La nostra mission è di creare un evento che aumenti l’interesse per il settore florovivaistico, contribuendo, attraverso la sua dimensione culturale, ecologica ed economica allo sviluppo economico industriale di Perugia.

I Giardini del Frontone costituiscono il primo giardino pubblico della città di Perugia; completamente recintato e chiuso da apposita cancellata.
Esso si presenta come un sistema d’aiuole centrali delimitate da quattro viali principali, che sono intercalati da vialetti secondari confluenti nell’emiciclo terminale. L’emiciclo è caratterizzato da sei statue, raffiguranti le Arti, e da un anfiteatro in travertino.
La vegetazione è semplice ma di gran pregio: è costituita da esemplari ormai secolari di leccio e di siepi d’alloro e lentaggine.
Il giardino sorge su un’area che aveva ospitato in precedenza una necropoli etrusca e poi un forte difensivo, da cui i perugini “fronteggiavano” il nemico.

Abbiamo scelto i Giardini del Frontone perchè essi rappresentino per la manifestazione la migliore cornice che la città ci offre in termini di notorietà internazionale ed al tempo stesso essi costituiscono il segno più prestigioso di continuità con il presente delle bellezze storiche ed artistiche di Perugia.

Per  consultare la rassegna stampa,  vai su www.perugiaflowershow.com

La prima edizione di Perugia Flower show ha riunito una serie di eventi collaterali che hanno rinforzato la sua dimensione artistica culturale.Gli eventi sono stati i seguenti:

MOSTRA FOTOGRAFICA

(dal 17 maggio al 22 giugno, 10.00-13-00/15.00-19.00):

• HOMMAGE A LENNE’ (Peter Frankel, Postdam)

• INTORNO A SAN PIETRO (archivio fotografico Guido Lemmi)

Perugia, Galleria Tesori d’Arte, Fondazione Istruzione Agraria

Chiostro di san Pietro, Borgo XX Giugno

VISITE all’ orto medievale, facoltà di Agraria di Perugia, ingresso libero, 23-25 maggio

CORSI DI GIARDINAGGIO E ARTE FLOREALE

Venerdi 23, ore 11.00

• LABORATORIO DELLE PIANTE SPONTANEE (A cura di Cridea- Regioen Umbria)

Venerdi 23, ore 17.00

• BALCONI E TERAZZE PER 4 STAGIONI( A cura di Garden Club Perugia)

Sabato 24,-ore 10,30

• SEMINARE, PIANTARE, TRAPPIANTARE…(riservato alle scuole, a cura di Garden Club Perugia)

Sabato 24- ore 17.00

• REALIZZARE ASSIEME UN BOUQUET

Domenica 25- ore 10.00/15.00

• DIMOSTRAZIONE DEI MASTRI SEGGIOLAI (a cura di La Bottega di Brontolone)

LABORATORI PER BAMBINI

Sabato 24- ore 15.00 -17.00

• VIAGGIO DI UN SEME FURBO; I NUMERI DELLA NATURA (Psiquadro)

• SPETTACOLO PER BAMBINI

Domenica 25-ore 16.30-17-30

• CAPPUCETTO, Mario Mirabassi

DEGUSTAZIONE PRODOTTI TIPICI UMBRI:

(tutte le sere dalle 17,00): Presso i Giardini del Frontone a cura di Pier Francesco Romano, sommelier professionista)

L’edizione 2008 di Perugia Flower Show ha riunito 41 espositori da tutto il territorio nazionale e 12,000 visitatori. Ecco chi sono stati i primi nostri espositori e cosa hanno esposto:

• ASS AMICI DELLE ORTENSIE (ortensie)
• ASS. ROSE ANTICHE (rose antiche e moderne)
• AZ. AGR. CASAGOLA (cosmesi all’olio, ai polifenoli e alle erbe aromatiche)
• AZ. QUARNERO ANGELO (succulente e cactacee)
• BAZAR ORIENTALE (mobili da giardino)
• BIANCHI LUISA (fiori all’uncinetto)
• CENTRO TILLANZIE (tillanzie in composizione )
• COOP. AGR. RAMO D’ORO (aceti, gelatine, salse e vini)
• DROVANDI PAOLO (cactacee e succulente)
• ERBARIO DELLA GORRA (aquilegia e perenni a fioritura precocce)
• ERMINI E MANGANI (piante succulente, cudiciformi, rarità)
• FLORALPE VIVAI (varietà di fucsie)
• FRATELLI PISCHEDDA (piante aromatiche ed officinali)
• FUSTELLIFICIO DEZI ( portafioriere metalliche artistiche)
• GARDEN CLUB PERUGIA (corsi di giardinaggio e arte floreale)
• GIARDINA SANTO (bonsai di agrumi e ulivi)
• GIARDINO MARTINA REINARDHT ( piante particolari)
• GIANNI RUSSO (rose ed orchidee)
• IL LAVANDETO DI ASSISI (piante aromatiche)
• IL MONDO DELLE ROSE (rose antiche e botaniche)
• IL PRINCIPE IRIS (iris made in USA, barbate alte e medie)
• ISTITUTO ERBORISTICO L’ANGELICA (degustazione di tisane)
• ITALSEMENTI (semi da orto e di giardino)
• L’ALBERO DELLA VITA (miele, cosmesi e in lini naturali)
• LA BOTTEGA DI BRONTOLONE (tecnica e lavorazione sedie impagliate)
• LA CASINA DELLA CANAPA (abbigliamento in canapa)
• LA FORNACINA (ceramiche artistiche)
• LA ROSA DEL BORGHETTO (rose antiche, storiche e moderne)
• LEMONFLOR (agrumi e olivi ornamentali)
• MAGI ANTONIO (rose, clematis e piante da esterno)
• MANDALA ARREDAMENTO (arredamento per giardino)
• MASSARRONI (piante da giardino)
• MULINO DON CHISCIOTTE (editoria specializzata)
• ORCHIDEE RARE DI GARBASSO LILIANA (orchidee fiorite e da collezione)
• PAGLIOLI CLAUDIA (pianta della Catambra)
• RENEET STINS (bulbose)
• SALVATORE DENARO (pomodorini delle americhe in vaso)
• TROPEAL (piante arbustive, erbacee e tropicali)
• UMBRAFLOR ( vivaismo ornamentale e forestale)
• UN’ANGOLO DI DESERTO (piante grasse e carnivore)
• 3 ERRRE (forbici e cesoie per potatura)

