu quisiste que riesen, lloran en el momento en el que así lo planeaste y se sorprenden y acomodan en un mundo que ha salido enteramente de tu interior. Cómo aprenden, recuerdan u olvidan de tu mano. Abducidos por tus relatos.

Eso, queridos amigos, es droga. El elixir de la vida eterna, el tesoro del faraón, la clave ultra-secreta para destruir el mundo… o para salvarlo. Sin embargo, de qué me sirve construir mundos si dejo de lado este. Para qué rodearme de los mejores si, llegado el momento, no aguantan el peso tras mis caídas – que las habrá – o no sujetan mis piernas cuando, en pleno vuelo, crea tocar el cielo. No encuentro una sola razón por la que dedicar hasta el último de mis días en fabricar familias sin haber formado una o de narrar la amistad sin llegar a conocerla a fondo.
Para terminar llenando mis estanterías de hojas repletas de vida – junto con diplomas y otros méritos – y sentarme algún día a contemplarlas y caer en la cuenta de que la mía propia está vacía. Otra cuestión vital que está tan asumida como olvidada. La buscaré entre el amplio repertorio de Taken.

El cine, en su afán por la mimesis, colecciona características de la propia vida (como la realidad del ya no hay vuelta atrás), pero no deja de ser un juego de “mentirijillas” y fotocopias que no llegarán nunca al original.
La vida no es un guión que pueda apañarse en postproducción ya que, aunque admite borrones y cambios de última hora, su protagonista siempre queda irrevocablemente marcado por las acciones y palabras que en ella le acontecen. No por ello la excluyo de un happy end, ya que cada uno es libre de escoger el género predominante en ella: comedia, thriller, tragedia… al gusto del “consumidor”.

Créanme, ni el propio Spielberg es capaz de hacer del guión de tu vida una película que merezca la pena. Al menos, una película de verdad.

Nota del autor: nunca supe muy bien cómo redactar una declaración de intenciones.

Posted by: chemalopez.

Al menos, así lo considera la directora – y guionista, junto con Valentina Vigo – Mar Coll, tras el estreno de su ópera prima: Tres días con la familia. Un producto elaborado, en su mayor parte, por recién graduados de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña.

Un debut más que aceptable; un guión ligero de peso.

 La historia transcurre durante un tiempo acotado que sirve como excusa para presentar el espacio en el que se desarrolla: las relaciones entre los miembros de una familia compuesta por personas solas que “no chocan” – como en Crash (Paul Haggis, 2004)-  por el simple hecho de que el protocolo exige una total ausencia de sinceridad.

Los personajes, aparte de no producir emoción en el espectador, no llegan a transmitirle empatía: las carencias negativas de cada uno de ellos, sacadas a tropel en el relato, colisionan contra quien los observa. También es cierto que alguna de las interpretaciones salva del distanciamiento total por parte del espectador; especial atención Nausicca Bonnín, –actriz que da vida a Léa, a través de la cual avanzamos en la historia– a la que no pocos auguran un futuro prometedor.

Se nos presenta una narrativa pausada en la que el diálogo queda rotundamente supeditado a la imagen. Síntesis. Queda así el primero como una aportación secundaria que permite al espectador comprender lo que se dice sin decir y lo que alcanza a descubrir, sin escuchar. Cine.

La infinita expresividad del silencio, la explosión de un gesto o el significado de una mirada  enriquecen –sobre todo a las tramas llamadas mentales– la capacidad descriptiva de cualquier situación. Sin duda, se trata de elementos que favorecen positivamente al guión, pero no lo salvan de una mala historia. Y en Tres días con la familia, no lo salvan de sí mismo. Sucede que la historia avanza, pero la misma atmósfera pesimista se vuelve contra la historia y da lugar al cansancio. La exquisitez en el modo de contar tropieza con eso mismo, con lo sucedido, de forma  que el relato se ahoga en el propio cinismo de cada nueva situación mientras pasan los minutos.

Un acierto en la forma, pero no en el fondo.

