“Digital moves fast. In a sea of constantly evolving capabilities, adoption rates, and cultural expectations staying abreast of the emerging digital trends is critical,” reveals the recent survey results of Society of Digital Agencies, (SoDA).

In the recently published Two Thousand and Ten Digital Marketing Outlook, we got a look at what to expect in 2010. The message that resonates most is that Customer Experience Rules!

“With everything in technology changing as fast as any of us can type, there has never been a more unpredictable or more exciting time to be in the digital industry. We don’t have to look back a decade to see large technology shifts. A year or two is sufficient to see that amazing strides have been made.”

The survey results also delved into major shifts we’re now experiencing; mentioning that with the mouse, monitor and a cloud full of applications, we’ll have a “full-fledged computer with us at all times!”

In the the article “What Are The Next Technology Trends?” by Rain CEO Andrew Howlett, Cloud Computing is the main essence.

On Cloud Computing. “Being such a big idea in itself, cloud computing has plenty of smaller ideas that go into what will make it a reality: not needing software, having the ability to perform all activity from a remote server somewhere and possibly a way to deliver services rather than applications completely independent of platforms and physical hardware. To understand cloud computing, think of a computer as we use it today and see it as simply the device that connects to the big computer that we’re collectively building.”

Read about Cloud Computing and Key Benefits of PlanMill Software as a Service (SaaS)

On Mobile Computing. “As memory and speeds continue to increase with each new phone release, mobile computing will take on entirely new meaning. Our mobile hard drives will be next to our ears and in our pockets at all times. Our information will be just a plug-in, blue-tooth or wireless connection away from accessing.”

On App Development Shifting to Non-iPhone. “The truth is though, iPhones represent less than one percent of all mobile devices worldwide. Nokia’s OVI store is gaining traction, Android has the backing of Google, and RIM has a user-base so wide that its Blackberry App World is bound to gain customers.”

Learn about the results from a poll of senior executives from digital agencies and read more on Emerging Trends, Evolving Platforms, The Evolution of Digital Strategy Social Media, and Digital Trends the World Over. Download your copy of soda2010_01_19.

See some of PlanMill customers who are top in their fields and movers and shakers in the digital infrastructure and social networks!

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At PlanMill, we have always been ‘championing’ Software as a Service (SaaS) solutions for service businesses. For obvious reasons — integrated, scalable and real-time systems can manage an entire service business anywhere, anytime in the world!

PlanMill focuses 100% on Service Business! 


These key industries include Professional Services ICT (ISV, IT Services, Telecom), Advertising & Media, Consultancies, Engineering. Vertical industries: Consumer, Financial, IT Services, Digital Media, Internet, Management Consulting, Marketing and Advertising, Online Media, and other professionals.

Smart web-based solutions for service business enable companies to remain competitive, as what most of our customers testimonials revealed.

A current example is how a Finland-based HR software business with more than 100 % revenue growth yearly, answered the challenges of a steadily growing business since 2005. Sympa now operating also in the Nordic countries gets boosts with PlanMill ERP SaaS, that provides for them portfolio and project management, work schedules, tasks & assignments, actions, service requests, among others.

Today, PlanMill takes care of around 7,000+ business users in 80 leading service companies. PlanMill solutions used in more than 25 countries enable companies to run their business smoothly and efficiently on a daily basis–mostly on the ‘cloud’!

But, what exactly are “cloud services”? Broadly defined by an IDC analyst, cloud services are “consumer and business products, services and solutions delivered and consumed in real-time over the Internet.” Cloud solutions according to IDC also refers to “a consumption model applied to IT industry offerings (e.g., as in software-as-a-service (SaaS), for certain industries such as entertainment, energy, financial services, health, manufacturing, retail and transportation, as well as from government and education sectors.”

When defining the cloud services attributes by IDC, it’s important to remember key words that we abide at in PlanMill. These includes Growth, Networking, Real-time, Smart, Scalable, Cost-efficient, and Customer service. PlanMill customers succeed through a dynamic web-based ecosystem based on innovation and collaboration. How? From the cloud services features, we can enumerate a few:

- Simple and easily integrated business application suite, which is accessible via the Internet as a shared, standard service. This can be easily purchased through the user-based pricing model.

- Stronger focus on clients’ needs in changing markets. “As a solution-package, a “turnkey” solution enables the customer to access the offering without the need to own, manage or understand any underlying resources required to support the offering.” Because of its self-service features, “customers enjoy self-service capabilities for service provisioning and administration.”

- Faster deployment means Faster ROI (return of investments). “Elastic scaling means quickly scaling resources to need – delivering speed and cost-efficiency benefits,” according to IDC.

- Do away with usability issues. Save time. Learn quickly. This means “access to leading-edge innovation, using standard user interface (UI) technologies, comes at a very low cost.”

- Grow from CRM to ERP fast in the most effective way you can dream today! Because companies grow uniquely, PlanMill users can enjoy scalibility features for their IT infrastructure. Here, it is becoming crucial that we offer our customers the benefits from customization & custom services, migration & integration, upgrades & installation, as well as optional workhops & administration.

- PlanMill also offers application developers and customers open API (application programming interface) to enable information exchange between various business applications and PlanMill (R12.1 or higher). As defined by IDC, published service interface/API is “the ability to combine services with each other, and to integrate them with traditional, on-premise systems, is the foundation for being able to rapidly create – and, importantly, allow others to create – new solutions and value.”

PlanMill’s deployment options provide freedom! We understand that different needs requires different solutions, thus, PlanMill SaaS or PlanMill On-Premise are offered to suit specific client requirements.

What counts at the end of the day is understanding the heart of service business! Being innovative, affordable, lean, and solid definitely enable companies to stay successful!

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Im Münchener Haus der Kunst läuft aktuell eine Ausstellung von Ai Weiwei mit dem Titel “so sorry”. Weiwei wurde nicht zuletzt durch seine Beiträge zur letzten Documenta bekannt. Auch nach München hat er seine Fensterläden mitgebracht, die 1001 Chinesen begleiten ihn dieses Mal alerdings nur als Fototapete. Dafür waren eine Reihe von Exponaten in seinem Gepäck, die nicht nur unglaublich spannende Persepktiven boten, sondern auch als “schön” und “ästhetisch” durchgehen. Das ist für die Vertreter der Ready-made Kunstrichtung nicht selbstverständlich. Begleitet wird die Ausstellung von einem Mitmach-Blog.

Die mitgebrachten Fensterläden, dieses Mal gleich als umgefallener Turm:

Nachbau der Unterkunft für die 1001 Chinesen, die mit zur Documenta 12 durften.

Mit seinem Heimatland liegt Weiwei in Sachen Politik und Bürgerrechte überkreuz. Sein Münchenauftenthalt sollte nicht nur seine durch die chinesische Polizei ruinierte Gesundheit wieder herstellen, Weiwei will in den ausgestellten Werken auch seine Frustration über die aufkommende Gleichgültigkeit in der Welt hinsichtlich des Unrechtssystems der kommunistischen Regierung verdeutlichen.

Der Titel der Münchner Ausstellung “so sorry” bezieht sich auf die politischen Verbrechen und Versäumnisse der Ordnungsmacht seines Heimatlandes China, in dem das Regime permanent ablehnt, sich mal ernsthaft bei den Betroffenen zu entschuldigen. Aber da kann man bei allen Politikern warten, bis man schwarz wird. ”So sorry” kommt auch uns zu leicht über die Lippen und hat in Weiwei’s Beobachtung weltweit das “fuck off” in der gepflegten Konversation ersetzt.

By LitterART – www.litterart.wordpress.com

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August Natterer (Neter), "Wunder-Hirthe", vor 1919, Sammlung Prinzhorn/Heidelberg

Österreich wird nicht nur mit Sigmund Freud assoziiert, der das Menschenbild des 20. Jahrhunderts wesentlich mit geprägt hat. In Österreich befindet sich auch die heutige Gedenkstätte Schloss Hartheim – von 1940 bis 1944 eine der sechs Euthanasieanstalten des Dritten Reiches, in der im Zuge der Aktion T4 von den Nationalsozialisten die Ermordung behinderter Menschen als „lebensunwertes Leben“ vollzogen wurde. Dem organisierten Massenmord des Nationalsozialistischen Regimes sind zahlreiche Menschen mit Behinderungen, darunter auch KünstlerInnen,  zum Opfer gefallen. Sehen wir ein Mahnmal, ein DENKmal in ihrer Kunst! Gedenken wir der Opfer dieser schrecklichen Zeit! – - – - Machen wir uns bewusst, dass diese Zeiten noch gar nicht so lange her sind! Machen wir uns auch bewusst, dass sich die Umstände für die Betroffenen seitdem zum Glück radikal gewandelt haben. Zumindest in unserem Kulturkreis müssen Menschen mit Behinderungen nicht um ihr Leben fürchten. Im Idealfall können sie unter professioneller Betreuung mit guten Materialen in Ruhe arbeiten. Seit der Erfindung der Psychopharmaka im Jahre 1951 werden sie auch nicht mehr grausam in Tobräumen oder mittels Dauerbädern ruhig gestellt wie noch zu Prinzhorns Zeiten.

Art Brut, was ist das? Sieht man, unserer Zeit entsprechend, einmal rasch bei WIKIPEDIA nach, findet man folgende Definition:

Art Brut (franz. für unverbildete, rohe Kunst, auch etwa edelherbe Kunst) ist ein Sammelbegriff für autodidaktische Kunst von Laien, Kindern und Menschen mit geistiger Behinderung. Die Bezeichnung ging vom französischen Maler Jean Dubuffet aus, der sich eingehend mit einer naiven und antiakademischen Ästhetik beschäftigte. Art Brut ist weder eine Kunstrichtung noch eine Stilbezeichnung, sondern beschreibt eine Kunst jenseits etablierter Kunstformen und -strömungen. Im anglo-amerikanischen Sprachraum ist stattdessen der Begriff Outsider Art (“Außenseiter-Kunst”) gebräuchlich.

