Coolio vs Ennio Morricone – Change -2009
http://goload.at.ua/news/coolio_vs_ennio_morricone_change_2009/2009-11-26-647

Tối qua tớ ngồi nghe OST của Inglorious Basterds, thích mê đi nên thử search tìm hiểu chút, và thế là nhận ra ở bài trước mình có một chỗ nhầm thế này: nhạc phim cảnh đầu hông phải nhạc Tây Ban Nha, mà là nhạc của Ennio Morricone, một bác chuyên soạn nhạc cho các phim cao bồi mỳ Ý, bài đó tên là Dopo la condanna, tên tiếng Anh là The verdict.

Lúc xem thì do Châu cảm thấy nó có âm hưởng Tây Ban Nha rất rõ (ko lạ, khi biết nhạc spaghetti Westerns luôn là hoang hoải lãng tử mà nồng nhiệt say đắm kiểu TBN, giống như hình ảnh mấy anh cao bồi trong đó vầy <3 <3 <3) nên hông thèm check kỹ, dầu đã biết anh Quentin Tarantino là die-hard fan của thể loại film/nhạc này .

Chuyện đính chính thì nhỏ, dưng nó cho tớ cơ hội để chia sẻ ý kiến với các bạn về một chuyện khác : ).

Ấy là, tớ cho rằng, khi viết review, việc tìm kiếm thông tin, hay tổng quát hơn là study về một chi tiết nào đó chỉ là nên với những cái mình ngờ ngợ dưng chưa chắc. Chứ nếu hoặc mình ko có cảm giác gì, hoặc cảm giác đã quá rõ ràng và mình tin ở nó, thì có lẽ tạm thời hãy cứ tin đi, viết nó ra và đừng e ngại đi verify chỗ này chỗ kia làm gì : ).

Làm như vậy hông phải vì lười (dù đúng là miềng cũng lười thật ), mà quan trọng hơn là vì thế này:

Tớ nghĩ, xem phim, cũng giống như nghe nhạc, ngắm tranh, ngửi nước hoa, etc, nó là nên là cơ hội để experience bằng cảm nhận cái tác phẩm đó, được trợ giúp bằng, nhưng không nên dựa trên duy nhất, và càng không nên bị chèn ép bởi tri thức. Hãy cứ nên coi như ta đang bước vào một cuộc hành trình khám phá độc lập, chứ không phải đang đối mặt với một Mission: Impossible 4 đòi hỏi phải lục tung thư viện, ptích, so sánh, đối chiếu chỉ để cày nát tác phẩm tỉ mỉ chính xác đến từng chi tiết nhỏ. Cái thứ hai nì mất công đã đành, mà đôi khi khiến ta lạc lối trong tri thức mà bỏ quên cảm xúc thật, điều có thể dẫn đến cái gọi là cảm nhận tác phẩm kiểu đánh giặc trên giấy, tớ cho là ko có nên cho lắm : ).

Ấy là xét cho trường hợp đã có cảm xúc, còn trong trường hợp chính vì do ko có tý idea hay phương hướng gì nên mới đi đào cả Internet lên tìm hiểu, bằng logic suy luận là “mình nên nghĩ thế này thì mới là đúng đạo”, sau đó nắn nót ghi vào review “tôi cho như vầy như vầy”, thì lại càng không có hay. Làm thế, tớ nghĩ, sẽ là không trung thực với mọi người, và tệ hơn, là không trung thực, yêu quí và tôn trọng chính cảm xúc của mình.

Cuối cùng, có lẽ là sở thích cá nhân thôi, ấy là tớ thích review phản ánh chính xác quan điểm riêng mỗi người theo cách original and natural nhất có thể. Review có thể đúng, có thể sai, nhưng đúng sai gì cũng tạm để trần trụi như thế, có thể sau này do thiên hạ ptích hay tự tìm hiểu suy nghĩ thay đổi sao đó, dưng giờ hãy cứ dũng cảm thể hiện, hãy để review chớp lấy và lưu giữ cái khoảnh khắc cảm xúc đầu tiên và tự nhiên này, như là một bức ảnh chụp tâm hồn mà sau này bạn có thể nhìn ngắm, đối chiếu và hiểu rõ hơn về mình. Điều ấy, tớ nghĩ, mới là điều quan trọng nhất khi viết review : ).

Quay về với nhạc của IB nhé : ). Với suy nghĩ hòan toàn theo hướng trên, do tớ đã có thể cảm nhận được âm điệu, âm hưởng của nhạc nên không chỉ khi bình luận phim tớ không đi search thử nữa, mà ngay lúc này tớ cũng nghĩ y như vậy, nghĩa là nếu cho chọn lại, tớ cũng vẫn sẽ chọn không check như trước mà thôi (I’m strong-headed, huh ; )) ).

Vầy cho nên, nhân hôm qua nghe OSTs ngẫu nhiên tìm ra thông tin trên thì viết bài nì đính chính cho bạn nào muốn tìm hiểu kỹ thêm, chứ việc đó hòan toàn không làm thay đổi kết luận về nhạc của IB. Nó sẽ vẫn luôn là: Nhạc hay, rất hay là khác, dưng so với cảnh, thì phần lớn là chỉ chút tương hợp cho có mà thôi : ).

Tất nhiên ấy là phần (khá) lớn, chứ ko phải ko có bài hợp cảnh, nhân tiện hôm qua nghe lại, hôm nay mình tặng luôn các bạn bài thí dụ sau đây:

Inglorious Basterds OST- Un amico- The song of Shoshana : )

I’m so in love with it : ).

Đây là một bài nhạc du dương say đắm như trong mơ song cũng đâu đó phảng phất sự bi tráng, nhịp điệu dịu dàng da diết nhưng vẫn xen một chút căng thẳng thôi thúc khi khi kề sát thời khắc sinh tử, một kiểu “đêm trước trận đánh” vậy. Nó mang cái lãng mạn đẹp nhưng buồn, có khí phách nhưng cũng có trăn trở của người chiến sĩ, một người chiến sĩ như Kinh Kha xưa đứng bên bờ sông Dịch,

chứ hòan toàn không phải nhuốm màu lãng mạn mơ mộng kiểu tình yêu cá nhân. Còn đẹp, buồn, và đáng trọng hơn nữa, khi biết rằng, người đóng vai trò gần như “một chiến sĩ” ở đây lại là một phụ nữ . . .

