Phallic-Head Plate, 1536 and Cucuteni Phalus representaion, 3000 BC

PHALLUS

The phallus can refer to a penis, or to anything shaped like one. The ancient Egyptians have Osiris, the Greeks have Hermes, ancient Japan have the Mara Kannon Shrine (麻羅観音) in Nagato, ancient Romans have the talismans, ancient Scandinavia the Norse god Freyr, and ancient India have Shiva -phallic structures symbolized wellness and good health in many ancient cultures, Dubai nowadays has more than one, and they should add that to the list of its achievements in the “most” highest of this, and the “most” tallest of that, the “most” hottest of this, and the “most” modern city of the world -it’s also now the “most” cluttered city with phallic symbols that will surely make the Pharaohs and the greek gods blush.

NO MAN NEEDS NOTHING

“I think you are another of these desert-loving English: Doughty, Stanhope, Gordon of Khartoum. No Arab loves the desert. We love water and green trees, there is nothing in the desert. No man needs nothing.” quoting Prince Feisal played by Alec Guinness in 1962’s Lawrence of Arabia, an epic film about a flamboyant and controversial British military figure T.E. Lawrence in Saudi Arabia. A great film by David Lean that reminds me how flamboyant the desert could be if you let the Brits use your city as a blank canvas for their architectural playground.

Besides missing the best Pakistani dish I ever had, the sprawling nightlife, and warm Dubai hospitality, having lived there for 2 years, I miss also how quickly Dubai skyline changes every time my eyes blink, it’s a “closet-gay-man’s-Disneyland-filled-with man-made-penis-buildings”. Reaching a record high 512.1m (1,680 ft) 141 storeys, Burj Dubai is the tallest building in the world now and according to EMAAR Chairman Alabbar “A human achievement without equal”, I would like to add to that Mr. Chairman… Dubai is the city of men where homosexuality is illegal and now “the most visible male genitalia in outer space” without equal (size queens!).

Sheikh Zayed Road, Dubai, 1990, 2003 and present.

Burj Dubai (tallest building in the world)

Al Burj

Palm Trump Hotel in Dubai

Al Rostamini Headquarters

The Lighthouse

P-17

Anara Tower

Floating Houseboat in Dubai Marina and Dubai Opera House

Burj Al Arab and The Palm

El documental Billy Wilder, un hombre perfecto al 60% (Portrait of a “60% perfect” man: Billy Wilder, 1979), dirigido por Annie Tresgot, nos ofrece la entrevista que Michel Ciment realizó al cineasta en su oficina de Santa Monica Bulevard y en su apartamento de Westwood. La cosa no da para mucho, ya que apenas dura una hora, pero siempre es un placer escuchar a un tipo como Wilder contar anécdotas de su vida y su oficio.

        El cineasta que se definió a si mismo como “un hombre perfecto al 60 %” repasa ante la cámara su infancia, sus años en Berlín como periodista -entrevista frustrada a Freud incluida-, sus primeros guiones en Alemania, y su huída a París tras la llegada al poder de los nazis, donde dirige Curvas peligrosas (Mauvaise graine, 1934), con Danielle Darrieux. Una vez en Hollywood, Wilder se suma a la “cadena de montaje” de los guionistas y escribe, entre otras, La octava mujer de Barba Azul (Bluebeard´s eighth wife, 1938) y Ninotchka (1939) para Lubitsch, Medianoche (Midnight, 1939) y Si no amaneciera (Hold back the down, 1941) para Mitchell Leisen, y Bola de fuego (Ball of fire, 1941) para Hawks. Pasa entonces a comentar su debut como director, sus relaciones con los actores, su colaboración con el director artístico Alexandre Trauner, o cómo nacieron algunos de sus proyectos, como El apartamento (The apartment, 1960), cuya idea original parte del film de David Lean Breve encuentro (Brief encounter, 1945). Y como regalo aparecen de vez en cuando Walter Matthau y Jack Lemmon contando anécdotas de su relación con Wilder y, de paso, haciendo un poco el ganso, lo cual siempre se agradece.

          Editado en DVD por Suevia.  

This is how I discovered the rarest of diamonds amidst the privations of T.E. Lawrence’s desert sands and Yuri Zhivago’s Soviet snowdrifts. I found the “Holy Grail” of cinematic rarity, Let Me Count the Ways. It is harder, because, though it was apparently utterly lost, it has become known to me that it is not extinct, it is just unfound; and it seems to me that we need, at the very least, to exert the effort of setting up a radio-telescopic complex to find this cinematic needle in the haystack of our earthly backyard.

Consider David Lean in 1962. The reigning God of the Cinematic World. The director of Lawrence of Arabia, a film of such undeniable excellence that even Hollywood cannot find some way to snub it. The studios give Lean leave to “walk on water” as it were. He is given carte blanche, a nearly open budget, yet again. And great films follow.

We get into the early seventies. Lean has had several triumphs, but nothing like Lawrence. Fickle now become the studios with their largesse. A river of money still runs to David Lean, but it is finite and it is spent. There is Doctor Zhivago, a success by any measure, and yet the river of gold is running dry. And then of course Michael’s Day becomes Ryan’s Daughter, the greatest disaster movie ever made, though not in the normal sense.

Why is this important? Well, after Lawrence, Lean worked on his pet project, Let Me Count The Ways. He eventually employed much of the cast of Zhivago, but the cash had withered – to the extent that there was only one copy struck of Let Me Count the Ways.

