Todo sobre el Don Juan en Alcalá.

Todo sobre el Don Juan en Alcalá.

DON JUAN EN LAS CALLES DE SEVILLA
Dirección: MAITE LOZANO – Compañía Viento Sur Teatro

En la Plaza de los Refinadores

1 de Noviembre a las 12:00 h

Entrada gratuita

Música en directo y las mejores escenas del DON JUAN de ZORRILLA en un marco incomparable, debajo de la misma estatua del personaje mundial de DON JUAN, con AIDA SANTOS, PAZ DE ALARCÓN, TONY DE LA CASA, JUAN GILABERT Y FALI CRUZ

Patrocina: ICAS, Presupuestos Participativos y Casco Antiguo.

(www.vientosurteatro.com)

Fotos de la obra de teatro Don Juan Tenorio en las calles de Sevilla.

CC martin_javier #2009

Algunos actores que han pasado por el Tenorio complutense ya nos han dejado. En un vídeo se recogieron algunos de los más significativos.

Y Antxón Jiménez, que tantos años ha representado a don Gonzalo de Ulloa (el padre de Doña Inés) y que este año, por una enfermedad, no ha podido estar sobre las tablas, también grabó un vídeo para felicitar a los alcalaínos por el aniversario.

Todo sobre el Don Juan en Alcalá.

Si hay algún protagonista en las representaciones del Tenorio alcalaíno, ese es el público complutense. Cada vez más visitantes se han ido uniendo a nosotros para ver una representación que ha ido ganando importancia y entidad con los años.

Todo sobre el Don Juan en Alcalá

Por el Don Juan en Alcalá han pasado actores conocidos y reconocidos. En este 25 aniversario, algunos de ellos colaboraron de forma especial para homenajear una representación única en España. En los vídeos se puede escuchar y ver (o intuir) a Juanjo Artero, Juan Codina, Jesús Cisneros, Mariano Alameda, Joaquín Hinojosa, Fernando Gil, Fernando Guillén Cuervo, Tony Isbert, Ginés García Millán, Pedro Mari Sánchez, Marcial Álvarez, Yolanda Ulloa, Yolanda Arestegui, Cristina pons, Michelle Jenner, Silvia Marsó y Eva Isanta.

Los Don Juan, recitando entre todos el monólogo de la escena del sofá.

Y las Doña Inés, volviendo a la vida por un instante para hablar a Don Juan.

Todo sobre el Don Juan en Alcalá.

Texto: Mario Virgilio Montañez. Diario Sur. 01.11.2009.

Cada 1 de noviembre, además de los ritos funerarios de dejar flores en los cementerios, sin poder obviar con un poso de culpabilidad el verso becqueriano de «¡Qué solos se quedan los muertos!», o el consumo compensatorio de buñuelos, huesos de santos y panellets, una tradición languideciente lleva a que en esa fecha, víspera del día de difuntos que realmente es el día 2, se represente en los teatros el drama “Don Juan Tenorio” de José Zorrilla. Antes de que la celebración detestable del Halloween norteamericano termine de barrer este hábito español, justo es recordar al personaje de Zorrilla junto con sus ilustrísimos, casi abrumadores, precedentes y sus sorprendentes herederos. Un viaje por un mito de la cultura española, y universal, mientras «los muertos se filtran por las paredes».

El enorme éxito popular de la obra de Zorrilla, escrita en veinte días según relataría su autor en 1880, treinta y seis años después del estreno, cimentado sobre la cita anual de sus representaciones, el efectismo de los versos que parecen escritos expresamente para ser recordados y la eficacia dramática del conjunto, hacen de esta obra quizás la segunda más conocida por todos los españoles. Hagan la prueba. ¿Quién no recuerda el inicio del Quijote cervantino? ¿Quién no es capaz de proseguir el verso «¿No es verdad, ángel de amor…?» de la escena del amoroso diálogo entre Don Juan y Doña Inés. Obviamente, la apabullante unanimidad en recordar los dos pasajes no supone el conocimiento, por vía de lectura, de ambas obras. Pero delata la fama imperecedera de ambas.

Llamado por su autor «drama fantástico-religioso», una combinación que efectivamente es, el Tenorio es un juego a tres bandas en el que, según Juan Pablo Fusi y según el punto de vista del público de la época de Zorrilla, los contendientes son la masculinidad en su versión más agresiva, la pureza y espiritualidad del amor femenino y el arrepentimiento y capacidad de redención del héroe. El personaje de Zorrilla, de verbo rápido, agudo, ingenioso y afilado como una espada toledana, queda autodefinido en una tirada de versos que dejan muy clara la catadura casi maléfica del mismo: «Por dondequiera que fui / la razón atropellé, la virtud escarnecí, / a la justicia burlé, / y a las mujeres vendí. / Yo a las cabañas bajé, / yo a los palacios subí, / yo los claustros escalé, / y en todas partes dejé / Memoria amarga de mí. / No reconocí sagrado, / ni hubo ocasión ni lugar / por mi audacia respetado; / ni en distinguir me he parado / al clérigo del seglar. / A quien quise provoqué, / con quien quiso me batí, / y nunca consideré / que pudo matarme a mí / aquél a quien yo maté». Los azares de su arrogancia y perdición es mejor conocerlos a través del libro. No se arrepentirán del consejo. El tardío Romanticismo español tal vez tenga en Zorrilla su mejor representante. En todo caso, nuestro siglo XX así lo reconoció cuando en 1889, en Granada y en el que sería el último acto público del autor, fue coronado solemnemente como poeta nacional ante 140.000 personas.

Da que pensar que nuestra literatura haya dado dos modelos literarios que han dejado huella en las lenguas europeas. Uno es Don Juan; el otro, la alcahueta Celestina. El origen del mito, aunque se ha especulado con su cuna en Italia, Alemania o el mundo pagano, es española. Kierkegaard, ante la duda, generalizó: «Nadie sabe exactamente en qué momento apareció la idea de Don Juan. Lo cierto es que pertenece al cristianismo». A falta de mayores datos, se da como acuñador de la figura literaria a Tirso de Molina con su comedia “El burlador de Sevilla y convidado de piedra”, escrita hacia 1615-1620, que a su vez pudo haber tomado como referentes reales al pecador arrepentido Miguel de Mañara, o puede que a un Cristóbal Tenorio, seductor de una hija de Lope de Vega, o el burgalés Bernardino de Obregón, el sevillano Juan Tenorio o ese otro pecador compungido que fue Jacobo de Gracia y que ha pasado al callejero con el nombre de Caballero de Gracia.

Pero tampoco Tirso fue original. En el caso de que Tirso fuera el autor, pues se baraja la posibilidad de que fuera el oscuro actor y dramaturgo Andrés de Claramonte, a quien se le atribuyen diversas obras de autores tan principales como Lope. Como si fuera una versión española de Shakespeare, este actor y poeta fue el autor de una obra representada en 1616, “Deste agua no beberé”, en la que se anuncia ya el personaje que conoceremos poco después como Don Juan Tenorio. Aparte de su posible inspiración en tal o cual persona, hay fuentes literarias para su comedia germinal del personaje de Don Juan: la comedia mitológica “El infamador” (1581) de Juan de la Cueva, la comedia “El rufián dichoso” de Miguel de Cervantes y “Dineros son calidad” de Lope de Vega. También en la época corría un romance popular por el que transita la irreverente sombra de Don Juan: «Para misa iba un galán, / caminito de la iglesia; / no iba para oír misa, / ni para estar atento a ella, / que iba para ver las damas, / las que están guapas y frescas…».

Pero Tirso o Claramonte tampoco será el antecedente único de Zorrilla. El poeta-funcionario Antonio de Zamora escribió en 1714, ya al final de su vida, el drama ‘No hay plazo que no se cumpla, ni deuda que no se pague y convidado de piedra’, que retoma el personaje de Tirso y lo hace menos declamatorio y más real. Es un personaje que tiene a sus espaldas «dos o tres muertes / sin motivo, y otras tantas / clausuras rotas por sólo / un quítame allá esas pajas». Con un sentido del honor calderoniano, este Don Juan se distingue, según Valbuena Prat, por «el valor personal llevado al orden vulgar del matonismo, de la chulería». En todo caso, este Don Juan, que tiene estrecha relación con la ópera posterior de Mozart, tuvo gran éxito y antecedió al drama de Zorrilla en la tradición de su representación anual al inicio de noviembre.

La catarata de Tenorios que parten de Tirso o de Zamora es incesante: en Italia ya en 1650 hay una versión de Tirso, “Il convidato di pietra” de Giacinto Andrea Cicognini, con un Don Juan especialmente violento y en 1730 otra de Carlo Goldoni; en Francia, Moliére aporta su contribución en 1665 con una tragicomedia situada en Sicilia y que hizo que el Don Juan francés fuera acusado de apología del libertinaje.

La versión inglesa de nuestro seductor llegará en 1819, cuando Lord Byron da un aldabonazo con su “Don Juan”, un largo poema del que compuso 17 cantos y que dejó inconcluso un año antes de su muerte. En él, con una carga irónica considerable, presenta al libertino como un hombre que sólo es víctima de la seducción que sobre él ejercen las mujeres. A ratos farragoso, hay quien incluye este poema entre lo mejor del inglés.