Người phụ nữ ấy, với mái tóc đó, màu son đó, chiếc váy đỏ đó, trong khung cảnh lộng gió với bản nhạc ấy, quả thật là quyến rũ bi tráng đến mê hồn . . .

P.S: Tối qua ngồi nghe hết cái OSTs của IB, phải treo ngay cái status fb: Down with the film, but viva the music ^^.

Mình nghĩ mình thành fan của bác Ennio Morricone này mất rồi :”>.

He he, mà xem về bác EM này còn phát hiện ra là chính bác soạn nhạc cho “The Good, the Bad and the Ugly” (Il buono, il brutto, il cattivo) đấy, what a nice coincidence, huh ^__^?

Fonte: “Corriere Fiorentino“

ROMA — Claudio Baglioni se la cava con una battuta: «Volevo fare il collezionista d’assi».
E per il doppio cd «Q.P.G.A.», nei negozi da venerdì, ha chiamato 69 («Il settantesimo sono io») fra musicisti e cantanti. Con un obiettivo: rileggere e ampliare il disco del 1972, «Questo piccolo grande amore », che raccontava la nascita e la fine della storia fra un ragazzo di periferia e una fanciulla borghese. «Più di una volta stavo per desistere — spiega — è un’opera troppo grossa per due spalle sole. Ma le prime canzoni di quel vecchio album le ho iniziate a scrivere nel ’69. Sono passati quarant’anni, così ho pensato a una festa di compleanno alla quale ho invitato gli amici, con l’imbarazzo di chiedere a volte cose infinitesimali». Dall’imbarazzo lo ha tolto Mina, interprete di una strofa della celebre canzone che dà il titolo al disco. 

«Mi ha detto: questo è il regalo più bello ed elegante. Così ha grazia, così ha bellezza». Con la «tigre di Cremona » ha discusso soltanto di come affrontare la «parte» a lei assegnata. «Non voleva che il suo fosse un trionfo, un’esibizione della grande cantante. In realtà sono stato un tiranno: non sono mai sceso a patti con i pensieri degli altri. E tutti sono stati generosi nell’accontentarmi ».
Ogni «graffio» ha tante piccole storie da raccontare. Laura Pausini: «Le ho chiesto di cantare in una tonalità altissima: lei non ha battuto ciglio». Fiorello, invece, «soprattutto all’inizio, non ha resistito alla tentazione di imitarmi un po’». Ma la lista di nomi è lunghissima: Gianni Morandi, Giovanni Allevi, Renzo Arbore, Franco Battiato, Gigi D’Alessio, Anna Tatangelo, Jovanotti, Loredana Bertè. Claudia Gerini, Pino Daniele, Ivano Fossati, Enzo Jannacci, Riccardo Cocciante, Giorgia, Elio e le Storie Tese, Fiorella Mannoia, Ornella Vanoni, Antonello Venditti, Ennio Morricone. Un segno, con la chitarra, lo ha lasciato anche Giovanni, figlio di Baglioni. «Non è un disco da karaoke — sottolinea Claudio — né un remake, né un album di duetti. È un affresco: 70 graffitari si sono uniti per sporcare il muro della memoria. Discograficamente non è un’opera che ha un senso, perché va fuori dalle logiche di mercato. Ma tutti noi siamo fieri di averla terminata». Manca più di un amico all’appello, qualcuno sottolinea l’assenza di Francesco De Gregori. «Gli dirò che è stata notata, riempirò così quella civetteria che ci accomuna », scherza Baglioni.
Il nuovo album — quarta parte di un progetto che ha visto «Questo piccolo grande amore» diventare un film, un libro e un tour — contiene cinquantadue canzoni, di cui quindici sono la rivisitazione dei pezzi del vecchio album, altri sono inediti, invenzioni su testi o musiche diverse. C’è anche il recupero di «Lungo il viaggio» che, all’epoca, venne censurato: «Racconta di una manifestazione di piazza e i discografici lo considerarono troppo politico per uno come me che aveva scritto un album romantico. Quelli sono stati gli anni dell’ultimo sogno: per tutti c’era la speranza di un mondo migliore. Poi abbiamo continuato a sognare ma era una smania, un’ossessione, più che il tentativo di cambiare la realtà».
Dalla primavera Baglioni riprenderà a lavorare all’album di inediti. Ma intanto, il 30 novembre sarà in concerto a Torino per il Fai. E il 5 dicembre, da Milano, partirà con il tour che presenterà l’integrale di «Q.P.G.A.». Toccherà Padova, Napoli, Firenze, Roma, Bologna e Genova. E il cantautore romano non esclude un musical ispirato all’opera, anche se «finora non c’è ancora un progetto concreto».
Sandra Cesarale

Fonte: “adnkronos“

Roma, 24 nov. (Adnkronos) – Settanta guest star della musica italiana per il nuovo doppio cd di Claudio Baglioni “Q.P.G.A.” che esce venerdi’ e che contiene cinquantadue brani, di cui quindici sono la rivisitazione dei pezzi dell’album del ‘72 “Questo piccolo grande amore”, altri sono reinvenzioni totali o parziali con testi o musiche diverse, alltri ancora inediti. Ma tutti uniti dal tema primo grande amore, quello che non dura tutta la vita, ma te la cambia per sempre. Per questa ‘disco-storia’ o opera popolare moderna, Baglioni ha voluto accanto a se’ la gran parte degli artisti che hanno fatto la storia della musica italiana, dal pop alla canzone d’autore, dalla musica classica al jazz.