In the early 1970s Lean arranged for two gala showings of the film, first in London, then shortly afterwards in Dublin. Well, gala it turned out not to be; the movie was shown at the obscurest hole-in-the-wall in London, but I happened across it there, most fortuitously, with a hundred or so people in the small theater. Fortunately, Lean insisted upon and got a first rate sound system. I then followed the print to Dublin, where the theater was larger, but the audience rowdier. The greatest misfortune, however, was that the projectionist more than shared in the groundling-like rowdiness of the Dublin-suburban audience: he drank, he fell asleep, the projector caught fire, the theater caught fire, and the reputedly unique movie burned.

The feverish notes I made in my journal those two nights follow.

* * *

Portsmouth, 1899. Ian Culpepper (Tom Courtenay) is supervising kite flying boys on the esplanade. There are towering clouds in the sky, the winds are brisk, there are whitecaps on the grey surf, and ships and boats everywhere. In the next scene he enters a waterfront hotel; there is a display of model ships in the lobby, one of which is of a seven-masted frigate. (A small plaque identifies it as the work of Prof. Ian Culpepper, Uxbridge). He then enters a spacious tearoom, generously fenestrated towards the waterfront, and sits down with a Clara Westcott (Geraldine Chaplin). She is enthusiastic about some conic sections she is analyzing on papers which are spread out before her amidst teapot, teacups, biscuits, and teacakes. She tells Ian that she has a great deal of interest in the way that triangles intersect, to which Ian answers that he is still engaged to Cacilie Fuerstenried of Munich but things may change when he goes there to visit in the summer. The exposition is helped along by the entrance of Lord Stride (Dirk Bogarde), a pretentious nobleman who is the uncle and guardian of Miss Westcott. Clara introduces Ian as a Professor of German at a public (very private) boys’ school in Uxbridge. She also tells Lord Stride that Ian is responsible for the wonderful ship models in the lobby, to which Lord Stride answers, “Perhaps, we may call you ‘Mr. Ships.’” Ian is not amused, but I was.

Lord Stride, boor though he is, is justly proud, and just as protective, of Clara. He calls her the Princess of the Parallelograms. It is obvious that she is an amateur mathematician in the mold of Ada Lovelace-Byron who was the helper of Charles Babbage as a precursor of the modern computer. It is also apparent that Lord Stride fancies himself a kind of Lord Byron. Unfortunately it would have been a Byron who outlived any of his genius.

It is a very long movie, but in it there are many settings and many seasons. The soundtrack is by Maurice Jarre at his most luxuriant, and he has an unprecedented three main themes for this film, rather than his usual, just one. There is a lot of period music too: Elgar, Delius, Wagner, Mahler, and all of the Strausses.

The central part of the film is in Central Europe, Munich to be exact. A lot of it takes place around the Odeonsplatz and the Hofgarten, just like in the beginning of T.S. Eliot’s “Wasteland.” Ian is sitting at an outdoor table with Cacilie (pronounced Ka-seal-ia) Fuerstenried (Maria Schell) and her friend Katia Pringsheim (Rita Tushingham). Dear Clara, as beguiling as she was back in England, has completely faded from the consciousness of Ian, who has rededicated himself to Cacilie.

Meanwhile in the Englischer Garten, near the “Pagoda” on the Kleinhesseloher See, Siegfried Wagner (Oskar Werner) is flirting with Thomas Mann (Omar Sharif). Cosima Wagner (Margaret Rutherford), travelling incognito, leads Siegfried away by the table: “It’s back to Bayreuth with you, young man!” Chastened and actually quite relieved, Mann returns to the Hofgarten where he joins Ian, Clara, and Katia, who is his fiancée. He pulls out a big manuscript from his briefcase and begins reading, to the delight of everyone. The leaves are falling and Munich is at its zenith.

It is February, 1900. Clara and Lord Stride have just returned from St. Petersburg where they did a lot of troika riding. She goes up to Uxbridge and is furious to learn that Ian has not broken off his engagement with Clara. Through her uncle she has Ian brought up on charges of espionage. There is a closed hearing before the admiralty, presided over by Lord Hammersmith (Alec Guiness). Clara arranged for Ian’s ship models to be subpoenaed for evidence of naval espionage; at the same time, Clara presents mathematically derived information that a British heir to the throne will be assassinated in 1910 and that war with Austria will be the result. It becomes obvious to all that Clara is deeply disturbed, and Ian is acquitted, but nevertheless loses his job.

Some years later, the daughter of Clara comes to visit the son of Cacilie and Ian in a beautiful mountain and lake setting in the Eastern Austro-Hungarian Empire. Ian is still hurt by the way he was treated in London, but eventually becomes charmed by the girl who has a letter of apology from her mother. There is peace all around. It is spring, 1914, in Sarajevo.

* * *

As I made my escape from the conflagration in the Dublin theater, I opened the glass case outside, by the ticket booth, with the intention of saving the sole poster advertising the movie. To my surprise, I found it was not a poster, but a painting. Not long afterwards, I sat in a Dublin pub, with none other than the great Lion Lean licking his wounds nearby. He confided in a fellow named Robert that there was one other copy of Let Me Count the Ways, but it soon became impossible for me to discern any more over the rudely indifferent chatter of the other patrons. The knowledge that the film has survived is both the lodestone and bane of my existence.

Gert Ködel

Aquel aventurero amaba el desierto porque era limpio...como los polvorones

Lawrence de Arabia explicaba así su fascinación  por el desierto: me gusta porque está limpio.