En la Alemania romántica, Christian Dietrich Grabbe enfrenta en un drama a Don Juan con el gran mito germano, Fausto, y en Rusia Pushkin lo devuelve a las tablas en la tragedia “El convidado de piedra”, y también Tolstoi lo hará protagonizar el drama en verso “Don Juan”.

La sucesión de versiones del personaje es agotadora y fructífera, debiéndose poner en un lugar excepcional el ensayo que Gregorio Marañón, “Don Juan y el donjuanismo” (1940): E. T. A. Hoffmann, Charles Baudelaire, Prosper Mérimée, Alfred de Musset, George Sand, Alexandre Dumas, Guillaume Apollinaire (una versión porno del mito, delirante y grotesca), Edmond Rostand, Henry de Montherlant, Thomas Shadwell (nada menos que en 1636), George Bernard Shaw, Derek Walcott, Max Frisch, Peter Handke, y en la península ibérica una abrumadora nómina desde el Romanticismo, con José de Espronceda, López de Ayala, Azorín, Unamuno, los hermanos Machado y los Álvarez Quintero, Valle-Inclán (¿acaso no es el marqués de Bradomín un Don Juan sentimental y feo y católico?), Gregorio Martínez Sierra, Jacinto Grau, Ramón J. Sender, Gonzalo Torrente Ballester, Vicente Molina Foix, José Luis Alonso de Santos, José Saramago.

Aunque el gran logro escénico de Don Juan Tenorio está datado hace ahora 60 años, cuando Dalí estrenó, en el madrileño teatro María Guerrero, su puesta en escena surreal del drama de Zorrilla, es el del cine el ámbito en que mayores transformaciones ha vivido nuestro personaje. Este languideciente octubre, Carlos Saura ha presentado en el Festival de Cine de Roma su último trabajo, “Io, Don Giovanni”, en el que indaga sobre la creación de la ópera “Don Giovanni” de Mozart a través de la figura del libretista Lorenzo da Ponte y con la inclusión del trasunto de Don Juan que fuera Giacomo Casanova. El mito, pues, sigue vivo. Como también lo ha estado a través de productos como “Broken Flowers” (2005) de Jim Jarmush, en la que Bill Murray es un Don Juan tardío y gastado que se llama Don; la defraudante “Don Juan de Marco” (1995) con Marlon Brando y Johnny Depp; la visión esteticista de Gonzalo Suárez en “Don Juan en los infiernos” (1991); la cuestionable y cómicamente irritante película de Antonio Mercero “Don Juan, mi querido fantasma” (1990); la reversión del personaje que fue “Si don Juan fuera mujer” (1973) de Roger Vadim con Brigitte Bardot en la piel suave del personaje; la peculiar visión de Ingmar Bergman que llevó el mito al cine con “El ojo del diablo” (1960) y al teatro con su propio drama “Don Juan” (1955), la encarnación desaforadamente encantadora del personaje por Errol Flynn en “El burlador de Castilla” (1948) y por Douglas Fairbanks en la que fue su última película, “La vida privada de Don Juan” (1934). Como curiosidades, queda la película “Don Juan”, en la que encarna al seductor sevillano John Barrymore y que en 1926 incluía elementos sonoros anticipándose al hito de la historia del cine que sería después “El cantor de jazz” con Al Jolson, y las adaptaciones del más rancio y olvidado cine mudo.

La ópera “Don Giovanni” (1787), de Mozart, cuya génesis es fabulada por Saura, constituye la mejor derivación estética del mito español. Por encima incluso de la aportación de Lord Byron. Porque la ópera mozartiana figura siempre en la lista de las óperas más amadas por cualquier melómano, por cualquier aficionado al género.

Plena de momentos luminosos (el lirismo amable y tierno del “Là ci darem la mano”, la travesura escandalosa del “Madamina, il catalogo è questo” o la ferocidad luctuosa del número final, “Don Giovanni, a cenar teco m’invitasti”) y de un leit motiv ominoso que surge en la perfecta obertura y estalla en los minutos finales, es una cumbre absoluta de la cultura universal.

La adaptación cinematográfica de Joseph Losey, de 1979, a fuerza de respetar estrictamente música y libreto, llevando al lenguaje cinematográfico lo creado por Da Ponte y Mozart, consigue trasladar la genialidad de la obra y el malditismo del personaje.

En el ya lejanísimo año de 1925, el crítico José Luis Menéndez se hacía eco de unas palabras ajenas, de Fernanflor, el periodista Isidoro Fernández Flores, para avisar de la trascendencia nacional del personaje: «El día en que anunciándose el Don Juan Tenorio esté vacíos los teatros, España habrá llegado a su completa civilización; pero no será España». Miren la cartelera teatral. ¿Falta algo? Pues eso.

Nunca se había visto dos actores interpretando el papel de Tenorio a la vez en Alcalá. Un pequeño prólogo ponía en situación al público sobre lo que iba a ver en escena. Héctor Colomé, como el Tenorio veterano, y Jacobo Dicenta, como el Tenorio joven, se daban la mano una y otra vez para repartirse las frases y monólogos principales de la obra.

Mi escena preferida de todo el Don Juan: el monólogo de Don Juan con sus hazañas amorosas y pendencieras.

Todo sobre el Don Juan en Alcalá

El 25 aniversario del Tenorio en Alcalá será recordado. Todo salió a pedir de boca. Quitando algún pequeño fallo técnico que no deslució la puesta en escena, la versión que propuso el director Juan Polanco para el aniversario del Don Juan en Alcalá gustó mucho por su innovación original y elegante, su ingenio con dos Don Juanes juntos en escena prácticamente durante toda la representación que se iban dando la palabra uno al otro en una especie de duelo generacional, el homenaje a otros años y, sobre todo, a los alcalaínos.

Dos escenarios (tres contando el que se estableció para la Schola Cantorum) fueron suficientes para representar toda la obra. Los cambios de escena fueron rápidos y eficaces, y marcados por un fondo proyectado que iba cambiando y anunciando en latín lo que ocurriría en escenas que todo el mundo conoce.

En el elenco de actores no se puede poner ningún pero. Como ya se había anunciado, la mayoría había representado ya el Tenorio complutense, y es el año en que más representación alcalaína había sobre el escenario. Destaco, sin duda, un maravilloso Héctor Colomé, con una declamación perfecta y mostrando su veteranía y buen hacer sobre las tablas del escenario como el Don Juan mayor, cansado de ser Don Juan, y que durante la representación se repartía el texto con el Don Juan joven. Sencillamente genial. Sobresalió también una Doña Inés diferente, que demostró que no es necesario tener aspecto aniñado o poner voz de niña tonta para representar a una Doña Inés sensata, tranquila y en su sitio. Y otra veterana, Marisol Ayuso, que repite como una Brígida con el toque cómico que debe aportar a las escenas en las que aparece.

Un pequeño prólogo en el que los dos Don Juanes, uno el auténtico y otro un simple actor que va a representar su papel, debatían sobre la actualidad de un personaje que ya está cansado de representar año tras año el mismo papel. Podía parecer que tener a dos actores representando el mismo papel fuera una complicación. Todo lo contrario. Se fueron pasando el testigo sin embarullar la acción más de lo que Zorrilla marcó. Una propuesta original que marcó la diferencia.

Y los homenajes. La gran pantalla que hacía de telón de fondo de un escenario de tamaño concierto de rock mostró los rostros de anteriores actores que interpretaron a lo largo de estos 25 años el Don Juan recitando todos juntos el monólogo archiconocido de “No es verdad, ángel de amor”. Doña Inés también tuvo su momento para el recuerdo, esta vez en su monólogo como estatua que vuelve a la vida para intentar convencer a Don Juan de que tienen un hueco “en la misma sepultura”.

Otros vídeos homenajearon a algunos grandes actores que pasaron por el Don Juan complutense y que han fallecido, al actor que más veces ha interpretado el papel del comendador Don Gonzalo de Ulloa, Antxón Jiménez, y que este año no pudo hacerlo debido a una enfermedad, y, cómo no, a todos los alcalaínos. Un público exigente, que sabe de qué va esto del Tenorio, que no se convence fácilmente y si tiene que abuchear, lo hace. Un público que este año llenó la Huerta del Obispo los dos días de la representación animado por el buen tiempo y por el aniversario y que se lleva para el recuerdo uno de los mejores Don Juanes que hemos visto en Alcalá. Sin efectismos, sin alardes pirotécnicos, sin versiones que duelen a la vista y al oído. Sencillo, original y diferente.

Si hay una representación teatral por excelencia en Alcalá de Henares, ésa es la del Don Juan Tenorio. Una cita a la que hay que acudir si se ama el teatro y se quiere sentir emoción con esta historia de amor, redención, muerte, venganza, honor… una obra inmortal, un teatro escrito en verso que no envejece con el paso de los años, y que en el XXV Aniversario en Alcalá de Henares (la primera edición data de 1984) ha sido homenajeado.

