La cinéphilie n’est plus ce qu’elle était. Le rayonnement du cinéma français non plus

“Il fut un temps, chacun autour de cette table le savait, où les films français n’avaient guère besoin d’aide aux Etats-Unis. Pendant les années 60, âge d’or de la nouvelle vague, les Américains se sont passionnés pour le travail de metteurs en scène comme François Truffaut, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Louis Malle, Eric Rohmer et Claude Chabrol. Si on voulait passer pour un cinéphile averti, il fallait absolument voir leurs films.

Mais, bien que l’Hexagone continue à décrocher davantage de nominations aux oscars du meilleur film étranger que n’importe quel autre pays, cet âge d’or est bel et bien révolu – non seulement pour les films français, mais aussi pour l’ensemble de la production étrangère. Malgré des films phénomènes comme Cinéma Paradiso, Le Facteur, Les Epices de la passion et l’actuel succès de Roberto Benigni, La vie est belle, qui encaissent pour plus de 10 millions de dollars d’entrées dans ce pays, les films étrangers ne font en général plus recette ou ne sont plus aussi prisés qu’autrefois.

Le naufrage du cinéma français aux Etats-Unis tient à de nombreuses raisons, souvent interdépendantes – qui vont de certaines tendances sociologiques, comme la concurrence accrue sur le temps libre des Américains, à des cas particuliers comme le fait que certains brillants cinéastes français (Luc Besson, Jean-Jacques Annaud, et plus récemment Mathieu Kassovitz) soient prêts à renoncer à leur langue maternelle pour travailler sur des projets en anglais. Mais tout le débat se ramène inévitablement à un ensemble de trois facteurs dont les effets cumulatifs s’avèrent dévastateurs.
Tout d’abord, pour dire les choses avec le plus de délicatesse possible, le public du cinéma français vieillit et la cinéphilie n’est plus ce qu’elle était. “Une coterie de nostalgiques entre deux âges”, voilà ce que seraient devenus les défenseurs du cinéma français, selon un écrivain peu amène. En outre, les salles d’art et essai – et la critique cinématographique de qualité qui les accompagnait – sont aujourd’hui des espèces menacées. Aussi est-il de plus en plus difficile pour un film étranger de rester longtemps à l’affiche.
Puis, le cinéma français a changé, le public américain aussi. La plupart des publics européens (à l’exception des Français) préfèrent que les films soient doublés. Or, traditionnellement, les Américains ne voulaient pas entendre parler de doublage. Ce qui est nouveau, c’est que cette attitude de rejet s’étend maintenant au sous-titrage. “Si on veut toucher un large public avec un film, il n’est pas possible de le sous-titrer”, reconnaît Toscan du Plantier, ajoutant avec une exaspération feinte : “Les jeunes lisent sur un écran d’ordinateur, mais ils ne veulent absolument pas lire au cinéma.”
Ensuite, le public américain qui allait traditionnellement voir les films français dans les années 60 a été cannibalisé par la croissance explosive du cinéma indépendant aux Etats-Unis. Dans les dernières décennies, pour voir des films avec de vrais personnages, qui ne soient pas mécaniques et simplistes, pour échapper en somme aux grosses machines hollywoodiennes, il n’y avait pas de salut hors des films étrangers. Mais, aujourd’hui, le public américain peut voir ce même genre de films sans avoir à lire des sous-titres ou à entendre des voix doublées. “Du temps du Code Hayes [qui réglementait la censure], les films français avaient le mérite de la sensualité, précise Haskell, le cinéma hexagonal avait pour réputation d’être plus adulte, plus raffiné, plus olé-olé. Ce n’est plus le cas aujourd’hui.”
Face à de tels obstacles, d’autres pays ont, à divers degrés, renoncé à essayer de pénétrer tant soit peu le très chauviniste marché américain. Mais les Français n’ont pas voulu tirer un trait sur l’avenir de leur cinéma, tant dans l’Hexagone qu’à l’étranger. Sans doute est-ce en grande partie parce que leur attitude envers le cinéma n’a rien à envier à la nôtre. “Nous avons bien des points communs avec les Américains, et notamment le fait de prendre le cinéma très au sérieux en termes de pouvoir, explique Toscan du Plantier. Nous sommes les seuls pays où les présidents, tant Bill Clinton que Jacques Chirac, jugent utile d’aborder la question du cinéma lors de leurs visites officielles. Nous voyons les choses de la même façon : c’est pour cela que nous nous battons.”
En revanche, les Français ont plus conscience que les Américains que le cinéma fait partie de leur patrimoine. “La notion d”identité culturelle’ a quelque chose de prétentieux en anglais, mais elle est lourde de sens et, pour les Français, le cinéma est l’une des expressions les plus importantes de l’identité culturelle”, souligne le président d’Unifrance. Jack Lang, ancien ministre de la Culture et de la Communication, s’en est fait l’écho lorsqu’il a déclaré à un journaliste, à propos de la détermination de la France à pénétrer le marché américain : “Il ne s’agit pas tant de gagner de l’argent que d’en retirer une satisfaction morale. Pour un réalisateur étranger, avoir son film à l’affiche aux Etats-Unis, c’est une sorte de consécration internationale.” Et Toscan du Plantier de lancer, après qu’un trade representative lui eut lancé que la situation du cinéma avait pour contrepartie la question du fromage – nous mangeons le leur, ils dédaignent le nôtre –, “nos films sont aussi bons que nos fromages”.
“Si c’est soit le grand Hollywood, soit la petite France, nous sommes fichus”, poursuit-il, pragmatique. “Nous ne sommes pas de taille à affronter la puissance américaine ; les Etats-Unis contrôlent entre 75 et 80 % du marché mondial, Chine et Inde exceptées. Ce n’est pas l’Amérique contre la France, c’est Hollywood contre le reste du monde, y compris l’Amérique… Tout ce que nous voulons, c’est être les chefs de file d’un autre cinéma.” Et cela ne se limite pas à des déclarations d’intention. Aux Etats-Unis, la culture est si peu subventionnée que même les arts traditionnels sont réduits à la mendicité. La France, en revanche, fait preuve d’une prodigalité impressionnante envers le cinéma. Résultat, ce pays organise près de 200 festivals et ne se situe que derrière l’Inde et les Etats-Unis pour le nombre de films réalisés.
Mais, comme on dit souvent à Los Angeles, l’argent est une chose, l’argent d’Hollywood en est une autre. En 1997, le coût moyen d’une production hollywoodienne dépassait 53 millions de dollars, tandis qu’une production française coûtait en moyenne 6,2 millions de dollars. De plus, les studios hollywoodiens dépensent régulièrement pour promouvoir leurs films des sommes qui dépassent l’ensemble des subventions françaises allouées au cinéma – de 22 millions de dollars l’année dernière. “Si nous disposions de 50 millions de dollars pour le lancement d’un film, nous ne ferions pas de festivals ; les festivals, c’est bon pour les pauvres”, note Toscan du Plantier. Pour contribuer à l’ouverture de marchés pour leurs productions, les Français ont lancé et financé des festivals florissants au Japon et en Australie (…)”

Kenneth Turan – Los Angeles Times – 27/05/99

Strand von Dinard

Mittwoch, 19.08.2009

Heute geht es weiter nach La Chèze  zum dortigen Bluesfestival, dem Hauptgrund meiner Reise in die Bretagne. Ich habe wenig bis keine Ahnung, was mich dort erwartet, aber die Vorfreude sendet positive Signale.

Da ich mich erst für den späten Nachmittag angekündigt habe, kann ich mir Zeit lassen und werde deshalb noch etwas an der nördlichen Küste verweilen. Den Campingplatz in Cancale verlasse ich so gegen 9 Uhr, das Minizelt war schnell abgebaut und verstaut.