El Duende guarda pocas similitudes con aquel héroe. Ama la aventura, pero sin llegar al arrojo del coronel británico. Su vida, al lado de la que recreó  tan excelentemente David Lean, es como uno de aquellos recortables en los que nos entreteníamos los niños antiguos. Casi todo imaginación para siluetearla cuidadosamente con la tijera, ponerla en pie con peanas de papel sobre la mesa del comedor y soñar que se podía ser héroe. El Duende también va en moto, su Vespa no es aquella ruidosa máquina que montaba el coronel cuando se encontró con la muerte, hay diferencias. También lleva gafas, pero espera que las suyas no se queden colgadas de un arbusto, como ocurre en la escena que abre y cierra el filme de Lean: hay películas que hacen mella en la memoria, y pequeños detalles de un plano que son como el pin que las identifica. Las gafas de Lawrence ahorcadas en un matojo, qué pena, el hombre que amaba el desierto porque era y estaba limpio.

El Duende se acuerda de él cada vez que desenvuelve el papel sedoso del polvorón. Porque al encanto de su sabor añade su belleza sencilla y natural. Se desmorona al primer mordisco y presenta la misma textura de una duna. Y es limpio, como el desierto que amaba Lawrence: la harina es la arena. Su capa de azúcar, de almendra molida o de ajonjolí, la superficie, la piel de ese desierto golosina. Y es limpio, limpio. Puedes comértelo en un pispás, para aliviar ese golpe bajo que a veces te propina el hambre a mitad de mañana, y quedar tan elegante y bien compuesto como Peter O´Toole.

Sorprendentemente, ninguna universidad ni centro de estudios de esos que periódicamente ofrecen informes pintorescos han publicado nada interesante sobre el polvorón. El inquieto Duende ahora selecciona en los supermercados los polvorones-polvorones, que afortunadamente se venden a granel, a elección del consumidor, y permiten  esquivar la filfa que a veces incluyen los llamados surtidos. Va a lo clásico: el polvorón de almendra, nevadito. O el que llaman mantecado, peinado con granos de sésamo. Y entre su estudio de campo sobre las inmensas ventajas de salir de casa con dos o tres polvorones repartidos en los bolsillos de la chaqueta, ha llegado a la conclusión de que se puede abrir y consumir un polvorón en el transcurso de un viaje de cinco pisos en un  ascensor convencional. Eso sí, cuando se abren las puertas en el final de trayecto, aún puede que le pillen a uno relamiéndose.

-Buenos días –dijo llevándose las manos al bolsillo cuando se topó con una bella dama en el portal- Es que tomaba un polvorón mientras bajaba- se excusó- ¿Quiere uno?…

La mujer se quedó pasmada. La segunda conclusión del estudio de campo es que la sociedad aún no está preparada para aceptar golosinas de un extraño a la puerta del ascensor.

Y la tercera es que quizás haga falta subir al Empire Estate para enamorar a una mujer con los argumentos de Lawrence de Arabia y el irresistible encanto de esta joya de nuestra dulcería llamada polvorón.

The summer ended recently. It’s the beginning of a new season. WTF do I talk about? I can’t do a review of the year as I haven’t had this site for a whole year. Nor has the calender year ended. And I’m not much for World Series or NFL predictions or prognostication. Go Yankees! Guess I’ll just see where the keyboard and my imagination takes me.

I recently rented a film from the deep dark past. I mention it now, as some of you might be preparing for winter’s onslaught – some of you have already experienced a preview of winter’s snow, ice, and the likelihood was that you weren’t ready for it. Imagine going a baseball game in Denver in a parka . At least Denver’s baseball worries have ended.

My girl friend in Harbin, China once told me the weather there wasn’t so bad — on one particular day, in a past winter, her local temperatures hit a high of 6° and a low of minus 12°F. And she said, “Not so bad — this is better than usual!” I mention this just to set the scene. But we aren’t going to Harbin. Or discussing Harbin’s Ice Festival. What we will talk about in this column truly has a light and warm air about it.

Well, the title of the movie I rented was Summertime. It was released in 1955, and the story is simple. An American spinster’s dream of romance finally becomes a bittersweet reality when she meets a handsome but married Italian man while vacationing in Venice.

Katherine Hepburn plays Jane Hudson, the middle aged American woman who will experience the ’sexual revolution’ of the 1950’s with her leading man Rossano Brazzi’s Renaldo, a quiet yet broadminded and lonely married man.

What a film! Yes, it is summer, in Venice — romance is in the air — and it’s all smashingly filmed in glorious Technicolor. The flavors and passions of Venetian nights simmer deliciously. What could be better than a quick look at another time of the year — when some of us need to escape the real winter storms and those that are yet to come, bringing those fierce cold snaps that will keep us indoors?

To complete the picture of many a wonderful summer experience, long since passed, I will throw in some fabulous Venetian scenes as painted by Mark Pettit. The art is stunning in its detail as the sun makes everything alive and warm in Pettit’s realistic yet idealized Venice aka Serenissima. Below Is Venetian Colors…

… followed by Gondolas

Following below this text is Riva del Vin (top) and Touring the Grand Canal (bottom). There’s no doubt that the artist has captured Venice in all its glory, right down to the sunlight glinting of the water. These are simply superb paintings.

David Lean directed Summertime, and the movie glows with life and warmth. The evening scene of Jane and Renaldo lying together as the sun sets over Lido is breathtaking and wouldn’t we all like to be right there right now?

For more breathtaking beauty in the world that you know, with an occasional foray elsewhere, you’ll find it all available for your delight on the pages right here at The Arts -  JustMeMike’s New Blog. For now we will say a fond arriverdici to the fabulous Serenissima that is Venezia, Italy. But in our next column, we will say hello to some glorious sights that do not require a gondola or a gondolier to get you there.