Più informazioni sono disponibili sul nostro sito.

Perugia Flower Show 2008 è stata la prima esposizione florovivaistica a Perugia. L’evento è stato patrocinato da tutte le istituzioni locali e comunità botaniche dell’Umbria. Come prova della forte dimensione culturale, ecologica ed economica sono stati i nostri collaboratori : il Comune di Perugia, la provincia di Perugia, la Regione Umbria, l’Assessorato allo Sviluppo Economico e Turistico, l’Associazione culturale Arborea, Università degli Studi di Perugia, la Fondazione per l’Istruzione Agraria e il Centro Ateneo Musei Scientifici.

L’alto numero di espositori provenienti da tutto il territorio nazionale ha fatto si che lo stesso Assessorato allo Sviluppo Economico e Turistico ne ha riconosciuto la potenzialità richiedendo l’iscrizione immediata all’Albo Fieristico Annuale dell’Umbria, che già vanta una nutrita agenda in campo di eventi noti in ambito internazionale, come Umbria Jazz e Eurochocolate.

La prima edizione di Perugia Flower Show ha riunito 41 espositori e 12,000 visitatori.La grande varietà dell’arte del florovivaismo, raggiunta dai migliori produttori partecipanti, è stata un’occasione di sensibilizzazione e di approfondimento per tutti coloro che sentono come attuale la necessità di un’attenzione rispettosa per l’ambiente.
Oltre alla presenza di eminenti vivaisti italiani ed europei, produttori di piante rare, curiose ed antiche, di bulbi e sementi, la manifestazione ha beneficiato anche una nu ditrita e qualificata presenza di espositori legati al mondo del giardinaggio, editori specializzati, produttori di arredamento e antiquariato da giardino, di prodotti per la cura delle piante e di sistemi per il risparmio idrico ed energetico.

Per approfondire i temi d’interesse sono stati visibili esempi di progettazione di giardini . In più, sono stait organizzati incontri e conferenze con personalità di rilievo, oltre a dimostrazioni pratiche sulla cura e manutenzione delle piante.
In uno spazio dedicato ai più piccoli sono stati allestiti, giochi educativi per sviluppare il gusto del giardinaggio.

Il cartellone 2008 di TeatrInScatola si è appena concluso con i tre giorni di repliche de “L’ultimo nastro di Krapp”, ultimo dei nove spettacoli che, tra teatro e danza, hanno animato la seconda edizione della nostra giovane rassegna. Compagnie provenienti da tutta Italia hanno dato il loro contributo artistico e umano, non limitandosi alla semplice replica dello spettacolo, ma lasciandosi intervistare, e spesso e volentieri intrattendendosi dopo lo spettacolo con il pubblico, con noi e con voi, per discutere di ciò che era appena successo. Un primo e sentito ringraziamento va dunque a loro e alla loro disponibilità.

L’edizione 2008 di TeatrInScatola è stata inoltre caratterizzata da molte iniziative satellite, a partire da Scatole Verdi, spettacoli a tema ecologico pensati per i bambini, passando per Eco In Scatola, esposizione di giovani artisti senesi allestita alla sala Lia Lapini e curata da Alessandro Grazi e Fabio Mazzieri, presenti anch’essi con alcune opere realizzate per l’occasione. La Scatola Critica ha invece trovato la sua sede naturale proprio in questo blog, e il laboratorio organizzato da Ivo Grande, con il contributo di Eleonora Bagnani e Caterina Viti, ha offerto uno sguardo analitico importante su alcuni degli spettacoli presentati durante la rassegna.

Per tutti questi motivi pensiamo che questo blog possa da questo momento trasformarsi in qualcosa di più di un semplice “diario di bordo”; pensiamo possa essere uno spazio di informazione e dibattito, stimolo per proseguire il nostro lavoro. Confortati anche dai quasi 2000 contatti che nell’arco di un mese abbiamo ricevuto, togliendoci ogni dubbio e timore di autoreferenzialità.