Jetzt geht es entlang der Küste Richtung St. Malo. Immer wieder geht mein Blick aufs Meer, hier und da halte ich an, um einige Fotos zu machen.

Côte d'Émeraude

Ich beschließe, nicht nach St. Malo hineinzufahren und entscheide mich für einen Kurztrip nach Dinard. Erinnerungen werden wach als ich am Gezeitenkraftwerk an der Mündung der Rance ankomme: 1970 war ich das erste Mal in der Bretagne, in St. Brieuc, der Partnerstadt meiner Heimatstadt Alsdorf. Ein Tagesausflug bescherte uns eine Bootsfahrt auf eben diesem Fluss von Dinan bis hierher. Ich beginne zu rechnen. Ist das wirklich schon 39 Jahre her? Manche Gesichter tauchen im Geiste auf, Namen fallen mir ein. Ich weiß noch ganz genau, dass wir als Proviant hart gekochte Eier dabei hatten, die gar nicht appetitlich rochen. Daran sie zu essen, war nicht zu denken. So haben wir sie als Wurfgeschosse umfunktioniert, auf vorbei treibende Holzstücke gezielt und dies zu treffen versucht. Ehrlich, so etwas fanden wir damals lustig…

Rance- Das Gezeitenkraftwerk

Bevor ich Einzug halte in den alten Badeort, der übrigens sehr von Briten bevorzuget wird und den man Nizza des Nordens nennt, mache ich noch einen Stopp in einer Niederlassung einer amerikanischen Systemgastronomiekette. Es ist eins der Häuser mit dem großen, gelben M, das schon von weitem nicht zu übersehen ist.

Der Grund meines Stoppens ist nicht der eher fragliche kulinarische Aspekt, sondern der, dass es in diesen Etablissements in ganz Frankreich wohl freie Hotspots gibt, WiFi oder Wlan, ermöglichen ein Anzapfen des Internets. Hier ist das Ganze zudem kostenlos. Also nehme ich mein elektronisches Notizbuch, setze mich an einen Tisch und bin gespannt, ob und wie das Ganze funktioniert.

Es ist ganz einfach, das Notebook findet ohne Umschweife das Netz, man wählt sich auf die hauseigene Seite des großen M’s ein, bestätigt die Nutzungsbedingungen und schon geht es los.

Ich bin neugierig auf meine Emails. Es warten über 20 auf mich. Die meisten wandern gleich in den elektronischen Mülleimer, über zwei, drei freue ich mich sehr, was mich gleich zu antworten motiviert. Dann schnell noch ein paar Blicke auf meine Lieblingsseiten im WWW und schon meldet das System Akkuschwäche.

Dieser kurze und beruhigende Abstecher in heimatliche Gefilde, der Kontakt mit den lieben Menschen daheim, das tut gut für den Moment. Immerhin habe ich außer mit der etwas mürrischen Dame an der Rezeption des Campingplatzes von Cancale, bei der ich meine Rechnung für den Aufenthalt zahlte, noch mit niemanden gesprochen an diesem Tag.

Ich fühle mich sauwohl. Das Nomadenleben macht mir wieder so richtig Spaß. Die Sonne scheint, der Himmel ist sowas von blau, jetzt gilt es nur noch einen Parkplatz in der Stadt zu ergattern. Nach einigem Kurven findet sich auch eine Parklücke mitten in der City.

Da ich während der Suche schon eine unfreiwillige Stadtrundfahrt gemacht habe, fällt mir die Orientierung jetzt leicht. Ich begebe mich hinunter zum Strand.

Strand von Dinard

Wir haben immer noch Ferien in Frankreich, Dinard ist voller Menschen. So auch der Strand. Ich stehe an der Promenade und tauche ein in die lebende Kulisse zu Eric Rohmers Film «Conte de l’été» aus dem Jahr 1996. Auf Deutsch trägt er den Titel «Sommer». Der Film ist aus seinem Vierjahreszeitenzyklus und erzählt die Geschichte eines Sommers, in dem der Student Gaspard Entscheidungen in puncto Leben und Liebe treffen muss. Drei äußerst unterschiedliche Frauen, die er in Dinard trifft, machen ihm diese Entscheidung nicht gerade leicht. Ein Film voller interessanter Dialoge, schönen Bildern und mit sympathischen Darstellern.

Conte d' été von Eric Rohmer (Gaspard & Margot)

Die Idee schießt mir in den Kopf, das Café zu suchen, in dem Margot, eine der Hauptfiguren im Film als Ferienaushilfe arbeitet. Während ich so die Uferpromenade entlang schlendere, kommt mir der Song «Santiano» in den Sinn. Ich fange an, ihn vor mich her zu summen. Er spielt in dem Rohmer Film eine Rolle, aber auch in meinem Leben, hier in der Bretagne habe ich ihn damals zum ersten Mal gehörtdamals eben vor 39 Jahren, und die Version des französischen Sängers Hugues Aufray, der mittlerweile auch schon 70 Jahre zählt (töstlich!!), war da  ein Hit und reifte zum Wurm in meinen Ohren. Es gibt Situationen, die man auf ewig mit bestimmten Musiken verbindet, dies ist so eine, die unweigerlich mit dem Jahr 1970 verbunden ist. Zumindest für mich. Später als ich anfing, selbst Musik zu machen mit bretonischen, irischen und deutschen Folksongs, war dieses Lied auch im Repertoire.

Die Leuchtfeuer von Saint Malo, der Stadt Dinard gegenüber auf der anderen Seite der Rance- Mündung,  finden in diesem Seemannslied Erwähnung und eben auch eine Frau mit Namen Margot.

Ich beginne in Erinnerungen zu schwelgen, die durchsetzt werden mit Szenen aus dem Film von Eric Rohmer. Hätte ich mir doch nur den Film kurz vor der Abreise noch einmal angesehen, ich tue mich schwer, irgendeinen Platz auch nur annähernd wieder zu erkennen. Schließlich stehe ich vor einer Art Trockendock, auf dem zwei reparaturbedürftige Schiffe liegen. Ich mache ein, zwei Fotos, gehe weiter bis zur Kaimauer. Die Worte „Warum auch nicht?“ im Kopf fotografiere ich eine Häuserfront an der Place Jules Boutin.

Das Filmcafé (oben rechts)

Erst zu Hause, weil mich die Neugier nicht ruhen ließ, und ich mir den Film dann doch noch einmal zu Gemüte geführt hatte, stellte ich dann jubelnd fest, dass dieses Café, genau das Filmcafé just auf diesem Foto mit der Häuserfront zu sehen ist. Nur ist es „im richtigen Leben“ gar kein Café, sondern wohl eher eine Wohnung.

Bedingt durch das milde Klima des Golfstroms gedeihen hier in Dinard Palmen. Das gibt dem Ganzen ein mediterranes Flair. Nizza eben. Unter einer dieser Palmen nehme ich auf einer Bank Platz, schaue versonnen auf die Bucht, die Tour Solidor, einen Turm, der Bestandteil der Festungsanlage um St. Malo ist, sehe eine Gruppe von Menschen, die geduldig auf die Ankunft der Fähre wartet. Hier stieg auch im Film Gaspard aus und später wieder ein.

Tour Solidor in St. Malo

Es ist Mittagszeit, während am Hauptstrand Hochbetrieb herrscht frönt die Geschäftswelt der Stadt der Siesta. Die meisten Läden sind geschlossen.