I must tell you how important it is to have enough space. As many you are apartment dwellers, you’ll be able to identify with this. Eventually you run out of storage space. You may out-grow some of your clothes, or you just tire of them, so you buy new clothes.

Meanwhile, your books, CD’s, and DVD collections continue to grow. Your collection is too big for your present set of bookcases and storage racks for your media. So the overage gets moved into your closets, competing for space with your coats and shoes, etc.

But someday, you will have to let them go.

Why did I toss them?

Here’s why. The need for space is paramount for a city dweller. And when one’s girlfriend complains about not being able to walk into the walk-in closet and hang up her coat, something had to be done, and something had to go. Would you believe four boxes of videos?

Yup, they’ve been carefully carted away by the New York Sanitation Department. No doubt a good many of you have similar issues with your magazine, VHS, and DVD collections. You too may have to deal with this question of space someday.

Speaking of spaces — and most of us need more — I’m reminded of two major films, both of which were epics, and both directed by David Lean, and both won Oscars. The titles are Lawrence of Arabia (1962), and Doctor Zhivago (1965).

In these films, Lean positions his cameras in places where the magnitude of the open spaces and the majestic scope of the land dwarf individual men as well as mankind. You can see it in these images.

Scenes of shimmering deserts, soaring mountains, frozen tundra, and majestic forests all serve as backdrops to the stories of T E Lawrence and Dr. Zhivago and his love, Lara.

These films carted off many Oscars, and unlike my recently discarded videos, have withstood the test of time by retaining spaces in our hearts and minds for about 48 years for Lawrence, and only a few less than that for Zhivago.

I still need more space, but the situation is no longer critical. Our usual array of topics may or may not take up more page space than we thought going in.

Other topics may also may have distinct spatial problems — specifically asking me to find them after they been stored for so long in some dark and hard to reach recesses or synapses of my brain .

However don’t be dismayed. To have a look at some fine examples of subjects in and about the arts, you won’t need to trek across frozen Siberian wastelands, nor the Arabian deserts – just read this column on occasion.

1962: Lawrence of Arabia di David Lean

Sicuramente uno dei più celebri film mai realizzati, spettacolare ed intenso come pochi.

David Lean, reduce dai trionfi di Breve incontro e Il ponte sul fiume Kwai, riesce (come nei futuri Il Dottor Zivago, La figlia di Ryan, Passaggio in India) a compiere il miracolo di unificare spettacolo e qualità, entusiasmo dello spettatore e lodi della critica. Del film hanno detto:  MyMovies: “La più grande epopea mai realizzata”, Maurizio Porro: “Kolossal con l’anima, come si diceva una volta”, Tullio Kezich: “Poche volte avevamo visto sullo schermo immagini altrettanto suggestive”, Giovanni Grazzini: “…un film da vedere”, Filippo Sacchi: “Un film in cui l’arte della ripresa fotografica arriva – si può dire – a un grado di virtuosismo che diventa già lirica ispirazione…”.

Tratto dall’ autobiografia “I Sette Pilastri della Saggezza” di T. E. Lawrence (pubblicata postuma nel 1935), il film diede immediatamente immensa popolarità a una delle più grandi figure dello schermo, Peter O’Toole, che qui incredibilmente è al suo debutto: eccezionale nel rappresentare un personaggio altamente complesso, molteplice e massimamente ambiguo, simbolo di grandi ideali ma anche espressione di strumentalizzazione (gli occidentali ne fecero uno strumento per sostituire al dominio turco il loro). Impressionante il resto del cast: Alec Guinnes, Omar Shariff, Anthony Quinn, José Ferrer, Claude Rains, Arthur Kennedy, Anthony Quayle, Jack Hawkins.
Giustamente celebre la colonna sonora di Maurice Jarre.

Di questa opera (di cui Steven Spielberg ebbe a dire “è un miracolo di film”) Mario Sesti ha scritto: “Uno delle più grandi epopee e film d’avventura mai realizzati (secondo gli esperti, oggi un film del genere non sarebbe realizzabile a causa dei costi altissimi) ma allo stesso tempo uno dei pochissimi casi in cui il cinema si fa gigante per scrutare senza riserve nel fondo degli uomini e della Storia: le Rivoluzioni sono il prodotto di un ambigua collaborazione tra l’idealismo di una causa e il cinismo delle diplomazie, gli eroi sono individui capaci di mirabili imprese perchè sospinti da nevrosi inafferrabili. Apparso nel deserto con un alone di santità e purezza, Lawrence si trasforma in un violento assassino, portatore della razionalità e della democrazia è travolto dalla barbarie della guerra”. Come non condividere?

note:

Nel 1991 è stato scelto per la preservazione nel National Film Registry della Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti.

scheda

premi e riconoscimenti

A lo largo de la historia, las sociedades han elaborado normas estrictas para encorsetar el amor. Se han empeñado en prohibir determinadas relaciones amorosas por cuestión de edad, raza o estatus social. Hay muchos ejemplos de ello en el cine.

Breve encuentro (1945) de David Lean. Háganme caso, una obra maestra. Sorprende descubrir cómo una película aparentemente tan sencilla puede esconder tantas exquisitas sorpresas en sus deliciosos 85 minutos. Es también una historia sobre un amor prohibido y sobre la culpa que éste genera. Celia Johnson y Trevor Howard son dos personas casadas que se enamoran, pero deben enfrentarse a una sociedad puritana que no ve con buenos ojos ese tipo de amor.