Concretamente significherà inserire stralci video degli spettacoli ospitati, le interviste agli artisti ampliate, e alcune testimonianze dei dibattiti succeduti agli spettacoli. Ovviamente a tutto ciò speriamo possano aggiungersi anche contributi esterni di chiunque abbia preso parte in qualche modo alla nostra rassegna, magari e soprattutto da spettatore.

E naturalmente ci diamo e vi diamo appuntamento per TeatrInScatola 2009.

La radio sveglia lampeggia le 11 e 02, mentre canta un pezzettino pop, poco dopo sovrastato dall’inconfondibile voce di Jeff Buckley. Altero Borghi entra, da una porta sul fondo a sinistra. In penombra taglia tutto lo spazio scenico, in diagonale, guarda dalla finestra, si lamenta, mugola. Si soffia il naso e osserva il prodotto, incurante di noi, pubblico. È Krapp.

Krapp accende una lampada posata sulla scrivania al centro della scena. È un palco ampio, riempito di detriti, scatole, spazzatura, ma ci appare comunque vuoto, scarno; scarno come la figura dell’attore in mutandoni da notte, infagottato tra maglioni, sciarpa e una vestaglia da camera a quadri. Si trascina da una parte all’altra mangiando banane, pezzi di brioches, biscotti e pizzette. Mangia a intervalli, sbriciola, mastica rumorosamente, biascica. Non si cura di noi. Recita per se stesso. Dai cartoni accatastati sul fondo a sinistra prende uno scatolone che si rivela essere un registratore a bobine. Prende un registro dai cassetti della scrivania, lo sfoglia “scatola 3. Bobina 5”.Posiziona il nastro nel registratore, borbottando tra sé e sé. Lo ascolta e ce lo fa ascoltare. È sua la voce registrata. Capiamo che quando ha inciso il nastro era il giorno del suo trentanovesimo compleanno e come ogni anno era il momento, rientrato nella sua tana, di fare il punto della situazione su quei 365 giorni trascorsi. Il nastro gli racconta di quell’anno. Cosa c’era d’importante da ricordare? La morte della madre dopo tanti anni di vedovezza. Vedovezza. Blocca il registratore e cerca la parola sul dizionario. Legge numerose definizioni. La trova. Legge il significato di vedovezza. Esiste. Ma lo fa comunque sorridere l’aver usato anni prima quel termine così ridicolo. Il nastro torna a girare. Racconta di una giovane donna che incontrava sempre al parco. Mora, alta, inanidata. Inanidata. Di nuovo si sofferma sulla parola. Non sopporta il lessico che adoperava quando era giovane. Non sopporta i buoni propositi di lui giovane. Di bere di meno, di fare sesso con più moderazione. E soprattutto non sopporta quel suo tono sicuro di sé di chi ha capito cosa fare della vita, di chi ha avuto “la visione”. Spegne l’apparecchio, si alza, prende una sedia e la scaglia al suolo.

Krapp si versa un caffè liofilizzato, accende di nuovo la radio, cerca una stazione con musica migliore, la spegne. Si sposta a sinistra, si siede davanti ad un altro piccolo tavolo e mette un disco di Billie Holiday. Esce dalla porta da cui era entrato e se la chiude alle spalle. Si sente il rumore dello scarico. Torna in scena. Si siede di nuovo. Accende il registratore per ascoltarsi. Nel nastro parla dell’amore. Di quell’amore a cui all’epoca aveva deciso di rinunciare per stare con se stesso, nella sua tana, per scrivere.Quell’amore che aveva ritenuto non essere necessario, che non gli interessava più. Nel nastro ricordava Bianca, la gita in barca sul lago, lui sul suo petto, l’acqua che li cullava, gli occhi di lei, … Ma adesso che era il suo trentanovesimo compleanno, erano già passati dieci o dodici anni da quell’incontro. Spegne di nuovo il registratore e il Krapp in scena si dà dell’imbecille. Come aveva potuto rinunciare alla vita per descriverla? Perché aveva rinunciato all’amore? Aveva avuto forse ragione ad agire a quel modo?

Inizia a registrarsi. Anche stasera è il suo compleanno. Ora Krapp è vecchio e deve tirare le somme dell’anno trascorso. Cosa è stato l’ultimo anno? È stato 17 copie vendute a una sterlina, qualche scellino e pochi penny. È stato un paio di scopate con una puttana. Nient’altro.

Spegne il registratore, ascolta di nuovo la registrazione in cui parlava di Bianca. Forse per una volta sarebbe meglio essere. Si dice. E la sua voce registrata lo raddoppia e conclude “i migliori anni sono finiti quando la felicità era ancora possibile. Ma non li rivorrei indietro, non li rivorrei indietro”.

La regia di Fabrizio Trisciani e l’interpretazione di Altero Borghi lavorano sui contorni di Krapp, conferendo al testo un’aura lirica, romantica, senz’altro inedita rispetto alle messinscene beckettiane. Una strada interessante, perché nuova.