L’elenco delle partecipazioni e’ davvero da record: si va da Alice a Giovanni Allevi, da Renzo Arbore a Luis Bacalov, da Franco Battiato a Edoardo Bennato, da Loredana Berte’ a Mario Biondi, da Andrea Bocelli a Stefano Bollani, da Riccardo Cocciante a Pino Daniele, da Fiorello a Ivano Fossati, da Giorgia a Enzo Jannacci, da Jovanotti a Mina, da Gianni Morandi a Morgan, da Ennio Morricone a Laura Pausini, da Gege’ Telesforo a Ornella Vanoni, fino ad Antonello Venditti e Michele Zarrillo. Per citarne sono alcuni.

Ad ognuno loro, Baglioni ha affidato un pezzo di questa grande storia d’amore: ouverture, preludi, interludi, assolit, temi e melodie che fondono rock, pop, classico e jazz. Un disco totalmente nuovo dal punto di vista musicale e letterario. “Non una ’semplice’ riscrittura -spiega Baglioni nelle note autografe dell’album- ma una composizione musicale completamente rinnovata. Una partitura nella quale si fondono brani editi e inediti con brani e momenti musicali che nascono dalla contaminazione degli uni e degli altri. Temi melodici che vengono, di volta in volta, annunciati, abbozzati, suggeriti, sviluppati, enunciati, ripresi, smontati e rimontati”.

Fonte: “repubblica.it“

70 artisti uniti per il grande amore

Mina, Fiorello, Morricone, Cocciante, Battiato, Giorgia, Bacalov, la musica italiana nel doppio cd in uscita venerdì. Il cantautore ripartirà in tournée dal 5 dicembre a Milano

ROMA – Claudio Baglioni fa le cose in grande. Da sempre ma soprattutto in questi ultimi anni. Da quando l’anno scorso ha ripreso in mano Questo Piccolo Grande Amore, il concept album uscito nel 1972, non si è più fermato. Ne ha tratto un libro, un film diretto dal regista Riccardo Donna, e un tour. Ha ritrovato le canzoni di allora, le ha rimodellate modernizzandole senza stravolgerle, se n’è innamorato di nuovo e oggi torna a presentare l’ultima fatica, quella che metterà la parola fine al progetto Q.P.G.A.. Un nuovo album, doppio, che esce venerdì 27 novembre e che contiene cinquantadue brani, di cui quindici sono la rivisitazione dei vecchi pezzi, altri sono reinvenzioni totali o parziali con testi o musiche diverse, altri ancora sono inediti. Uniti dal tema del primo amore: “quello che non dura tutta la vita ma te la cambia per sempre”, ha detto il cantautore.

Tra gli ospiti che hanno partecipato al concertopera, o all’opera rock – come la definisce Baglioni stesso – ci sono Mina (L’arcobaleno), Franco Battiato (Sembra il primo giorno), Elio e le storie tese, Fiorello, Antonello Venditti, il maestro Ennio Morricone (al piano in Questo piccolo grande amore), Renzo Arbore e Morgan (Buon compleanno), Riccardo Cocciante e nuovi talenti come Giusy Ferreri, Alessandra Amoroso e Noemi. E ancora, Alice, Giovanni Allevi, Luis Bacalov, Edoardo Bennato, Loredana Berté, Mario Biondi, Andrea Bocelli, Stefano Bollani, Pino Daniele, Ivano Fossati, Giorgia, Enzo Jannacci, Jovanotti, Gianni Morandi, Laura Pausini, Gegè Telesforo, Ornella Vanoni, Michele Zarrillo. Un record, un grande amore che unisce la musica italiana, in tutto 70 artisti.

Musica rinata dunque tra ouverture, preludi, interludi, temi e melodie: “Q.P.G.A. è un disco talmente nuovo – ha spiegato Baglioni – dalle fondamenta al tetto, non una semplice riscrittura ma una scrittura musicale completamente rinnovata. Una partitura nella quale si fondono brani editi e inediti con brani e momenti musicali che nascono dalla contaminazione degli uni e degli altri. Temi melodici che vengono, di volta in volta, annunciati, abbozzati, suggeriti, sviluppati, enunciati, ripresi, smontati e rimontati”.

Lo sviluppo del doppio album è quasi sinfonico con diversi caratteri melodici che come i personaggi della storia d’amore, cambiano posizionamento sulla “scena” della narrazione musicale, diventando, di volta in volta, protagonisti, antagonisti, comprimari, personaggi di seconda linea o semplici voci di coro. “Al centro della narrazione musicale c’è – ha continuato Baglioni – la storia di Giulia e Andrea: lei alla vigilia della maturità, lui matricola di architettura, lei centro, lui periferia. Ma mentre il rapporto tra i due (sempre presenti, ma mai nominati nei dischi: nè in quello del ‘72, ne’ in questo) è durato appena un anno, il mio rapporto con la loro storia è andato avanti per quarant’anni”.

Baglioni ripartirà in tournée con Q.P.G.A. concertopera a partire dal 5 dicembre a Milano al teatro degli Arcimboldi, con tappe poi a Padova, Napoli, Firenze, Roma, Bologna e Genova.

Whoever said that the standoff at the end of The Good, The Bad, And The Ugly obviously hadn’t seen this epic duel. What Ennio Morricone’s film score masterpiece was to the 20th century, so “Don’t move the boat!” shall be to the 21st.

Two years from now, you’ll be watching Woodpecker Vs. Snake adapted to the big screen with a $300 million operating budget, directed by Michael Bay and starring Will Smith  as the Woodpecker and Eric Bana as the Snake, with a surprise cameo from Jack Nicholson as “Don’t move the boat!” guy. Mark my words.

(via Lindsay Robertson)

Hopefully you’ve already downloaded (for free) “All the World’s Been Staged” and you already know that Koala Fires’ debut full-length album is going to be released on Saturday, January 2, 2010. Here’s what else you should know… we’ll be joined that night in the Southgate House ballroom by Amo Joy, The Harlequins and The Guitars—three amazing bands that I’m really excited about sharing the stage with.