Afortunadamente, vivimos en una sociedad que avanza en la dirección correcta. Rompiendo tabúes que mayoritariamente proceden de esa educación judeo-cristiana que tanto daño nos ha hecho (¿verdad Sr. Waukeez?). Quedan cada vez menos amores prohibidos. Ya ni siquiera el matrimonio es un impedimento… Al fin y al cabo, el amor es libertad lo que convierte en una pura contradicción el binomio amor prohibido.

Sin embargo, sí creo en el amor prohibido. Y ustedes también, aunque quizá no lo lo llamen así. Le doy ese nombre al amor no correspondido. Aquel que se nos niega. Y esa debe ser, a mi juicio,  la única limitación en el amor: el no de la persona amada. Todo lo demás es amor lícito.

Una última recomendación. Diga sí.

Blithe Spirit

Pais: RU
Año: 1945
Género: Comedia. Fantástico
Duración: 96 min.
Dirección: David Lean
Guion: Noël Coward (Teatro: Noël Coward)
Música: Richard Addinsell
Producción: United Artists

Reparto:

Rex Harrison,  Constance Cummings,  Kay Hammond,  Margaret Rutherford,  Hugh Wakefield,  Joyce Carey

Descripción:

Adaptación cinematográfica de una exitosa obra teatral de Noël Coward, una comedia con el fantasma de una ex-mujer que viene a incordiar a la nueva esposa de un novelista. (FILMAFFINITY)

Críticas:

1946: 1 Oscar: Mejores efectos especiales .

Espléndida comedia fantástica basada en la ya de por sí deliciosa novela de Noël Coward” (Fernando Morales: Diario El País)

—
Divertida y elegante
El tema de los espíritus y los triángulos amorosos pocas veces se han tratado de una forma tan divertida y elegante como en esta película. Los diálogos son muy ágiles e ingeniosos (puede recordar al Ser o no ser, de Lubitsch) y las secuencias se hilvanan en un discurso lógico y transparente. La escenografía, la actuación, el hablar de los personajes, se enmarca en el ambiente educado de la alta comedia. Las interpretaciones son notables, tanto la del impertubable y cínico Charles (Rex Harrison) como las de sus dos mujeres, Ruth y Elvira (Constance Cummings y Kay Hammond), sin olvidar a la chapucera médium Madame Arcati (Margaret Rutherford). Merece mucho la pena ver la película, si es posible en una versión restaurada, ya que el sistema de color se resiente del paso del tiempo (se aprecia aun así el magnífico trabajo de Tom Howards, ganador del Oscar a los mejores efectos especiales por esta película en 1947); y el doblaje al castellano, sin ser de los peores de la época, resulta bastante plano.
El guión, realizado por el polifacético Noel Coward, es francamente bueno. Compárase con la muy parecida y más reciente La muerte os sienta tan bien, de 1992. Mejores medios para los efectos; pero mucha menos gracia. Que no caiga en el olvido.

Datos técnicos:
Tamaño:  1,43 Gb
Duracion: 01:31:45
Vídeo codec: Xvid (doble pasada)
Resolución: 640 x 464
Bitrate: 1844 Kbps.  Qf: 0.248
Audio codec: 0×2000(AC3, Dolby Laboratories, Inc) AC3
Bitrate Castellano/Inglés: 48000Hz 192 kb/s total (2 chnls)
Subtítulos : [Castellano]

Capturas:

Película

Subs.castellanos

(The Bridge of the River Kwai) 

Filmes em Geral #7

Vencedores do Oscar #1957

Dirigido por David Lean.

Elenco: William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, Sessue Hayakawa, James Donald, Geoffrey Horne, André Morell, Peter Williams, John Boxer, Harold Goodwin e Percy Herbert. 

Roteiro: Carl Foreman e Michael Wilson, baseado em livro de Pierre Boulle. 

Produção: Sam Spiegel. 

[Antes de qualquer coisa, gostaria de pedir que só leia esta crítica se já tiver assistido o filme. Para fazer uma análise mais detalhada é necessário citar cenas importantes da trama].

Um trilho de trem no meio de uma linda paisagem é o ponto inicial do belo filme dirigido por David Lean sobre a cegueira mental que a guerra e as ordens seguidas sem questionamentos podem causar no ser humano. Loucura (“Madness!”) é a palavra final, diante de outro belo cenário com o mesmo trilho e a destruída ponte que dá origem ao título, ilustrando bem a linha de pensamento do filme. Segundo a visão de Lean, o ser humano parece ser incapaz de conviver em sociedade sem deixar que a ganância e a obsessão pelo poder tomem conta e sejam extremamente prejudiciais para todos. E eu concordo com ele.

Durante a Segunda Guerra Mundial, um grupo de soldados britânicos se torna prisioneiro em um campo de concentração japonês. Após uma guerra de egos entre o Coronel Saito (Sessue Hayakawa) e o Coronel Nicholson (Alec Guinness), o segundo é o encarregado de comandar a construção de uma ponte em prazo recorde. Por outro lado, o fugitivo Major Shears (William Holden) lidera a chegada ao local de um grupo comandado pelo Major Warden (Jack Hawkins) que foi escolhido pelo exército britânico para explodir a ponte.