Die Wurzeln der ART BRUT reichen bis in die Psychiatrie des 19. Jahrhundert zurück. So hatte schon der Turiner Psychiater Cesare Lombroso in seinem Buch „Genio e follia“ (Genie und Irrsinn, dt. 1884) den Wahnsinn als Quelle außergewöhnlicher künstlerischer Begabung bezeichnet. In Schriftstellern wie Tasso, Rousseau, Hölderlin oder Kleist hatte Lombroso “Genies mit Geistesstörung” gesehen und sie mit klinischen Fällen von Wahnsinn verglichen. Bereits 1907 hatte der französische Psychiater Paul Meunier in seinem unter dem Pseudonym „Marcel Réja“ erschienenen Buch „L`art chez les fous“ die Werke einiger seiner Psychiatriepatienten gewürdigt – und zwar nicht nur unter diagnostischen, sondern auch unter ästhetischen Gesichtspunkten. Die Ansätze beider Autoren waren zu ihrer Zeit auf wenig Beachtung gestoßen. Im Jahre 1918 hatte Walter Morgenthaler seine Habilitationsschrift „Übergänge zwischen Zeichen und Schreiben bei Geisteskranken“ publiziert. Bekannt geworden ist der Schweizer Psychiater aber erst 1921 mit einer weiteren Publikation, der Monographie „Ein Geisteskranker als Künstler“. Darin hatte er den schizophrenen Psychiatrieinsassen Adolf Wölfli (1864-1930) und dessen Werk vorgestellt. Wölfli hatte eine 25.000-seitige Lebensgeschichte in Wort und Bild verfasst. Es war das erste Mal, dass ein Patient namentlich erwähnt und ein „Geisteskranker“ klar als Künstler bezeichnet worden war. Darin ist ein erster Schritt in Richtung wertschätzender Einbindung von Außenseiter-Kunst in die Gesellschaft zu sehen. Im Verlauf seiner späteren Arbeit in der Bernischen kantonalen Irrenanstalt Waldau hatte Morgenthaler rund 5000 Werke von über 280 Patienten gesammelt. Heute ist die „Sammlung Morgenthaler“, ehemals „Bildnerisches Schaffen von Patientinnen und Patienten“, in der „Stiftung Psychiatrie – Museum Bern“ untergebracht. Die Bedeutung Wölflis kommt wohl auch darin zum Ausdruck, dass er 1972 von Harald Szeemann auf der „documenta 5“ in Kassel gezeigt wird.

1922 erschien das Buch „Bildnerei der Geisteskranken“ von Hans Prinzhorn. Gerhard Roth konstatiert diesem Werk 2001, es habe gesellschaftlich verändernd gewirkt. Prinzhorns reich bebildertes Buch „Bildnerei der Geisteskranken“ traf jedenfalls den Zeitgeist. Es erregte großes Interesse bei Künstlern wie Paul Klee, Oskar Schlemmer, Pablo Picasso oder Alfred Kubin. Die Bilder von Else Blankenhorn hatten großen Einfluss auf den Expressionisten Ernst Ludwig Kirchner. Einige der Arbeiten von Max Ernst haben direkte Bezüge zu den von Prinzhorn vorgestellten Patienten-Künstlern, vor allem zu jenen von August Natterer. In Natterers “Große Halluzination”, darunter “Der Wunder-Hirthe”, sind die Wurzeln des bildnerischen Surrealismus zu erkennen.

Vor allem Max Ernst machte Prinzhorns Buch in Paris, der damaligen Hauptstadt der internationalen Avantgarde, bekannt. Für die französischen Surrealisten hatte es den Stellenwert einer „Bibel“. Psychosen sind zu dieser Zeit „in“. Diese Außenseiter-Kunst wurde vor allem von den Surrealisten als eine “ursprüngliche Ausdruckskraft”, als eine unverfälschte Kunst, frei von allem akademischen und bildungsbürgerlichen Ballast empfunden. Längst verstorbene Künstler wie Vincent van Gogh wurden hoch stilisiert. Als dessen würdiger Nachfolger wurde der junge französische Schauspieler, Dramatiker, Regisseur, Zeichner, Dichter und Theater-Theoretiker Antonin Artaud – ab 1937 Patient in geschlossenen psychiatrischen Kliniken mit der Diagnose Schizophrenie – zu einer neuen Gallionsfigur.

Im Museum of Modern Art, New York, lief 1936 die Ausstellung “Fantastic Art, Dada and Surrealism”. Alfred Barr hatte darin auch Kunstwerke von Kindern und Geisteskranken gezeigt.

Ganz anders war die Situation kurz darauf in Deutschland. Die von Joseph Goebbels initiierte Wanderausstellung “Entartete Kunst” eröffnete im Jahr 1937 in München eine heftige Attacke gegen die moderne Kunst. Unter der Leitung von Adolf Ziegler, damaliger Präsident der Reichskammer der bildenden Künste, wurden 650 konfiszierte Kunstwerke aus 32 Museen gezeigt. Die Ausstellung wurde bis zum April 1941 in zwölf weiteren deutschen Städten gezeigt und von über 3 Millionen Menschen besucht. Unter den ausgestellten Werken befanden sich nicht nur die bekanntesten Maler der europäischen Moderne – von Nolde über Klee bis Picasso –, sondern auch einige namenlose Werke von “Verrückten”. Dabei handelte es sich um Arbeiten aus der Prinzhorn-Sammlung. Alles, was nicht ins kulturelle Verständnis der Nationalsozialisten passte, wurde als „entartet“ angesehen: Kunstrichtungen wie Dadaismus,  Expressionismus, Kubismus, Fauvismus, Impressionismus, Neue Sachlichkeit und Surrealismus, aber auch Formen in anderen kulturellen Ausdrucksweisen, wie Tanz, Literatur, Architektur oder Musik. Was die Nazis unter “deutscher Kunst“ verstanden, wurde in der parallel stattfindenden “Großen Deutschen Kunstausstellung” in München im “Haus der Deutschen Kunst” gezeigt.

Gleichzeitig setzte eine Art “künstlerische Säuberung” in den deutschen Museen ein. Man schätzt, dass 16.000–20.000 Kunstwerke in dieser Zeit zerstört oder gegen Devisen ins Ausland verkauft wurden. Vielen Künstlern, Museumsangestellten und Lehrern wurde Berufsverbot erteilt. Die von den Nationalsozialisten propagierte Auffassung von der “Vernichtung lebensunwerten Lebens” führte zur planmäßigen Tötung von Psychiatriepatienten. In einer dieser Tötungsanstalten, Grafeneck auf der Schwäbischen Alb, wurden ab 1940 etwa 10.000 Patienten vergast.

Dessen ungeachtet wurden und werden auch in der Nachkriegszeit Künstler oftmals als geisteskrank beschimpft. Dem entgegneten österreichische Künstler auf ihre Art. Oswald Oberhuber etwa ließ sich in den frühen 1970ern in Anstaltskleidung fotografieren.

Der Künstler Jean Dubuffet beschäftigte sich mit dem Phänomen der ursprünglichen Kreativität und der antiintellektuellen, vom Bildvokabular der Kinder, Naiven und „Geisteskranken inspirierten Kunst. Als Sammler wurde Dubuffet mit dem von ihm 1945 geprägten Begriff „Art Brut“ identifiziert. 1948 gründete er nach einigen ersten Ausstellungen mit einem kleinen Kreis von Gleichgesinnten, darunter auch der Surrealist André Breton, in Paris den Verein „Compagnie de l`Art Brut“. Auf die Entwicklung der Kunst im 20. Jahrhundert haben künstlerische Ausdrucksformen von „Außenseitern“ einen wesentlichen Einfluss genommen. Man sah in diesen Kunstformen ein „weiter zu verarbeitendes Rohmaterial“, spontane Äußerungen mit unkonventionellem Blick auf die Welt und ihre Wirklichkeit. Der fließende Begriff „Art Brut“ wird auch heute noch als Dubuffets geistiges Eigentum von den aktuellen Kustoden des Museums verteidigt und nur auf die Werke seiner Sammlung beschränkt – natürlich nicht ohne Kritik!

Die aus ganz anderen Entstehungsbedingungen hervorgegangene Kunst, wie sie uns etwa in der Prinzhorn-Sammlung begegnet, kann nicht mit dem für „professionelle“ Kunst gültigen Maßstab gemessen werden. Diese „Bildnereien“ sind gänzlich unabhängig von jenem Kunstwollen und Kunstkontext entstanden; und zwar als eine reale, existentielle Notwendigkeit sich auszudrücken. Wie der Hamburger Kunstwissenschaftler Michael Lingner bemerkt, liegt eine Gefahr in allen leider heute oft so „modernen“ Bemühungen – auch schon in jenen Jean Dubuffets – die Kunst von Menschen mit Psychiatrieerfahrung aus unserem Kunst- und Kulturverständnis heraus nicht mimetisch, sondern im Sinne der Mimikry nachzuempfinden. Das klägliche Ergebnis daraus könne nur allzu leicht eine total verwässerte, erkünstelte, hypehafte Primitivität sein.

Bestätigung für die Qualität „seiner“ Künstler soll direkt von Dubuffet der Wiener Psychiater Leo Navratil bekommen haben. Navratil hat sich in der Landesnervenheilanstalt Maria Gugging in Klosterneuburg vor allem um die Erforschung und Förderung der sogenannten „zustandsgebundenen Kunst“, also Kunst von Insassen psychiatrischer Anstalten, verdient gemacht. Er erschuf eine besondere Art der Therapie. Navratil strebte mit der Veröffentlichung der Werke eine zumindest künstlerische Gleichberechtigung an. Ganz im Sinne des Integrationsgedankens, versuchte er durch Verkäufe und Ausstellungen Anerkennung und Wertschätzung der Gesellschaft für die Künstler zu erreichen. 1965 gab er sein erstes Buch „Schizophrenie und Kunst“ heraus. Künstler wie Arnulf Rainer und Alfred Hrdlicka wurden nach Gugging eingeladen und lernten dort Johann Hauser, Rudolf Limberger u. a. kennen. 1970 findet die erste Ausstellung der Gugginger Künstler in der Galerie Nächst St. Stephan in Wien statt.

Österreich erweist sich in seiner jüngsten Geschichte ebenso als fruchtbarer Boden für alle an der Schnittstelle von sozialer und medizinischer Betreuung gelegenen Ansätze, aus denen heraus Kunst entstehen kann. Hier sind seit Jahrzehnten bedeutende Künstler wie Arnulf Rainer, Franz Ringel, Peter Pongratz, Alfred Hrdlicka tätig, die sich einerseits für Outsider-Art bzw. Art Brut und ihre schöpferischen Künstler-KollegInnen einsetzen, andererseits teils selbst bemerkenswerte Sammlungen besitzen. Innerhalb der jüngeren österreichischen Künstlerschaft haben seit 1990 vor allem die Zwillingsschwestern Christine und Irene Hohenbüchler die kontinuierliche Zusammenarbeit mit behinderten Menschen sowie mit Menschen mit Psychiatrieerfahrung, mit Strafgefangenen und Kindern praktiziert.