Das nächste Ziel, das ich anvisiere, ist Erquy. Der Strand hier ist mir noch aus frühen Jugendtagen vertraut, Nostalgie ist angesagt. Diese vergeht aber alsbald im Stau kurz vor dem Badeort und spätestens bei der der vergeblichen Parkplatzsuche und den Massen Sonnenschirm, Kühlboxen und Klappstühlen bewaffneter Menschen, die sich karawanenartig Richtung Strand bewegen, ändere ich meinen Plan und beschließe, der Küste vorerst den Rücken zu kehren und nach direkt La Chèze zu fahren. „Dann bin ich eben etwas früher da…“, denke ich und stelle das Navi auf seinen neuen Zielort ein.

pochette du (mini) lp « jacno » en 1979

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avant-hier soir tard, un e-mail de mon ami – et désormais collègue – david m’apprend la mauvaise nouvelle : denis quilliard (mieux connu sous son pseudonyme de fumeur de gauloises, jacno) est mort, avec au compteur à peine plus de la moitié de l’âge auquel claude levi-strauss vient de nous quitter il y a quelques jours. cinquante-deux ans ; saloperie de cancer ! la « grande presse » française (libé, le monde…), « très inspirée »,  copicolle les 460 puis les 1.500 caractères (espaces compris) des deux dépêches de l’agence france presse – telles quelles, tristes curriculum vitae, sans un gramme d’intervention ou de réaction personnelle… froid et clinique comme un carrelage de morgue.

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pas très compliqué de comprendre pourquoi ! de la part des bien pensants [*], il pèse sur la musique de jacno (en solo, ou en duo avec elli medeiros) la suspicion de superficialité qui plane au-dessus de toute la pop. mais, encore accentuée ici – dans le cas de cet hybride mutant de chanson, de « variète » et d’esprit do-it-yourself issu du punk que représenta elli & jacno au tout début des années quatre-vingt – par le caractère à la fois électronique et minimal de leur musique. il est entendu que deux pouêt-pouêts de synthé ne peuvent faire œuvre… et si c’étaient justement cette économie, cette retenue, l’absence de rideaux de fumée cache-misère qui étaient – et demeurent aujourd’hui – osés   bouleversants et dérangeants ? sur un pont en béton armé même les hippopotames peuvent défiler ; sur les quelques millimètres de glace d’un petit ruisseau gelé il s’agira au contraire d’être délicat et subtil…

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un qui, en 1984, – bien qu’ayant alors plus du double de leur âge – ne s’y est pas trompé, c’est maurice schérer (mieux connu sous son pseudonyme d’admirateur d’erich von stroheim et du père littéraire du dr. fu manchu, éric rohmer) qui confia à elli & jacno la musique des « nuits de la pleine lune ».

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ce qui atténue – un peu – la tristesse liée à la disparition du musicien, c’est de savoir qu’il y a eu « passage de témoin ». le petit frère spirituel de jacno est bruxellois et se dévoile depuis quelques années en solitaire sous le pseudonyme de lem. depuis hier matin, je me repasse en boucle – en me prenant ses paroles « dans la gueule » comme jamais auparavant – sa reprise de boomerang en duo avec la délicieuse mymi sur son lp « soulstreet » (dokidoki, 2009) :

« les couteaux de la haine n’attirent jamais l’amour
comme des boomerangs qui font l’aller-retour
ce que tu as donné te revient dans la gueule
faux désirs faux besoins, égoïsme bien rance
bonne action-alibi, et vraie indifférence
ce que tu as donné te revient dans la gueule
faut payer quand on fait de la peine
dans chaque petite maison chacun cherche sa chacune
pendant que des millions agonisent à la une
si tu ne donnes rien, il faut rien espérer
et tous ces gens qui souffrent font de très bons sujets
on les regarde en famille le soir à la télé
si tu ne donnes rien, il faut rien espérer
chacun pour soi c’est personne pour toi

chaque pensée, un boomerang
et chaque geste, un boomerang
et les coups que tu prends me font mal

nous sommes des engrenages
dans la même machine
abimer son voisin
c’est le début du suicide
ce que tu as donné te revient dans la gueule
et l’amour que tu donnes est un gilet pare-balles
qui se referme sur toi le jour où ça va mal

si tu donnes rien, faut rien espérer
chacun pour soi, c’est personne pour toi

chaque pensée, un boomerang
et chaque geste, un boomerang
et les coups que tu prends me font mal

si tu donnes rien, faut rien espérer
chacun pour soi, c’est personne pour toi

chaque pensée, un boomerang
et chaque geste, un boomerang
et les coups que tu prends me font mal

les couteaux de la haine n’attirent jamais l’amour
comme des boomerangs qui font l’aller-retour
ce que tu as donné te revient dans la gueule
faux désirs faux besoins, égoïsme bien rance
bonne action-alibi, et vraie indifférence
ce que tu as donné te revient dans la gueule
faut payer quand on fait de la peine

chaque pensée, un boomerang
et chaque geste, un boomerang
et les coups que tu prends me font mal

chaque pensée, un boomerang
et chaque geste, un boomerang
et les coups que tu prends me font mal

chaque pensée, un boomerang
et chaque geste, un boomerang
et les coups que tu prends me font mal »

(texte : elli medeiros – musique : jacno – 1982)

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alors ? superficiel ? fuckers !!

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si, dans dix jours, dans la rotonde du botanique, nicolas (lem) trouve le courage et la partenaire pour chanter ce morceau sur scène, pas de doutes : ça nous mettra dans un drôle d’état…

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lem (bel) ~ keiki (bel)
mardi 17 novembre – 20h – le botanique (rotonde)
236 rue royale – 1210 sant-josse – 10 / 13 eur

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lem (bel)
vendredi 20 novembre – 20h – le salon
19 rue ville basse – 7830 silly – 4 eur

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> (superbe !) vidéo de anne cherchait l’amour – si quelqu’un sait quel cinéaste l’a réalisée…
> je t’aime tant – une de mes cinquante chansons préférées de tous les temps !
> scène musicale des « nuits de la pleine lune » d’éric rohmer
> plastic faces des stinky toys à la télévision en 1977
> birthday party des stinky toys en 1979

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[*] soyons honnêtes : le peu de disques d’elli & jacno – encore – présents dans les collections de la médiathèque est le symptôme d’exactement la même méconnaissance hautaine !

Cachiers du Cinéma É uma revista francesa sobre crítica do cinema, fundada em março de 1951 por André Bazin, Jacques Doniol-Valcroze e Joseph-Marie Lo Duca. A revista surge quando alguns críticos e escritores de cinema da época decidem expressar suas idéias e se tornar diretores.

Se trata, na verdade, de uma união entre a originária revista intitulada Revue du Cinéma e a participação dos membros dos cineclubes parisinos: Ciné-Club du Quartier Latin e Objectif 49 (no qual contribuiam nomes como Bresson, Cocteau e Alexandre Astruc, entre outros). Nesta união, foram somados à equipe de edição (que era inicialmente composta por Éric Rohmer e Maurice Scherer) outros colaboradores: Jacques Rivette, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol e François Truffaut.

Estes jovens colaboradores estavam recém incursionando à direção de filmes nos fins dos anos 50, depois de ter desempenhado a profissão de roteiristas durante os anos anteriores.

Desde 10 de maio de 2007, esta revista, que já conta com edições em vários idiomas, é editada também na Espanha (em espanhol) pela Caimán Ediciones.

Fonte: Wikipedia

This weekend, I finished watching Éric Rohmer’s “Six Moral Tales.” They are strangely fascinating films — very slow-paced, even verging on tedious, yet at the same time absorbing. All six follow the same basic pattern: a very cerebral man faces the dilemma of wanting to sleep with a woman and yet feeling he shouldn’t for moral reasons; he eventually sets up a situation such that he can feel good about the fact that he went with morality over desire. They lend themselves to multi-layered analysis, but I’d like to focus on what they are implicitly saying about morality as such.