Eleonora Bagnani

Ivo Grande

]]> http://teatrinscatola.wordpress.com/2008/10/31/lultimo-nastro-di-krapp-domani-a-teatrinscatola/ Fri, 31 Oct 2008 11:52:38 +0000 straligulp http://teatrinscatola.wordpress.com/2008/10/31/lultimo-nastro-di-krapp-domani-a-teatrinscatola/

Tre giorni di repliche, a partire da domani, per “L’ultimo nastro di Krapp”, spettacolo che chiude il cartellone di TeatrInScatola 2008. Sabato, Domenica e Lunedì alle ore 21.30, sala Lia Lapini. Lo spettacolo, tratto dall’omonima opera di Beckett, è una produzione di Sobborghi Onlus, diretto da Fabrizio Trisciani e interpretato da Altero Borghi.

Forse il Circo Bordeaux avrebbe potuto spingere di più affinché la pittura di Francis Bacon entrasse nella pièce, e forse anche gli spunti meta teatrali sarebbero potuti essere, in qualche modo, più sviluppati. Ma fin dall’inizio Anna Amato, entrando in scena brandendo una mannaia e con un pollo spennato da sgozzare, ha dichiarato che quello che volevano mostrarci non era un teatro spettacolare, perché per fare teatro non c’è bisogno per forza di provocare, di shockare il pubblico. Anche se Godard diceva quella cosa, a proposito del teatro, il pollo non viene sgozzato. La provocazione sta questa volta nel non provocare.

In scena ci sono tre cabine, sembrano tre docce. Una è col fondo blu e il plexiglass effetto bagnato; una centrale, gialla con il plexiglas come rigato da gocce d’acqua. La terza cabina, a destra, è rossa, l’unica con il vetro trasparente, non deformante. La storia narrata è quella della relazione sentimentale tra il pittore inglese Francis Bacon e il suo amante, George Dyer. Due donne, Manuela Congia, nel ruolo di Bacon, e Anna Amato, in quello di Dyer, per raccontare una storia omosessuale tra uomini. Ma è un gioco teatrale e allora non c’è problema se la donna fa l’uomo.L’azione si svolge tra lo spazio centrale, davanti alla cabina gialla, e lo spazio interno alle tre cabine, in cui l’illuminazione gioca un ruolo fondamentale, deformando le figure che vi si muovono, rimandando alle pitture di Bacon. Si mette in scena la vita degli amanti, mentre camminano per le strade di Chelsea, sbronzi, tornando da una festa; si mette in scena la loro quotidianità tra le mura domestiche, ed emerge chiaramente la disparità del rapporto, con un Bacon dispotico, e un Dyer succube, che di continuo cerca di essere apprezzato dall’amante. Se la cabina col fondo blu è la prediletta da Dyere la rossa (col vetro non deformante!) da Bacon, la gialla è il punto di incontro e di scontro. È nella cabina gialla infatti che Bacon fa sistemare Dyer nell’atto di ritrarlo e, soltanto suggerendogli le pose, ci troviamo dinnanzi a una copia viva, in carne, ossa e plexiglas, di una pittura di Bacon. È sempre nella cabina gialla che assistiamo all’amplesso tra gli amanti.

Ai momenti di narrazione, intrisi di ironia e tragicità, si alternano momenti di riflessione meta teatrale in cui le attrici si rivolgono al pubblico chiedendosi come sarebbe potuta essere quella scena se ora il personaggio fosse rientrato in un certo modo, dicendo una determinata cosa, magari vomitando sangue di fronte al pubblico. E Dyer lo fa, rientra in scena con quella posa, dicendo determinate cose, ma non vomita sangue, così come il pollo non era stato sgozzato all’inizio dello spettacolo. E poi arriva un momento che potrebbe apparire quasi totalmente scollegato dal resto della pièce, in cui le due attrici ci mostrano rispettivamente immagini in digitale e in carta stampata, sovrapponendole a parti del loro corpo. Due intenti emergono da questo. L’attrice-Dyer mostra le immagini in digitale. Posiziona la macchina sul proprio occhio e scorrono immagini di tanti occhi; sulla bocca, scorrono immagini di tante bocche; sul seno, tanti seni, e così via, come ad annullare, a confondere la propria identità. Quindi è un Dyer che sente chiaramente la propria precarietà, il non sapere quale ruolo occupa nella vita e soprattutto in quella di Bacon. L’attrice-Bacon, si sfoglia sul volto immagini di se stessa, magari sgranate o sfuocate, ma di se stessa. Bacon dunque sa chi è, si appartiene, ma non gli basta e allora diventa cranio sezionato, teschio e infine immagine fotografica di Bacon. Doppio intento quindi, perché in questo svisceramento dell’immagine dell’attrice si riflette la poetica del pittore, il lavoro di scarnificazione, l’entrare dentro alla figura ritratta per carpirne l’essenza.Di nuovo meta teatro, perché il lavoro di Bacon, per arrivare a quel suo modo di dipingere, si muove parallelamente al lavoro compiuto su se stessa dall’attrice, per arrivare alla messa in scena del pittore.Scarnificazione.

