Pieļauju, ka ikviens cilvēks visu savu apzināto dzīvi ikkatru dienu cenšas sevi darīt kaut nedaudz labāku. Piemēram otrdienās es parasti cenšos būt labāks nekā biju pirmdienās.

Tā arī šodien, kā vienmēr, devos uz sporta zāli, kautrīgi atzīšu, ka ne pirmo reizi vēru šīs konkrētās iestādes durvis, tomēr, ticiet vai ne, šī stāsta būtība nebūs par sportu, vismaz ne tā klasiskajā izpratnē, stāsta būtība būs visbanālākā – sievietes, jeb izsakoties precīzāk – sievietes un to mājieni. Tad nu es stalti izslējies veru vaļā sporta kluba stiklotās durvis, pieklājīgi sasveicinos ar reģistratūrai līdzīgā veidojumā sēdošo dāmu, kura man ļoti laipni pasniedz skapīša atslēdziņas ar pavisam mītisku numuru – 69… Kādu apaļu sekundi padomājis, paņemu to no viņas maigajām, koptajām rociņām, bet.. atzīšu, ka zemtekstu tā arī īsti nesapratu, jo izvēlēties tieši šo skapīti, no gandrīz 70 pieejamajiem, jau šķiet pagalam aizdomīgi…

Tā nu sportojot aizdomājos par daiļā dzimuma pārstāvju raidītajām zīmēm. Visas sievietes, vienalga pusmūža vai jaunas, bet legāla vecuma, skaistules, pat uz sporta klubu nāk atstāt iespaidu un dot kādu zīmi par sevi vai saviem nolūkiem. Personīgi es neeju tur atrādīties ar labāko t-kreklu vai jaunākajā ”naik” botēm, bet gan uzlabot savu fizisko un emocionālo veselību, bet iespējams, tas tikai tāpēc, ka mēs, vīrieši, vienlaicīgi spējam sevi koncentrēt tikai vienam konkrētam mērķim.

Otra šodienas zīme bija līdz šim neredzētas dāmas piedalīšanās nodarbības. Šī būtne izdalīja tik jaudīgus ar aci netveramus (vai gluži pretēji - tveramus) fluīdus, ka divi no pavisam esošajiem četriem kungiem izvēlējās uzsākt ar viņu principā paseklu sarunu par visu un tajā pat laikā par neko. Bet nu jums noteikti vajadzēja redzēt, kā veči dzirkstīja, viennozīmīgi uzskatīdami, ka darbiņš padarīts godam, lepni turpinot stūrēt savu kuģi arvien tuvāk minētajai dāmai…

Bet patiesi! Es, kā šajā jomā diezgan nepieredzējis čalis, īsti neizprotu kāda ir skaitļa 69 simboliskā nozīme. Tad nu, saņēmis dūšu, iegāju google.lv un saņēmu apskaidrības belzienu tieši starp acīm! Jāāā, man viņa tik tiešām bija jāsagaida pirtī…

IETEIKT

Si con Terence Fisher traté de saltarme los ceremoniales sin mayor éxito, con Bava tres cuartos de lo mismo. Un maestro y un genio que ya estuvo aquí con “La furia de los vikingos” y que volverá, eso sin duda. Esteta del horror mucho antes de Argento, autor y artesano, poseedor de un poderosísima iconografía estética y de un prontuario conceptual perfectamente representado en este irresistible dúo: “La frusta e il corpo” y “Operazione paura”, cumbres de la Italia gótica y tétricas maravillas sobre obsesión, muerte, pasión y amor.

“Come sail your ships around me
And burn your bridges down“

La frusta e il corpo

Año: 1963

País: Italia

91 min.

Fotografía: Ubaldo Terzano

Música: Carlo Rustichelli

Guión: Ernesto Gastaldi, Ugo Guerra, Luciano Martino

Reparto: Daliah Lavi, Christopher Lee, Tony Kendall, Ida Gall

Melodrama ultraterreno, romanticismo desaforado y fetichismo erótico perturbador para una de las obras mayores (y no precisamente más conocidas) de Mario Bava, donde conviven con particular perfección sus obsesiones temáticas y su corpus estético, la imposible belleza pictórica de sus imágenes y su arrebatado universo onírico.

Regreso a los terrenos del horror gótico de “La máscara del demonio”, con esa casi táctil atmosfera de pesadilla, pero con el añadido esencial del color (¡ah, el color!), que potencia una fotografía ya de por si asombrosa, en la que los rostros están constantemente rodeados de negrura profunda en combinación con un cromatismo por completo irreal y que incluye una de las marcas de fábrica de Bava, el personaje que avanza en primer plano mientras la cámara retrocede lentamente y la luz cambia dentro del mismo plano en una ejecución complejísima en lo técnico y fascinante en lo artístico.La bellísima banda sonora Carlo Rustichelli, de inspiración “chopeniana”, y una puesta en escena constantemente audaz, se suman a la densidad de la historia, a su sexualidad mórbida y su perversa mixtura de sadomasoquismo terminal y deseo incendiario explicitado en la mirada de la subyugante actriz israelí Daliah Lavi tras ser azotada y su turbadora manera de (literalmente y sin metáforas) correrse de dolor en una sublimación de lo carnal que no se olvida fácilmente. Dando como resultado una de las más hermosas películas del autor (que ya es decir) con un bloque central apabullante, casi mágico, casi inconcebible, en el que asombra el dominio de Bava sobre el tempo cinematográfico y sobre el espacio fílmico, a los que somete a una renovación (incluso una deconstrucción) que lo aleja de cualquier clasicismo, algo que será uno de los puntales de su estilo, y que le deja mano a mano con el referido Fisher como el mejor director del “fantaterror” europeo.