The first thing to note is that the stakes are so incredibly small. French bourgeois culture is of course much more permissive than that of other countries with which I’m familiar — for instance, adultery isn’t so much tolerated as expected, on both sides. Literally no one would look down on these men if they gave in on their desires; they would suffer absolutely no consequences whatsoever, aside perhaps from a dramatic scene once they broke the relationship off. The only thing that would suffer is their self-concept — a self-concept that is itself in constant flux and arguably only arises in the face of their self-imposed dilemma. The use of first-person narration is extremely artful here; instead of giving us access to the candid thoughts of the character (as in The Peep Show), we get lengthy monologues of self-definition and self-justification, with hints of the true dynamics at best slipping out through the cracks of the narration and more often showing themselves only in the actions for which the character doesn’t even really try to give account.

The narration also highlights the monomaniacally male perspective of all these films, the claustrophobic enclosure within the head of an overeducated man who has no outlet other than turning women into mental dolls to play with. These men are continually declaring, to themselves and others, their preemptive “refusal” of women who may or may not be interested in the first place — or else projecting strangely exaggerated desires or agendas on the ones who do show an interest. The most terrifying women are of course those — like the title character of My Night at Maud’s — whose desires are straightforward and straightforwardly pursued and who are impatient with the protagonist’s endless dithering and empty scruples. Often the protagonist will stage a kind of triumph over the assertive woman, where he “rejects” her in favor of the simpler or more respectable woman he’s chosen.

All this is to say that these tales are moral only if morality is an excuse for inaction and self-congratulation. This brand of morality creates a world where the only true achievements are negative, where desires are kept entirely within the internal realm and repurposed as occasions to make yet another attempt at a consistent self-identity. Even the seemingly positive desire for the respectable woman is the embodiment of the negative gesture of rejecting the stronger and riskier — but also more interesting and alluring — woman. The real-world stakes are virtually null, but the internal stakes for the man are immeasurable, because they allow him the illusion of total control and self-transparency, an illusion that an open encounter with the woman who is truly his equal would shatter. Even the maintenance of the illusion isn’t a positive desire, though, but a kind of “second best” position to console himself for the loss of an opportunity that, though deeply appealing, is simply too risky.

Eric Rohmer nel film La moglie dell’aviatore mette in scena una commedia a tratti oscura, dove il tema della menzogna è la matrice. Tutti raccontano frottole ed ogni personaggio si mostra mediocre, patetico e in preda ad un autolesionismo inconscio. Di conseguenza ci vengono proiettati a catena una serie di fraintendimenti, equivoci,sviste, incertezze ed ambigue coincidenze.

Le bugie cominciano proprio dalle presentazioni visive dei personaggi: Christian, l’aviatore, si ferma davanti la porta di casa di Anne alle 7:00 del mattino, lasciando un bigliettino su cui è scritto: “Chiamami all’Hotel Rodin”. L’aviatore provoca rumore ed Anne si alza, apre la porta, lo vede andare via, lo chiama e lo invita a casa per avere delucidazioni. Christian si sbizzarrisce, confessando alla ragazza quanto la loro storia sia insostenibile e che ora nutre desiderio di riconciliazione con la moglie dalla quale aspetta un figlio. Deve insomma tornare tempestivamente nell’ordine delle cose. I due parlano e alla fine Anne si fa accompagnare al lavoro, proprio mentre il fidanzato Francoise passa davanti l’abitazione. Francoise è un ragazzo di venti anni un pò sventato ma generoso. Anche se ingenuo, sbaglia tutto per bontà.

Aver visto i due uscire insieme gli crea uno stordimento interiore, tale da farlo cominciare a pedinare il sospettoso tipo . Il giovane ha appena terminato un turno di lavoro e non riesce a mantenere la freschezza di un investigatore preparato: si addormenta davanti la tazza di caffè mentre il suo antagonista è seduto poco distante a fare colazione. Prende lo stesso tram e nota che Christian è accompagnato da una giovane donna bionda. Proprio qui attira l’attenzione di Luciè, una quindicenne spumeggiante che ha marinato la scuola. Tutti e quattro scendono nella stessa fermata ed i due si conoscono. Luciè è incuriosita dal suo aspetto particolare. Tra i due nasce una certa complicità, frutto di piccoli fraintendimenti. Il ragazzo le racconta immediatamente di essere un “detective privatissimo”che svolge indagini personali per mariti che hanno paura dei tradimenti delle loro mogli.  Questa fantasia è insostenibile, poichè cade subito in banali errori. La freschezza e l’attenzione inaspettata di Luciè lo mettono  a disagio, in uno stato d’animo incapace di gestire la situazione e a raccontare quasi subito un’apparente verità.

Luciè è conquistata da questa nuova avventura. Cerca di diventarne complice, fornendo consigli, piccole strategie d’azione per riempire una vuota mattinata. Punge la fragilità di Francoise e nota che anch’egli è colpito da lei, anche se parla ininterrottamente della propria storia. Proprio Luciè sbaglia sul più bello, ovvero mentre si fa fotografare da due turisti per fornire indizi al suo complice. In questa occasione non viene ritratta la coppia seduta a terra nel parco. La ragazza non demorde nello spazio di tempo che si è ritagliata. Continuando a pedinare i due entrano in un condominio, ma si inceppano nel chiedere informazioni alla portiera. Una volta appostati in un bar davanti il palazzo convince il timido Francoise sulla sua tesi finale: la coppia è andata da un avvocato per ottenere riconciliazione oppure separazione. Insomma sono marito e moglie. La portiera non ha riconosciuto nessun condòmino dalle loro descrizioni.Una volta salutati, Francoise cerca di riconquistare la fidanzata, unica persona alla fine che non mente in questa storia.

Anne è una donna insicura, abbandonata ad un vittimismo esasperato. Però affronta Francoise con lucidità  raccontandogli i fatti e al contempo comunicandogli  il suo rifiuto verso una relazione seria. Mostra tensione e gelosia solamente quando Francoise parla della ragazza conosciuta in mattinata pur evidenziando disinteresse. Questa ulteriore menzogna si rivela fatale quando scrive una lettera alla piccola Luciè, rivelandole che i due pedinati sono andati dall’avvocato e la misteriosa bionda è la sorella invece della moglie. Informazioni apprese da Anne nel momento in cui gli mostra una foto dove è ritratta. L’interesse di Luciè è affettivamente quello di riempire un vuoto quotidiano: quando Francoise si avvia per consegnarle la lettera scopre la ragazza baciarsi con il probabile fidanzato.

Nell’ultima scena, mentre imbuca la lettera, notiamo lo smarrimento completo del ragazzo, metafora di una Parigi spenta, ingrigita. Ne La femme de l’aviateur, Rohmer accentua una forte critica verso la città transalpina, dove si muovono macchiette incapaci di sapere cosa sono e vogliono. La critica porta con se il retrogusto amaro, nel quale Anne rappresenta il ritratto del rapporto confusionario tra individuo ed oggetto [le scene all'interno della sua stanza sono la conferma], mentre i personaggi quello di un preciso smarrimento comunicativo. L’apparente casualità degli avvenimenti rifluisce pertanto nelle rigide coordinate dei luoghi (il mini-appartamento di Anne, il parco, i bar, le strade) e dei tempi (la vicenda si snoda rigorosamente tra mattina pomeriggio e sera) in cui sono incapsulati piccoli eroi destinati a crollare.

La moglie dell’aviatore(1981)

Titolo originale: La femme de L’aviateur. On ne saurait penser a rien.