Die anlässlich des Freud-Jubiläumsjahres 2006 konzipierte Wanderausstellung „Die Kunst von innen – von der Kraft des Unbewussten“ hat einen Überblick über jene Szene gegeben, die sich in Österreich mit den künstlerischen Schöpfungen von Menschen mit psychosozialen und mehrfachen Beeinträchtigungen auseinandersetzt und diese fördert. Angelica Bäumer, die Kuratorin dieser in Österreich und im Ausland gezeigten Ausstellung, hat in der von ihr 2007 herausgegebenen Publikation unter Titel „Kunst von innen – Art Brut in Austria“ die Kunstentwicklung von Adolf Wölfli über die Sammlung Prinzhorn bis zu Jean Dubuffet, dem Begründer des Begriffes „Art Brut“, erläutert und die spezifische Szene in Österreich vorgestellt. Das von Leo Navratil gegründete, heute von Johann Feilacher geleitete „Haus der Künstler“ in Gugging setzte wesentliche Impulse zur Anerkennung der Kunst von Menschen mit besonderen Bedürfnissen. Auch Institutionen wie die Caritas, die Diakonie, die Lebenshilfe, Jugend am Werk, Promente, sowie zahlreiche kleinere Organisationen haben Ateliers eingerichtet.

Es wäre wünschenswert, träten mehr Vertreter der professionellen Kunstszene in einen Dialog mit künstlerisch-kreativen Menschen und erzeugten gemeinsam mit diesen PartnerInnen künstlerische Werke, die sie anschließend gleichberechtigt neben eigenen Objekten präsentierten.

Besucher und Besucherinnen können gerade in den faszinierenden Werken der wenigen ernsthaften ART BRUT-Ausstellungen Zugänge zu Problemstellungen finden, mit welchen sie sich für gewöhnlich nie beschäftigen würden. Vielleicht stellen manche von ihnen auch ihr eigenes, nicht selten bedenkliches Kunst- und Welt-Bild in Frage, das nicht selten von althergebrachten Vorstellungen geprägt ist, die um fundiertes Können, gesunden Menschenverstand und Volksnähe kreisen.

AKTUELLE LINKS

Admont, Stift Admont, AUSSTELLUNG SAMMLUNG PRINZHORN

http://www.stiftadmont.at/deutsch/museum/museum/prinzhorn.php

Admont, Stift Admont, SCHÖPFUNGEN, Interdisziplinäres Symposion

Wien, Haus der Kunst, ART BRUT AUS JAPAN

http://www.wien.info/de/sightseeing/museen-ausstellungen/highlights/art-brut-japan

Maria Gugging, ART / BRUT CENTER

http://www.gugging.org/

St. Florian Feuerwehrmuseum, ART BRUT IM WANDEL

http://www.feuerwehrmuseum.at/shop/shop.php?detail=1228485422

NS-Tötungsanstalt HARTHEIM

http://de.wikipedia.org/wiki/NS-Tötungsanstalt_Hartheim

JavaDoc es un documentador creado por la compañia Sun MicroSystem en formato html.

Las etiquetas se ponen en la parte de los comentarios los cuales inician con /** y terminan con */ y todas son precedidas por: @.

Por ejemplo:

/**

* Este es un comentario de documentación

* @etiqueta parametro

*/

Entre sus etiquetas tenemos las siguientes:

author: Aqui como podemos intuir ponemos el nombre del autor de la aplicación.

deprecated: Esta etiqueta es utilizada para indicar que la clase o metodo es algo antigua y no se recomienda su uso porque posiblemente sea descontinuada.

exception: funciona como thows.

param: Definición de un parametro de un método, es necesario utilizar una etiqueta para cada parametro.

return: Nos indica el valor resultante de algun metodo, por lo tanto no se puede utilizar en constructores ni en metodos “void” ya que ninguno de los dos regresa valores.

see: Asocia con otro método o clase; es decir, se añade un link en la parte de “see also”.

serial: Se usa para indicar que campos pueden ser serializables.

since: Indica desde cuando se creo ese método, clase o paquete.

throws: Excepción lanzada por el método, se escribe el nombre de la clase y enseguida la descripción.

version: Aquí ponemos la versión de nuestro software.

package hola_mundo;

/**
*
* @author yarull
* @version 1.0 beta
* @since 30/08/2009
*/
public class Main {

/**
* @param args Aqui explicamos para que sirve el
*             parametro de la siguiente funcion
*/
public static void main(String[] args) {
System.out.println("Hola mundo");
}
}

The  Arts Council launches www.artsaudiences.ie – a site which will provide a focal point for those interested in how, nationally and internationally, the internet is being harnessed by artists and arts organisations to engage with audiences in new ways. With this in mind Arts Audiences will also run two seminars for arts organisations Audiences 2.0: access the power of internet

Opera Ireland, Wexford Opera Festival and Opera Theatre Company to merge? More info here and here

VAI publishes a survey on the status of the visual artist in Ireland. Here is the result. (€10)

Documenta 13 is launching a two-day conference which has the goal to provide a forum of discussion and reflection on the history of documenta. The seminar is free and will take place at the Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea in Turin on 18th and 19th  September 2009. Registration deadline is tomorrow August 5th here (old fashioned and impracticable method of registration and very poor website…hope they will do something about it) Having said that, they are on facebook! look for “Documenta”.

In case you are wondering who is the new artistic Director of Documenta 13…here is an interview of Carolyn Christov-Bakargiev on her previous project, the 2008 Sydney Biennale:

SIGMAR POLKE. FOTOGRAFÍAS 1964-1990

Galería Arnés y Röpke: Calle Lope de Conde de Xiquena, 14
Del 4 de Junio al 31 de Julio

PHOTOESPAÑA 2009
FESTIVAL OFF

Cuando Sigmar Polke (Oels, Alemania, 1941) descubrió la fotografía, el trabajo artístico terminaba con la elaboración del negativo. El aspecto documental era fundamental y se buscaba la perfección técnica para acceder a la realidad. Sin embargo, para Polke este efecto mimético daba pie al escepticismo y por ello su metodología está marcada por la duda y una actitud experimental.

En sus fotografías tempranas, Polke no copió y reunió para formar una secuencia hasta su gran exposición fotográfica organizada por la Kunsthalle de Baden-Baden en 1990. Tomadas entre 1964 y 1968, estas imágenes parecen cumplir aún los requisitos del convencional documentalismo exigido por entonces a la fotografía. La foto como producto final artístico aún no le interesa primariamente en esta fase temprana. De modo parecido al cuaderno de bocetos de los maestros antiguos, Polke emplea la cámara en un primer momento como instrumento de trabajo para elaborar una documentación gráfica de performances artísticas que se archivan de cara a su posterior reutilización.

El interés experimental, centrado más tarde en los presupuestos técnicos y químicos del medio mismo, se dirige sobre todo a acciones protagonizadas por objetos cotidianos tomados del entorno privado del artista, que se pueden “fotocopiar” sin apenas falsearlos. Con su habitual rasgo irónico consigue que los objetos le entreguen su mística vida propia, hace que los pepinos se balanceen entre pantallas de lámpara y que las tijeras se ciernen sobre vasos, o dispone sobre papel un pepino cubierto con un paño húmedo, junto a piezas de lego y pantallas de lámpara, para componer una naturaleza muerta casi a la manera de los maestros antiguos. Si bien el aspecto documental y representativo de la fotografía aún está en primer plano en esos trabajos tempranos, ya en ellos se observan referencias a la imponderabilidad de los fenómenos casuales que tienden un puente hacia los trabajos experimentales de años posteriores. Una avería de la cámara produjo sobreimpresiones en algunas fotografías. Ligeros movimientos en el momento de la toma se tradujeron en imágenes borrosas, que, por ejemplo, hacen parecer tanto más audaz el ejercicio de funambulismo de una cuchara suspendida entre unos yogures y un vaso de leche que, colocados a su vez justo al borde de una mesa y del respaldo de un sillón, sólo prometen una dudosa sujeción. También la iluminación y la acentuación de las diagonales obtenida mediante el decidido recorte de la imagen favorecen esa impresión.

Las primeras fotografías están caracterizadas por una constante verificación de la índole material de los objetos. La magnitud, la pesantez y la materialidad asociadas convencionalmente a los objetos quedan suprimidas, o al menos cuestionadas hasta tal punto que cualquier familiaridad con el objeto y sus propiedades comienza a resquebrajarse y se pone de manifiesto la fragilidad de los propios hábitos visuales.

En 1963 Polke fundó, con Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), una tendencia pictórica dentro del pop art. Era un anti-estilo de arte que se apropiaba del lenguaje de la publicidad. Este título se relaciona con el realismo socialista, por entonces la doctrina artística oficial de la Unión Soviética. Trata de una forma irónica la doctrina artística del capitalismo occidental, ligada a la sociedad de consumo.

Sus obras reflejan con ironía la manipulación de los medios de comunicación. Utiliza elementos de la pintura moderna pero también otros de la cultura de masas, como lo kitsch o de la publicidad. Ha realizado cuadros que, con un tratamiento especial, cambian de color al reaccionar frente a la contaminación medioambiental. A partir de 1965 hizo variaciones de obras clásicas de autores como Durero o Kandinsky, imitaciones de obras povera y conceptuales.

El elemento anarquista de la obra de Polke se engendra en gran medida por su enfoque mercurial. Su irreverencia hacia las técnicas pictóricas tradicionales y sus materiales y su falta de lealtad a ninguna forma de representación ha establecido su reputación, actualmente respetada, como un revolucionario visual. No es inusual que Polke combine pintura, materiales caseros, lacas, pigmentos, impresiones de pantalla y transparencias, en una sola pieza. Una «narrativa complicada» está a menudo implícita en el cuadro de varias capas, dando el efecto de atestiguar la proyección de una alucinación o de un sueño con una serie de velos.

Polke se embarcó en una serie de viajes por todo el mundo a lo largo de los años setenta, fotografiando en Pakistán, París, Nueva York, Afganistán, y Brasil. Ha sido profesor en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo en 1970-1971 y desde 1977 hasta 1991). Participó en la documenta de Kassel V-VII (años 1972-1982). En 1978 se estableció en Colonia, donde sigue viviendo y trabajando.

TEATRO FERNÁN GÓMEZ. CENTRO DE ARTE.