Este año la representación del Don Juan Tenorio no ha sido la habitual. Para empezar, se ha añadido un prólogo inicial en el que un Don Juan veterano, interpretado por Hécor Colomé, conversa con el Don Juan joven de este año, encarnado por Joaquín Dicenta. Ambos compartirán la escena durante toda la obra, compartiendo todo el protagonismo desde el inicio hasta el final, siempre apoteósico, que pone la piel de gallina y que sólo puede acabar en aplausos.

Aplausos que llegan siempre que las luces se apagan al finalizar cada una de las escenas de los actos. El teatro en directo hay que verlo, no puede ser contado sólo con palabras, porque las palabras del Don Juan Tenorio son insuperables por cualquier descripción de cualquier experto. La pasión con que los actores encarnan su papel no se puede describir sólo con unas cuantas palabras. La interiorización del personaje debe ser tal que el actor sea en verdad Don Juan Tenorio, y no un actor interpretando a Don Juan Tenorio. Sólo encarnándolo hasta las últimas consecuencias puede ser tan altanero, tan atrevido, tan osado, tan canalla, tan mujeriego, tan romántico como mentiroso, tan impune a los hombres y a los dioses, y tan débil al final de la obra, cuando se entrega a su destino que es morir, cuando muere acompañado del espíritu de Doña Inés, la única mujer a la que ha amado de entre todas las que ha poseído.

La actuación de los dos actores que han interpretado a Don Juan ha sido brillante. Héctor Colomé y Joaquín Dicenta se han propuesto interpretar el mejor Don Juan de todos los que se han interpretado, y lo han conseguido. La pasión, el ímpetu de las dos actuaciones (la del viernes y la de este sábado) han emocionado a los asistentes. Ver la representación teatral siempre emociona, pero en esta ocasión tal vez un poco más. Tal vez por el recuerdo a los actores y actrices que han participado en la obra durante las 25 ediciones anteriores; tal vez por la participación y puesta en escena de esos actores y actrices que en algún momento -como Fernando Guillén-Cuervo o como Michelle Jenner, como Jesús Cisneros o como Silvia Marsó- han encarnado a Don Juan y a Doña Inés; tal vez por el uso de la tecnología para conseguir que las actrices que han interpretado a Doña Inés hablaran en nombre del espíritu de la joven cuando conversa con Don Juan en el panteón que Don Diego, padre de Don Juan, mandó construir sobre su palacio y donde quiso que se enterraran todas las personas muertas por culpa de Don Juan.

El clasicismo y la modernidad unidos en este XXV Aniversario. Además de la novedad que ha supuesto el prólogo escrito por Daniel Pérez, en el que el Don Juan veterano y el Don Juan joven han unido sus fuerzas para ofrecer el mejor Don Juan de los ofrecidos hasta ahora, la presencia de ambos actores en escena ha obligado a una actuación brillante para poder hablar los dos en nombre de sí mismos, y en nombre del otro al mismo tiempo. Son dos Don Juanes, pero es un sólo Don Juan al mismo tiempo. Una apuesta arriesgada por parte de la dirección de la obra, pero el resultado ha sido bueno y no han defraudado a todos los presentes.

Don Juan arrodillado frente a Doña Inés. Fuente: www.diariodealcala.es

Por su parte también que hay que destacar, es de obligado cumplimiento, la actuación de Karmele Aranburu y su magistral forma de interpretar a la joven Doña Inés, que quiere luchar contra el amor que siente por Don Juan (junto al que vemos en la imagen superior, con Don Juan arrodillado y Doña Inés mirándole con ternura, casi a punto de llorar), un hombre al que ama pero al que no quiere amar, aunque termina por rendirse a sus sentimientos y es la que consigue la redención final para Don Juan cuando a Don Juan se le acaba el tiempo de vida. Una Doña Inés fuerte y débil al mismo tiempo, ingenua porque ha vivido siempre en un convento, ingenua porque hace caso a lo que malintencionadamente le dice Doña Brígida, interpretada en esta ocasión por Marisol Ayuso, una actriz veterana y que dota al personaje de todos los matices necesarios para que la representación sea un éxito.

Al igual que el resto de actores encarnando al resto de personajes -El Comendador, Don Diego, Don Luis, el Capitán Centellas…- y, como novedad este año, los actores y actrices que han sido la voz de los espíritus que se comunican con Don Juan en el panteón edificado donde antes de su huída de Sevilla estaba el palacio de su padre. Un padre dolorido por la vida pendenciera de su hijo, por sus asesinatos, por su mala vida, en definitiva. Una mala vida de la que le salva el amor por Doña Inés, con cuya alma se une para vivir eternamente más allá de la vida y de la muerte.

Una actuación, contemplada de forma global, que ha conseguido los aplausos durante varios minutos del público, mientras han subido al escenario todos los actores y actrices de la obra, todos los de la presente edición y algunos de las ediciones anteriores. Al final ha habido un recordatorio emocionante a actrices como Carmen Rossi, que encarnó a Brígida.

Un final bonito para un gran homenaje por este XXV Aniversario del Don Juan en Alcalá de Henares.

Fuente de la fotografía:

www.diariodealcala.es

Nuestro cronista escudriña en la historia de las ánimas en tiempos que son propicios en el calendario para desarrollar dicho temario