Amo Joy are an Indianapolis-based band that I was first exposed to at this year’s MidPoint Music Festival. They put on a great live show and had everyone dancing. Find them online and make friends at amojoy.com.

Our Cincinnati friends, The Harlequins and The Guitars will be opening up the show. We’ve played with The Harlequins a couple of times over the past year and they’re personal favorites of mine. The Guitars are a little bit newer so this will be our first time together. Find out how awesome they are for yourself by downloading (for free) their cover of Ennio Morricone’s ”La Resa Dei Conti” at http://theguitars.bandcamp.com.

Of course, our brand-new full-length album will be available for purchase on CD at the show.

Koala Fires The Beeping in Our Hearts CD Release
Saturday, January 2, 2010
The Historic Southgate House
24 E 3rd St, Newport, KY 47071

with guests:
Amo Joy!
The Harlequins
The Guitars

8:30pm doors /  9:30pm show
$5 for 21+ / $8 for 18–20

www.koalafires.com

Dolce&Gabbana The One official website

“This new era in the story of the one is once again captured by revered fashion photographer Jean Baptiste Mondino. His muse, and the unforgettable embodiment of l’eau the one, is Scarlett Johansson. A global icon, Scarlett fascinates audiences with her unique blend of beauty, charm and palpable intelligence.

The original soundtrack for the advertisements was composed by the illustrious Italian composer Ennio Morricone: a haunting tribute to the enduring impression made by l’eau the one woman.”

ENNIO MORRICONE

Quentin Tarantino I’ve missed you.

I’ve missed your rapid fire monologues and adventures into the deep recesses of your brain. I’ve missed your wit, your ability to make blood beautiful and most of all I’ve missed your single-minded assurance in taking what most consider a highly charged, sensitive subject and blowing the shit out of it in a battle cry that is overdue by what 70 years give or take??

Quentin demonstrating his directing style

Yup. My love is rekindled. Inglourious Basterds, a film with the main theme of revenge, is set in an alternate history of World War II in which the entire top leadership of Nazi Germany, namely Hitler, Goering, Goebbels and Bormann attend a film premiere in Paris celebrating the exploits of a German sniper who had managed to kill 300 American soldiers in Italy. Most of the film’s timeframe is set in early June 1944, after the D-Day landings but before the liberation of Paris.

http://www.imdb.com/video/imdb/vi3738173977/

I attended a SAG screening and director’s Q and A led by QT which included the irreverent and talented international cast single-handedly selected by QT himself. (The Tagline is a direct quote from QT in answer to why he wouldn’t meet with German born actress Diane Kruger who happily resides in LA but was required to travel to Berlin for an audition with QT.) The man has a method so don’t bother mixing meetings with your American actors in Germany or your Italians in England. If there’s business to be done it’s gonna get done in your natural habitat with the ruthless precision of “the actor’s director.”

You really don’t watch a Tarantino film nor apparently do you show up to “act” your part in one of his films. “There is a tight, clearly drawn vision with a poetic meter and pace. It’s almost like rap music.” noted QT in answer to his creative process of writing and directing. “Yeah, it’s a poetic rap which if you try to improvise or throw in your own stuff totally destroys the rhythm of the work” observed the one and only Brad Pitt.

I have always felt that you don’t really watch a Tarantino film you enter a world where the only requirement is to suspend reality and just go with him to someplace completely different than you thought you were going. Anything is possible, anything is reality. It’s like getting lost on a road trip and deciding to stop at every roadside bar, not for directions but to get the stories of strangers in process of living their lives. One of my favorite moments in the film, for example, was a scene where a one-sided romantic interest between 2 of the characters culminates in a feverish shootout. As the two lay dying in pools of blood, the scene is taken to another level by the beautifully scored music of Ennio Morricone. Pure Tarantino.

Brad Pitt as a Basterd

Brad Pitt, dressed in head to toe gray, his gorgeous mane of hair hidden by a knit hat and sporting a 3 inch goatee was the epitome of handsome indifference. He elaborated on the subject of being on a Quentin Tarantino set which apparently does not allow for going through the motions even though “ the script, the characters, the work, it is already done for you.”

“When you come on set, you gotta be ready to play. You are in church, the script is the Bible and Quentin is….GOD… You are in school and there are no naps allowed.”

Literally.

At this point Brad told the story corroborated by QT and the rest of the cast that if you where caught taking a nap on set, Quentin would snap a photo of your sloth-like mug in blissful slumber, with a huge purple dildo nestled up to you and then post it for all the cast to enjoy. Brad held up 2 fingers to the audience confirming his dubious distinction of being posted not once but twice on the board of shame.

There were many highpoints to this event like seeing the Oscar bound German actor Christoph Waltz describe his journey from relative unknown in America to landing the prized part of Col. Hans Landa, or QT relating the genesis of the film from idea stage to completion as a truly international film which is as much a foreign film with a healthy supply of subtitles as it is a vehicle smacking of American gumption and Spaghetti Western references.

At one point actor and audience member Martin Kove from The Karate Kid 2 stood up to compliment QT on his music selection which featured David Bowie’s theme from Cat People and to relate his experiences of working on the Karate Kid with the aforementioned Ennio Morricone. At that point Brad Pitt interjected that he had just watched The Karate Kid with his children and that his oldest daughter now insists upon wearing her hair spiked like Ralph Macchio’s character in the film.

At the close of the 4 hour event I realized not only was I being asked to leave the theatre but I was walking through the looking glass and exiting the magical alternate universe that is a Tarantino screening and Directors Q and A in Hollywood.

…give me the magic potion, I wanna go back.

The Pope recently met with artists at the Sistine Chapel to talk with them about their trade, especially in relation to the Church. He focused on a few aspects:

• Their work should be spiritual, because contemporary beauty was often “illusory and deceitful”
• He wanted to “renew the Church’s friendship with art
• Beauty … can become a path toward the transcendent, toward the ultimate Mystery, toward God
• “Faith takes nothing away from your genius or art. On the contrary, it exalts them and nourishes them.”