AÑOS 70. FOTOGRAFÍA Y VIDA COTIDIANA.
Del 2 de Junio al 27 de Julio de 2009

PHOTOESPAÑA 2009

Exposición colectiva de: Laurie Anderson, Claudia Andujar, Christian Boltanski, Víctor Burgin, Sophie Calle, William Eggleston, Hans-Peter Feldmann, Alberto García-Alix, David Goldblatt, Karen Knorr, Víctor Kolár, Ana Mendieta, Fina Miralles, Gabriele y Helmut Nothhelfer, J.D. Okhai Ojeikere, Carlos Pazos, Anders Petersen, Eugene Richards, Allan Sekula, Cindy Sherman, Malick Sidibé, Ed van der Elsken, Kohei Yoshiyuki.

En la década de los 70 se produce un cambio definitivo en las relaciones entre el arte contemporáneo de los últimos treinta y cinco años. Los planteamientos estéticos de las vanguardias, preocupados por cuestiones puramente formales, dan paso a una actitud artística más abierta y menos dogmática en lo que se hace necesaria cierta atención a aspectos vivenciales y sociales.

Durante esta década se produce una mayor interrelación entre arte y vida, lo que desemboca en una preocupación por reivindicar lo cotidiano, la poética de lo personal, el paisaje de lo íntimo y los planteamientos documentales no convencionales. En este contexto artístico e histórico la fotografía se convierte en una herramienta idónea, produciéndose una reformulación del medio fotográfico, siendo esta década uno de los periodos más importantes y fructíferos de la historia reciente de la fotografía.

. Laurie Anderson. (Glen Ellyn, Illinois, 1947)

Música, poeta, dibujante y artista, Laurie Anderson combina música minimalista, diapositivas y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización moderna en su conjunto. Ha inventado varios instrumentos, entre ellos el violín de arco de cinta, el cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en lugar de las cerdas del arco. Durante la década de los años 70, Laurie Anderson hizo diversas performances, dándose a conocer internacionalmente a partir de 1981 con su disco “O Superman”. En el 2008 se casó con su compañero sentimental Lou Reed.

. Claudia Andujar. (Neuchâtel, Suiza, 1931)

Vivió en Hungría y en los Estados Unidos durante la deuda de los años 50, desplazándose a Sao Paulo en 1957, adquiriendo la nacionalidad brasileña. Actuó como reportera gráfica de 1960 a 1971, y durante la década de los 70 desarrolló, junto con George Love, un taller de Fotografía en el Museo de Arte de Sao Paulo, trabajo que influyó a decenas de fotografías paulistas. Ganó dos becas de la Fundación Guggenheim de Nueva York en 1972 y 1974, y una de la Fundación Auxilio à Pesquisa del Estado de Sao Paulo, en 1976. A finales de los años 70, la obra de Andujar se centró en la cultura de los indios Yanomami, al noroeste de Brasil, desarrollando un ensayo fotográfico sobre su compleja espiritualidad y su mundo mágico.

En su preocupación por lo eterno Claudia Andujar retrata en sus imágenes la comprensión, la angustia, los devaneos de los que viven en busca de la verdad. El drama, el modo de buscar el encuadramiento, aliando razón e intuición, y los personajes, se reúnen para hablar de una incesante búsqueda de comprensión. Hay reflejos en la fotografía de Andujar del pensamiento de Brecht: “El destino del hombre es el propio hombre”.

. Christian Boltanski. (París, 1944)

Nació a finales de la Segunda Guerra Mundial en una familia marcada por el holocausto. Su padre era judío procedente de Ucrania, mientras que su madre era de Córcega. De formación autodidacta, comenzó a pintar a los 14 años. Sin embargo, durante la década de los años 70, Boltanski dejó la pintura y comenzó a reconstruir su infancia a partir de fotografías. 

Su obra está marcada por una intencionalidad de archivo y memoria que va más allá de lo explícitamente presente. Las ropas usadas en sus instalaciones, cajas de hojalata a modo de relicarios sagrados y las fotografías de los que ya no están son recurrentes en su obra como marca de lo ausente. Esta iconografía constante que proviene de lo autobiográfico, la religión y el pasado, es presentada de una manera tétrica y oscura que la convierte en un evidente signo de la muerte. Su obra gira alrededor de los problemas de la muerte, la memoria y la pérdida.

. Víctor Burgin. (Sheffield, Inglaterra, 1941)

Estudió Bellas Artes en el Royal College of Art antes de viajar a Norteamérica donde continuó su formación en la Universidad de Yale. Burgin fue reconocido inicialmente como artista conceptual, trabajando en fotografía y cine. Su obra está influenciada por teóricos y filósofos como Karl Marx, Sigmund Freud, Michel Foucault y Roland Barthes.

Desde finales de los años 60, Burgin realizó notables aportaciones como teórico cultural y como artista de la fotografía y el video digital. Durante un periodo de treinta años, su obra visual y sus escritos han reflexionado sobre las relaciones espacio-temporales.

. Sophie Calle. (París, 1953)

Artista conceptual cuya obra se centra en representar la vulnerabilidad humana, y examinar identidad e intimidad. Algunas de sus obras se basan en perseguir a extraños e investigar sus vidas privadas, incluyendo a menudo paneles explicativos con su propia letra.

Durante la década de los 70, Sophie Calle exploró el enigmático terreno de la identidad humana y su interacción, estudiando y documentando diversas situaciones donde se expone la coexistencia del deseo y la alienación. Un claro ejemplo es su obra “Les Dormeurs” (Los durmientes) de 1979. En este proyecto, Calle invitó a 24 personas (amigos, vecinos, extraños… etc.), para que durmiesen en su cama durante ocho horas. Estas personas se iban relevando continuamente, durando un total de ocho días. Sophie les servía comida, les hacía una pequeña entrevista y les iba fotografiando cada hora. En total, el trabajo consistió en 173 fotografías y 23 textos explicatorios que documentan cada una de las distintas situaciones.

En “Suite Venetienne” (1979), Calle persiguió a un hombre que conoció en una fiesta de París hasta Venecia. Para ello, se disfrazó y le siguió por toda la ciudad fotografiándole. La vigilancia de este hombre, que ella identifica solamente como Henri B., incluye fotografías acompañadas de texto.

Uno de los primeros proyectos que causó cierta controversia pública fue “Address Book” de 1983. Tras el hallazgo de una agenda telefónica, Sophie Calle decidió llamar a todos los contactos para recabar información sobre su propietario. A las transcripciones de estas conversaciones, Calle añadió fotografías de las actividades favoritas de este hombre, creando un retrato de alguien que jamás había conocido. Tras la publicación de esta obra, el propietario de la agenda telefónica, un documentalista llamado Pierre Baudry, amenazó con demandar a la artista por invasión de su privacidad.

En su proyecto “The Hotel” de 1981, Calle decidió trabajar como una camarera en un hotel de Venecia, con la intención de inspeccionar los textos y los objetos dejados en las habitaciones de los clientes. De ese mismo año también es su proyecto “Detective”, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico. De esta forma, Calle podía comparar la información recibida del detective y la información que ella ha recogido en su diario personal.

En cierto modo, la obra de Calle se centra en la obsesión de la mirada, tanto la de los otros como la suya propia. ¿Qué miran los otros cuando me ven mirar?

. William Eggleston. (Memphis, Tennessee, 1939)

Desde pequeño, Eggleston se interesó por el dibujo, tocar el piano y la electrónica. A la edad de 15 años, Eggleston estudió en Webb School y posteriormente en la Vanderbilt University y en la Univesity of Mississippi. Durante este periodo universitario, Eggleston se interesó por la fotografía, inspirado por la obra de Robert Frank y Henri Cartier-Bresson. Sus primeras fotografías fueron en blanco y negro, pero comenzó a experimentar con el color desde 1965. Durante la década de los años 70, Eggleston descubrió la impresión con transferencia de tintas, dando lugar a las series más famosas de la obra de Eggleston como “The Red Ceiling”.

La obra de Eggleston se centra en la búsqueda de la belleza en lo ordinario. Sus fotografías retratan viejos neumáticos, antiguas máquinas de aire acondicionado, botellas de Coca Cola sucias y vacías, posters rasgados, barricadas callejeras, señales de sentido único, de desvío, de prohibido aparcar… Todas estos objetos cotidianos toman un nuevo significado en las coloridas fotografías de Eggleston, que es capaz de ver complejidad y belleza de lo mundano.

. Hans-Peter Feldmann. (Dusseldorf, Alemania, 1941)

Es uno de los artistas más representativos de la escena artística alemana de los años 60 y 70. Además ha sido precursor de las actitudes apropiacionistas de finales de los ochenta. Su producción artística más reciente ha logrado mantener la actualidad del movimiento performativo de los años setenta, insertándolo en la realidad política y social de los noventa.

Una primera etapa de la actividad profesional de este artista se desarrolla entre 1968 y 1980. Durante este período, Feldmann produce un cuerpo de obra variado, pero coherente, que incluye una extensa serie de cuadernos de pequeño formato con imágenes aparentemente triviales reproducidas en blanco y negro, cartas, carteles, postales, hojas de periódico coloreadas, juguetes encontrados y repintados, así como reproducciones en yeso de esculturas clásicas pintadas con colores vivos. De este modo, Feldmann elabora una obra basada en el concepto del plagio, en el mito barthesiano de la muerte del autor, en el efecto creativo de la copia y en la apropiación de las imágenes y los objetos que el artista extrae de su vida cotidiana. Reproduciendo imágenes y motivos que a su vez han sido reproducidos hasta el infinito (palomas de la paz y cisnes románticos y sentimentales, chicas semidesnudas, conductores de automóviles vestidos de cuero, jugadores de fútbol, piezas de ropa, y un largo etcétera), Feldmann las vacía de su carácter representacional para insertarlas en otro nivel de reproducción, sin representación ni contenido, que lleva implícita una crítica al mundo del arte y la cultura. Esta actitud crítica es la que, en 1980, le decide a abandonar el circuito artístico y a abrir una tienda de recuerdos, curiosidades, objetos de segunda mano y antigüedades en Düsseldorf. Sólo diez años después se reincorpora Feldmann al mundo del arte, retomando su vocabulario habitual para cuestionar la iniquidad de les imágenes, de los valores culturales, y en general, de los sentimientos producidos masivamente.

. Alberto García-Alix. (León, 1956)

 Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como “Vogue”, “British Journal of Photography” o “Vanity Fair”. Destacan sus retratos en blanco y negro, con series dedicadas a las motos, los presos, estrellas del porno, yonquis y tatuajes. Fue uno de los protagonistas más destacados de la “Movida madrileña”. Amante de las motocicletas y de los retratos, su cámara ha inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales.