Come in ogni storia d’amore, arriva ineluttabile la fine. La pièce si chiude con il monologo di Bacon, da solo, al centro della scena, col volto sporco di pittura. Si racconta e ci racconta la fine della sua storia d’amore. Ricorda, quasi in trance quella sera a Parigi, quella sera di festa per la sua personale al Grand Palais, quando un poliziotto gli comunicò che era stato rinvenuto il corpo senza vita di Dyer. L’attrice non può che suggellare con un rituale questo matrimonio sui generis tra teatro, pittura e semplice vicenda umana. Manuela Congia versa sul pavimento, al centro della scena della vernice rossa. Rossa come il sangue del pollo che non è mai stato sgozzato, rossa come il sangue che Dyer non ha mai vomitato. Perché, come diceva Godard, “Non è sangue. È rosso.”

Eleonora Bagnani

La compagnia romana Circo Bordeaux, nata circa dieci anni fa in seno all’ Accademia d’Arte Drammatica Silvio d’Amico, approda alla sala Lia Lapini con quella che dagli intenti vuole essere una dedica al genio di Francis Bacon, uno tra i più significativi pittori del secondo Novecento, la cui cifra formale risiede nella progressiva scarnificazione della persona, deformata al punto tale da vedersi sottratta la propria soggettività per proiettarsi come immagine universale della sofferenza e della perdita d’identità dell’umanità postbellica.  La volontà del Circo Bordeaux di riflettere sulla pittura ed in particolare sull’atto creativo (Bacon Mode fa parte di un trittico non concluso dedicato ad altre due figure di grandi artisti, Hopper e Bosch) è solamente uno dei molteplici piani che si intrecciano in Bacon Mode.

La scena si apre con una dichiarazione di intenti. Un’attrice stringe un pollo per il collo e con l’altra una mannaia. Ed ecco che negli occhi dello spettatore dovrebbe cogliersi un leggero atto di stizza per l’imminente morte del pollo a cui tanto “teatro d’avanguardia”  dovrebbe averlo preparato. “In teatro non possiamo più permetterci di non provocare” ci dice Andreoli attraverso la bravissima Anna Amato. Ma quale teatro? E soprattutto in che modo interpretare la parola “provocazione”? Il Circo Bordeaux intende prendere le distanze non da determinati modi di far teatro ma dalle classificazioni, proponendo in un certo senso il ritorno ad una ricerca che sia classica e personalissima, presentando al pubblico di Siena non la via della provocazione, non quella del decoro, che eviterebbe al nostro pollo di venir brutalmente sgozzato, ma una terza via. Questa terza possibilità prende vita sulla scena attraverso la storia un amore, l’amore tra due personaggi, interpretati da due brave attrici, che si presentano al pubblico come il pittore Francis Bacon e il suo amante George Dyer ma che potrebbero benissimo esistere senza portare il peso ingombrante di questi due nomi. Anna Amato  e Manuela Congia riportano sulla scena tutta la complessità della relazione, non quella specifica tra Bacon e Dyer ma la relazione tra gli uomini, mettendo in evidenza le difficoltà insite in ogni rapporto. Ed ecco allora che il nome di Francis Bacon perde la sua centralità, ricordato agli spettatori tramite tre pannelli distorcenti posti sulla scena, immediato richiamo alla cifra stilistica del grande pittore. Lo spettacoli si sviluppa attraverso gli alti e bassi della relazione, con momenti di divertita ironia alternati a dosata drammaticità, interrotti da citazioni e interventi “meta teatrali” che contribuiscono ad aumentare la complessità della messa in scena. Piani che si intrecciano, discorsi che si interrompono per poi essere ripresi. Oppure no? L’impressione che se ne ha è quella che il Circo Bordeaux abbia intrecciato una matassa troppo grossa. La riflessione sull’atto creativo, sulla modalità della messa in scena, sulla distorsione della persona, sul rapporto tra oggettività e soggettività, tra narrazione e meta teatralità costituiscono senza dubbio interessantissimi spunti di riflessione che però non trovano pieno sviluppo all’interno della messa in scena.

La scena finale, legandosi a quella iniziale, intende chiudere al suo interno la storia di George e Bacon, ma la storia di Bacon e George contiene essa stessa molteplici temi. Francis Bacon, a Parigi in occasione dell’esposizione al Petite Palais, riceve la notizia della morte di George, il suo sangue cola sul palco da un contenitore di vernice rossa: il pollo viene ucciso attraverso il gioco della scena. Ecco la terza via proposta dal Circo Bordeaux: non la via della provocazione, non la via del decoro ma la via della finzione. Scelta ai limiti dell’ovvietà, perché, si potrebbero ribattere, che cos’è allora il teatro?

Caterina Viti

]]> http://teatrinscatola.wordpress.com/2008/10/29/marco-andreoli-parla-di-bacon-mode/ Wed, 29 Oct 2008 00:52:22 +0000 straligulp http://teatrinscatola.wordpress.com/2008/10/29/marco-andreoli-parla-di-bacon-mode/

Debutta stasera a TeatrInScatola “Allegorie: Balad – Terra”, spettacolo scritto e diretto da Sara Due Torri, che chiude il programma di danza della rassegna. Lo spettacolo sarà replicato mercoledì 29 e giovedì 30.