Dirigido com elegância por David Lean, “A Ponte do Rio Kwai” mostra como o ser humano pode, de diversas formas, deixar a própria existência humana em segundo plano em prol de seguir ordens e regras ditadas por alguém que, invariavelmente, pouco se importa com o que se perde para atingir este determinado objetivo. Afinal de contas, qual a diferença entre o rígido e inflexível Coronel Saito e o tranqüilo Coronel Nicholson? Embora tenham estilos completamente diferentes, ambos seguem cegamente as ordens que lhes são dadas, sem questionar ética ou moralmente o que está sendo feito. Desta forma, quando o esperto Major Shears diz que a coragem de Nicholson é do “tipo de coragem que mata”, ele não deixa de ter razão, pois Nicholson seria mesmo capaz de morrer em benefício do cumprimento dos objetivos. Por outro lado, Shears é o típico covarde (ou malandro) que consegue de alguma forma sobreviver naquele inferno.

A primeira aparição do Coronel Saito é intimidadora, muito por causa da excelente atuação de Sessue Hayakawa, mas fruto também da competente direção de David Lean, que busca filmar o coronel sempre de baixo pra cima (ele inclusive sobe em um banco), de forma que ele sempre olhe para os britânicos com um ar superior. Além disso, Lean acerta em cheio na escolha dos belíssimos planos que exploram ao máximo a beleza natural da região, como na caminhada do Major Shears e seu grupo até a ponte, passando por lindas cachoeiras. O diretor também é sutil em diversos momentos, como no interessante plano que inicia a seqüência nas cachoeiras, mostrando os morcegos que serão justamente os integrantes do plano final da mesma cena, quando o tiro for disparado e as granadas explodirem. Plasticamente maravilhoso, o trabalho de Lean se torna ainda melhor porque trabalha em benefício do filme, evitando que as maravilhosas imagens que vemos na tela soem sem conteúdo.

A primeira metade do filme oferece a oportunidade para Sessue Hayakawa demonstrar todo seu talento como o rígido coronel Saito. Sempre com o olhar firme, a voz alta e um sotaque perfeito quando fala inglês, Saito encontra no corajoso Nicholson a possibilidade de demonstrar o seu poder, mas acaba sendo derrotado. Observe como ele tenta agradar o coronel britânico no jantar, cinicamente oferecendo carne inglesa, whiskey, charuto e até mesmo dizendo que Nicholson obviamente não precisaria trabalhar. Sua reação no momento em que cede ao desejo de Nicholson é extremamente realista, chorando e engolindo sua raiva, sozinho em seus aposentos. Esta cena oferece também ao ótimo Alec Guinness a oportunidade de demonstrar o seu talento, já evidenciado em cenas anteriores, como quando está no “forno” e seu amigo vem lhe trazer água e comida. Ele fala com a voz rouca e baixa, como faria alguém que estivesse tanto tempo sem beber nada e, portanto, com a garganta seca. Além disso, ele abre o olho com enorme dificuldade, já que a luz que entra incomoda quem estava trancado no escuro. Quando vai até a sala de Saito, ele caminha com enorme dificuldade e ao entrar, mal consegue se sustentar, balançando as pernas, pois está muito fraco. Já na citada cena do jantar, no momento em que Saito demonstra fraqueza, Nicholson cresce e assume o comando do diálogo, mandando o líder japonês sentar e ouvir sua estratégia para construir a ponte (Hayakawa bate os dedos na perna enquanto escuta, demonstrando sua ansiedade). O evidente choque de estilos entre os dois domina a primeira metade do filme e mostra como a pressão e a rigidez não são garantias de bons resultados. Nicholson é um líder nato, utilizando o que cada pessoa tem de melhor, sem a necessidade de gritar ou ameaçar seus comandados para alcançar seus objetivos. Por outro lado, quando assume o comando da construção da ponte, ele mostra a importância de respeitar a hierarquia, utilizando aqueles que têm talento para liderar em suas devidas funções. Adquirir o respeito dos seus comandados é fundamental para o sucesso. Observe a clara mudança de comportamento na construção da ponte. No início, mal organizados e mal liderados, podemos testemunhar um verdadeiro caos, também porque os britânicos queriam ser liderados por Nicholson e sabotam os japoneses. Com os britânicos no comando, a ordem volta e o resultado é alcançado com sucesso. Fechando o elenco principal, temos William Holden como o esperto Major Shears, que logo em sua primeira cena mostra que ele faz qualquer coisa para sobreviver ali, sem se importar com ética ou regras, tentando subornar o guarda para conseguir ficar sem trabalhar. Seu melhor momento acontece quando ele diz que Warden deixaria a própria mãe para trás para seguir suas regras e objetivos, rangendo os dentes, olhando firme e alterando o tom de voz. “Você e aquele Nicholson querem morrer como heróis, com coragem e seguindo regras, quando na verdade o que importa é viver como um ser humano”. Esta é a mensagem do filme, resumida neste trecho do bom roteiro de Carl Foreman e Michael Wilson (baseado em livro de Pierre Boulle). A estupidez da guerra e de seguir ordens sem questionar ou pensar no que está fazendo pode trazer grandes prejuízos para a humanidade.

O trabalho técnico em um filme que explora muito bem as belezas naturais do local também merece destaque. A fotografia pálida e seca de Jack Hildyard, que prioriza cores quentes como o marrom e o amarelo, demonstra a tristeza daqueles soldados dominados, que são tratados como escravos no inicio do filme. Observe a mudança na fotografia quando Shears está descansando no hospital. O azul do mar, a grama verde e a predominância da cor branca (até mesmo nos figurinos, por ser um hospital), refletem também a paz de espírito dele naquele lugar. A primeira aparição dos soldados ingleses, assoviando a famosa e bela canção principal do filme (mérito de Malcolm Arnold), é uma cena extremamente marcante. Mal vestidos, com roupas velhas e sujas (em certo momento Lean dá um close em um sapato rasgado de um soldado), eles demonstram sua união ao chegar assoviando a canção e se recusando seguir ordens dos japoneses, aceitando somente as ordens de Nicholson. A trilha sonora alta e empolgante ilustra bem a alegria deles quando Nicholson é solto.