Estamos finales de Octubre, el tiempo esta cambiando, llegan los primeros fríos al barrio del Albayzín, esta bajada de las temperatura es recibida con agrado por los vecinos, pues este año se ha sufrido un tórrido y seco verano.
Mamá Merche esta sacando del armario familiar, los saquitos y cobertores de borra, ha refrescado mucho y las niñas van a tener frío esta noche. En la casa familiar el olor a bolas de alcanfor lo inunda todo, es un aroma característico que nos indica que el otoño ha llegado.
Mikel I ha bajado esta mañana, muy temprano, al carmen, para recoger los frutos otoñales. El membrillero está cuajado de grandes y amarillos membrillos, con mucho cuidado los coje uno a uno, evitando que se golpeen, pues se abotanan y se echan a perder.
También va a recoger caquis, en la copa del árbol ya se puede observar algunos maduros, con ese color rojo anaranjado tan característico. Valiéndose de un palo largo que termina en una especie de cestilla, que se le llama alcachofa. El papá Mikel intenta con mucha paciencia, que el caquis, que está colgado a la rama del árbol, entre en esta trampa, para que acto seguido, y con mucha destreza, realizando un rápido giro de muñeca, trochar la rama que sujeta el fruto, con mimo pues si la rama se rompe por encima de donde nació el caqui dejará de darlos para el año venidero. De esta manera se le va quitando a este viejo árbol sus frutos.
La abuela Merche sabe que esta tarde cuando se esconda el sol va a hacer frío, por eso se dirige al almacén de la cuadra, desempolva un viejo brasero, esparce sobre él, las cenizas que supo guardar del año pasado, coloca después una capa de trozos pequeños de carbón llamado cisco sobre la que descansan trozos mayores denominados picón. Encima de esta base coloca en forma de torre, unas tablillas que ha sacado de una vieja caja de frutas. Por último aprieta entre las manos una hoja de periódico, y haciéndola una bola, la mete entre el carbón y la madera, para prenderle fuego con decisión.
Sube por las escaleras nuestro Abuelo Mikel, cargado con dos cubos llenos de membrillos y caquis, está feliz al recoger el fruto de sus queridos árboles, las niñas revolotean alrededor de los acetres llenos de fruta. La abuela Merche, cojerá los membrillos y los cocerá junto a boniatos, canela en rama, clavos y azúcar. Haciendo una compota deliciosa que todos están ansiosos de paladear.
Los caquis tendrán tratamiento diferente, se colocarán sobre una mesa, con cuidado se le quitarán las hojas y por el rabo serán anudados a una cuerda, uno tras otro, hasta formar una larga ristra, que luego atada a una puntilla, colgará en la pared de la cocina. Los caquis colgados reposarán y madurarán, y cuando estén en su punto, se irán desgranando de las ristras, para poder disfrutar de este manjar. Algunos llegarán hasta la Navidad.
En la casa morisca, se huele a clavo mezclado con canela y membrillo, a caqui maduro y a bola de naftalina. Mezclas de aromas que nos indica que estamos cerca del mes de los Santos y Difuntos.
En la radio que con devoción escucha nuestro abuelo, se anuncia que el día de todos los Santos se radiará, la obra de teatro “Don Juan Tenorio”, todo un clásico de estas fechas. Se recordará aquella temida frase “los muertos se filtran por las paredes” que tanto asusta a pequeños y grandes.
Jack, el pequeño de la familia coge su trompo y cuerda, y baja todo atolondrado por las escaleras. Ha oído que los demás niños están jugando al trompo en la calle. Por el camino estrangula (son sus primeros pasos en el degüello) el trompo de madera con la guita que servirá de propulsor del baile del trompo.
Es el tiempo de este juego, dentro de muy poco en “el día de los finaos” (día de los difuntos) de acuerdo con el ritual todos los niños gritarán: “Día de los finaos, cuerdas y trompos a los tejaos”.
Pronto regresa Jack a la casa, llorando y muy enfadado, porque otro niño que tiene un trompo con la punta de acero, ha golpeado a su querida tropa y se la han partido en dos. Sus padres lo tratan de consolar, no te preocupes, que el año que viene te compraremos otra mejor. A Jack por supuesto no le convence esta solución.
Hace dos días falleció, Gabino, una buena persona que vivía en la casa del vecino que hay junto a la placeta del Cristo de las Azucenas. Era una persona mayor, sin recursos económicos, fue lo que se llama un pobre de solemnidad, en estos casos de necesidad el vecindario hacia una colecta. Con una sábana que cuatro vecinos llevaban por las casas, cogida por los cuatro picos, la gente echaba perras gordas y perras chicas, hasta que se juntaba el dinero para la caja y el entierro. Todo podía costar veinte o treinta reales. Pero en este caso no se pudo alcanzar la cifra necesaria. Por lo que estos vecinos recurrieron a una familia acomodada: “Mire Doña Carmen, que nos hemos quedado en veinte reales…” Y la señora más pudiente daba los diez reales que faltaban. En último extremo, el Ayuntamiento se haría cargo, de lo que se llamaba “un entierro de caridad” en estos casos, el ataúd era de madera de chopo, cubierta con un tintado color castaño, y al coche fúnebre se le llamaba, por su color, “el pájaro azul”
Vieron subir al cura por la calle Pilar Seco, precedido por una manguilla, vestida de negro. Buscaba la casa del difunto. El sacerdote llevaba una capa pluvial negra, y a su lado marchaban el sacristán y dos acólitos. A esta ceremonia se le llamaba “ir a sacar el muerto de su casa”.
A partir de de aquí y hasta llegar a la parroquia de San José, donde se despedía al muerto, cura, sacristán y monaguillos iban cantando el salmo miserere al tiempo que las campanas de la iglesia doblaban a muerto.
Frente a la casa morisca nos encontramos con unos de los parajes más tétricos del Albayzin, se trata del Callejón de las Monjas, solitario lugar, sombrío y hosco, poblado de misterio y leyenda, los críos tienen miedo de “la mano negra”. El callejón esta situado a la espalda del convento de Santa Isabel y próximo al lienzo norte de la muralla de la Alcazaba Vieja. Un torreón del viejo recinto, es visible desde un recodo, allí donde de uno a otro lado cruza el acueducto llamado el Ladrón del Agua, conductor de la acequia de Aynadamar. El arco es el más llamativo accidente del lugar. Cubierto en su parte superior por hiedra, la masa de hojarasca pende arracimada ocultando la obra entre pardusca y rojiza, manchada siempre de la humedad que rezuma de la vieja conducción de agua.
El rumor suave del agua se percibe allí, y el hálito de las hiedras húmedas, el roce de la hojarasca y el susurro del aire, claramente audible en la silenciosa soledad del sitio. Hacen revivir antiguas y funestas historias. Como la acontecida en la mañana de 1705, donde aparecieron colgados los cadáveres de varios conspiradores, apresados cuando maquinaban secretamente a favor de la casa de Austria, en los días de la guerra de sucesión, a la muerte de Carlos II.
Desde la casa mudéjar, sus moradores observan con temor las altas tapias del cementerio de las monjas, las sombras de los árboles del huerto del Carlos, al atardecer se proyectan sobre sus ocres paredones, engendrando figuras espectrales, que parecen tener vida propia. En este recinto siniestro y lúgubre, tuvo lugar un suceso macabro y espantoso, de recuerdo estremecedor.
Corría el año 1615, el convento de Santa Isabel la Real, era toda una institución en la vida de la Ciudad de Granada, en éste ingresó la hija de una importante familia del Albayzin, para dedicarse a la oración y la vida contemplativa, mediante la clausura y la castidad. Un hombre llamado Gaspar de Dávila, de profesión torcedor de seda, un día, por amor, saltó los altos tapiales y rompiendo la cerca, sacó a la monja del monasterio, para tener relación carnal con ella, al ser detenidos, el hombre fue ahorcado en la Plaza Nueva, por sentencia de los señores alcaldes de la corte de la Real Chancillería; y dicha monja, que por ser de buena familia, no se nombra, fue condenada a recibir los rigurosos castigos que su religión determinaban dar, así como ser emparedarla viva, dejándola morir de asfixia y hambre, por violar y romper el voto de castidad. Crónica recogida en los Anales de Granada por D. Francisco Henríquez de Jorquera, según hecho ocurrido en Septiembre de 1615.
En estos tiempos de muertos y difuntos, a la casa morisca llegan el eco de los gemidos y lamentos de aquella desgraciada monja, que como un ánima sin paz, vaga por estos lugares en busca de un codiciado y merecido descanso eterno.
Como podemos ver, ésta no fue la historia desdichada de Inés, en el Don Juan Tenorio, fruto de la imaginación de José de Zorrilla. Lo aquí narrado, desgraciadamente fue un hecho real, unas veces omitido y otras muchas tapado, en defensa de la vida conventual.
La Iglesia en aquellos tiempos, como en estos, siempre tapa sus trapos sucios. Y es severa con los demás.
El día de todos los Santos, la familia se reúne en torno a la mesa camilla, se recuerda aquellos parientes, que han pasado a mejor vida, se cuentan historias típicas de este tiempo, se desdramatiza la muerte. Mamá Merche le dice a sus hijas: “mañana cuando vayáis a la tienda, en vez de comprar aceite para la mariposas, comprarme tres o cuatro kilos de castañas, para cocerlas con aguardiente, ya veréis lo ricas que están”. A las ánimas, lo que realmente le sirve es una buena oración y no más.
No había transcurrido cinco minutos cuando sonó el llamador de la puerta. Mikel le dijo a su hija mayor que bajara a ver quién era. La niña bajó enseguida, al rato subió, diciendo que no era nadie, Merche le preguntó ¿has mirado bien? Si mamá, contestó la chica, incluso me asomé al caminillo, mirando a derecha y a izquierda, no había un alma.
Al cuarto de hora se volvieron ha oír de nuevo tres golpes en la puerta, estos sonidos retumbaron en toda la casa, todos se quedaron helados y casi aterrados, Mikel le quito hierro al asunto y dijo, bueno ahora voy a bajar yo, a ver qué quiere ese gamberro que se burla de nosotros y llama con tanta insistencia, al rato Mikel regresa, “pues, él muy sinvergüenza habrá salido corriendo y no lo he podido ver”.
A los diez minutos de nuevo tres golpes secos y escalofriantes se escucharon, clavándose como una centella, en la mente de los allí presentes. A Merche el vello de punta se le puso y las palabras no le salían de la boca. Mikel insiste en bajar, pero Merche en un arranque de nerviosismo le espeta, Mikel espera, no bajes, por favor no bajes. Mañana a primera hora compraré aceite para ponerle mariposas a las ánimas. Fue pronunciar esta palabra, y la puerta no volvió a sonar, toda la familia paso mucho miedo. Nadie se quería ir a la cama, Merche no pegó un ojo, deseando que fuera de día, para ir a comprar el preciado aceite.
En la casa de la Abuela Merche desde aquel día, hasta que ella murió, no hubo año que las chispeantes mariposas no estuvieran presentes el día de todos los difuntos como manda la tradición. Aun hoy en día, Candelaria, en la casa morisca es fiel devota de dicha tradición.

Don Juan Tenorio, de José Zorrilla (1884), en versión bilingüe que encontré en/ in bilingual version found at: http://www.poetryintranslation.com.

Tradición es de la escena española, inaugurar la estación teatral con esta obra en verso que reivindica la figura mítica de Don Juan con el empleo de sombras, estatuas, la naturaleza nocturna y la eterna lucha entre el egoísmo, la entrega, la pasión, la obligación y el verdadero amor representado en el personaje de Doña Inés. Así que, en esta nueva estación, extractos de esta maravillosa muestra del Teatro Romántico español.

Spain’s Theatre tradition opens Theater Season with this play, that shows a new point of view of Don Juan, different from the other ones, because in it Don Juan liberates himself of egoism and passion and self-centered attitude through kindness and love between Doña Inés and him. So, in this new season, an excerpts of this wonderful Spanish Romantic Theater play.

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Algunas palabras sobre el “Don Pedro”.

Hace poco más de un mes volví a regocijarme por enésima vez con el maravilloso “Rey Lear” del versátil Bardo de Avon; cuando lo terminé sabía –o presuponía- que tardaría en ver de nuevo algo del inglés en los siguientes meses, pero me he vuelto a equivocar. Hace unas semanas me vi en la obligación de retomar cada una de sus obras -leídas insistentemente mil y una vez- para acompañar la redacción del “Don Pedro”. Sí, es cierto que dije en la última entrevista que me centraría en la literatura española para confeccionar la obra dedicada a Zorrilla, y así va a ser.

Pese a que es el mayor genio de la historia de la literatura, William Shakespeare me enseña los caminos que no he de pisar o que he de pisar con cuidado con el “Don Pedro”. Aunque a algunos encuentren extraña esta actitud conociendo la infinita admiración que siento por Shakespeare su teatro impacta de frente con las pretensiones del “Don Juan Tenorio” del literato vallisoletano. No aspiro a retratar un mundo a través de una historia sino que, ante todo, prefiero extraer la historia de un mundo lo más real posible dentro de las capacidades literarias que se presuponen.