Genere: commedia

Regia, soggetto, sceneggiatura: Eric Rohmer

Fotografia: Bernard Lutic, Roman Winding

Montaggio: Cècile Deguis

Interpreti: Philippe Marlaud (Francoise), Marie Rivière (Anne), Anne-Laure Meury (Lucie), Mathieu Carrière (Christian)

From Eric Rohmer’s La carrière de Suzanne (1963).

Yet another not-so-thinly-veiled act of procrastination. Then again, I’m sitting in a café at the moment—though not with Laszlo Szabo or Pascale Ogier, sadly—so let’s pretend that I’m plenty justified in posting this adorable little image instead of doing schoolwork.

From Eric Rohmer’s Les nuits de la pleine lune (1984).

Watching an Eric Rohmer film is, for me, like spending the afternoon in the company of a soulmate.  His worldview gently reinforces and complements my own and his good humour puts me at ease.  It’s so refreshing and relaxing to watch a Rohmer film.  It isn’t just the beautiful settings, the boating and the lazing about in the company of friends – it’s the warmth and lightness that his films have.  His characters are flawed, but they are always hopeful, optimistic and, even when they’re being practical or cynical, romantic. 

Claire’s Knee (1970) is one of the six moral tales.  The ‘morals’ here are rather fluid – in each film a man is tempted to stray but chooses not to, however, they all seem to be having plenty of other affairs, so the films are hardly promotions of fidelity.  In Claire’s Knee, Jerome (Jean-Claude Brialy), a man ‘between the ages of 35 and 40’ we’re told, is holidaying by a lake.  There he meets a sixteen year old girl, Laura (Beatrice Romand), who develops a bit of a crush on him.  Laura is the kind of outspoken, glinty-eyed young woman I love, and she spouts a fair bit of dross that could quite easily have fallen out of my mouth at that age.  Like this:

I was born to be unhappy.  But no, I won’t be unhappy.  I’m very happy.  I only think of positive things.  People are unhappy because they want to be.  When I feel down, I think about how there are happy times, and that crying does no good anyway.  I think about how marvelous it is to be here, and how much fun I’m going to have.  Having fun is being alive.  For instance, today I’m very happy.  Tomorrow I may be sad.

Oh yes, there’s a certain amount of prescient wisdom there, but Rohmer perfectly captures that youthful desire to have a philosophy of life that you can lean on, one that somehow represents you.  Laura says all this with a rather naughty smile of course, in a bid to both define herself and dazzle Jerome with her precocity.  In the same scene she observes that Jerome’s fiancée is rather hard, cold looking, and that she expected him to be with someone warmer.  Ah, the naive bravado, it’s lovely.

Jerome isn’t interested in Laura, but toys with her for the amusement of his friend Aurora (Aurora Cornu), who is trying to write a short story about an older man who becomes infatuated with a young woman.  The cliche of all this isn’t lost on Aurora, at one point she observes, ‘It’s already been told.’  However, when Laura’s step-sister Claire (Laurence de Monaghan) arrives, Jerome finds she ‘disturbs him’.  Claire is a sunny blonde who shares none of Laura’s interest in older men.  She is in love with the arrogant Gilles (Gerard Falconetti), who treats her rather disrespectfully, but who she won’t leave.  Of course, nothing happens – Jerome obsesses over Claire’s knee ‘the most vulnerable part of her body’, and eventually dissipates his desire by stroking it. 

Claire’s Knee gives us an ensemble of complex people who are in turn, pleasant and unpleasant, oblivious and wise.  Jerome isn’t really someone I’d want to spend my holiday with, but while he can be a bit pretentious, he isn’t cruel and he makes some sage observations about relationships.  Rohmer’s shooting style allows the characters to reveal themselves through their actions and conversations.  His camera observes them from a respectful distance, empathizing without taking any one side.  There is plenty of space around them, and at no point are you locked into an enforced relationship with Rohmer’s characters – they sit comfortably in the frame, they come and go, and so can your gaze.  There is always enough in each shot for you to choose what you’re going to look at.

It’s an incredibly freeing watching experience – the mise-en-scene is simple, and the light sparkles.  Rohmer’s love of cinema is clear.  Every shot is infused with a joy that celebrates both life, and the cinema as a way of exploring it.

In my previous post, I mentioned a part in Eric Rohmer’s Love in the Afternoon. Here are a couple of my favorite screenshots from the film.

Les Voyeurs #78 : Été
Émission diffusée le jeudi 10 septembre 2009 à 18h
rediffusée le samedi 12 septembre 2009 à 10h
et en téléchargement pendant une semaine ici.

Actualité

Les films de l’été :
Wathever Works
de Woody Allen (Sémaphore, Nîmes)
GI Joe de Stephen Sommers
Vertige d’Abel Fery
Inglorius Basterds
de Quentin Tarrentino (Arcades, Alès – en VO : Sémaphore, Nîmes – Kinépolis, Nîmes – le Venise, Sommières – Capitole, Uzès)
Public Enemies de Michael Mann
Un Prophète de Jacques Audiard (Arcades, Alès – Sémaphore, Kinépolis, Nîmes – Capitole, Uzès)

Film à venir :
Fish Tank d’Andrea Arnold
sortie le 16 septembre

Suites annoncées :
Saw 6 – Poltergeist - The Blob de Rob Zombie – Outland - Les 4 fantastiques – Spiderman 4, 5 et 6

Sortie DVD :
Merlin

Bande annonce :
The Wolfman réalisé par Joe Johnston (Jurassic Park III). Avec Benicio Del Toro, Hugo Weaving, Anthony Hopkins et Emily Blunt. Sortie France le 10 février 2010.

En 3D aux Arcades :
L’âge de glace 3 le temps des dinosaures de Carlos Saldanha
Là-Haut de Peter Docter
Voyage sous les mers 3D de Jean-Jacques et François Mantello

La rentrée du cinéma du dimanche 13 au mercredi 16 septembre les entrées sont à seulement 4€

Dossier de la semaine : Été

Le passage de l’adolescence à l’âge adulte
A deriva d’Heitor Dhelia (Sémaphore, Nîmes)
L’été de mes 27 baisers de Nana Djordjadze (2001)
Krampack de Cesc Gay (2000)

L’été bien français
Les Vacances de monsieur Hulot de Jacques Tati (1953)
Hôtel de la plage de Michel Lang (1978)
A nous les petites anglaises de Michel Lang (1976)
A nous les garçons de Michel Lang (1985)
L’été de nos 15 ans de Marcel Julian (1983)
On se calme et on boit frais à St Tropez de Max Pecas (1987)
Deux enfoirés à St Tropez de Max Pecas (1986)
Un moment d’égarement de Claude Berri (1977)
Les Bronzés de Patrice Leconte (1978)
Dupont Lajoie d’Yves Boisset (1976)
Pleure pas la bouche pleine de Pascal Thomas (1973)
Le Chaud lapin de Pascal Thomas (1974)
Les Maris, les femmes, les amants de Pascal Thomas (1988)
La Collectionneuse d’Éric Rohmer (1967)
Pauline à la plage d’Éric Rohmer (1983)
Contes d’été d’Éric Rohmer (1996)
Les Premiers outrages de Jean Gourguet (1955)

L’été meurtrier
L’été meurtrier de
Jean Becker (1983)
Summer of Sam
de Spike Lee (2000)

Et l’été inventa les blockbusters
Les Dents de la mer de Steven Spielberg (1975)
Dark Knight de Christopher Nolan (2008)

La bande originale de la semaine :

Extrait de la bande originale de Vampyros Lesbos de Jess Franco
Musique composée par Manfred Hübler, Siegfried Schwab et David Khune (alias Jess Franco)

La chronique de la semaine :
Foule invisible : Culture
Chronique écrite par Alain André

Musique :
Un été de porcelaine – Mort Shuman

Extraits :
A deriva
Krampack
Les vacances de monsieur Hulot
Les premiers outrages
Summer of Sam
Les dents de la mer 2

Présentation : Erik Antolin, Jérôme Bauzon, Cédric Cance, Jan Jouvert
Réalisation : Jérémie Adrian

VICKY CRISTINA BARCELONA av Woody Allen (2008)
Med Rebecca Hall, Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penélope Cruz, Chris Messina, Patricia Clarkson, Kevin Dunn, Julia Perillán, Christopher Evan Welch

SPOILERVARNING (SLUTET AVSLÖJAS)

Min far har kallat Woody Allen för filmkonstens ende amerikanske europé. Det ligger mycket i det. Woody Allens sätt att berätta är inte bara imiterat europeiskt på amerikanskt manér, det *är* europeiskt och påminner starkt om Eric Rohmer och, tidigare i karriären, Ingmar Bergman. Kanske inverkar det att Woody Allen förutom att vara hängiven europeisk filmkonst – främst Bergman – inte är en produkt av Hollywood; han arbetar utanför studiosystemet och spelar inte in sina filmer i Los Angeles utan i hemstaden New York (som dessutom varit den egentliga huvudpersonen i en lång rad av dem).