Apesar de conter um pouco de ufanismo, com a mensagem clara de que os ingleses são bons e organizados e os japoneses não são, a construção da ponte mostra que com organização e liderança é mais fácil alcançar os objetivos do grupo. Mas a discussão proposta por “A Ponte do Rio Kwai” não é esta. Não se trata de uma disputa entre os melhores métodos de liderança, mesmo que o filme trabalhe bem este lado, e sim de uma reflexão sobre até que ponto devemos seguir regras sem pensar no que estamos fazendo. No exército, assim como em muitas organizações hoje em dia, a pessoa está em segundo plano e os valores morais e éticos também, como fica evidente no caso de Shears, que não queria voltar para o local e foi obrigado a participar, mesmo que sua importância na “missão” tenha sido drasticamente reduzida ao longo do caminho. A tensa cena em que os explosivos são colocados na ponte cria também um conflito de sentimentos no espectador. Na medida em que o momento da explosão se aproxima, não sabemos se queremos ou não que a ponte venha abaixo. Momentos antes do grande clímax perfeitamente construído por David Lean, testemunhamos o orgulhoso Nicholson, ao lado de Saito, observar o belíssimo trabalho que foi feito (e a ponte é mesmo bela!) e refletir sobre sua vida. Mesmo sem ter vivido com a família, ele entende que foi bom tudo o que conquistou na carreira militar. Some a este pensamento o desespero de Saito ao pensar no que aconteceria se ele não conseguisse terminar a ponte no prazo e a frase desumana (“Não espere o trem, faça agora!”) dita por Warden quando os soldados começam a passar pela ponte (assoviando a música e provocando um leve sorriso de Shears), sem se importar com as vidas que seriam tiradas se a ponte explodisse naquele momento. A conclusão é a mesma: para este tipo de gente as pessoas não importam, importa o objetivo.

Talvez o único presente com a cabeça realmente no lugar, o médico diz que não concorda com o que foi feito e prefere ver de longe, chegando à conclusão de que ele não entendia mesmo nada sobre o exército. E de onde estava, pôde observar de camarote o coronel Nicholson perceber algo errado com a ponte (Lean aproxima a câmera lentamente do rosto dele) momentos antes do trem chegar ao local. Ao seguir o fio, acompanhado de Saito, ele gera um verdadeiro conflito generalizado que causa a morte de Saito, Shears e a sua própria morte. A ironia é que Shears encontrou seu fim justamente no único momento em que decidiu ser corajoso. E a visão de Shears morrendo à beira do rio fez Nicholson refletir sobre os seus atos também, segundos antes de cair morto e acionar a explosão da ponte. O resultado final de toda esta obediência cega às ordens que foram dadas é trágico. Todos mortos e a ponte destruída.

Discutindo com inteligência até que ponto é válido seguir ordens sem reflexão, além de tratar de questões interessantes como os diferentes estilos de liderança e o sentido da guerra, “A Ponte do Rio Kwai” nos brinda com imagens belíssimas e consegue alcançar o seu objetivo com louvor, demonstrando claramente que infelizmente, quando nós seres humanos deixamos a ganância e a ambição tomar o controle de nossas vidas, as relações humanas e a própria humanidade ficam em segundo plano.

Texto publicado em 23 de Setembro de 2009 por Roberto Siqueira 

Pais: US
Año: 1965
Género: Drama romántico. Histórica
Duración: 176 min.
Dirección: David Lean
Guion: Robert Bolt (Novela: Boris Pasternak)
Música: Maurice Jarre
Producción:  MGM presenta una producción Carlo Ponti

Reparto:
Omar Sharif, Julie Christie, Ralph Richardson, Geraldine Chaplin, Alec Guinness, Tom Courtenay, Siobhan McKenna, Rod Steiger.

Descripción:
Rusia, revolución de 1917, la guerra produce una convulsión general en un país dividido, y en medio del conflicto asistimos al drama íntimo de un hombre lucha por sobrevivir. Este hombre es Zhivago, poeta y cirujano, marido y amante; cuya vida trastornada por la guerra afecta a las vidas de otros muchos incluida Tonya, la mujer con la que se casa y Lara, la mujer a la que no podrá olvidar.

Críticas:
1965: 5 Oscar: guión adaptado, dirección artística, fotografía, banda sonora original, vestuario

Amor y revolución en Cinemascope
Doctor Zhivago es un drama épico en el que todo es espectacular y desmesurado, con una grandiosidad en la puesta en escena y desborde de producción, aunque con un exceso de fidelidad a la estructura y aire de la novela.
El amor y la muerte, dos acontecimientos de la vida que no podemos evitar. El horror y la guerra, dos sucesos que nadie querría presenciar. La inseguridad, la pasión, el desarraigo, la comodidad, la soledad, los ideales. Todo un mundo de sentimientos y vivencias que el protagonista encerra en sí mismo. Una película que contiene la esencia de la humanidad, resumida en una revolución.
Un argumento trepidante, giros inesperados, unos personajes que evolucionan con nosotros a lo largo de la película y el amor como eje y fundamento del film, sirven de origen a ese hermoso manantial de ternura, pasión y sinsabores que desemboca en la tragedia de un país descompuesto, tenaz y al mismo tiempo helado como su propio clima. Fotografía, ambientación, música, reparto, dirección… Buscad todos los adjetivos posibles, que nos quedaremos cortos. Tal grandiosidad queda fuera de los límites imaginables.
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Inolvidable el hermosísimo “Tema de Lara” de Maurice Jarre
Boris L. Pasternak fue un escritor ruso que vivió siempre amenazado y vigilado por el régimen comunista de su país, ya que su monumental novela “Doctor Zhivago” supuso un contundente testimonio y una honesta crítica a dicho régimen. Cuando le fue concedido el premio Nobel en 1958, las autoridades rusas le obligaron a rechazarlo. Treinta y un años después, en 1989, el hijo del escritor recogió el galardón.
La película basada en el libro se rodó sólo ocho años después de su publicación y captó la esencia del descarnado drama y el lirismo que impregna la novela.