Once

ALLEGORIE: BALAD – TERRA

Ideazione: Bonnie Eldred, Farah Saleh e Sara Due Torri – Regia: Sara Due Torri – Con: Bonnie Eldred e Stefania Petracca – Scene e Costumi: Marco Caboni – Musiche: Beethoven e Paolo Angeli – Produzione: Straligut Teatro, con il contributo del Comune di Siena. Con il sostegno della Corte dei Miracoli – Si ringrazia Stefano Jacoviello per la consulenza musicale.

Palestina. Israele. Nell’azione di dominio e occupazione, dove cercare la sottile linea di confine tra la responsabilità individuale e l’ineffabile giogo del condizionamento di stato? Due popoli fratelli. Uno vincitore. L’altro vinto. Ma chi realmente gioca la partita? Chi può muovere le pedine? Chi può prendere posizione? Le risposte non sono scontate.

La compagnia Circo Bordeaux mette in scena “Bacon Mode”. Sabato 25 Ottobre, ore 21.30

Scritto e diretto da Marco Andreoli – Con: Anna Amato e Manuela Congia – Immagini e scene: Marco Andreoli – Disegno luci: Marco Fumarola – Assistenza tecnica: Antonio Andreoli e Atemia Mandorla – Prodotto dall’Ass. Cult. Circo Bordeaux con il sostegno della provincia di Lucca.

Daniele Timpano, vestito di bianco, è al centro della scena. Una voce off ci avvisa che mancano 66 minuti alla fine dello spettacolo. Mentre la sigla di Mazinga scorre, Timpano ce la mima, come stesse dirigendo un’orchestra. Ri-assistiamo al primo episodio del cartone animato, ma questa volta non siamo sul divano di casa nostra davanti alla TV, ma a teatro. Una sfida, ben riuscita, è infatti quella dell’attore romano, la sfida di portare in sala quanto di più lontano può esserci dal teatro: il cartoon. Timpano sostiene i ritmi dell’episodio di Mazinga, si cala nella parte di tutti i personaggi del cartone, affidando a ognuno una posa, che rimanda a quelle dei disegni di Go Nagai. Le gelatine sui faretti sono sue complici, così il Dottor Inferno è viola, Yuri è giallo, Mazinga è blu e Afrodite A è rosa. Le voci dei personaggi sono registrate, come nel cartone animato: non si tratta di un vero e proprio play back, perché Timpano non cerca di articolare le parole, si limita ad aprire e chiudere la bocca, o semplicemente a tenerla aperta quando il personaggio parla, chiusa quando tace, come avviene nei disegni dei cartoni animati. Il suo teatro è un teatro povero, come a basso costo erano i cartoni animati che nel 1978 invasero i palinsesti italiani.

Finito il primo episodio, la solita voce off ci avverte che adesso mancano 54 minuti alla fine dello spettacolo. Timpano torna in scena portandosi una sedia, simbolo del mutamento di intenti. Si siede, come il pubblico è seduto, si siede davanti a noi e ci narra come mai ha deciso di portare in scena il mondo dei cartoni animati. Ci racconta la sua infanzia davanti alla televisione. Ci spiega come i cartoon giapponesi siano stati il primo stimolo, il primo modo di creare il proprio modello comportamentale, estetico e morale, una sorta di cultura imposta, prima di raggiungere l’età in cui decidere cosa studiare. La nostalgia per questa televisione, che tanta parte ha avuto nella sua vita, è il motivo per cui ha deciso di parlarcene in uno spettacolo teatrale. Ma non c’è solo la nostalgia, c’è anche una critica pungente, che esce, volutamente a volte più a volte meno, allo scoperto. Siamo nel 1978 quando le televisioni pubbliche italiane mandano in onda la prima puntata di un cartone animato giapponese fatto di robottoni violenti e guerrafondai. In Italia sono gli anni di piombo, sono gli anni del rapimento Moro e delle Brigate Rosse, e sono anche gli inizi dell’ascesa di Berlusconi e delle sue televisioni. Il teatro di Timpano parla di cartoon perché è un argomento che l’autore della pièce ben conosce. Ma ne parla anche perché all’epoca crearono scalpore. Politici, genitori e giornalisti condannarono questi mostri violenti, pornografici e sessisti dell’Asia, che avevano invaso l’occidente. Mentre il terrorismo rosso e nero colpiva dall’interno, l’invasione gialla ci aggrediva dall’esterno, parafrasando Timpano. La televisione di Stato cessò di mandare in onda i cartoni. La Fininvest li monopolizzò e in questo modo poté fornire un immaginario collettivo all’infanzia di quegli anni. Tanto che Timpano arriva a dire che siamo tutti meticci, la nostra mamma è giapponese e il nostro babbo è Berlusconi; dopodiché non può che cadere a terra svenuto.

Mancano 27 minuti alla fine dello spettacolo. I cartoon scendono in campo ed occupano l’etere. I grandi protestano. I bambini se ne fregano e continuano a stare piantati davanti alla TV, perché anche se i disegni sono brutti, con uno schema narrativo che fa pena, monotono, uguale, con le musiche strappacore messe nei punti sbagliati e i colori eccessivi e sparati, ci piacciono. Anche se i genitori si lamentano che sono violenti e diseducativi la vera violenza non è quella dei robottoni, quella non ci pesa, ci pesa se mai quella di padre e madre che si urlano contro dietro la porta col vetro zigrinato del soggiorno.