La mirada de García-Alix es siempre directa, frontal y sin ambages, rayando lo documental pero también la autobiografía. Las fotos de García-Alix se detiene en historias de vida, en los ojos de sus retratos -la mayoría de sus fotos, incluso las de objetos, son retratos- discurre una historia, un momento real. Quizá sea debido a la inmediatez de las fotos de García Alix, a su técnica clásica, depurada y simple o quizás por la sensibilidad de sus modelos, su gente y su sensibilidad.

. David Goldblatt. (Sudáfrica, 1930)

David Goldblatt ha retratado el cambiante paisaje político de su país durante décadas, explorando la intersección entre la tierra, sus gentes y sus valores. La obra de David Goldblatt siempre ha girado alrededor de los conceptos de identidad y de lo cotidiano, incluso en situaciones tan tensas y violentas como el Apartheid.

Durante los años 70 realizó diversas series como: “Soweto” (1972-1973), que retrata dos partes de Johannesburgo: los guetos-dormitorio de los africanos y las zonas suburbanas de blancos; y “Particulars” (1975), que consta de 27 fotografías en blanco y negro que muestran detalles de personajes anónimos de Johannesburgo. A partir de los pocos elementos que aparecen en cada fotografía el espectador crea una biografía imaginaria del retratado.

En su última serie “In the times of AIDS”, Goldblatt ha querido retratar la normalización de uno de los problemas que causa mayor mortalidad en Sudáfrica, el SIDA. Casi podría considerarse fotografía de paisaje ya que la figura humana aparece como algo secundario que acompaña al sujeto protagonista de la serie: el lazo rojo, símbolo de la lucha contra el SIDA. Las fotos reflejan un estado mental que hace que la población se haya vuelto ciega ante la multiplicación de este lazo rojo en Sudáfrica.

Entre la extensa obra de David Goldblatt, caben destacar las siguientes series (que han dado lugar a sus libros de fotografía): In Boksburg (1982), The transported of KwaNdebele: A South African Odissey (1989), South Africa: The Structure of Things Then (1998), Intersections (2005), Some Afrikaners revisited (2007) y Intersections Intersected (2008). Su retrospectiva David Goldblatt Fifty-One Years [David Goldblatt 51 años], producida por el MACBA en 2001, visitó varias ciudades. En 2006 se le entregó el Premio Internacional de Fotografía otorgado por la Fundación Hasselblad. Ha participado en Documenta 11 (2001) y 12 (2007) en la ciudad de Kassel. Sus fotografías se encuentran en los fondos de la Bibliothèque Nationale (París), el Museum of Modern Art (Nueva York), el Victoria and Albert Museum (Londres) y el MACBA, entre otras muchas otras instituciones y colecciones privadas.

. Karen Knorr. (Frankfurt, 1954)

A fines de los setenta se dio a conocer por sus series fotográficas que profundizaban sobre la relación del hombre con la sociedad, su cultura y patrimonio en occidente. Su serie “Belgravia” documenta el poder de las clases altas de Londres en 1979, a principios del gobierno de Margaret Thatcher. Belgravia es aún un barrio de Londres cosmopolita y rico, cerca de Harrods en Knightsbridge. Las fotografías no tratan sobre individuos sino a un grupo de personas y sus ideas durante un periodo de tiempo concreto en la historia.

En la actualidad, la obra de Karen Knorr reflexiona sobre la relación del hombre con la naturaleza. A lo largo de su carrera ha utilizado la puesta en escena fotográfica y ha incorporado a su trabajo textos, vídeos e instalaciones. Está representada por la galería Les Filles du Calvaire de París. Su obra forma parte de las colecciones: The Cartier Foundation, Centre Pompidou, Paris, Francia y The Victoria & Albert Museum, entre muchos otros.

Es autora de varios libros monográficos y recibió el apoyo del Arts Council of England en 2001; de Hasselblad Foundation Reaserch Grant en 1998 y de Nacional Endowments for the Arts en 1986. Actualmente es profesora en The Surrey Institute y Goldsmiths Collage en Londres.

. Víctor Kolár. (Ostrava, Checoslovaquia, 1941)

Hijo de un fotógrafo y cineasta, Kólar se aproximó a la fotografía cuando tenía 13 años. Cuando los tanques rusos entraron en su país, Kolar se trasladó a Canadá. Aquí, entre sus trabajos ocasionales, se dedicaba a su trabajo fotográfico. Sintiendo la necesidad de fotografiar las condiciones sociales de su tierra natal, regresó a Checoslovaquia en 1974. Actualmente es un fotógrafo freelance, documentando las transformaciones sociales y económicas de la República Checa tras la caída del socialismo.

. Ana Mendieta. (Cuba, 1948 – 1985)

En 1961, Ana y su hermana mayor se exiliaron a Estados Unidos sin sus padres como parte de la “Operation Peter Pan”, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a catorce miles de niños cubanos a los Estados Unidos. En Estados Unidos, Mendieta vivió con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres por muchos años. Esta experiencia dolorosa impactó mucho a la formación de Mendieta y su obra lo refleja.

Mendieta es una artista única cuya obra, en su mayor parte, consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas. Su carrera artística fue corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa. Durante el principio de los años 70, asistió a la Universidad de Iowa como estudiante graduada de las artes. Empezó pintando obras expresionistas, pero sus intereses cambiaron con su integración al Intermedia Program and Center for New Performing Arts. En el mundo artístico de los setenta, utilizar el cuerpo para crear arte (“body art” o “performance art”) llegó a ser una manera popular para expresarse. Durante su carrera, Mendieta contribuyó al desarrollo de esta arte, y también hizo un gran impacto en el arte de la tierra (land art o earthworks).

La obra de Mendieta conecta la naturaleza con la humanidad, expresa elementos de feminismo y espiritualismo, y refleja su propia experiencia como exiliada. Como artista, Mendieta se atrevió a expresarse en maneras no convencionales. En una de sus series, Body Tracks, que fue documentado por video, Mendieta se metió las manos en una mezcla de sangre de animales y pinta roja y arrastró las manos en una pared. Su fascinación con la sangre marcó una gran parte de sus obras principales. Se percibió a la sangre como algo mágico y poderoso. Algunas de sus obras que incorporan la sangre se refieren a violaciones cometidas contra mujeres. Otras reflejan el poder de la sangre como símbolo en el Catolicismo y en civilizaciones pre-hispanas de México que había estudiado.

Otro elemento significante de la obra de Mendieta es la manera en que se incorporó a su cuerpo en la naturaleza. En varias obras ella aparece desnuda, uniendo su propio cuerpo con la tierra invocando imágenes de una diosa y mezclando elementos de rituales africanos, africano-cubanos, mesoamericanos y culturas antiguas de Asia y Europa. En “Silueta Series” (1973), una de sus series más conocidas, Mendieta creó más de cien obras en las cuales o se hizo parte de la obra al cubrirse o meterse en la tierra, o recreó la imagen de su cuerpo en la tierra al usar elementos naturales como piedras o velas.

En 1985, con treinta y seis años, Mendieta se murió al caerse de la ventana de su apartamento en Roma. Sin embargo, Mendieta sigue como una inspiración e influencia en la obra de muchos artistas, ganando fama cada vez más como artista hispana prominente en los Estados Unidos.

. Fina Miralles. (Cadaqués, 1950)

Artista conceptual que durante los años 70 revolución el panorama artístico local con sus instalaciones. Tras exponer en Barcelona, Madrid, Paris y Nueva York, y de vivir dos años en Francia y uno en Sitges “para recuperar el sol perdido“, donó toda su obra al Museu d’Art de Sabadell.

Fina Miralles engloba al cuerpo como soporte artístico en la intervención en la naturaleza. Fue pionera en el “Cos – Natura” (Cuerpo-Naturaleza), desarrollando su obra en paralelo a la obra de Ana Mendieta. Su obra trata sobre la comparación entre lo natural, espontáneo, y lo artificial, lo manipulado. En su trabajo, aparece la contraposición de la naturaleza con otros materiales, descontextualizados, provocando una constatación, una reflexión sobre la idiosincrasia de lo natural y lo artificial en sus formas, y hace recaer la atención en el riesgo de transferir una utilidad y un significado decorativo a lo artificial. Tras la muerte de su madre en 1975, Fina adquiere una nueva actitud ante la vida y ante el arte. Se manifiesta más radical en su trabaja, derivando hacia un cambio de registros. Se podría hablar de una nueva crítica social, en concreto una crítica al poder y al sentimiento de propiedad de la sociedad materialista.

. Gabriele y Helmut Nothhelfer. (Alemania, 1945)

El matrimonio formado por Gabriele y Helmut Nothhelfer se han centrado en las fotografías documentales. En 1973 se embarcaron en un proyecto de larga duración sobre el tiempo libre y la alienación, una serie de estudios sobre individuos que acceden a ser fotografiados en espacios públicos. Acumulativamente, sus imagenes de tristes personas adineradas en ferias del motor, o de hombres de mediana edad en festivales católicos, expresan un sentido de angustia y vacío en mitad de la opulencia. Las fotografías de estas personas en espacios públicos suelen darse en festivales y otros eventos, convirtiéndose sus fotografías en importantes documentalistas de la historia cotidiana alemana.

En un principio, su interés se centró en la fuerza de la fotografía documental para ilustrar y criticar manifestaciones sociales, como la alienación del tiempo libre. Pero su intención documental se fue dispersando a favor de recoger el impacto de las fotografías de individuos.

. J.D. Okhai Ojeikere. (Nigeria, 1930)

En Nigeria existen cientos de grupos étnicos, cada uno con su propio lenguaje y tradiciones. Entre otras cosas, los diferentes estilos de peinados forma parte de estas tradiciones. Estos peinados están determinados por la posición social de la familia, y varía según la celebración de diversas ceremonias, como en la celebración de un matrimonio, una circuncisión…etc. Hoy en día es dificil de localizar los orígenes de ciertos peinados debido a que varios grupos étnicos se han mezclado, y adaptado a la cultura moderna. Desde 1968 Ojeikere ha ido realizando fotografías de los distintos estilos de peinado que se ha ido encontrando por la calle, en el trabajo o en celebraciones. En cada fotografía siempre documenta el significado del peinado, su procedencia, su nombre, su historia… Ojeikere se convirtió en el fotógrafo de estudio de la primera cadena de televisión de Africa, y abrió su propio estudio en 1975.