Vicky Cristina Barcelona är knappast något undantag, annat än att den inte utspelas i New York utan i Barcelona. Det här är inte ett plagiat på Eric Rohmer, men det är en film i samma berättratradition som Eric Rohmers filmer. Fast möjligen mer tillskruvad.

För Woody Allens berättelse börjar – när den börjar på allvar, en bit in i filmen – märkligt och närmast fånigt osannolikt (när Javier Bardem på restaurangen kommer fram till Rebecca Hall och Scarlett Johansson), men fortsätter ännu mer osannolikt fast trots det mer trovärdigt. En i sig rätt imponerande, smärre bragd. Det som till en början ser ut som och visar sig bli ett förutsägbart triangeldrama förvandlas snabbt till något helt annat och väldigt annorlunda – ett relationsdrama som direkt inbegriper sju personer, i olika och varierande konstellationer och med mycket snabba och oväntade förvecklingar i händelseförloppet.

Möjligen kan man invända mot stereotyperna, för här finns den ordentliga, helylleamerikanska, konservativa familjeflickan som gör ett snedsteg men sedan snällt slår in på livets utstakade bana (Rebecca Hall); här finns den upproriska, ramsprängande unga kvinna som i slutändan visar sig vara mer färgad av sin bakgrunds värderingar än hon vill medge inför sig själv (Scarlett Johansson); här finns den parodiskt hetlevrade, blodfulla, passionerade spanska kvinnan med ett starkt drag av vansinne fött ur nämnda eldfängda sinnelag (Penélope Cruz); här finns den tjusige, karismatiske lationälskaren som får kvinnorna att falla som furor (Javier Bardem); och här finns den ordentlige, amerikanske, helylletråkige man som gifter sig med Rebecca Hall och över huvud taget inte förstår vad delar av omgivningen håller på med, eftersom deras liv saknar “struktur” (Kevin Dunn).

Det här gör, trots det grepp intrigen bibehåller om tittaren filmen igenom och trots ansatserna – som är för grunda – till personutveckling som syns hos kanske främst Javier Bardem, Vicky Cristina Barcelona något mindre intressant än den skulle ha kunnat vara. Och i slutändan kanske en aning hollywoodamerikansk, trots allt. För greppet med stereotyperna som utagerar ett drama där positionerna vid dramats slut är desamma som vid dess början är hollywoodamerikanskt snarare än europeiskt, i synnerhet om positionerna dessutom råkar stå i överensstämmelse med traditionell, amerikansk familjemoral – även om anslaget i slutet är olyckligt. För Woody Allen är inte en konservativ knök och hyser såvitt man kan avgöra ingen större respekt för kärnfamiljen som nödvändig, samhällelig stöttepelare, något som väl – om man ser saken ur den synvinkeln – märks inte minst i hans av skvallerpressen ivrigt omskrivna privatliv. Så utgången ses för Rebecca Hall som olycklig och för Scarlett Johansson slutar Vicky Cristina Barcelona i ett frågetecken.

Woody Allen är – mycket föga oväntat, eftersom han visat det så många gånger tidigare – insiktsfull och ger till exempel som i blixtbelysning, genom ett kort replikskifte, en talande bild av det ogripbara i vad som får mänskliga parförhållanden att fungera. Eller inte fungera. När Javier Bardem för Rebecca Hall redogör för sin relation till före detta hustrun Penélope Cruz och talar om att de hade ett förhållande som var näst intill perfekt men där något saknades, frågar Rebecca Hall: “What element?” och Javier Bardem svarar att han inte vet, att de aldrig lyckades ta reda på det. Vilket jag tycker i ett talande koncentrat ringar in det ogripbara i hur parförhållandet kvinna – man fungerar. Eller inte fungerar.

Kanske säger det något om varför mekaniserad äktenskapsrådgivning inte alltid är grejen eller kanske säger det något om hur svårt, för att inte säga omöjligt, det är att göra något annat än att resa med sin partner i blindo, som Leonard Cohen sjunger.

Penélope Cruz fick förresten en Oscar för bästa biroll. Den Oscarn berodde utan större tvivel på att man genom att ge henne statyetten samtidigt lyckades prisbelöna en film av Woody Allen. Hollywood älskar Woody Allen, även om kärleken inte är besvarad.

Kör hårt,
Bellis

Ostatnio zakupiłam na allegro box z filmami Erica Rohmera. Oraz Cassavetesa.  Chabrol w drodze. Lol.

Póki co poszły trzy sztuki. Wszystkie z cyklu: Komedie i przysłowia. Wspólny mianownik: filmy absolutnie gadane, z zastosowaniem minimalnych środków wyrazów – wręcz teatralne w swej formie.  Przez miłosne rozterki do uniwersalnych dylematów. Po kolei.

Noce pełni księżyca, 1984

“Kto ma dwie żony traci duszę. Kto ma dwa domy traci rozsądek.”

Film zaczyna się od sceny, w której para kłóci się o wspólne wyjście do znajomych. On nie chce iść, ona woli iść sama, ale on jakoś nie jest przekonany – skąd ja to znam? – pomyślałam. Może być dobrze. Istotnie. Potem patrzymy  na to, jak to na własne życzenie poluzowuje się związek – bo jedno nie chce być krępowane, potrzebuje wolności i niezależności i do tego samego namawia swojego partnera, który preferuje tradycyjne standardy w relacji. A że kobieta ma swoją, że tak to nietrafnie wobec płci ujmę – garsonierę, postanawia zamieszkać tam, a z narzeczonym widywać się z doskoku. Nie stroniąc od imprez – uroczo jest oglądać jak to się bawiła francuska ejtisowa młodzież – naraża się, a w zasadzie nie stroni od różnych pokus… Efekt takiego postępowania jest dość oczywisty.

Paulina na plaży, 1986

“Kto za dużo gada, sam sobie szkodzi”

W zasadzie to przyslowie pasowaloby mi bardziej do następnego filmu, ale niech tam. Pauline, dojrzewająca szesnastka wyjeżdza ze swoją świeżo rozwiedzioną ciotką MArion nad morze. MArion to wiotka, atrakcyjna brunetka, więc na wejściu znajduje sobie dwóch aspirantów: Henriego do swojego ciała i Pierra do swojego serca. MArion bardziej pociąga opcja pierwsza, choć po pewnym czasie okazuje się, że obydwie strony dążą do czegoś innego. Pierre oczywiście nie daje za wygraną i czyni starania do zdobycia serca swojej dawnej miłości. Na skutek pewnych obserwacji wywiązuje intrygę, której ofiarą pada ten cały trapez miłosny: MArion, Henri, Pierre oraz Pauline i jej nowy chłopak Sylvain.