12 minuti alla fine dello spettacolo. Il tempo giusto per l’ultimo episodio inedito di Mazinga (in Italia non fu mai mandato in onda). Il novanta percento dei presenti in sala si gode quella puntata che aspettava da almeno vent’anni. Non ci importa più sapere se i cartoni giapponesi abbiano fatto bene o male alla nostra infanzia. Di sicuro, se non li avessimo visti, non avremmo apprezzato lo spettacolo di Timpano – e Timpano non ci avrebbe messo su uno spettacolo! – Quel che ci interessa è che il robottone stasera ha sconfitto il male. Mancano due parole alla fine di questa recensione.

Eleonora Bagnani

Alle 21.30 andrà in scena lo spettacolo della compagnia romana Amnesia Vivace ”Ecce Robot! Cronaca di un’invasione”, scritto, diretto e interpretato da Daniele Timpano; info e prenotazioni 392 9010239 – 380 5437467

Daniele Timpano

Mazinger

Domani 16 Ottobre alle 21.30 TeatrInScatola presenta ”Verso La Luce”, spettacolo scritto, diretto e interpretato  da Leonardo Diana.

Leonardo Diana su Myspace

Quando entriamo nella sala, sono due in scena, seduti sulle sedie bianche. Aspettano che anche il pubblico si sistemi. Il più giovane ci guarda. L’altro non bada a noi, legge un quotidiano. Silenzio. Entra il terzo, prende una sedia anche lui. Bianca. Guarda noi e i due in scena, cerca un dialogo. Un contatto.  Si siede. Indugia. Cerca le parole giuste. Domanda “come vanno le cose”. Le cose migliorano. È la risposta. Le cose migliorano. Perché la luce migliora. Migliora la luce dei neon, artificiale, sparata sulle loro facce e che incornicia tutta la scena, creando uno spazio asettico, in cui i soli riferimenti al mondo naturale sono un piccolo cactus su un tavolinetto bianco e il teschio di un mammut sul fondo della scena. Ma la luce è più luminosa, quindi le cose migliorano. Adesso, si esce più spesso in barca si può andare lontano, solcare i mari fino ai confini di un mondo che è tornato ad essere piatto, coi bordi ben definiti al di là dei quali non sappiamo cosa ci sia, ma le cose migliorano. Migliorano, anche se Bobby sta chiuso in casa, e il mondo cerca di aggredirlo da fuori. Le cose migliorano perché Bobby ha la sua credenza di legno pregiato, dove è riposto tutto ciò di cui lui può aver bisogno, compresa Parigi, sotto un panno speciale che la protegge, perché la rende invisibile. E allora si può andare in barca e cantare quella canzoncina da supermercato o da film porno. Tutto migliora perché adesso la gente pulisce la ciotola del cane e passa l’aspirapolvere in macchina. Adesso che si è scoperto il gene di chi mette i materassi bruciati fuori di casa e che poi strangola i figli, tutto migliora. Le cose migliorano perché molte meno macchine vengono rovesciate. E anche se sparano a Bobby dalla finestra e lui si trascina sulla scala a chiocciola verso la chiave per uscire dicasa, le cose migliorano. È chiaro: quello che Bobby perde in sangue, lo guadagna in fiducia. Si può sorridere e si può cantare quella canzoncina, perché abbiamo constatato e, soprattutto deciso, che ci sono Meno emergenze. Mettiamo il disco e cantiamola, con un microfono di luce rossa, sorridiamo e cantiamo la canzone di Roy Orbison. Cantiamola, come faceva Dean Stockwellin in quel film di David Linch.

Come in un’opera settecentesca, arriva l’intervallo “buffo” tra i due atti dell’opera seria. Ora siamo in Iraq e un grottesco Patch Adams col suo assistente-mimo spiegano alle donne irachene come proteggere i loro figli quando giocano in casa o in giardino, perché le loro case, senza le giuste precauzioni, possono trasformarsi in veri e propri campi minati. E quindi: “Mamme premuratevi di fare attenzione a stoviglie, angoli appuntiti, al cassetto dei medicinali e soprattutto alle scale! Ma state comunque tranquille, perché se qualcosa dovesse accadere, in casa, al vostro bambino, non dovete che chiamare il medico, quel medico che da una vita non fa che attendere la vostra telefonata”. Sorridiamo…

Secondo cambio di scena, in penombra, tre figure, vestite da iene di Tarantino, si incontrano e si scontrano, come in un esercizio di preparazione da compagnia teatrale, prima di provare lo spettacolo o di andare in scena. Vanno in scena. Si rivolgono al pubblico. Uno dei tre pare non ricordare la parte, tanto che gli altri di continuo gli suggeriscono le battute. Le battute del boia. Le battute di un uomo che sta per compiere una strage in una scuola elementare. Di un uomo la cui vita viene ripercorsa, interrogata, sondata. E nella sua vita non c’è nulla di strano, di anormale. È un postino, con una bella casa, una moglie, un figlio. Ma ora è lì, nella scuola elementare e i bambini divengono lettere dell’alfabeto a cui puntare la pistola alla tempia e sparare, in un aerosol di sangue che fluttua nell’aria. E mentre ancora ci chiediamo chi è quell’uomo, è lui che ce lo canta col Blues della consegna in dodici battute. Si confessa al microfono, mentre gli altri due si fingono bassista e chitarrista. Ci canta la sua confessione. Un cantare che rima col canto del primo dei Tre pezzi facili, crea simmetria, chiude il cerchio. Le luci si spengono sul trittico di una contemporaneità satura e impenetrabile.