All incredible words of wisdom from a Pontiff who understands the relationship of art to the transcendent. Over 250 guests attended out of 500 or so invitations. Such notables as Andrea Bocelli, F. Murray Abraham, Ennio Morricone were present. Imagine getting invited!

I find it especially troubling how the Church that gave us such amazing medieval and Renaissance art, sculpture, and architecture, has to renew its friendship with art. Of course, I suspect that the friendship was broken, not by the Church, but by the modern and post-modern trends in art that attempt(ed) to elevate the human spirit beyond the need for God.

I want to pursue the relationship between the Church and the artistic tradition in more detail when I have free time. That the Pope has already renewed the conversation is timely.

Image by Jonathan Bennett from Our Lady of Lourdes Shrine, Euclid, OH. To order prints or download high resolution images, click here

Me he permitido el lujo de seleccionar los más populares y representativos compositores cinematográficos de todos los tiempos. Desde los más antiguos hasta los más actuales, todos tienen una gran importancia, pero quizá los diferentes premios obtenidos o la asimilación de las diferentes melodías en las mentes de los espectadores, marquen diferencias entre ellos. En general, todos y cada uno de los compositores han hecho posible que a través de una melodía, una película sea para siempre única y espectacular en nuestra memoria.

MIKLOS ROZSAEste húngaro nacido en 1907 hizo de su vida una melodía. El estallido de La II Guerra Mundial en Europa fue la culpable de que Rozsa se instalara en Hollywood de por vida. Sus primeras composiciones para la compañía de Alexander Korda fueron “El ladrón de Bagdad” (1940) y el “Libro de la Selva” (1942), ambas nominadas por la Academia. Tras ser expulsado de la Paramount por introducir ciertas asperezas de ritmo y armonía que causaron consternación en ciertos sectores de Hollywood, la Metro-Goldwyn Mayer se interesó en su trabajo. Para esta productora escribió grandes epopeyas históricas como “Quo Vadis” (1951), “Ivanhoe” (1952), “Julio César” (1953), “Ben-Hur” (1959), “Rey de reyes” (1961) o “El Cid” (1961). Fue nominado al Premio Óscar en 17 ocasiones, obteniéndolo en 3 ocasiones por “Recuerda” (1945), “Doble vida” (1947) y “Ben-Hur” (1959).
Tras su muerte en el año 2004 Miklos Rozsa descansa bajo las colinas de Hollywood, pero su legado musical ha ido trascendiendo más y más con el paso de los años. Nuevas generaciones de amantes de la música pueden hoy día descubrir las creaciones de aquel gran maestro del lirismo que se destacó, sobre todo, por la elegancia y sofisticación de sus melodías.

ENNIO MORRICONE
Su larga carrera artística incluye una amplia gama de géneros de composición, trabajando como orquestador y director de orquesta en el campo de la grabación, y luego como compositor para teatro, cine y radio.
La carrera como compositor de música de película comenzó en 1961 con la película “Il Federale”, dirigida por Luciano Salce, pero se hizo famoso en todo el mundo con los westerns de Sergio Leone: “A Fistful Of Dollars” (1964), “Por unos dólares más” (1965), “El bueno, El Feo y El Malo” (1966), “Once Upon A Time In The West” (1968) y “A Fistful Of Dynamite” (1971).
Desde 1960, Morricone ha marcado más de 400 películas de las cuales las más famosas son: “La batalla de Argel”, “Sacco y Vanzetti”, “Cinema Paradiso”, “La Leyenda de 1900”, “Malena”, “Los intocables”, “Érase una vez en América”, “La Misión” y “U-Turn”.
En su larga carrera, Ennio Morricone ha recibido el León de Oro y en 2006 el Oscar de Honor en reconocimiento a su magnifica y multifacética contribución al arte de la música en el cine. Pero también ha obtenido: 8 Nastri d’argento, 5 Bafta, 5 nominaciones al Oscar, 7 David di Donatello, 3 Globos de Oro, 1 Premio Grammy y 1 European Film Award.

BERNARD HERRMANN
En 1911 nació en EE.UU un genio creativo, un musicólogo indiscutible, que a pesar de su muerte en 1975 recibió nominaciones póstumas de mano de la Academia en 1976 por “Taxi Driver” y “Obsesión”.
Tan complejo como cualquier personaje de las películas ningún compositor ha contribuido más a las películas que Bernard Herrmann, que en más de cuarenta Films ha enriquecido el trabajo de directores como Orson Welles, Alfred Hitchcock, François Truffaut, y Martin Scorsese. Desde su primera película “All that Money Can Buy”, galardonada con un Oscar, hasta su pasado con “Taxi Driver”, Herrmann fue un maestro en la evocación de los matices psicológicos y la tensión dramática a través de la música, a menudo utilizando inaudita combinaciones de instrumentos para adaptarse a las necesidades dramáticas de una película.
Sus partituras se encuentran entre las más distinguidas que se han escrito en la historia de la música cinematográfica, que van desde lo fantástico (“Fahrenheit 451″, “El Día de la Tierra se detuvo”) A la romántica (“Ciudadano Kane”, “Obsesión”, “El fantasma y la señora Muir”) A la terrible (“Psycho”). Además dirigió la orquesta de la CBS en varias ocasiones promocionando melodías de jóvenes músicos.

ALEX NORTH
Alex North nació en Chester, Pennsylvania, el 10 de diciembre de 1910 y el 8 de septiembre de 1991 murió conocido como un gran innovador musical. Compositor polifacético, escribió para televisión, cine, teatro, orquesta, incluso para documentales de guerra.
La versión de la película de Tennessee Williams “Un tranvía llamado deseo” (1951) marcó por primera vez en la historia la integración plena de una melodía de jazz en un film. Es probablemente el compositor más complejo y más original de la historia, el cual revoluciono todo el panorama musical. Tuvo la oportunidad de demostrarlo en sus películas mas destacadas como “Espartaco” (1960) o “Cleopatra” (1963), o con la creación de canciones entrañables como “Unchained melody” bastante recordada y utilizada como fue en la película “Ghost”.
A pesar de crear más de 50 películas, de las cuales 15 fueron nominadas por la Academia, Alex North nunca recibió ningún premio en activo. No fue hasta 1985 cuando recibió su primera estatuilla a modo de Premio Honorífico, en reconocimiento de su arte brillante en la creación de música memorable para una serie de imágenes en movimiento distinguido.