Es digno de mención el momento en el que el Josep María (Eduard Fernández) explica a sus hermanos que se ha separado de la mujer. Quizá en esa escena se encuentre la síntesis más acertada de la película. Y las carcajadas del público, acertada respuesta.

Por último, y a modo de anotación, el recurrido tema de la ausencia. Cómo lo no presente afecta a todos los personajes y elementos del espacio. La sombra del abuelo –de su vida– se proyecta no sólo sobre el carácter de sus hijos, sino incluso sobre el de los nietos. Una relación de relaciones que se van descubriendo en lo implícito de cada acción, campo a través, por entre la ironía, la ignorancia, el pasotismo, el miedo y la hipocresía, representados por cada uno de los personajes.

Estamos ante una obra dirigida por una batuta nihilista, que coordina –con brillantez– los hilos de unas marionetas sin vida, destinadas a vagar infelices por un patio de butacas al que han acostumbrado a llamar vida. Un guión con notables aciertos cinematográficos que describe un drama apático, sin alma, aun de los complejos sentimientos que pretende describir.

Con todo, mientras cualquier familia merece una película, no cualquier guión sobre la misma es digno de ella.

No country for old men, McCarthy/Cohen Bros.

El estilo directo, llano, árido, incisivo. La narración salteada, alternativa, paralela. Las emociones, la conmoción, el efectismo sin paliativos. Descarnadamente. Así escribe McCarthy, como hilando pensamientos y recuerdos que fueran desfilando por su cabeza. Un estilo muy cinematográfico.

Un mundo de locos. Donde no cabe la posibilidad de sentirse seguro.  Allí cualquiera, en cualquier momento, puede ser víctima de cualquier trastornado, maleante o pistolero. Cualquiera puede ser víctima de Chigurgh, como el joven ayudante de Lamar.

Sólo queda uno. Alguien que se puede salvar de esa vorágine despiadada.  Y no es el protagonista. Es el decadente sheriff Bell. La encarnación del sentido común. Pero poco podía hacer el viejo Bell para salvar a los otros. Habían levantado la ira del mal y el caos, ¿qué se le podía hacer?

Y ni siquiera sé como llevar todo esto. Si los mataras a todos, tendrían que construir un anexo en el infierno.

(Eso sí, yo creo que el bueno de Bell alcanzó su salvación).

Los Cohen dieron con la novela que necesitaban. La cuestión central de las adaptaciones suele ser siempre la fidelidad a la obra original. No se podía haber hecho mejor, habida cuenta de las limitaciones del medio cinematográfico (dos horas son dos horas, y no hay más).

El guión, como la novela. Sencillo, un golpe detrás de otro, sin apenas estructura, ni puntos de giro, ni artificios innecesarios. Qué personajes. Qué comienzo. El que plantea McCarthy, clavado. Qué diálogos (abajo, el botón de muestra).

La película cosechó un éxito arrollador de crítica y público. No es para menos. No quería que ensuciaras el coche de sangre, dijo Chigurgh. No es país para viejos.

Y aquí dejo el magnífico botón de muestra. Se trata de la escena en la que Chigurgh hace jugarse la vida a cara o cruz, a un pobre hombre que atiende la caja en una gasolinera. Es una versión algo resumida, y obviamente, se omite el desenlace de la escena. Aquí en español; aquí en inglés.

Un montón de fotografías y cameos, así podría ser mi descripción de esta cinta mexico-chilena, dirigida por Rodrigo Ortúzar. Y no es para menos, el hacer un filme en Xcaret se presta perfecto para hacer una hermosa colección de tomas cinematográficas, pero llegan a tal punto, que la historia de la película se diluye en las mismas.

Después de haber tenido la oportunidad de encontrarme a Martha Higareda hoy en la filmación de una película que hace con Kuno Becker en la colonia Roma, decidí entrar a ver “Todo incluído”, la verdad, me causaba curiosidad el casting tan bueno que aparentemente tiene.