En este mundo nada es perpetuo ni duradero, todo se diluye en las brumas del tiempo y del olvido. Sobre todo aquello que guardamos celosamente en nuestro corazón y que muere con nosotros. O tal vez sean esos sentimientos profundos los que nos hacen tocar la eternidad.

Todo eso es “Doctor Zhivago” y más. Es vivir el momento, dejar atrás la seguridad para perderse en los laberintos del corazón y apurar la vida hasta donde uno llegue. Tal vez no vuelvan a verse nunca, tal vez nadie los recuerde después, ni siquiera ellos mismos, pero Zhivago y Lara habrán vivido su instante de eternidad.

Datos técnicos:
1ª parte
Tamaño: 1,35 Gb
Duracion: 01:49:36
Vídeo codec: Xvid (doble pasada)
Resolución: 704 x 304
Bitrate: 1496 Kbps.Qf: 0.280
Códec Audio: 0×2000(AC3, Dolby Laboratories, Inc) AC3
Bitrate Castellano/Inglés: 48000Hz  128 kb/s total (2 chnls)
Subtítulos completos [Castellano-Inglés]
Compatible con reproductores de sobremesa.

2ª parte
Tamaño: 885 Gb
Duracion: 01:14:41
Vídeo codec: Xvid (doble pasada)
Resolución: 704 x 304
Bitrate: 1386 Kbps. Qf: 0.259
Códec Audio: 0×0055(MP3, ISO) MPEG-1 Layer 3
Bitrate Castellano/Inglés: 48000Hz  128 kb/s total (2 chnls)
Subtítulos [Castellano-Inglés]

Capturas:

Película 1ª parte

Película 2ª parte

Subs.es-en

Carátula Dvd

D'Angelis Tea Garden, Madras, 1906

Moonlight, shadows, and frangipani fluttering  in air rich with the smell of curry — many people today might harbor such images of India trending toward those seen David Lean’s film, “A Passage to India,” based on E. M. Forster’s novel of the same name.

And yet, to anyone who’s spent time on the ground in certain countries around the globe, an untold backstory surges against the gorgeous scenery, the nights filled with starry skies, the nattering of songbirds in the morning, and the kaleidoscope of colors in the flower gardens.

And the English women who acted as pillars of the British Raj found themselves in a backstory like no other in history.

Women at a Party in Mumbai, 1910

To survive the transition between the known world and the unknown, these women who sailed out to India after marrying men stationed there with British Raj soon found that they yearned for books like Chota Mem’s [Mrs. C. Lang] The English Bride in India (1909, second edition). And they needed them. Badly. Desperately.

The cantonments, military outposts, filled up with young, inexperienced, wives, without knowledgeable mothers nearby, desperate for some guidance in the affairs of the household. Especially households teetering on the edge of what they considered civilization. Which the cantonments often were.

And there everything changed for these women.

For one thing, India’s caste system decreed that each British household required many servants, that one or two not just would do, because of the restrictions of caste. In the words of Margaret MacMillian in Women of the Raj, “Brahmins generally did not act as cooks because so much European food would have been polluting to them.”

Old Bungalow of the British Raj (Photo credit: Sugas Dutta)

Here’s what Mrs. Lang, speaking in the authoritative voice of Chota Mem (Junior Memsahib), has to say about cooks:

As a rule, Indian cooks are excellent, and you will be surprised what nice dishes they make out of a little, and my first cook, although expensive, cooked beautifully, and it was extraordinary the few kitchen utensils he managed with. He used a bottle for a rolling pin and two pieces of wire for an egg wisk, etc.

It is best when you engage your cook to let him go to the bazaar, and get what utensils he wants, and you will laugh when you see his purchases of spoons made out of cocoanut shells, a very rough looking chopper, and one or two knives, etc.

Believe me it is no use providing them with the good things you would give an English cook, so it is best to let them cook in their own way, provided they are clean.

As to cooking pots, aluminum are best, and for many years I used a large-size camping set (13 pieces) and three other large degchies [pots]. The camp set is very useful for moves, as every piece fits into each other, and takes up so little room. The cook will want in the cook-house, one, and if room, two nice tables, and a meatsafe with lock and key, these you hire with your furniture.

In the tradition of the nineteenth century — which included teaching immigrant and poor women the newest scientific ways of cooking both in the U.S. and in Britain, the ensuing scores of household-advice books even aided women in the far-flung corners of an imperial empire, in the cantonments of the Raj.

And such is the power  of the written word.

Many experts believe that cookbooks do not necessarily reflect what people actually eat and how they behave in the kitchen, but, let me assure you, in the case of these English women and others of us who’ve raised children and cooked in lands far from home, such advice books took the place of absent mothers who would have been just as clueless in the desert or the jungle.

© 2009 C. Bertelsen