JERRY GOLDSMITHCuando la vida del legendario compositor de radio, televisión y cine, Jerry Goldsmith, se “apagó”, en 2004 dejó un vacío enorme en el mundo de la música de la película, pero su legado de más de 50 años de música nos ha dejado un huequito en nuestros corazones.
Gracias a las enseñanzas de Miklos Rozsa y Alfred Newman su vida ha sido un ir y venir entre la pequeña y gran pantalla. Ejemplo de ello es citar que ha sido nominado nueve veces en los Globos de Oro y dieciocho veces por la Academia de los Oscars, pero sólo en 1976 con la música original de “The Omen” ha obtenido la codiciada estatuilla. También obtuvo cinco nominaciones a los Grammy, y las diecisiete nominaciones por los Saturn Awards, en los cuales ganó uno por Star Trek: The Motion Picture en 1980. Su contratación en la 20th Century-Fox le sirvieron para hacer producciones cómo “Freud”, “Un retazo de azul”, “The Sand Pebbles”, “El Planeta de los Simios”, “Patton”, “Papillon”, “Chinatown”, “El viento y el león”, “Logan’s Run”, “Islands in the Stream”, “Capricornio Uno”, “Alien”, “Star Trek: The Motion Picture”, “Gremlims”, “Under Fire”, “Poltergeist”, “L.A. Confidential”, “Basic Instinct”, “Mulán” y “La Momia”.
Bajo la tutela de la CBS o de la Revue Studios consiguió 4 premios Emmy con producciones musicales para la televisión cómo “Star Trek: Voyager”, “QB VIII” (1974), “Babe” (1975), “Masada” (1981).

JOHN WILLIAMS
En la ciudad de Nueva York, un 8 de febrero de 1932 nació una estrella condenada al éxito. Aunque en la actualidad es uno de los compositores cinematográficos mas prestigiosos, su carrera profesional comenzó en series televisivas como “La Isla de Gilligan” o “Perdidos en el Espacio” para la Fox. Pero el salto a la gran pantalla, tras varias nominaciones, le proporciono su primera estatuilla en 1971 en la 44ª edición de los Oscars por la adaptación original de “El violinista en el Tejado”.
No es un error decir que gran parte de su música ha traspasado la pantalla para asentarse en la cultura popular en el cine de los últimos 35 años y es que cinco premios de la Academia, 17 Grammys, tres Globos de Oro, dos Emmys y cinco Premios BAFTA de la Academia Británica de Cine y Artes de la Televisión confirman su talento. Grandioso compositor y director de orquesta, John Williams es el motivo de que muchos teman meterse en el mar tras ver “Tiburón” (mejor banda sonora original en la 48ª Edición de los premios Oscars en 1975) o de hacernos llorar amargamente viendo “La lista de Schindler” (mejor banda sonora original en la 66ª Edición de los Oscars en 1993 y un Grammy). Es el responsable de la inolvidable y casi perfecta partitura para el más famoso extraterrestre del séptimo arte “E.T” (mejor banda sonora original en la 55ª Edición de los Oscars en 1982), o sin ir más lejos de la composición más paradigmática de la profesión, alzada por el American Film Institute como la mejor en la historia del cine: “La Guerra de las Galaxias” (mejor banda sonora original en la 50ª Edición de los Oscars en 1977).
Hay que destacar que Williams ha hecho recurrente el uso del leitmotiv identificando a personajes tales como Superman, Indiana Jones o a Darth Vader con la “Marcha Imperial”. Pero también son destacables composiciones para películas como “Jurassic Park”, “Solo en casa” o “Salvar al Soldado Ryan” que siempre tendrán un hueco en nuestros corazones.

HANS ZIMMER
Hoy día es considerado uno de los compositores más sobresalientes e innovadores de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como “el omnipresente Zimmer” por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador con uno de sus múltiples discípulos.
Este compositor alemán nacido en el 57, es el padre de la integración de la música electrónica con arreglos orquestales tradicionales en el género cinematográfico.
El punto de inflexión en la carrera de Zimmer llego cuando en 1988 “Rain Man” ganó el Oscar a la Mejor Película del Año y Zimmer ganó su primera nominación al Oscar como Mejor Banda Sonora Original. Pero sin duda la obra maestra del compositor fue la banda sonora de “El Rey León” en 1994, ya que ha vendido alrededor de 15 millones de copias hasta la fecha, un Oscar por Mejor Música Original, un Globo de Oro, un premio American Music Award, un Tony y dos premios Grammy. En total, el trabajo de Zimmer ha sido nominado a 7 Globos de Oro, 7 Grammys y siete premios Oscar por “Rain Man”, “Gladiator”, “El Rey León”, “As Good As It Gets”, “La mujer del Predicador”, “La Delgada Línea Roja”,” El Príncipe de Egipto” y “El Último Samurai”.
Entre otras composiciones también nos ha emocionado con “Pearl Harbor”, asustado con “The Ring”, divertido con “Piratas del Caribe y “Madagascar” o ensimismado con “Matchstick Men”, “Hannibal”, “Black Hawk Down” o “Thelma y Louise”, estas cuatro dirigidas por Ridley Scott.