. Carlos Pazos. (Barcelona, 1949)

Durante la década de los 70, Carlos Pazos fue el único artista español que, en la mejor tradición conceptual purista, hizo de su vida una auténtica “bildungsroman”, una genuina novela de formación. En los inicios de su obra, Carlos Pazos realizó series como “Voy a hacer de mí una estrella” (1975), “En la intimidad” (1977) o “The floor of fame” (1978), que tienen como factor común la obsesiva exploración objetual tan presente durante las dos décadas siguientes.

. Anders Petersen. (Solna, Suecia, 1944)

La obra de Anders Petersen se caracteriza por su íntimo y personal documental en fotografías en blanco y negro. Estudió fotografía con Christer Stomholm en Suecia entre 1966 y 1967. En 1967 comenzó a fotografiar habituales de la noche (prostitutas, transvestidos, bebidos, amantes, drogadictos) en un bar de Hamburgo, Alemania, llamado Café Lehmitz, y continuó con este proyecto durante tres años. La serie con el mismo nombre fue publicado ocho años después, en 1978 en Alemania, apareciendo en Francia (1979), y Suecia (1982). “Café Lehmitz” desde entonces ha sido considerado de gran influencia en la evolución de la historia de la fotografía Europea.

En 1970, co-fundó SAFTRA, un grupo de fotógrafos suecos con Kenneth Gustavsson. Al mismo tiempo, enseñó en el colegio Christer Stromholm, fotografió para ciertas revistas, y continuó con su personal trabajo de fotografía. Durante extensos periodos de tiempo, Anders Petersen ha fotografiado en prisiones, asilos y residencias de ancianos. Actualmente ha publicado más de 20 libros, la mayoría en Suecia, y ha expuesto por toda Europa y Asia.

. Eugene Richards. (Dorchester, Massachusetts, 1944)

Desde que abandonara la performance a principios de los años setenta, en la que cuestionaba la política belicista norteamericana y su intervención en Vietnam, la obra de Allan Sekula se ha convertido en una reflexión sobre el lugar y la función del documental en el contexto artístico y social. Sus primeras series fotográficas se concentran en sus propias experiencias y en su entorno más próximo, como en el restaurante chino en el que trabajaba en”This Ain’t China” (1974) o las escuelas nocturnas en “School is a factory” (1978-1980), pero su intención no era documentar un aspecto puntual sino extender su obra a conceptos generales.

Tras un momento inicial en los setenta y los primeros años de la década de los ochenta en el que adoptara las estrategias del arte conceptual en sus fotografías, Sekula, que también es crítico y ensayista, pasó a investigar la capacidad narrativa y crítica del documental y a explorar el elemento teatral de este género fotográfico, que falsamente ha pretendido ser una representación objetiva y neutral de la realidad que retrata. La herencia conceptual se aprecia en el interés que pone en relacionar texto e imagen: los títulos de las fotografías y los paneles informativos que introduce en sus montajes crean asociaciones políticas, culturales y personales con la imagen que identifican o explican. Sekula intenta alejarse, a pesar del dramatismo de las situaciones que representa, del sentimentalismo manipulador que ha alcanzado el fotoperiodismo.

Sus reportajes tienen un fuerte contenido de denuncia y se centran habitualmente en el esfuerzo personal de aquellos que luchan contra las desigualdades sociales creadas por las tendencias globalizadoras de la economía contemporánea o de los que indirectamente se encuentran inmersos, como parte perjudicada, en estas batallas cotidianas y de resistencia contra las estrategias homogenizadoras del liberalismo capitalista. Este elemento ha hecho que se haya querido incluir su obra dentro de la corriente del realismo social, una tendencia que tiene un largo recorrido histórico.

Los proyectos documentales de Sekula se centran tanto en acontecimientos puntuales, como son sus fotografías sobre las manifestaciones antiglobalización que tuvieron lugar en Seattle en 1999 o su más reciente serie de imágenes sobre la catástrofe ecológica producida por el hundimiento del petrolero Prestige en las costas gallegas; como en otros que tienen un carácter de trabajo en proceso, en construcción, como es Fish Story (1987-1994) en el que explora las transformaciones producidas en las condiciones laborales de los pescadores por la creciente internacionalización de la economía mundial o en Dead Letter Office (1996-1997), encargada para InSITE, que investiga exhaustivamente el contexto económico, político y social de la frontera entre México y Estados Unidos.

s pretende ser un medio para elevar la conciencia social, caracterizándose por su gran contenido personal. Su primer libro fue “Few Comforts or Surprises” (1973), una descripción de la pobreza rural en Arkansas. Sin embargo, fue su segundo libro “Dorchester Days” (1978), donde Richards ganó la atención de la opinión pública. Richards regresó a Dorchester, ciudad donde creció, para retratar de manera airada y amarga tanto la vida política como su vida personal. Su implicación con la gente que fotografía es total, convirtiéndose en un gran reportero gráfico, a menudo ayudado por su propia prosa.

. Allan Sekula. (Erie, Pennsylvania, 1951)

Desde que abandonara la performance a principios de los años setenta, en la que cuestionaba la política belicista norteamericana y su intervención en Vietnam, la obra de Allan Sekula se ha convertido en una reflexión sobre el lugar y la función del documental en el contexto artístico y social. Sus primeras series fotográficas se concentran en sus propias experiencias y en su entorno más próximo, como en el restaurante chino en el que trabajaba en “This Ain’t China” (1974) o las escuelas nocturnas en “School is a factory” (1978-1980), pero su intención no era documentar un aspecto puntual sino extender su obra a conceptos generales.

Tras un momento inicial en los setenta y los primeros años de la década de los ochenta en el que adoptara las estrategias del arte conceptual en sus fotografías, Sekula, que también es crítico y ensayista, pasó a investigar la capacidad narrativa y crítica del documental y a explorar el elemento teatral de este género fotográfico, que falsamente ha pretendido ser una representación objetiva y neutral de la realidad que retrata. La herencia conceptual se aprecia en el interés que pone en relacionar texto e imagen: los títulos de las fotografías y los paneles informativos que introduce en sus montajes crean asociaciones políticas, culturales y personales con la imagen que identifican o explican. Sekula intenta alejarse, a pesar del dramatismo de las situaciones que representa, del sentimentalismo manipulador que ha alcanzado el fotoperiodismo.

Sus reportajes tienen un fuerte contenido de denuncia y se centran habitualmente en el esfuerzo personal de aquellos que luchan contra las desigualdades sociales creadas por las tendencias globalizadoras de la economía contemporánea o de los que indirectamente se encuentran inmersos, como parte perjudicada, en estas batallas cotidianas y de resistencia contra las estrategias homogenizadoras del liberalismo capitalista. Este elemento ha hecho que se haya querido incluir su obra dentro de la corriente del realismo social, una tendencia que tiene un largo recorrido histórico. 

. Cindy Sherman. (Glen Ridge, New Jersey, 1954)

Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

En su serie “Bus Riders”, la artista se retrata caracterizada meticulosamente de un grupo de personajes. Las fotografías fueron tomadas en 1976 pero no se imprimieron hasta el año 2000. Sherman usa elaborados disfraces, transformando su identidad en cada imágen. Sin embargo el escenario está vacio, sólo se acompaña por una silla de madera como si fuese un asiento del autobús.

. Malick Sidibé. (Soloba, Mali, 1936)

Fotógrafo conocido por sus fotografías en estudio en blanco y negro de la sociedad de Bamako en la década de los años 60 y 70. Su obra se centra en la cultura de la juventud de la capital de Mali, en actos públicos o en diversos actos en su tiempo libre.

. Ed van der Elsken. (Amsterdam, 1925 – 1990)

Forma parte de aquella generación de fotoperiodistas denominados “fotógrafos subjetivos”, que como Robert Frank o William Klein, no se limitan a registrar las apariencias. Su pasión por el mundo de la fotografía la descubrió en 1947, a los 22 años de edad, cuando vio el libro “Naked City” (Ciudad Desnuda) del reportero callejero estadounidense Weegee. Arthur Fellig, más conocido como Weegee, era un inmigrante ucraniano que se convirtió en uno de los fotógrafos norteamericanos más famosos. Realizaba sus trabajos cada noche por las calles de Nueva York con el objetivo de proporcionar a los periódicos instantáneas de víctimas de reyertas callejeras cubiertas de sangre, accidentes de tráfico y altercados domésticos. Intercalaba estas fotografías con imágenes reveladoras de la vida cotidiana de los ciudadanos ricos y pobres de la ciudad de Nueva York. La influencia en su obra es fundamental.

 Tras finalizar sus estudios se trasladó a París donde compaginó trabajos como fotógrafo independiente con su trabajo durante una temporada como reportero gráfico de un periódico holandés, donde su labor de positivista de copias hizo que conociera los trabajos de fotógrafos importantes, hecho que supuso para él su única verdadera formación. Es aquí en Paris donde empezó a fraguarse el estilo de este artista, caracterizado por una visión poética y honesta de la vida. Su obra se considera un valioso documento histórico de todo un modo de vida y una actitud de la generación a la cual pertenecía. En 1955 comenzó a elaborar sus series de fotografías. En un principio recurría a imágenes en blanco y negro aunque más adelante en series más avanzadas ya experimentaría con las imágenes a color.

Su primera serie la realizó entre 1955 y 1961, denominada Jazz, y en la que no utilizaría flash con el objetivo de captar sin artificios la atmósfera y la emoción del momento, conservando así las condiciones luminosas naturales. Esta serie se puede considerar como una serie experimental, ya que no responde a las influencias directas de Weegee, aunque si que buscaba una imagen sin ningún tipo de artificio. Tras esta serie inicial comenzó a hacer lo que se convertirían en sus series fotográficas más reconocidas y más publicadas. Dentro de estas series se pueden distinguir dos grandes grupos. El primero correspondería a las imágenes captadas en París y Ámsterdam durante su primera época y el segundo grupo correspondería a las imágenes captadas en sus numerosos viajes con su mujer como comisionado de diferentes revistas y televisiones que le llevará a visitar América, Asia o África.

. Kohei Yoshiyuki. (Japón, 1946)

Kohei atrajo la atención pública en 1979 tras su exposición “Koen” (“El Parque”) en la galería Komai de Tokio. En esta exposición se mostraba una serie de fotografías en blanco y negro de personas manteniendo actividades sexuales en los parques de Tokyo de Shinjuku y Yoyogi. Además, otras personas aparecen como espectadores, lo que hace que la serie se cuestione sobre los límites entre espectadores, participantes y voyeurs.  Las fotografías fueron tomadas con una cámara de 35 milímetros y con flash de infrarrojo.