Tampoco quiere decir esto que pueda negar rotundamente la presencia de Shakespeare en la obra, estaría engañando a los que me han preguntado más de mil veces por el “Don Pedro” desde que se publicó, allá por el 2007, la primera escena. La obra de William Shakespeare me influye inevitablemente puesto que es la única en la que he persistido e indagado con la profundidad propia del inconmensurable respeto que le profeso. Dada la situación nadie puede esperar del “Don Pedro” un “Don Juan Tenorio”, pero tampoco un “Rey Lear” o un “Macbeth”. Don Pedro y compañía irán un poco más allá aunque sin olvidar que su razón de ser es la de continuar y completar la historia del truhán español.

Tres actos son los que dividen a la obra en mi mente en este momento; y dos -el inicial y el central- son los que han recibido un creciente número de escenas y tienen pensadas, pero no retratadas, las que han de coronar sus partes finales. ¿Cómo es posible que una obra de teatro únicamente tenga tres actos?, ¿son suficientes para el equilibrio de la representación? Ciertamente no lo son porque el “Don Pedro” no podrá ser representado encima de un escenario sin que antes cualquier director lo mancille y reviente su esencia. Diferente sería si la representación se diera bajo los dictados del “Nuevo Teatro” que intentaré exponer cuando mejor pueda. Representar al plantel de esta obra y adaptar las situaciones a un solo escenario, además de ser imposible en el teatro actual, es un dispendio inútil de fuerzas, puesto que resultaría una obra radicalmente diferente. Al menos no sería esta obra. No el “Don Pedro” que conocemos.

Sobre el primer acto está casi todo dicho, los dos artículos que se publicaron en el verano de 2007 dejaban claro el objetivo de la obra y el devenir del primer tramo por lo que no es necesario repetirlo; sí es cierto que pueden cambiar pequeños matices pero no es lo que más me preocupa. El primer acto está diseñado completamente, una parte en papel y la otra (la recta final) en mi mente, lista para ser inmortalizada cuando sea oportuno; aún no lo es.

Es el segundo acto el que está hirviendo ahora y por el que muchos os habéis interesado en marabunta. Si ya me impresionó la respuesta del público en general cuando publiqué la primera escena el retorno a la obra ha sido fantástico. Jamás me lo hubiera imaginado.

El hijo de Don Pedro ya ha alcanzado su mayoría de edad; su padre siempre estuvo muy preocupado por hacer de él un buen hombre que dignificara el nombre de la familia que tanto había ensuciado Don Juan Tenorio. Su pensamiento era sencillo; si él –Pedro- no había tenido un buen padre su misión inmediata sería la de redimir, en parte, los pecados del suyo. Dignificar a su hijo y que este posteriormente dignificara a la familia es su objetivo primero y último. Una vez alcanzada la mayoría de edad el príncipe no tiene que seguir dependiendo de su maestro, Filipino; un italiano agrio cuyos escuetos poderes en el palacio se exceden en su mente haciéndole creer alguien que efectivamente no es. Siempre ha estado, junto a su familiar y siervo Silvio, espiando a su alumno como ha mediado y lo seguirá haciendo. Sobre todo a partir de la última clase, donde el hijo de Pedro revela a su tutor las ansias de salir del palacio para alcanzar la libertad que, según él, jamás ha tenido. Filipino le increpa, pues piensa que es suficiente poseer parte de Italia y España como para estar reflexionando sobre conceptos caducos e inmateriales. Pero su alumno continúa relatando su necesidad vital de ser libre y Filipino acaba entendiendo algo que no es. Este interpreta esa “libertad” como el anhelo de concentrar todas y cada una de las tierras que les corresponde por herencia únicamente en sus manos para explotarlas y obtener las máximas riquezas posibles; así es como se lo cuenta a su primo Silvio. A partir de entonces, como se puede imaginar, el hijo de Pedro tendrá a un par de moscardones encima, persiguiéndole allá donde vaya para salvaguardar la integridad de los dominios de Don Pedro.

Por otro lado, el príncipe junto con Dante –un fiel amigo- traza los primeros planes para escapar del palacio; cuando todo está preparado y listo para llevarse a cabo el hijo de Pedro conoce la noticia que supone un fuerte revés para sus planes: el Rey, su padre, ha concertado su matrimonio con una princesa inglesa perteneciente a la estirpe más poderosa del momento. Don Pedro de esta manera cumple dos objetivos que él considera necesarios: en primer lugar se asegura la paz con el enemigo más potente de Europa y, en segundo lugar, consigue que su hijo se vea abocado a una boda que cree fructuosa para su hijo. El príncipe ha de casarse por dictamen de su padre, pero no conoce los planes de boda por su boca, sino por la de Dante; este se lo cuenta y, con ello, deshace la estratagema que habían urdido para huir del palacio. Si ellos huyen, en especial el príncipe, Don Pedro tendría problemas con el todopoderoso Rey Inglés y ello no traería más que desgracias, muertes y un horrendo sometimiento. Su hijo se traga sus expectativas por el momento –aunque no se lo perdonará a su padre- y decide romper sus planes; Dante le sugiere que es lo mejor para todos.

La princesa Lilian llega a las pocas horas acompañada de su protector Alan y de sus criadas, a cuyo mando se encuentra Irene, y entre las cuales, Katherine, destacará por su especial sensibilidad por encima del resto. Desde este momento los equívocos palaciegos empiezan a brotar a una velocidad desmesurada; la historia de Don Pedro y sus pretensiones sobre su hijo van a estar condicionadas por este caos persistente.

Muchos me han preguntado el porqué del nombre del protagonista absoluto de la obra, Pedro. Desde un principio ese nombre se incrustó en mi cabeza y supe que era el nombre adecuado para lo que quería transmitir a través de su evolución en esta obra. Pedro proviene del latín y significa “piedra”, “firme como la piedra”. Es un personaje pétreo en sus objetivos, en su principal convicción; pero el desarrollo de la historia expone cómo incluso las piedras tienen sus debilidades. También los más duros pueden sufrir, pueden desmoronarse y acabar por desaparecer si el destino se lo propone decididamente. No hay piedra que la contrariedad no pueda desgranar y en este caso, el desafortunado Don Pedro está destinado a tener uno de los finales más crueles y penosos de la historia del teatro mundial. Cada uno de los retazos de mala suerte del mundo de la literatura se alineará por una vez en la historia para darle la sepultura más cruda, dolorosa y, quizá, injusta. Hace un par de días recordaba, cuando terminé de nuevo “Romeo y Julieta”, cómo el Príncipe de Verona decía que la historia de esos dos jóvenes era la más penosa que jamás había acontecido; ahora lo pongo en duda.

Por “Romeo y Julieta” decidí situar en Verona la tragedia de Don Pedro. Si bien en la primera parte tanto Pedro como Jimena se encuentran en sus posesiones de España e Italia, la segunda parte se desarrolla en Verona. Al final del primer tramo Pedro y Jimena se casan y el poderoso padre de Jimena, como dote, entrega las tierras de Verona al mancebo español y su esposa. ¿Por qué Verona?, ¿sólo porque Shakespeare la utilizó para “Romeo y Julieta”? No exactamente. Con “Romeo y Julieta” Shakespeare convirtió a Verona en la ciudad del amor y del drama; dado que el “Don Pedro” se desarrolla en Italia, no hallé mejor ciudad que Verona para destrozarle la vida al castigado Don Pedro.

A pesar de que sé que Don Pedro no es más que un personaje siento ciertos reparos cuando reflexiono sobre el fatal final de la obra; él no se merece tanto sufrimiento en tan poco tiempo. Ni siquiera la muerte le dará la posibilidad de descansar eternamente; tras ella su nombre se mancillará aún más y su recuerdo se pudrirá y será ridiculizado por las truculentas circunstancias que le rodearán. No soy feliz pensando sobre el final de la obra y menos aún lo seré cuando lo escriba, es demasiado retorcido incluso para alguien que no existe. Espero que el personaje no se me rebele como le ocurrió a Unamuno en Niebla; si lo hace tendrá toda la razón del mundo.

Cuando he pensado y posteriormente he empezado a perfilar a los personajes no me ha surgido la necesidad de inspirarme en otras personas o personajes que me han rodeado alguna vez; casi en todas las ocasiones he acudido a los conceptos imperfectos que conforman nuestra realidad. Tal vez por esto, cuando imagino su representación sobre uno de los escenarios del “Nuevo Teatro” no veo más que vestimentas flotando, sin rostro, sin manos y sin piernas. Sólo el protector de la princesa Lilian, Alan, está inspirado en dos figuras ficticias creadas por Shakespeare. Ambas pertenecen al “Rey Lear”; son, por opuestos que parezcan, el fiel Kent y el cobarde y traidor Edgar. No puedo exponer más detalles sobre él ya que su evolución se corresponde con una parte esencial de la obra que, por el momento, me reservo.