JAMES HORNER
Este californiano de cincuenta y seis años es actualmente uno de los compositores más populares de la música clásica.
Su primer proyecto de gran dimensión fue la música para Star Trek: The Wrath of Khan (1982), que daría lugar a numerosas ofertas cinematográficas y las oportunidades de trabajar con artistas de clase mundial tales como la Orquesta Sinfónica de Londres, George Lucas, Steven Spielberg, James Cameron, Oliver Stone, Y Ron Howard.
La sinfonía, es de lo que se nutre su estilo, al igual que Jerry Goldsmith y John Williams, pero también se atreve con el sintetizador, siendo un gran virtuoso en este estilo e integrándolo perfectamente en la gran orquesta.
Obviamente ha sido nominado al Óscar en el apartado a la mejor Banda Sonora en 7 ocasiones, como también lo fue en los Grammy o en los Globos de Oro, con películas como “Aliens: el regreso” (1986), “Campo de sueños” (1989), “Braveheart” (1995), “Apolo 13″ (1995), “Titanic” (1997), “Una mente maravillosa” (2001), “Casa de arena y niebla” (2003), consiguiéndolo doblemente con “Titanic” tanto en el apartado a la mejor música como a la mejor canción. “La leyenda del zorro”, “Gloria” o “El nombre de la rosa” fueron también grandes composiciones de Horner.

Fonte: “repubblica“

Da Baglioni ai Pooh, Morricone, Ronconi, Cocciante, Carla Fracci
In 260 alla Cappella Sistina per rendere omaggio al Papa

ROMA – Duecentosessanta artisti nella Cappella Sistina, chiamati di fronte a Papa Benedetto XVI. Da Vadim Ananiev a Claudio Baglioni, da Roberto Vecchioni a Antonello Venditti, dal maestro Ennio Morricone a Marco Frisina, e poi Riccardo Cocciante, Andrea Bocelli. Una pletora di artisti prima in sfilata poi in chiesa, eppure i musicisti più applauditi al passaggio in via della Conciliazione, questa mattina, sono stati i Pooh. Ormai in pensione, e di nuovo insieme in Vaticano. Tra gli attori Raoul Bova, molto ben accolto tra urla e schiamazzi composti, e Claudio Amendola, Terence Hill e Maddalena Crippa, Anna Proclemer, Irene Papas, Monica Guerritore, Pamela Villoresi, Franco Nero e Arnoldo Foa. Tra i registi l’immancabile Franco Zeffirelli, Pupi Avati, Mario Monicelli, Marco Bellocchio, Nanni Moretti, Giuseppe Tornatore, Liliana Cavani e Kryzstof Zanussi e i fratelli Taviani. Tra i 260 c’erano anche ballerine di fama mondiale come Carla Fracci e Liliana Cosi, oltre ai registi teatrali come Maurizio Scaparro e Luca Ronconi. Tanti, puntuali, arrivati alle 11. L’arte nella Cappella Sistina per un incontro fortemente voluto dal presidente del pontificio consiglio della cultura, monsignor Gianfranco ravasi.

“Con grande gioia vi accolgo in questo luogo solenne e ricco di arte e di memorie. Rivolgo a tutti e a ciascuno il mio cordiale saluto, e vi ringrazio per aver accolto il mio invito”, ha detto Benedetto XVI dando il benvenuto agli artisti. “Con questo incontro – ha spiegato il Pontefice – desidero esprimere e rinnovare l’amicizia della Chiesa con il mondo dell’arte, un’amicizia consolidata nel tempo, poiché il Cristianesimo fin dalle sue origini, ha ben compreso il valore delle arti e ne ha utilizzato sapientemente i multiformi linguaggi per comunicare il suo immutabile messaggio di salvezza”.

Il primo a prendere la parola in Sistina per l’incontro tra il Papa e gli artisti è stato Sergio Castellitto che al micorfono ha letto alcuni brani della Lettera di Giovanni Paolo II agli artisti. La sua voce era emozionata quando ha detto: “L’arte continua a costituire una sorta di ponte verso la fede, un appello al mistero” per spiegare perché “la Chiesa ha bisogno degli artisti” e si domanda: “Anche gli artisti hanno bisogno della Chiesa?”.

Se non si lasciano illudere. Il Papa ammonisce. “Troppo spesso, la bellezza che viene propagandata è illusoria e mendace, superficiale e abbagliante fino allo stordimento e rende schiavi, privi di speranza e di gioia”, avverte il Pontefice. Parla di bellezza a chi bellezza cerca di creare. E per il Pontefice può essere “seducente ma ipocrita”, in grado di “ridestare la brama, la volontà di potere, di possesso, di sopraffazione sull’altro e che si trasforma, ben presto, nel suo contrario, assumendo i volti dell’oscenità, della trasgressione o della provocazione fine a se stessa”. C’è solo un tipo di bellezza. “L’autentica – ha ricordato Papa Ratzinger – schiude il cuore umano alla nostalgia, al desiderio profondo di conoscere, di amare, di andare verso l’altro, verso l’oltre da sè. Se accettiamo che la bellezza ci tocchi intimamente, ci ferisca, ci apra gli occhi, allora riscopriamo la gioia della visione”. L’invito di Benedetto XVI agli artisti di tutto il mondo è stato quindi quello di “non aver paura”, di non temere il confronto con “la sorgente prima e ultima della bellezza”. Perché “la fede non toglie nulla al vostro genio, alla vostra arte, anzi li esalta e li nutre”, ha detto.

Al termine del suo discorso, dopo un lungo applauso che ha coinvolto anche i più laici tra i presenti, Benedetto XVI ha lasciato la Cappella Sistina, delegando all’arcivescovo Gianfranco Ravasi la consegna delle medaglie agli artisti. E l’arcivescovo, grande organizzatore dell’incontro di oggi, ha parlato, sorriso con ciascuno, scherzando con Lino Banfi, ascoltando con attenzione i commenti dei fratelli Taviani, complimentandosi con la Mazzantini per il recente premio Campiello e infine rivolgendosi con un divertito “Don Matteo” a un impettito ed elegante Terence Hill.

Pacific Arts PAC8-128 – United States – 1979

Es gibt auf dieser Welt viel zu viele unerkannte Talente. Doch dank den Möglichkeiten, die das Internet dem modernen Menschen bietet, erhalten auch diese Leute endlich eine Plattform. Menschen, die wirklich etwas können, aber keine Anerkennung dafür erhalten.