Piękne małżeństwo aka Wielkie plany, 1982

Mój dotychczasowy faworyt, ale i najbardziej komediowa z komedii. Sabine jest w zwiazku z artystą, który nie jest w stanei zapewnić jej stabilizacji. Zrywa z nim i za swój cel główny ustawia sobie znalezienie męża. Tak sie składa, że na jednej z imprez jej przyjaciółka artystka przedstawia ją swojemu kuzynowi Edmondowi. Sabine zagina parola na Edmonda – rozpowiada wszystkim, iż właśnie oto znalazła idealnego kandydata na męża  i przystępuje do procedury uwodzenia. Uwodzenia, które ma się skończyć na ślubnym kobiercu, a nie przedwcześnie w łóżku – Sabine chce byź gloryfikowana tak jak to były kobiety w dawnych czasach.  Wydzwania, zaprasza, nęci, kombinuje, ale Edmond jest coś wyjątkowo odporny na jej zaloty…  (nie, nie okarze się gejem)

Mąż mówi, żę nudne i głupie te filmy. Głupie bynajmniej, nudne także nie. Ot po prostu ortodoksyjne wręcz obyczaje, w których cała narracja opeiera się na dialogach między bohaterami. Jest zwyczajnie, realistycznie i niewymuszenie mądrze. Jest git.

Uśredniam do 5.

Rien de tel qu’un bon retour aux sources pour mieux avancer et repartir de plus belles. Aujourd’hui, je me suis regardé le documentaire “Louis Lumière”, réalisé par Eric Rohmer en 1968. C’est tout simplement une entrevue profonde avec deux des plus grands noms du cinéma, Jean Renoir, fils d’Auguste Renoir le célèbre peintre impressionniste, et Henri Langlois, co-fondateur de la cinémathèque française. N’ayant pas fait d’études de Cinéma, j’avais une vague idée, et un faible esprit critique envers le cinéma muet. L’écriture filmique du documentaire est sympa, vraiment pas lourde et très accessible. Le sujet est bien couvert et nous offre des perspectives de reflexion intéressantes. N’hésitez pas à jeter un oeil!

Voici un petit extrait

DIR Eric Rohmer
DP Nestor Almendros
CAST Patrick Bauchau, Haydée Politoff, Daniel Pommereulle, Alain Jouffroy, Mijanou Bardot

I’m not sure exactly what I can say here. Films like My Night at Maud’s are kind of my version of film entertainment. There is something about a group of French smokers trading intellectual propositions that I find engaging. In this case though, this is not all that is taking place. There is much more to these characters than simply their austere philosophies on life, love and spirituality. Rohmer is able to tell us a lot about Jean-Louis, for example, by the way he gradually opens himself to Maud after simply spending a few hours with her. She asserts multiple times that he is secretive (she also indicates that he is only acting this way towards her, and that she knows that he already has a secret love in mind), but he insists that he is not, that he is simply a follower of a personal moral code. It is never easy to see who is right. Jean-Louis seems to be sure of his own dedication to his religious and moral lifestyle. However, when he briefly begins to make a move on Maud, and then hesitates, it is easier to see it from her point of view: he is indecisive, at least when it comes to interacting with her. Although they may feel open towards one another, she can tell that his desires lie elsewhere.

It is this elsewhere–another woman–that the film both begins and ends with. Presumably, the most important events of Jean-Louis’ life occur with Françoise, the girl Maud always knew existed; these would include getting married and having children. These events are relegated to the final portion of the film, however, as the interaction with Maud dominates the major parts of the movie and encompasses some of the most tense scenes. In effect, though they may seem obvious, many questions are left unanswered. I was certainly left wondering about the nature of many of the characters’ relationships with one another (we are never exposed to this, only that there are associations), if Jean-Louis and Maud would ever meet again and what this would entail, and the future of these peoples’ lives in general.

Inglesa y el duque, La. (2001),

L’anglaise et le duc.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Género: Drama
Nacionalidad: Francia
Director: Eric Rohmer
Actores: Lucy Russell; Jean-Claude Dreyfus
François Marthouret; Léonard Cobiant; Caroline Morin; Alain Libolt; Héléna Dubiel; Laurent Le Doyen; Serge Wolfsperger; Daniel Tarrare; Charlotte Véry; Rosette Marie Rivière; Michel Demierre; Serge Renko
Productor: Françoise Etchegaray
Guión: Eric Rohmer
Fotografía: Diane Baratier
Calificación moral: No recom. menores de 7 años
  Duración: 124 minutos.
Culturalia: 9 votos. Puntuación: 9.3/10 Filmaffinity:292 votos. Puntuación 6.6/10

SINOPSIS:
Reconstrucción de las memorias de Miss Grace Eliott, una inglesa monárquica que vivió durante la Revolución Francesa y que fue ama de llaves del Duque de Orleans.

Green is the color of hope, or so says a character in Eric Rohmer’s The Green Ray. Despite Delphine’s, the central character’s, loneliness and struggle to reconcile that feeling with her intrinsic need to escape, the color of hope is seen in nearly, if not, every frame. Delphine is a superficially fickle character who engages in inconsequential bits of dialogue if only to keep herself from feeling too stagnant. She wants a man, but she refuses to look. Rohmer understands that these people can’t just do what seems to be right simply because we want them to. She has to work to forget her past and move on. It’s a difficult step, and her faith in superstition purportedly assists her in that. She finds cards on the ground. She picks them up and turns them over. Perhaps her fate lies outside of her control.

Rohmer does well to take a more observational and non-judgmental approach to the material so as to not come off as didactic or forced. Delphine simply is. Rohmer doesn’t contrive to mold her to your notions of maturity or responsibility. She has outbursts akin to that of a child. She’s quiet and walks surreptitiously through the hoards of beach-goers in the soft glow of the French  Summer sun. The sea teases a beauty of life she can’t seem to engage in. The camera settles largely on medium shots to allow the space she occupies to breathe. The passage of time is made readily apparent by shots of clocks and extended takes of hollow conversation. Delphine seems destined to be alone, that is, until she encounters a man in the airport as she prepares to head back home after another attempt at a fruitless vacation.

They talk. She finally takes a risk and decides this man may bring her happiness and an enjoyable vacation. He invites her to leave with him. She’s not so sure. The green ray of hope that radiates from the top of the sun shortly after sunset or before sunrise will tell her. If it appears before her unobstructed by clouds or anything else, she’ll take that risk. Jules Verne wrote a book about lovers that attempt to witness this phenomenon, but finding love in each other’s eyes, they pay no attention to the sunset. This is important, I think, because unlike those two lovers, Delphine insists she see the green ray before she takes the chance. I’d wager this doesn’t bode well for Delphine and her newly-found love. Sad, because she is ecstatic at the sight. Maybe once she learns to let go of the past and move on, she’ll end up lost in a lover’s gaze, ignorant of the green ray of hope in front of her.

Decidi levantar. Estava muito embriagada e meus sentidos falhos. Minha maquiagem borrada, meus cabelos bagunçados, faltava-me um brinco, e sentia que adiara demais a ida ao banheiro. Minha bexiga estava explodindo! Corri abrindo caminho na multidão e graças a deus estava de saia. O banheiro estava um horror. As garotas são garotos sem torneira.

Saí do banheiro e só fui reparar que estava com o salto quebrado quando me aliviei. Coloquei o pé descalço naquele assoalho gelado e molhado de não se sabe o que, imaginemos que fosse água para eu me tranquilizar, e saí. Sentei novamente onde estava e fiquei esperando. Eu gostava de ficar esperando.