Lilian, Katherine, Irene, Dante, Filipino, Silvio y el príncipe serán las piezas fundamentales del desajuste argumental de la segunda parte de la obra; ninguno de ellos es más importante que el otro puesto que si uno de ellos faltara este segundo tramo habría de ser reescrito. No considero que sean personajes especiales pese a que alguno sí aspire a serlo. Personalmente no confío en la inocencia de Lilian y Katherine, en la diligencia de Irene, en la actitud fiel de Dante o en la buena voluntad del príncipe pues al final no son más que mejores o peores virtudes que buscan el bien individual ante todo. Sin embargo Filipino y Silvio, dentro de la cómica situación en la que se ven sumergidos por sus ansias de salvaguardar el palacio, buscan el bien de Don Pedro y de su corte ante todo. Asumen el deber divino de defender a su señor, y no intentan aprovecharlo para ganarse el respeto de su Rey, pues si así fuera, Filipino no hubiera encargado a Silvio que vigilara al príncipe sino que hubiera recaído en Don Pedro y su personal; Pedro no llega a saber lo que ocurre con su hijo, Filipino decide arreglarlo sin decirle ni una palabra a su señor para no darle un disgusto más. A él no le corresponde este servicio, al fin y al cabo, no es más que un vigilante del palacio, y a Silvio, el siervo del vigilante, aún menos. No es su misión arreglar los problemas que surgen sino informar de ellos para que los hombres de Don Pedro se ocupen de ellos. Pero para algunas personas la devoción está por encima de todo.

Liupi es el personaje perfecto. Representa la fidelidad incorruptible y la inocencia del niño que jamás ha tenido infancia; ambas inexistentes en nuestro mundo. Don Pedro será para él su primer padre, su único amigo y su último dios. Su vida es la más dura de cuantos puedan aparecer en escena pero paradójicamente es el personaje que más vitalidad y alegría desprende. Nunca dudará de Don Pedro y a él le favorecerá siempre, aunque de ello dependa su propio mal. Al mismo tiempo intentará agradar al príncipe, que le rechaza continuamente por recordarle su presencia a la de su padre, y a Dante. Es el único personaje que intentará entender al resto aunque el resto dé pocos visos de querer entenderle a él. Todos, menos Don Pedro, le tratan como el bufón que quizá hubiera tenido que ser. Él no necesita lo que los demás anhelan para ser feliz; solo con la compañía de Don Pedro él se encuentra ahíto. Pedro es el único que ha podido ver más allá de los defectos físicos de Liupi y ha hallado el corazón más puro que encontrará en su funesta vida. Estamos hablando, seguramente, del acierto más afortunado de toda la obra.

…Me gustan las flores quisiera tener la casa entera nadando en rosas Dios del cielo no hay nada como la naturaleza las montañas salvajes luego el mar y las olas precipitándose luego la hermosa campiña con campos de avena y trigo y todo género de cosas y todo el lindo ganado andando por allí que haría bien al corazón ver los ríos y los lagos y las flores y todo género de formas y olores y colores brotando hasta de las zanjas primaveras y violetas eso es la naturaleza para aquellos que dicen que no hay Dios no daría ni el blanco de una uña por toda su ciencia por qué no se ponen a crear algo le preguntaba muchas veces al ateos o como se llamen que vayan primero a lavarse sus miserias luego van pidiendo a gritos un sacerdote cuando se mueren y por qué por qué tienen miedo del infierno a causa de su mala conciencia ah sí les conozco bien quién fue la primera persona en el universo antes de que hubiera nadie el que lo hizo todo ah ellos no saben y yo tampoco así pues podrían lo mismo tratar de impedir que el sol saliera mañana el sol brilla por ti me dijo el día que estábamos tumbados entre los rododendros en el promontorio de Howth con el traje de mezclilla gris y su sombrero de paja el día que conseguí que se me declarara si primero le di un poco de la torta de semilla que tenía dentro de mi boca y era bisiesto como ahora sí hace dieciséis años Dios mío tras aquel largo beso yo casi perdí el aliento sí él decía que yo era una flor de la montaña sí eso somos flores todo el cuerpo de mujer sí esa fue la única verdad que dijo en su vida y el sol brilla hoy por ti sí por eso me gustó porque vi que comprendía o sentía como es una mujer y supe que yo podría hacer de él lo que quisiera y le di todo el placer que podía para llevarle a que me pidiera que dijese sí y yo primero no quería contestarle mirando sólo el mar y el cielo estaba pensando en tantas cosas que él no sabía de Mulvey y Mr. Stanhope y Hester y de Papá y del viejo capitan Groves y de los marinos que jugaban a pájaro al vuelo y a saltar del burro y a lavar platos como ellos lo llamaban en el malecón y el centinela frente a la casa del gobernador con esa cosa alrededor del casco blanco pobre diablo medio achicharrado y de las muchachas españolas riendo con sus mantones y sus altas peinetas y de los gritos por la mañana de los griegos judíos árabes y Dios sabe quienes más de todos los rincones de Europa y de la calle del duque y del mercado de aves todas cloqueando ante Larby Sharon y de los pobres burros resbalando medio dormidos y de los vagos tipos dormidos con su cara a la sombra de las gradas y de las grandes ruedas de los carros de bueyes del viejo castillo de hace miles de años sí y de todos aquellos hermosos moros todos de blanco y con turbante como reyes pidiéndole a una que se sentara en su tiendecita y de Ronda con las viejas ventanas de las posadas ojos mirando tras las rejas ocultos para que el enamorado bese los barrotes y de las tiendas de vinos entreabiertas por la noche y las castañueñas y de la noche que perdimos el barco de Algeciras el vigilante rondando sereno con su linterna y oh el mar el mar carmesí a veces como de fuego y las soberbias puestas de sol y las higueras de los jardínes de la Alameda si todas las raras callejuelas y las casas rosa y azul y amarillo y de las rosaledas y los jazmines y los geranios y cactus y de Gibraltar cuando niña y cuando flor de montaña sí cuando puse la rosa en mis cabellos como las muchachas andaluzas la llevan y debí llevar una roja sí, y cómo él me besaba al pie de la pared morisca y me pareció bien lo mismo de él que de otro y después le pedí con los ojos para poder volverle a pedir sí y él luego me pidió si quería decir sí mi flor de montaña y primero le rodeé con mis brazos y lo atraje hacia mí para que pudiera sentir mis pechos todo perfume sí y su corazón latía como alocado y sí dije si quiero Sí

- Publicado en marzo de 2007 -

Don Pedro

Hugo de Lara López

Por y para José Zorrilla y Moral.

Parte primera.

Acto primero.
Palacio de Armaño, un pequeño pueblo sevillano cuyos condes siempre se caracterizaron por su excepcional nivel cultural. – Sala del trono. Puertas a la derecha y a la izquierda del trono, una en cada lugar; tales puertas poseen una ornamentación peculiar: a su respectiva parte izquierda le corresponde un escudo, mientras que a su derecha, una espada; ambos de medida inferior a las puertas, justo la mitad. El resto de la sala se adorna con grandes ventanales y poca ornamentación más entre títulos e insignias.

Escena primera.
DON PEDRO, preocupado permanece sentado en su trono. Al elevarse el telón se levanta y comienza a errar por la habitación con preocupación mientras actúa con el fragmento que le corresponde.

Pedro: Cuentan de un muerto padre
que fue maleante y bandido
en calle y galán nacido
lejos del amor de madre.
El impío Don Juan Tenorio
lacró la vida de Sevilla
y la italiana villa
con su arte irrisorio
de mal demonio y mala vida:
a las mujeres ganó con vino
y a los hombres mató con tino.
Yo bastardo mal nací
de su senda mal marcada
con su labia endemoniada
y su mortífero sí.
Crecí mísero de amor
sin paternal comprensión
muerto de frío y terror
en una inmunda mansión
donde entre ratas y sus restos
sustentaba mi sed con estos.
¡Cuán ruin sacrificio labré
durante veinte rotos años
con miles de oscuros engaños
y cuán vil mentiras conté
para ser el Conde de Armaño!
Con mis llorosos lamentos
rezo a los sacros mementos
para que en el santo cielo
acojan con dulce anhelo
a Don Juan con suaves vientos.
¿Qué estruendosos y recios ruidos
llegan raudos a mis oídos?

(Entra LIUPI fatigado.)

Liupi: Acalorado traigole, señor,
las noticias sobre el cruel Tenorio
cuyo cuerpo en sepulcro mortuorio
yace en paz por jurar eterno amor.

Pedro: ¿Fuisteis al convento?

Liupi: Tal fue el intento.

Pedro: ¿Y cuáles son las noticias?

Liupi: No puedo gritar ¡albricias!
Pues la propia mala dicha
de que una mala bicha
negome poder entrar
en el claustro del lugar
aun a pesar de contar
que tuya era la dicha.

Pedro: Entonces, Liupi fiel,
¿por qué apurado dijisteis
que noticias me trajisteis
y agitas aun más mi hiel?

Liupi: Perdone mi gran memez,
pues con mi poca soltura,
que Dios me dio en la cultura,
me atasco con rapidez.

(DON PEDRO durante unos segundos se queda en silencio y camina abstraído y a la vez angustiado por la habitación.)

Pedro: Liupi, mal veo mi honor
si lo que dije pretender
no será más que un sueño,
que nefasto fue y mal soñado;
si no consigo hacer
que los muros derribados
por Don Juan a nacer
vuelvan, no recuperaré mi honor,
y los ruines y su dueño
no serán bien olvidados
ni en las cercanías de mi Sevilla
ni en la italiana y empedrada villa.

Liupi: Culparse no debería
de las manchas de Don Juan
pues no le dio, conde, el pan
que tanto amargó sus días.