Einen dieser Menschen möchte ich euch jetzt mal ganz kurz vorstellen. Seinen richtigen Namen kenne ich nicht, doch im Internet bezeichnet er sich als “Uncleparsnip”. Und was macht dieser Mann nun tolles, dass ich ihn euch unbedingt vorstellen möchte? Er spielt Gitarre! Und das macht er einfach wunderbar. Anders als die meisten anderen Gitarristen, die sich auf youtube profilieren wollen, rast er nicht wild über die Seiten, um zu zeigen wie toll er doch ist. Stattdessen arrangiert er Stücke von anderen Künstlern über weite Strecken neu, um sie mit nur einer Gitarre spielbar zu machen. Das allein ist schon eine ziemliche Leistung. Doch wie er diese Stücke dann spielt ist ebenfalls unglaublich toll. Neben seinem Kanal auf youtube besitzt, der Mann auch noch eine Homepage (http://www.uncleparsnip.co.uk/). Da kann man sich tabs für seine Arrangements kaufen, die einem dann per E-Mail zugeschickt werden.

Auf den guten Mann aufmerksam geworden bin ich, als ich auf youtube nach einem Gitarrenspieler gesucht habe, der sich “The Trio” von Ennio Morricone angenommen hat. Und deshalb gibt’s nun Unclepasnips wunderbare Interpretation dieses Stückes, dass Morricones Original (aus “The Good, the Bad and the Ugly”) in nichts nachsteht:

What do Bill Viola, Daniel Libeskind, Zaha Hadid, Santiago Calatrava, Andrea Bocelli, Ennio Morricone, Arvo Pärt, Peter Greenaway, Nanni Moretti and Paolo Taviani have in common? They will all be gathering in the Sistine Chapel on Saturday to hear Pope Benedict’s appeal for a new era in relations between the Church and the art world.

The full list of participants is here and our preview is here.

Photo: Santiago Calatrava’s Ponte della Costituzione in Venice (Frenza)

Quentin Tarantino (ainda) não me decepciona. Suas referências a filmes antigos, trilha sonora escolhida a dedo com sequências planejadas especialmente para elas, pequenos detalhes em cenas, resgate de atores, diálogos sobre o nada que revelam tudo. Enfim, Tarantino é o nerd cinéfilo que se tornou o jovem cineasta que eu queria ser, mesmo eu nunca tendo pensado em seguir tal carreira.

No primeiro filme de época de Tarantino, Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds) deixa claro desde o primeiro frame com uma tipografia que destoa da temática do filme, amarela, além de mais três ou quatro tipos de letras para os nomes dos atores, ele deixa claro que contará uma história que só existe em sua mente insana.

A França de 1944 está ocupada pelas forças nazistas. O tenente Aldo Raine,vivido por um Brad Pitt que se diverte na atuação, reúne oito soldados judeus para criar um grupo americano de “caça” aos nazistas conhecidos como Bastardos. Assim como o tenente Raine caça nazistas, Hans Landa, por umChristoph Waltz simplesmente perfeito no tom, trejeitos e olhares, caça judeus. Em uma dessas caças, Hans conhece Shosanna Dreyfus, Mélanie Laurent, judia que o destino deixou que escapasse das mãos dos nazistas para ter uma segunda chance em Paris com um novo nome e herdeira de um cinema. Para que os planos dos Bastardos desse certo era necessário uma agente dupla, a atriz Bridget Von Hammersmark, interpretada por Diane Kruger. Essa é minha parte preferida do filme.

Em Bastardos Inglórios, além de homenagear filmes, diretores, atores e personagens, Quentin Tarantino homenageia o cinema e o poder que ele tem sobre o homem. As histórias que que produzem e são levadas às ´pessoas pelo cinema, sejam elas reais ou ficções, tornam-se a realidade por alguns minutos, goste o espectador dela ou não o cinema cumpriu seu papel. É responsabilidade dele digerir a mensagem e ficar com aquilo que lhe é melhor. Tarantino melhor do que ninguém (da jovem safra de diretores, que fique claro) entendeu esse papel da sala escura e grande tela, e faz uma homenagem com um final apoteótico não só ao cinema mas a  muitos que trabalharam pelo crescimento dela. Além disso, Bastardos lava a alma dos judeus e de todos aqueles que sofreram de alguma forma com os nazistas.

E eu preciso falar um pouco mais sobre a grande atuação de Christopher Waltz, que assim como Brad Pitt se entregou para o personagem e deixou que ele ganhasse vida em uma atuação quase simbiotica. Você deseja que o personagem viva mesmo sabendo que ele deve morrer, mas também deseja que ele morra. Um inimigo odiosamente delicioso de se odiar. Vai ser difícil dissociá-lo do papel de Hans Landa.

Quanto a Mélanie Laurent cabe aqui chamar a atenção à sequência em que se maquia ao som de Cat People (Putting Out Fire), David Bowie. É, em 1944 sendo que a música é de 1982. Mas lembrem-se que as trilhas sonoras dos filmes de Tarantino são sempre tratadas de modo especial. Tarantino queria que Ennio Morricone cuidasse da trilha sonora do filme, porém por problemas de agenda isso não foi possível, mas não empecilho para que Tarantino usasse músicas de filmes anteriores compostas pelo gênio musical.

Bastardos Inglórios é a obra prima de Quentin Tarantino.

Brilliant. Time to talk about our Ten lists once more, so settle in for the long haul and try and keep up. Much discussion ensues as Sam tries to extol the virtues of Ingmar Bergman, praise the magical realism of Billy Liar and attempt to make sense of All About Lily Chou-Chou. John continues the theme, causing slight, though understandable, consternation with his uncensored views on Raging Bull and confessions of multiple tears during Schindler’s List. Tom rounds the night off in business-like fashion with praise for The 400 Blows, controversial dislike for the second half of Stalker and man-crushed love for Le Samourai.

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