Naquela noite, antes que qualquer pessoa me telefonasse eu já estava vestida e pronta para sair. Minha vida é assim, os encontros eu faço por aí, não preciso de convites nem de relacionados. Cada dia é um dia, e a diferença acaba se transformando em rotina. Sabe, o tempo inteiro fugindo do normal acaba sendo tão normal, que, às vezes, eu fico me imaginando vestida num terninho social, atrás de uma mesa, atendendo clientes. Não que eu não tenha os meus, mas deve ser interessante o contato de pessoas que não te deixam marcas de dedo pelo corpo.

Mas esta é minha vida, meu querido! Não se pode mudar uma vida de uma paulistana de vinte e cinco anos. Cristalizados quatro anos de experiência. Meu Deus! Eu não sei fazer nada além de posições sexuais performáticas. Tá certo, escrevo alguns poemas, arrisquei um talento musical quando produzia testosterona em maiores quantidades, mas todo mundo acabou me fechando as portas. E a realidade é que eu enjoaria muito mais rápido de uma rotina de escritório do que desta vida esquisita.

Meus pais sonharam com o que? Advocacia, medicina, engenharia, até professor! Vai, se gosta de escrever que faça letras! Jornalismo! Fica no computador o tempo inteiro, então faz Webdesign, alguma coisa você tem que prestar!

Estou prestando. Pode-se dizer que, numa sociedade capitalista, eu sou um produto inesgotável e indispensável para todas as camadas sociais. Japonês, negro, solteiro, casado, empresário, operário, eu só não dormi com padre em minha vida. Pelo menos nenhum vestido numa batina e identificado como tal. Acho que eu não conseguiria. Talvez seja esta a minha chance de quebrar a rotina.

Já sei! Assim que decidirem encerrar o expediente, vou pra casa, tomo um banho e rumo direto à igreja. Aí tento fazer com o padre o que fiz com um pai e um filho há dois dias, uma cruzada de pernas, um decote atraente e um convite para subirmos ao quarto mais aconchegante do hotel. Foi meio nojento ouvir o velho torcendo pelo garoto no momento de nossa intimidade, mas tudo é festa, tudo é farra.

Uma luz forte se acende no salão. Aquilo é como um alarme pros insetos presentes. Correm como formigas e aos poucos vão todos desaparecendo. Sinto gosto de sêmen na minha boca, mas não me lembro de ter engolido nada. Como de costume, sou a última a deixar o puteiro.

Escrito por Ricardo Celestino.

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Parece rasgação de seda, mas é que o menino tem talento! Pelo que sei, isso faz parte do Lipstick Killer, um romance que Richard The Drummer está escrevendo. Eu tenho aqui algumas páginas e a história está indo num ritmo bem interessante.

Gosto da literatura como um mero apreciador, arrisco meus contos, alguns poemas esdrúxulos, rabiscados em papéis pelo banheiro, mais como uma forma de penetrar nessa sensação de escritor do que como uma mídia a seguir. Acho fundamental a literatura, por mais injustiçada que ela seja, se os escritos tratarem das coisas reais, dos sabores escondidos, dos segredos sussurrados nos becos noturnos. De longe, a forma de expressão mais livre e libertária. De outro a mais solitária. Existe alguma lei de incentivo à literatura? E, se esta existisse, será que beneficiaria mais aqueles que já estão no topo (como acontece em Cinema)?

O que eu gosto dos textos do Ricardo é a forma que trata com sinceridade os temas que aborda, sendo o submundo ou as raízes tupiniquim, sem se perder em chatices dos olhares pequeno burgueses que parecem estar em alta nos dias de hoje. Ele realmente viveu aquilo que escreve, mesmo se o escrito é de algo que viu e observou a distância. É o que eu pretendo fazer no cinema. É o que todos deveriam fazer.

Estou imensamente curioso para saber onde este romance vai chegar. Manda bala aí, meu velho Richard!

Aproveito para deixar meu carinho e sorte para meu querido amigo Ciro Ciro que está indo mochilar pelas bandas da Europa. Ele vai ver o The Damned ao vivo (cuzão! Hahahaha). Já fiz minha listinha das coisas que quero e, assim que ele retornar, nos banharemos no álcool! Vai lá Cirots, mande lembraças ao David Vanian, ao Eric Rohmer e ao Bruno Aleixo!

Fiquem bem, todos bem.

Erick Martorelli lê Robert Mussil “O Jovem Törless”, escuta Wavves “Wavvves” e assiste Nicolas Roeg "Don’t Look Now".     

A Cinemateca Brasileira, com apoio da Cinemateca da Embaixada da França, exibe nesta semana a última parte da retrospectiva inédita aos 50 anos da Nouvelle Vague,  mostra intitulada de Mademoiselle Nouvelle Vague.

Confira a programação*:

ÚLTIMA SEMANA

Minha noite com ela (Ma nuit chez Maud), de Eric Rohmer

França, 1969, 35mm, pb, 110’ | Legendas em português

Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian, Marie-Christine Barrault, Antoine Vitez

Terceira parte da série Contos Morais, narra a história de um fervoroso católico que acredita ter encontrado, numa missa, a parceira ideal. No entanto, suas convicções são colocadas à prova quando conhece a bela namorada de um amigo.

qui 30 18h30 | sab 01 16h00

Muriel (Muriel ou le temps d’un retour), de Alain Resnais

França/Itália, 1963, 35mm, cor, 116’ | Legendas em português

Delphine Seyring, Jean-Pierre Kérien, Nita Klein, Jean- Baptiste Thiérrée

Terceiro longa-metragem de Alain Resnais, o filme contou com a colaboração do escritor e roteirista Jean Cayrol. Muriel faz um novo mergulho pelos meandros da memória e acompanha a história de duas personagens – uma viúva e seu jovem enteado – às voltas com difíceis lembranças do passado.
ter 28 19h30 | sex 31 18h30 | dom 02 21h00

A sereia do Mississipi (La sirène du Mississippi), de François Truffaut

França/Itália, 1969, 35mm, cor, 123’ | Legendas em português
Jean-Paul Belmondo, Catherine Deneuve, Nelly Borgeaud, Michel Bouquet

Rico industrial resolve se casar e, à procura de uma esposa, coloca anúncios no jornal. Uma candidata suspeita se apresenta, mas, mesmo assim, os dois se casam. Tempos depois, a mulher desaparece levando todo o seu dinheiro e o industrial coloca um detetive no seu encalço.

qui 30 20h30 | sab 01 20h30

Trinta anos esta noite (Le feu follet), de Louis Malle

França, 1963, 35mm, pb, 108’ | Legendas em português

Maurice Ronet, Léna Skerla, Yvonne Clech, Jeanne Moreau

Baseado no romance homônimo de Pierre Drieu La Rochelle, narra as últimas 48 horas de um homem totalmente perdido. A busca angustiada e pungente de si próprio e dos outros, empreendida por um dândi miserável e sua inaptidão para viver seus atos, é conduzida sob a música de Erik Satie. Considerado uma das obras-primas do cinema, denotando a influência de Bresson (de quem Malle fora assistente), é um dos maiores filmes do diretor.

qua 29 18h30 | dom 02 19h00

Role: Mademoiselle Nouvelle Vague

Quando: 28 de julho a 02 de agosto

Paga: R$ 8,00 (inteira), R$ 4,00 (meia-entrada) e entrada franca para estudantes da rede púbica.

Pico: Cinemateca Brasileira

Endereço: Largo Raul Cardoso, 207

Mais Informações: (11) 3512 6111 (ramal 215)

Indicação: Para maiores de 16 anos

Obs: Próximo a estação de metrô Vl. Mariana

* Programação sujeita a alterações sem aviso prévio e são de responsabilidade do estabelecimento.