Pedro: ¿Conoces singular salida
para hallar mi honor perdido
en mi largo andar sumido
en la aflicción y mala vida?

Liupi: Conozco, mi gran señor,
la idónea solución,
reside en su corazón,
casándose con Argor.

Pedro: ¿Con Doña Jimena de Argor?

Liupi: Misma.

Pedro: ¿Y aquella recuperaría mi honor?

Liupi: Ya bien dijo el Tenorio,
con oro nada hay que falle,
y poco que no se halle
fuera del hoyo mortuorio.
¿Qué existe que con el oro
de la gran tierra de Italia
no se compre en la Galia
o en la finca del moro?
Nada, mi conde, piénselo:
¿Qué no halla el buen oro
que merca hasta lo que ignoro?
¡Voto a tal que el oro
todo roba hasta en el foro!

Pedro: Sea pues el casamiento;
dispón un día con tiento
y haz saberlo en Argor
para que brille el fulgor
del ígneo sol italiano
y sea tal el momento
preciso para su mano
pedir, ni en su bello Argor
ni en mi Armaño, en Verona,
allí alzaré a mi madona.

Liupi: ¡Viva Dios el más excelso!
Tan grande es la ilusión
que a pie marcho a Argor
para ver a su primor
y contar su decisión.
¡Qué tarde ya es! ¡Pardiez!
¡Que no pase de las diez!
Conde, retírome presto.

(Vase LIUPI apurado, antes de salir tropieza con uno de los laterales de la puerta, y tras el choque, rectifica el camino.)

Pedro: ¡Ay, cuán humillado soy
por los vicios de Don Juan,
y por lo muy deshonrado
que al nacer me hizo tal!
¡Ay, cuán castigado estoy
y cuán perdido el pensar
que tan maldecido evoca
en mi hijo sin libertad!
Hijo, que aún no has nacido,
tuyo será el pudor
sano y justo tu honor,
y mi amor tu feraz nido.
Por ti, no parido mas por mí amado,
daré lo que nadie por mí ha dado,
viviré lo que por mí no han vivido,
y seré lo que nadie por mí ha sido.
(Mira hacia arriba y tiende su mano izquierda en su pecho.)
¡Que nuestro Dios puro con voluntad
perdone mi vivir tan deshonroso
y crea mi honesta sinceridad
que rendirá tributo sin que el poso
de mi crecer sin gozar de la edad
afecte al equilibrio melodioso
de nuestro padre excelso y eminente,
y guíe por la eternidad mi mente!

(Vase DON PEDRO renqueante por la puerta contraria por la que salió LIUPI.)

(Los actores Luis Merlo y Bárbara Lluch encarnan a Don Juan y Doña Inés , 2002)

Recomiendo visitar los enlaces siguientes:

Manuscrito de la obra en la Biblioteca virtual Cervantes

Aula de El mundo (Presentación de la obra)

Resumen de la obra por actos

In Ictu Oculi

In Ictu Ouli. Juan de Valdés Leal. 1671. Iglesia del Hospital de la Caridad, Sevilla. Estilo Barroco.

Un terrible esqueleto portando guadaña y ataúd pisotea un globo terráqueo, sedas, joyas, armas, libros mientras con la diestra apaga una vela. Sobre ésta, el letrero “IN ICTU OCULI”.

¿De qué se trata este asunto? ¿A qué viene tanto horror para un cuadro de una Iglesia de un Hospital?

Contexto:

Para entender en profundidad nos debemos remontar a la Sevilla del S. XVII, época de penuria económica, miseria y hambre, enfermedad, la epidemia de Peste bubónica que diezmaban a más de la mitad de la población, pilluelos y saqueadores deambulando… La muerte y el dolor eran compañeras del paseante.

Valdés Leal, es un pintor sevillano del S. XVII. Cuando pinta este cuadro los pintores más importantes en la ciudad eran él y Murillo, ya que Velázquez y Zurbarán ya se encontraban en Madrid.

D. Miguel de Mañara veracidad y mito:

Conocedor de la corriente tenebrista (los contrastes lumínicos del barroco) y las alegorías adoctrinadoras proclamadas a modo de instrucción tras el Concilio de Trento, Valdés Leal, emprende esta obra siguiendo el programa iconográfico que le dicta el muy ilustre D. Miguel de Mañara.

D. Miguel de Mañara

D. Miguel de Mañara identificado en el S.XIX durante el Romanticismo con D. Juan tenorio, fue un acaudalado caballero del S.XVII. Su buena situación económica le favoreció vivir relajadamente y tratar con personas de alto rango.

A edad temprana mueren sus hermanos y posteriormente sus padres. La muerte le persigue durante su vida llevándose a sus seres más queridos. Tras la muerte de su mujer en 1661, entra en una etapa de profundo dolor y reflexión personal a cerca del sentido de la vida. Un día que paseaba a caballo a la orilla del Guadalquivir conoce al Hermano Mayor de la Hermandad de la Santa Caridad de Sevilla con quien entabla buena amistad y quien le propone que ingrese en la misma.

Iglesia Caridad Sevilla

Esta Hermandad se dedicaba a enterrar a los muertos que aparecían por las calles, los ahogados por las ríadas del Guadalquivir, a los ajusticiados y a atender a los menesterosos.

Mañara ingresa en la Hermandad y se dedica a ella plenamente de manera desinteresada, llega a ser Hermano Mayor de la misma, amplía con sus propias donaciones el espacio, construye un Hospital para los enfermos que no tenían medios materiales y humanos y funda la Iglesia donde se encuentra el cuadro en cuestión. Mañara dona a la institución su dinero y posesiones.

Él mismo dicta el programa iconográfico que ha de presentar.

En el sotocoro, (lugar por donde se entra a la Iglesia, antes de la nave), lugar oscuro, aparecen enfrentadas esta pintura con otra también de Valdés Leal denominada “Finis Gloriae Mundi”. Con ellas quiere recordar la caducidad de la vida; para la nave encarga a Murillo las pinturas de las obras de Caridad como camino de Salvación ante la proximidad de la muerte: Dar de comer al hambriento, dar de beber al sediento, vestir al desnudo…y en el retablo mayor de la Iglesia el escultor Pedro Roldán realiza la escultura del Entierro de Cristo.

Finis Gloriae Mundi

Escribe El Discurso de la Verdad, cuyo comienzo es el siguiente: “Memento homo, quia pulvis es et in pulverem revertis. Es la primera verdad que ha de reynar en nuestros corazones…”

D. Miguel se entrega plenamente a las obras de Caridad hasta su muerte acaecida en mayo de 1679, muy llorado por Sevilla por su gran labor hacia los más desfavorecidos es enterrado en esta iglesia entre los dos cuadros de Valdés Leal, con la siguiente inscripción:

“Aquí yacen los huesos y cenizas del peor hombre que ha vivido en el mundo”.

Según él mismo confiesa en discursos de barroca retórica y no dotado de plena veracidad su juventud fue disipada “Yo don Miguel Mañara ceniza y polvo, pecador desdichado, pues los más logrados días ofendía la Majestad altísima de Dios, mi Padre, cuya criatura y esclavo vil me confieso…” De estos escritos se ha querido ver el origen del mito de D. Juan Tenorio, quien de vida disipada en su juventud, queda tocado por el amor y arrepintiéndose de sus pecados se salva al morir. La identificación es fruto de la visión romántica y apasionada del S. XIX ya que la obra en la que se basa Zorrilla es la primera del mítico D. Juan: el Burlador de Sevilla, escrita hacia 1630.

Análisis de la pintura:

De composición piramidal y técnica tenebrista, el cuadro representa verazmente un género típico del Barroco, la “vanitas”, que viene a referirse a la fugacidad de los placeres materiales, la relatividad del conocimiento y crítica de la soberbia humana ante la evidencia de la muerte y así mismo el poder igualatorio de ésta para todos los estratos sociales.

El esqueleto mira hacia nosotros nos apela, nos quiere llamarnos la atención hacia una realidad, la clave está en la inscripción en latín sobre la vela que acaba de apagar. “In ictu oculi” significa “en un abrir y cerrar de ojos” se trata de una alegoría de la fugacidad de la vida, representada en la vela, la cual es apagada por el esqueleto, la muerte.

Se puede observar como ricas sedas, espada, corona, báculo… símbolos del saber y del poder se amontonan y son pisoteados por la muerte amenazante.

La profundidad y la atmósfera tétrica se consigue con la disposición de los objetos en y los contrastes lumínicos. Se trata de cuadros para l areflexión.

El autor sabe plasmar fielmente en este cuadro y en el otro de enfrente una realidad sin miramientos ni censura para nuestros ojos, ávidos de belleza, el mensaje de D. Miguel de Mañara en su Discurso de la Verdad. Despertar al que vive sin medir su tiempo y a partir de las obras de la Caridad alcanzar la salvación Eterna.