MIQUEL BARCELÓ.  “BARCELÓ ABANS DE BARCELÓ 1973 – 1982″

FUNDACIÓN PILAR I JOAN MIRÓ A MALLORCA
Del 24 de Junio al 27 de Septiembre 2009

- Periodo inicial de la obra de Barceló (1973 – 1982)

Los inicios de Barceló es el periodo menos documentado de su obra. Desde sus primeros tanteos del pintor, hasta su formación y consolidación del lenguaje artístico, Barceló ha ido evolucionando pero también ha mantenido algunas características significativas y perdurables.

Miquel Barceló nació en 1957 en Felanitx, una localidad de no demasiados habitantes al Sureste de Mallorca. Los alrededores de Felanitx son secos; el paisaje, pródigo en olivos, es uno de los más severos de la isla; en los meses cálidos cae sobre la localidad un sol casi intolerable. Su abuelo había practicado el contrabando en las escarpadas costas cercanas, y se vio metido en diversas aventuras rocambolescas que Barceló relata con delectación. El otro abuelo, mientras tanto, compraba cuadros a los postimpresionistas de los 20 y de los 30 que vivían en las Islas y se hacía una selectiva pero sólida pinacoteca entre la que puede encontrarse algún que otro Anglada Camarasa. Sus primeros contactos con la pintura se realizan por tanto desde muy pequeño.

Comienza sus estudios en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973, y continuó en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona en 1974. Barceló empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981), pero sobre todo a raíz de la documenta VII de Kassel (1982), cuando Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años 80.

Sus enormes lienzos figurativos de finales de los años 70 con temas de animales de marcado expresionismo reciben la influencia de Joan Miró, el action painting, Jackson Pollock, Antoni Tàpies, el arte conceptual y el art brut.

. Vanitas:

Uno de las grandes obsesiones de Miquel Barceló es el paso del tiempo, que puede adoptar una amplia iconografía y variantes lingüisticas. En este periodo inicial se concreta en el proceso de transformación de la materia orgánica, y port tanto, en el interés por la vida más allá de la muerte. Es, en definitiva, una actualización de la temática clásica tan querida por la sensibilidad barroca. El ejemplo más notable de su preocupación por el paso del tiempo se puede ver en su obra “Cadaverina 15″ (1976), montaje de 225 cajas (15 series de 15) de madera con tapa de crisal con materiales orgánicos en descomposición, tales como: plátanos, espaguettis, arroz hervido, huevos fritos, carnes, pan, flores, pescados… La obra se basaba en 15 grupos de 15 cosas que se descomponían durante los 15 días que duraba la exposición.

. Elementos del paisaje:

Barceló, en este periodo, tiene un concepto amplio de la naturaleza y del paisaje, un concepto que abraza elementos como esqueletos, hojas, mariposas, pigmentos, sedimentos, manchas matéricas, playas, espacios acotados…

. Poesía experimental:

La relación de Barceló con la práctica de la poesía experimental se da aproximadamente durante el periodo de 1975 a 1978. Se pueden diferenciar dos vertientes: la primera tiene que ver con el juego que ofrece la combinación de texto e imagen o de letra y forma, mientras que la segunda se relaciona con la poética y el objeto, la acumulación y ecapsulado.

. Libros:

Los temas del libro, la biblioteca o el artista leyendo son muy significativos durante la década de los años 80 y, como dijo el propio artista, su constante presencia es una forma de insistir en la experiencia del conocimiento como un acto de trabajo del pintor. Los inicios de esta investigación formal se tradujeron en dibujos y libros pintados.

. Retratos y Autoretratos:

Desde sus inicios, Barceló ha mostrado un especial interés por la autorreferencia, que va del narcisismo a la brutalidad, desarrollándose de manera paralela al tema del retrato, especialmente a personas muy próximas al artista. Es recurrente el tema del artista como pinta-perros, pero también el humo, la mesa o el pincel funcionan a modo de indicios de su presencia.

. Bestiario

La fascinación del artista por el mundo animal es uno de sus rasgos más destacados que nace en esta etapa de formación e impregna toda su trayectoria. Animales, bestias del fondo marino o de la superficie terrestre se encuentran transforamados. Escarabajos,  pulpos, peces, perros… forman un particular repertorio que puede ser detallista, zoomórfico y a veces teratológico.

Joseph Beuys: Duerer, I will guide Baader and Meinhof personally through the documenta V, 1972

Recipe published now by Peter Haury, Oberwelt Stuttgart
“There exists already a Fragment of a Multiple done by me, it is felt shoes to wear above street shoes in Museums or castles, not to damage the floor, inside is fat and dry rose sticks. The signs, you see on the image, are destroyed, because I needed the Material later for another purpose.
I would like to do more of them, maybe in different shapes.”

Joseph Beuys: Dürer, ich führe persönlich Baader
+ Meinhof durch die Dokumenta V.
Dürer, személyesen vezetem körbe Baadert
és Meinhofot az ötödik Dokumentán, 1972
edition of Peter Haury, Copy Shop Show, Stuttgart, 2009

It was not planed when Hamlet Hamster got
driven by his cousine to get undressed in public.

Some Public Voices:
“Shaken, not Bird!”
(Nature)

“Sensationally moving!!!”
(Rolling Stone)

“Relatively theoretical!”
(Einstein’s Review)

“Was soll der Schwachsinn?”
(Oskar Lafontaine)

“It’s not how naked you are,
it’s how naked you want to be!”
(Paul Arden)

“God bless you!”
(Pope Benedikt XVI)

“Why not on Shaftesbury Avenue?”
(Tom Jones)

“Germany’s Meat Market To Expand!”
(Financial Times)

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In the Neue Nationalgalerie Imi Knoebel (student of Joseph Beuys) enters in a dialog with the spectacular Upper Hall of Mies van der Rohe’s New National Gallery. On display are his famous “Raum 19″ (Room 19, 1968/2006), “Batterie” (Battery, 2005), and “Zu Hilfe, zu Hilfe, sonst bin ich verloren” (documenta 8, Kassel, 2987). With Potsdamer Strasse 50 (2009), Imi Knoebel uses the windows of the Mies van der Rohe’s pavilion as canvas and thus creates a translucent enclosure for the works. With Imi Knoebel the Neue Nationalgalerie starts a series of exhibitions that invites artists to create work that refers specifically to the Upper Pavilion.

Part of the commentry is in German.

Don’t miss out on this EXCELLENT documentary!!!….

It’s about Bill Withers, the legendary soul singer who sang “Ain’t no Sunshine”, “Lean on Me”, and “Lovely Day”. It’s a true labor of love and reminds us of the power of good music. Make sure you check it out and enjoy the trip down memory lane!!

[Tradução para o inglês da declaração da Arquidiocese de Olinda em Recife cá publicada; meus agradecimentos a LifeSiteNews.com, que a divulgou, e ao Rorate Caeli que a traduziu.]

Regarding the article entitled “Dalla parte della bambina brasiliana” [by Archbishop "Rino" Fisichella] and published in L’OSSERVATORE ROMANO on March 15, we the undersigned declare:

1. The fact [the rape of the little girl] did not happen in Recife, as the article states, but in the city of Alagoinha (Diocese of Pesqueira).

2. All of us – beginning with the parish priest of Alagoinha (undersigned) – treated the pregnant girl and her family with all charity and tenderness. The Parish priest, making use of his pastoral solicitude, when aware of the news in his residence, immediately went to the house of the family, in which he met the girl and lent her his support and presence, before the grave and difficult situation in which the girl found herself. And this attitude continued every day, from Alagoinha to Recife, where the sad event of the abortion of the two innocent [babies] took place. Therefore, it is quite evident and unequivocal that nobody thought in “excommunication” in the first place. We used all means at our disposal to avoid the abortion and thus save all THREE lives. The Parish priest personally joined the local Children’s Council in all efforts which sought the welfare of the child and of her two children. In the hospital, in daily visits, he displayed attitudes of care and attention which made clear both to the child and to her mother that they were not alone, but that the Church, represented by the local Parish priest, assured them of the necessary assistance and of the certainty that all would be done for the welfare of the girl and to save her two children.

3. After the girl was transferred to a hospital of the city of Recife, we tried to use all legal means to avoid the abortion. The Church never displayed any omission in the hospital. The girl’s parish priest made daily visits to the hospital, traveling from the city which is 230 km [140 mi] away from Recife, making every effort so that both the child and the mother felt the presence of Jesus the Good Shepherd, who seeks the sheep who need most attention. Therefore, the case was treated with all due care by the Church, and not ’sbrigativamente’ [summarily], as the article says.

4. We do not agree [with Archbishop Fisichella] that the “decision is hard… for the moral law itself”. Our Holy Church continues to proclaim that the moral law is exceedingly clear: it is never licit to eliminate the life of an innocent person to save another life. The objective facts are these: there are doctors who explicitly declare that they perform and will continue to perform abortions, while others declare with the same firmness that they will never perform abortions. Here is the declaration written and signed by a Brazilian Catholic physician: “…As an obstetrician for 50 years, graduated in the National Medical School of the University of Brazil, and former chief of Obstetrics in the Hospital of Andarai [Rio de Janeiro], in which I served for 35 years until I retired in order to dedicate myself to the Diaconate, and having delivered 4,524 babies, many from juvenile [mothers], I never had to resort to an abortion to ’save lives’, as well as all my colleagues, sincere and honest in their profession and faithful to their Hippocratic oath. …”

5. The affirmation [in the article] that the fact was made public in the newspapers only because the Archbishop of Olinda and Recife rushed to declare the excommunication is false. It suffices to notice that the case was made public in Alagoinha on Wednesday, February 25; the Archbishop made his pronouncement to the press on March 3; and the abortion was performed on March 4. It would be too much to imagine that the Brazilian press, before a fact of such gravity, would have silenced during the period of six days. Therefore, the news of the pregnant girl (“Carmen”) was made public in the newspapers before the consummation of the abortion. Only after that, when asked by journalists, on March 3 (Tuesday), the Archbishop mentioned canon 1398. We are convinced that the disclosure of this therapeutic penalty (the excommunication) will do much good to many Catholics, making them avoid this grievous sin. The silence of the Church would be very prejudicial, especially considering that fifty million abortions are being performed every year around the world, and in Brazil alone one million innocent lives are ended. The silence may be interpreted as collusion or complicity. If any doctor has a “perplexed conscience” [as the article says] before performing an abortion (which seems extremely improbable to us), he should – if he is a Catholic and wishes to follow the law of God – seek a spiritual director.