Eleonora Bagnani

La nuova drammaturgia contemporanea è esplosa con la violenza di un uragano nelle sale londinesi dei primi anni novanta. Si è parlato per questo gruppo di giovani e spiazzanti autori di “nuovissimi arrabbiati”, tanto per distinguerli dalla generazione di  “Looking back in anger” quanto per sottolineare la forza violenta del linguaggio che li caratterizza,  teso sempre a mettere a nudo la deriva della società contemporanea, corrotta e malata. Di questo folto gruppo di scrittori, molto criticati e parallelamente pluripremiati, fa parte anche Martin Crimp,  pur restandone sempre un po’ in disparte, distinguendosi per una personalissima sperimentazione formale sulle possibilità del linguaggio.La riflessione singolare sulla scrittura e le sue potenzialità nascoste, conduce l’autore ad una drammaturgia evocativa ed ambigua, ricca di riferimenti esterni, in grado di riflettere in qualche modo, tramite la destrutturazione drammaturgica, la destrutturazione del reale che caratterizza la società contemporanea. Ecco perché accostarsi ad un autore come Martin Crimp risulta tutt’altro che “facile”, come tutt’altro che facile è mantenere una propria visione artistica e farla valere al di là e insieme alla potenza di questo tipo di linguaggio. L’Accademia degli Artefatti sembra riuscirci. Non nuova alla riflessione sulla drammaturgia contemporanea, ed in particolare a quel gruppo di autori sopra citati coagulatisi attorno al Royal Court, la compagnia romana riesce a riportare, tramite la messa in scena dei “Tre pezzi facili”, gran parte del significato della ricerca di Crimp. Le luci si accendono su immediate reminescenze pinteriane e beckettiane per poi prendere, fortunatamente, una strada del tutto diversa. “Meno emergenze”, il primo e più riuscito degli “esercizi crimpiani”, rende manifesta una straordinaria costruzione drammaturgica esaltata dalla desolante comicità della messa in scena, costruita su tre enigmatici personaggi legati da indecifrabili relazioni. L’ironia tragica con cui viene riportata la vicenda di una probabile guerriglia urbana, il totale distacco con cui questi episodi ci vengono raccontati, proprio come possiamo discutere in maniera del tutto innocente di “ipermercati”, conferisce al primo pezzo tutta la sua carica violenta. La riuscita interpretazione dell’Accademia degli Artefatti vive nelle pause, nei silenzi, negli slittamenti di significato che ci rendono davvero impossibile credere che “le cose miglioreranno”. Il vuoto è il vero filo rosso che percorre l’intero trittico, il vuoto della parola ma anche e soprattutto il vuoto dell’esistenza. Contaminato da citazioni cinematografiche, riferimenti all’immaginario televisivo e mass-mediatico in cui siamo immersi, lo spettacolo ci conduce in situazioni estreme e di cocente attualità: dall’assedio cittadino, alla guerra in Iraq alle stragi scolastiche, di cui Columbine e Beslan sono i riferimenti più immediati. Paradossalmente più i nostri riferimenti vacillano, più questa diretta riconoscibilità è rimandata,allora più convincente risulta la messa in scena. La lezione sanitaria alle donne irachene, seppur caratterizzata da un cinismo corrosivo portato da un linguaggio che la fa assimilare a quelli che possono essere i nostrani consigli per gli acquisti, non aggiunge nulla a ciò che già il nostro immaginario contiene. Lo stesso per l’ultimo dei tre pezzi facili, “Faccia al muro”, che ci racconta della strage in una scuola elementare, compiuta, pare ovvio, da un postino che si confessa sulle note di un Blues. Al di là di alcune discutibili scelte registiche forse derivanti dalla difficile gestione di uno spazio scenico come quello della Sala Lia Lapini, di imperfezioni recitative che in alcuni momenti rischiano di compromettere la credibilità della scena, quello che emerge con forza e passione dallo spettacolo dell’Accademia degli Artefatti è tutto il vuoto della società contemporanea, la desolazione del vivere quotidiano di una classe, quella medio-borghese, giunta ormai al capolinea, al proprio “bordo”. Quello che interessa è ciò che sta al di là delle parole, che si situa nei silenzi, negli umori dei tre singoli pezzi. E’ tramite il non detto che possiamo prendere coscienza del luogo in cui siamo, la fine del mondo, che altrimenti non riusciremo a distinguere dal momento che ne siamo completamente immersi.

Caterina Viti