La obra de José Zorrilla da cuenta en dos partes de cuatro y tres actos, respectivamente, de un día en la vida del protagonista y de otros tres cinco años más tarde, ambientado todo ello en la Sevilla del siglo XVI. Don Juan Tenorio, que ha apostado con su amigo Luis Mejía quién cometería más maldades en el plazo de un año, acude a la hostería de Buttarelli con su criado Ciutti para poner en común sus desmanes con el adversario. A la cita acuden también, amparados en el disfraz que el carnaval propicia, el padre del protagonista, don Diego, y el de la prometida de Tenorio, el Comendador de Calatrava don Gonzalo de Ulloa, ambos con la esperanza de que cuanto se cuenta sobre la villanía de don Juan sea falso. No solo no lo es sino que presencian la enumeración de sus delitos, a los que el propio burlador está dispuesto a sumar uno más: en unas horas se compromete a seducir a una novicia y a la prometida de don Luis, que se casa a la mañana siguiente con doña Ana de Pantoja. Mejía acepta la apuesta. Don Diego reniega de su hijo. Don Gonzalo de Ulloa anula el compromiso matrimonial con su hija. Don Juan sigue adelante con su plan para ganar la última partida…

Vídeo en el que se representa un fragmento de la escena XII del acto I de la obra:

Existe una versión cinematográfica de la obra teatral:

Para saber más:

Fuentes: Montserrat Ribao Pereira, “Introducción” a la edición de Don Juan Tenorio de la editorial Akal.

Esto ha estado un poco parado, entre otros motivos, porque en agosto hay poca cosa que contar. Pero una de esas pocas cosas que contar son las actuaciones que La Escalera Teatro junto con la Escuela de Teatro de Burguillos llevarán a cabo en “La noche larga de los museos” el próximo 19 de Septiembre.

Escenas de “Medea” y “Don Juan Tenorio” serán representadas en el Museo Arqueológico de Sevilla y en la Plaza de San Francisco, respectivamente. Hasta ahora, solo se sabe el horario de Medea, ya que habrá dos pases, uno a las 21:00 y otro a las 23:00. Las escenas de Don Juan Tenorio se tienen previstas en torno a la medianoche, pero próximamente se confirmará la hora exacta.

La web oficial del evento es: www.nochelarga.com

Un saludo a todos y pronto volveremos con más noticias!!

Paseábamos por el Retiro con mi abuelo y nos encontrábamos con unos viejos amigos y sus hijas, o tal vez sus nietas. Para el abuelo eran chiquillas. Para el Duende, que sólo se fijaba en si tenían o no tetas, eran mujeres o niñas. Mi abuelo se quitaba el sombrero y saludaba, y luego dejaba que le besaran las chiquillas. El abuelo era hombre de pocas palabras, pero de frases con regusto de aforismo. Decía como un actor dramático Mondariz será Mondáriz cuando nariz sea náriz, o aquello otro de quien nísperos come, espárragos chupa, bebe cerveza y besa a una vieja…ni come, ni chupa, ni bebe ni besa. No eran pensamientos como los de Newton o Descartes, pero los declamaba con tal empaque que uno no sabía si escuchaba al jubilado que entretenía sus últimos días leyendo novelas de Ágata Christie o a uno de los siete sabios de Grecia. De vez en cuando, más enigmático, dejaba caer sin venir a cuento un mensaje de tono crepuscular: ¡viejo muere el cisne!…Pero para lo casos como el que citaba al principio, la rúbrica era indefectiblemente la misma. Suspiraba y, como un Tenorio venido a menos proclamaba resignado: las hijas de aquéllas a las que amé tanto…me besan hoy como quien besa a un santo.

La decía el abuelo, la hizo suya el padre del Duende y aún la recita por lo bajini el Duende cuando vive experiencias como la del pasado fin de semana. Pues se casaba en San Sebastián Jaime, hijo de su mejor amigo y de una de las mujeres más buenas y encantadoras que uno ha conocido, puerto de amparo ambos para cualquiera que necesite calafatear las cuadernas del alma malherida. Los cojoamigos, que diría un neologista desparpajado. A Jaime le conoció el Duende cuando era diminuto, moreno, simpático y nervioso como un grano de torrefacto. Y como le vio crecer veraneando juntos, se hizo amigo de sus hijos, y de los hijos y de las hijas de otros amigos que coincidíamos en las Luiñas en tiempos felices, cuando éramos jóvenes, rompía aguas la democracia, llevábamos el pelo algo más largo, cantábamos a Jarcha y a Cecilia y aún no nos atormentaba el cambio climático. Aunque Jaime es hoy abogado distinguido en bufete cuyo sólo nombre impone, convocó para el evento no sólo a sus familiares y amigos de ahora, como es natural. Sino a los cromos de su infancia, donde estaban los chavalitos y chavalitas de entonces y sus padres correspondientes, entre los que el Duende ya hacía travesuras. Cuánto jayán, cuánto perfume de mujer. Y todos cariñosísimos, saludaban al encanecido Duende que aún recordaban de la playa, las espichas y las romerías. Uno no es piedra: a ellos los abrazaba, a ellas las besaba. Citando, para sus adentros lo que escuchó de su abuelo: las hijas de aquéllas a las que amé tanto…

Al Duende no le importa nada ser uno de esos santos. Uno de los privilegios de la edad es ver crecer a los tuyos. A tus hijos, a tus nietos. Y a los que, por afinidad, acabas queriendo como si fueran de tu familia. Confiesa el Duende que ver pasar la vida dándose continuidad a sí misma en una carrera de relevos entre varias generaciones es de lo que más gozo le produce a esas alturas de la película. Si el acontecimiento es en San Sebastián, y te da oportunidad de correr desde el Peine del Viento hasta el final de Zurriola, pasando por La Concha, el puerto y el Paseo Nuevo, y luego te cita en la bella iglesia de Santa María, y en el coro canta el Orfeón Donostiarra, y la novia parece una reina, y el novio es feliz, y las niñitas de entonces lucen como Scarlett Johanson, y mis amigas están entre Julia Roberts y Lauren Bacall, y cenamos como es de ley en el País Vasco, y hay risas, y recuerdos, y hasta alguna lagrimita, ya no podrá olvidar la boda del hijo de su mejor amigo.

Nunca en los últimos treinta años había visto esta ciudad más serena y relajada. El domingo, cuando por sus calles se corría la Maratón de Donosti, la generación de Jaime aún poteaba por las calles del Barrio Viejo, y el Duende coincidió con ellos. Mientras apuraban en la calle los últimos pinchos y chacolíes, su nieta Marina dormía plácidamente en su cochecito a las puertas de la taberna. Feliz metáfora final.

A propósito: la novia nació allí, y se llama Laura. Se que Jaime es algo celoso. Pero aún así, por lo guapa que es, por lo que disfruté y porque también me besó como quien besa a un santo…¿puedo proclamar que yo también amo a Laura?

El Ateneo de Valladolid celebra, un año más, la Semana Romántica, fiel al compromiso que la fundación tiene desde 1909 de recordar todos los meses de noviembre al escritor y poeta romántico José Zorrilla, autor de Don Juan Tenorio. Por eso ofrecerá a lo largo de esta semana, del 5 al 9 de noviembre, una serie de conferencias y proyecciones que nos conmemorarán a tan ilustre escritor.

Para acceder a las salas será necesario el carné de socio, una tarjeta de simpatizante o invitación del Ateneo. Invitaciones que podrán recogerse gratuitamente los días laborables de 12 a 14 horas en la Secretaria del Ateneo (Plaza Mayor, 11 3ºD)

La programación será la siguiente:

Lunes, 5
Conferencia “Hablemos del Tenorio” por Ángel Mª de Pablos
Además tendrá lugar la interpretación de algunas escenas de la obra de Zorrilla “D. Juan Tenorio” por el cuadro de actores de “Amigos del Teatro”.
Salón de Caja España (Plaza España) 19,30 horas

Martes, 6
Conferencia: “D. Juan visto por Sáenz de Heredia” por DªCatalina Villagrá Saura. Licenciada en Filología Hispánica y especializada en Literatura Romántica que comentará la proyección.
Proyección didáctica: Don Juan (1950)
Salón de Caja España (Plaza España) 19,30 horas

Miércoles, 7
Proyección de la Gala de Exhibición del LIII Certamen Internacional de Habaneras y Polifonía de Torrevieja.
Participantes:
Coro de Estudiantes Universidad de Tecnología de Pekín (China)
Coro de Cámara de Pécs (Hungría)
Coro Capella Oreye de Zythomyr (Ucrania)
Coro de Cámara “Cantantes” de Belgrado (Serbia)
Orfeón Universitario de Valencia
Coro Sol Orines de Debreschen (Hungría)
Coralia de la universidad de Guynabo (Puerto Rico)
Por cortesía del Patronato Municipal de Habaneras y Polifonía de Torrevieja.
Salón de Actos de Caja España (Fuente Dorada) 19, 30 horas

Jueves, 8
Danzas Folclóricas de España. Actuación del grupo canario La Vieja Parranda de la Casa de Canarias en Valladolid.
Salón de Actos de Caja España (Fuente Dorada) 19,30 horas

Viernes, 9
Conferencia: “La visión del Romanticismo por Roberto Rosellini” por D. Jesús Cueto-Vallejo. Presidente de la Asociación Cultual Amigos del Cine y Director del Aula de Cine del Ateneo. Proyección comentada: Vanina Vanini (1961)
Salón de Caja Duero (Plaza Zorrilla) 19 horas