La cinta cuenta la historia de una familia integrada por Jesús Ochoa, Valentina Vargas, Martha Higareda, Jesús Zavala y, mi querida amiga, Ana Serradilla. Todos ellos con personalidades sumamente diferentes. Jesús Ochoa hace el papel de un hombre que descubre tener una enfermedad incurable y se deprime por lo mismo. Valentina Vargas es una mujer que duda del amor por su esposo pero quiere mantener unida a la familia. Martha Higareda es una chica dark despreocupada pero de buen corazón. Jesús Zavala es un chavo adicto a internet y en la época de la pubertad. Ana Serradilla es una mujer separada de su esposo, que decide acompañar a su familia de viaje para olvidarse del fracaso matrimonial que vivió, descubriendo en ése momento su lesbianismo.

Podría parecer, con todo esto, que la cinta cuenta con una gran carga dramática, pero la realidad es que se queda muy por debajo de las expectativas, de hecho lucen más los cameos de actores y actrices como Edgar Vivar -como un taxista yucateco que apenas cabe en su Tsuru-, Leonor Varela -como una chica casada con un ejecutivo del hotel donde se lleva al cabo toda la historia, de la que Ana Serradilla se enamora-, Jaime Camil -como un lugareño que busca conquistar mujeres, haciéndose pasar por francés- o la ganadora del Oscar, Penélope Cruz, haciendo el papel de la chica por la que está obsesionado Jesús Zavala desde el internet. Es curioso, pero el personaje de Camil, al que tratan de darle mucho peso en la historia, termina por parecer que si no hubiera estado en el guión, nada hubiera pasado, quizá fue un problema de edición, pero de verdad, no tiene trascendencia en toda la cinta.

Tristemente, hasta algunos efectos especiales como lo son las animaciones del “messenger” que usa Jesús Zavala se ven realmente pobres, mal hechas y poco creíbles.

Y lo que más me extrañó de toda la película… ¡Martha Higareda no se encuera! Pero eso no quiere decir que no haya desnudos pues, como buena película mexicana, justificados o no, ahí están, primero el de una completa desconocida que sale topless en la playa y luego el de Maya Zapata, con Jesús Ochoa, como a la mitad de la cinta.

Rafael Argullol reflexiona en su blog sobre la función de la crítica y algunos excesos de los críticos:

… en principio la función de la crítica en los medios de comunicación (en el sentido tradicional del término) estaba fundamentalmente destinada a informar, valga la redundancia, críticamente al lector, a informar críticamente al espectador. En ese sentido la polémica sobre la crítica, y la polémica entre autores y críticos, … viene de muy lejos … Lo que me parece importante indicar sobre lo que está surgiendo en la actualidad es que, de alguna manera, parece ser que el lenguaje crítico en muchos momentos haya olvidado esa necesidad de informar críticamente al lector y al espectador para convertirse muchas veces o bien en un ajuste de cuentas personal, o bien en un tipo de lenguaje más bien vinculado al propio gremio, más bien dirigido al propio gremio. En ese sentido aspectos fundamentales de la crítica, que es contextualizar el texto y contextualizar la obra, muchas veces se olvidan.

La crítica es necesaria, porque cumple una función social de desbrozar el bosque de las novedades y debería permitir que el lector sepa por dónde enfocar los textos que no responden al modo de lectura y valoración típico. (El caso de la pintura es el más claro: si mucha gente tenía la impresión que lo de Picasso «lo podía hacer cualquiera» y carecía de valor, era porque para ellos, lo valioso era el modo de lo realista y difícil de ejecutar.) No por eso es una patente de corso; algunos autores también deberían pensar si no tienen la piel demasiado fina.

Pero voy más allá: la crítica es sana, antes que nada, para el que la suscribe, porque lo obliga a abrirse de miras ante una propuesta estética y a exponer el fruto de forma razonada. Así que sacad al crítico que hay en todos y cada uno de nosotros —porque lo hay, aunque quizá lo subestimemos— y animaos a participar en la Librografía.