6. The article is, in other words, a direct attack of the defense of the lives of the three children vehemently made by Archbishop José Cardoso Sobrinho and leaves evident how much the author does not have the necessary data or information to speak on the matter, due to his utter ignorance of the facts. The text may be interpreted as an apologia of abortion, violating the Magisterium of the Church. The abortionist doctors were not in the moral crossroads mentioned by the text; on the contrary, they performed the abortion with full knowledge and coherence with what they believe and teach. The hospital in which the abortion on the little girl was performed is one of those in which this procedure is always performed in our state, under the cover of “legality”. The doctors who acted as executioners of the twins declared, and still declare in the national media, that they did what they are used to doing “with great pride”. One of them declared even that: “Then, I have been excommunicated many times”.

7. The author believed he could speak about [a situation] he did not know, and, what is worse, he did not even have the trouble of first speaking to his brother in the episcopate, and, for his imprudent attitude, he is causing great scandal among the Catholic faithful in Brazil who are believing that Archbishop José Cardoso Sobrinho was rash in his pronouncements. Instead of seeking his brother in the episcopate, he chose to believe in our openly Anti-clerical press.

Recife-PE, March 16, 2009

Fr. Cícero Ferreira de Paula
Chancellor – Archdiocese of Olinda and Recife

Mons. Edvaldo Bezerra da Silva
Vicar General – Archdiocese of Olinda e Recife

Fr Moisés Ferreira de Lima
Rector of the Archdiocesan Seminary

Dr. Márcio Miranda
Attorney for the Archdiocese of Olinda e Recife

Fr. Edson Rodrigues
Parish priest of Alagoinha-PE – Diocese of Pesqueira

Die 19 martii

Sancti Ioseph, sponsi B. Mariæ Virginis

[Visitem o SanctaMissa.org]

Uma solenidade no meio do tempo Quaresmal; paramentos brancos, contrastando com o roxo dos demais dias. O Gloria in Excelsis Deo entoado mais uma vez, quando já há algumas semanas não o ouvíamos; uma festa de Primeira Classe, no coração da Quaresma! Peçamos hoje a especial proteção de São José, protetor da Santa Igreja. Vejamos:

- Professor Felipe Aquino, sobre a festa de São José;

Se S. José foi escolhido para Esposo de Maria, a mais santa de todas as mulheres, é porque ele era o mais santo de todos os homens.  Se houvesse alguém mais santo que José, certamente seria este escolhido por Jesus para Esposo de Sua Mãe Maria. Nós não pudemos escolher nosso pai e nossa mãe, mas Jesus pôde, então, escolheu os melhores que existiam.

- Le voci che da tutti, carta apostólica de João XXIII, segundo da qual São José é… Padroeiro do Vaticano II!

Ó s. José! Aqui, aqui mesmo é vosso lugar de “Protetor da Igreja universal”. Quisemos apresentar-vos, através das palavras e dos documentos de nossos predecessores imediatos dos últimos séculos – de Pio IX a Pio XII – uma coroa de honra, como eco dos testemunhos de afetuosa veneração que se eleva igualmente de todas as nações católicas e de todas as regiões missionárias. Sede sempre nosso protetor. Que vosso espírito interior de paz, de silêncio, de bom trabalho e de oração, a serviço da santa Igreja, nos vivifique sempre e nos alegre em união com vossa santa esposa, nossa dulcíssima Mãe Imaculada, num fortíssimo e suave amor a Jesus, Rei glorioso e imortal dos séculos e dos povos. Assim seja.

- Antônio Carlos Santini, em poema sobre o santo:

Os dois abraços
(Antônio Carlos Santini)

Inda se vê no céu a estrela matutina
A despedir seus raios sobre Nazaré
E já trabalha e sua o bom José:
Um tanto ferreiro, um tanto carapina

Inda é bem cedo: o galo da manhã clarina,
Convida o burgo pobre a se postar de pé.
Fina fumaça esfuma o céu, da chaminé
Da casa de Maria, aos fundos da oficina.

Entra o menino e abraça o pai devagarinho…
E a túnica do pai recende a cedro e pinho,
O cheiro da floresta quando a chuva cai…

Se um dia, no calvário, ele abraçou a cruz,
Por certo há de se lembrar, o salvador Jesus,
Que tinha esse perfume a túnica do pai…

- E, por fim, rezemos a Ladainha de São José:

Litaniae Sancti Ioseph

[PrecesLatinae.org]

Kyrie, eleison.
R. Christe, eleison.
Kyrie, eleison.

Christe, exaudi nos.
R. Christe, audi nos.

Pater de caelis, Deus,
R. miserere nobis.
Fili, Redemptor mundi, Deus,
R. miserere nobis.
Spiritus Sancte Deus,
R. miserere nobis.
Sancta Trinitas, unus Deus,
R. miserere nobis.

Sancta Maria,
R. ora pro nobis.

Sancte Ioseph,
R. ora pro nobis.

Proles David inclyta,
R. ora pro nobis.

Lumen Patriarcharum,
R. ora pro nobis.

Dei Genetricis Sponse,
R. ora pro nobis.

Custos pudice Virginis,
R. ora pro nobis.

Filii Dei nutricie,
R. ora pro nobis.

Christi defensor sedule,
R. ora pro nobis.

Almae Familiae praeses,
R. ora pro nobis.

Ioseph iustissime,
R. ora pro nobis.

Ioseph castissime,
R. ora pro nobis.

Ioseph prudentissime,
R. ora pro nobis.

Ioseph fortissime,
R. ora pro nobis.

Ioseph oboedientissime,
R. ora pro nobis.

Ioseph fidelissime,
R. ora pro nobis.

Speculum patientiae,
R. ora pro nobis.

Amator paupertatis,
R. ora pro nobis.

Exemplar opificum,
R. ora pro nobis.

Domesticae vitae decus,
R. ora pro nobis.

Custos virginum,
R. ora pro nobis.

Familiarum columen,
R. ora pro nobis.

Solatium miserorum,
R. ora pro nobis.

Spes aegrotantium,
R. ora pro nobis.

Patrone morientium,
R. ora pro nobis.

Terror daemonum,
R. ora pro nobis.

Protector sanctae Ecclesiae,
R. ora pro nobis.

Agnus Dei, qui tollis peccata mundi,
R. parce nobis, Domine.
Agnus Dei, qui tollis peccata mundi,
R. exaudi nobis, Domine.
Agnus Dei, qui tollis peccata mundi,
R. miserere nobis.

V. Constituit eum dominum domus suae.
R. Et principem omnis possessionis suae.

Oremus: Deus, qui in ineffabili providentia beatum Ioseph sanctissimae Genetricis tuae Sponsum eligere dignatus es, praesta, quaesumus, ut quem protectorem veneramur in terris, intercessorem habere mereamur in caelis: Qui vivis et regnas in saecula saeculorum. Amen.

- Vale a pena ler: “Ajuda urgentíssima”. Trata-se da menina de treze anos sobre a qual comentei aqui ontem; ela não quer abortar, mas o promotor do caso quer que ela faça uma avaliação para saber se gravidez oferece risco a ela; caso positivo, ele “disse que poderá encaminhar à Justiça um pedido para que o aborto seja realizado em detrimento do desejo da conselheira e da garota”. Diz o email reproduzido no blog da Julie:

É muito possível que o Iperba afirme que a menina corre risco de vida e que por isso deve praticar o aborto, apesar de que esta afirmação seja falsa. Segundo várias denúncias, os funcionários dos serviços de abortos legais fazem isto habitualmente. Em um relato que enviei a esta lista na semana passada, mostrei como estes serviços mentiram aos pais da menina grávida de Recife, ambos contrários ao aborto, para poderem obter o consentimento deles para autorizar o aborto. Quando o pai da menor procurou esclarescimento fora do hospital e, sabendo da verdade, preparava-se para voltar ao estabelecimento para obter a alta da filha e a suspensão do procedimento do aborto, duas organizações feministas de Recife, com a anuência da coordenação clínica do serviço de aborto legal, raptaram a menina e a conduziram a um local ignorado até que o aborto tivesse sido consumado. Este foi pelo menos foi o quinto caso de rapto de menores realizado por grupos feministas na América Latina com a finalidade de produzir visibilidade para a promoção da total legalização do aborto.

- O email diz ainda que “HÁ 30 MIL GESTAÇÕES DE MENORES DE 14 ANOS NO BRASIL TODOS OS ANOS E ATÉ HOJE NÃO HÁ NENHUMA NOTÍCIA DE UMA MENOR QUE TENHA MORRIDO POR CAUSA DA GRAVIDEZ QUANDO FOI OFERECIDO UM ACOMPANHAMENTO PRE NATAL E UM PARTO CESARIANO” – caixa alta no original. No Diário de Pernambuco de hoje, saiu uma reportagem sobre o assunto que, a despeito do viés abortista, faz eco a esta informação: em dois anos foram “99 casos de meninas com menos de 14 anos que deram à luz em maternidades públicas do Recife”, segundo o estudo reproduzido na matéria. Nenhum óbito.

- Também vale a pena ler: “Declaração sobre o aborto provocado”, da Congregação para a Doutrina da Fé, de 1974.

A função da lei não é a de regist[r]ar o que se faz; mas sim, a de ajudar a fazer melhor. É função do Estado, em qualquer hipótese; salvaguardar os direitos de cada um e proteger os mais fracos. Ser-lhe-á necessário, para tanto, corrigir muitos erros. A lei não está obrigada a sancionar tudo, mas ela não pode ir contra uma outra lei mais profunda e mais augusta do que toda a lei humana, a lei natural inscrita no homem pelo Criador, como uma norma que a razão discerne e se esforça por formular, que é necessário fazer mesmo esforço para compreender cada vez melhor, mas que é sempre mal contradizer. A lei humana pode renunciar a punir, mas não pode declarar honesto aquilo que porventura fosse contrário ao direito natural, porque uma tal oposição basta para fazer com que uma lei deixe de ser lei.

- Vale a pena lamentar duas notícias publicadas em ZENIT nos últimos dias: a tradução do artigo de Dom Rino Fisichella e este comentário entusiasta da sra. Inma Álvares sobre o referido artigo. E vale a pena entrar em contato com ZENIT para pedir a publicação da declaração da arquidiocese de Olinda e Recife, por uma questão de justiça. A fim de que a Verdade triunfe.