Christopher Lee despliega su proverbial magnetismo como amante torturado/torturador más allá de la vida y la muerte y la ya mentada Daliah Lavi maravilla como la mejor Barbara Steele, sacando explícitamente el monstruo que lleva dentro en un grandioso final que hace visible la mente escindida de la protagonista al mostrar por primera vez “desde fuera” la verdadera naturaleza del horror que la acecha y que no es otro que ella misma. Naciendo así no de lo fantástico sino de la misma humanidad, el eterno discurso “baviano” para este cuento fantasmagórico de amor y muerte, decadente y suntuoso, en el que lo pavoroso no emana de la truculencia de lo mostrado sino de las entrañas de la propia historia, de la locura que devora todo, incluida la imagen.

“Una promesa es muy facil de hacer, un corazón es tan facil de romper”

The Dream Syndicate, “I have faith”

Operazione paura

Año: 1966

País: Italia

85 min.

Fotografía: Antonio Rinaldi y Mario Bava

Música: Carlo Rustichelli

Guión: Romano Migliorini, Roberto Natale y Mario Bava

Reparto: Giacomo Rossi-Stuart, Erika Blanc, Piero Lulli, Fabienne Dali, Max Lawrence

Pese a su horrible título de “exploit” de James Bond una de las obras mayores del gótico italiano, una manera o un estilo un tanto relegado quizás por la creciente popularidad del “giallo” entre el aficionado pero que resulta una de las formas más genuinas y apasionantes del cine popular italiano con títulos tan mágicos como “El molino de la mujeres de piedra”(1960) de Giorgio Ferroni, “Danza macabra”(1963) e “I lunghi capelli della morte”(1965) del muy reivindicable Antonio Margheriti (en breve lo pasearé por aquí) o trabajos del muy olvidado Camillo Mastrocinque como “La maldición de los Karnstein”(1962) y “Un angelo per Satana”(1966).Bava contrapone paganismo/racionalismo dentro de una historia de maldiciones con toques de leyenda en la que un médico (el elemento cartesiano violentado por la irrupción de lo fantástico/irracional) llegará a un villorrio tan dejado de la mano de Dios que incluso su iglesia está en ruinas. Un pueblo de callejones intrincados predispuestos al misterio que está aterrorizado por la superstición, las muertes inexplicables provocadas por las apariciones de una espectral niña de cabellos rubísimos y vestidito blanco(una idea absolutamente genial en su representación y que fue robada/homenajeada conscientemente por Fellini en su obra maestra  de 1968 “Toby Dammit” su segmento para la ,en conjunto, mediocre serie de adaptaciones de Poe “Historias extraordinarias”) que empuja al suicido a quien la ve gracias a su irresistible poder de sugestión hipnótica y la constante presencia de una mansión, que es cuna del mal. Un lugar maldito y es que esa niña, fue dejada morir, ahorcada accidentalmente en el campanario, sin ayuda y por ello es ahora convocada de tal modo que lo que consume al pueblo no es en realidad el horror sino la culpa, un terror mucho más real paradójicamente corporeizado en lo fantástico. El resultado es una película memorable que supera su pobreza de medios mediante un uso estilizado y sugerente de los decorados (como siempre en Bava los interiores forman auténticos laberintos escenográficos mediante la interposición del mobiliario entre los que la cámara serpentea) y las localizaciones (buscando siempre nocturnos brumosos que azucen la imaginación y conviertan una pared de piedra o un paso medio derruido en lugar de pesadilla donde cualquier cosa es posible), esas callejuelas angostas y sobretodo un cementerio musgoso sacado de alguna ilustración de cuento terrorífico y romántico, pese a que atempera el habitual delirio cromático de raíz lisérgica que es marca de la casa o a que abusa del “zoom” en contadas ocasiones. Desborda tensión y ritmo, ideas geniales llevadas a la cumbre con el momento puramente onírico del protagonista persiguiéndose a si mismo a través de un estancia con dos puertas que se compondrá en angustioso bucle espacio-temporal que demuestra que esa mansión no se encuntra en ningún otro territorio que no sea el del sueño (algo en lo que el auto reincidiría en la estupenda “El diablo se lleva a los muertos” un film realmente valioso pese a su tortuosa distribución y remontajes) y el intransferible sentido de la puesta en escena de Bava, siempre elaboradísimo y de un barroquismo exultante.

Una joya lastrada por cierta mediocridad en sus interpretes (con una Erika Blanc desaprovechada en Unipapel demasiado pequeño) y un final algo anticlimático (el fabuloso clímax en el caserón se resuelve de manera un tanto abrupta), pero elevada por momentos verdaderamente escalofriantes, con las apariciones de la niña de ultratumba al la cabeza (precedidas en ciertos momentos por una pelota que viene rebotando desde ningún lado y que sin duda Kubrick, al igual que Fellini, recordó para “El resplandor”) y en especial el suicidio de la joven posadera, obligada por la visión sobrenatural de la pequeña fallecida a ensartarse en abrazo mortal con una horca. Nuevamente redundar en una (otra) maravillosa banda sonora de Carlo Rustichelli y sobre todo resaltar la construcción de una atmosfera ominosa y fatalista, de la que es imposible escapar.

Erotika – ar mīlestību saistīts jūtu un izturēšanās veidu kopums;

Pornogrāfija – amorāls, piedauzīgs, naturāls kā seksuāla attēlojums (parasti literatūrā, attēlos, kinofilmās);

Mīlestība – intīmas, dziļas un noturīgas pozitīvas jūtas (parasti mijiedarbībā ar dzimumtieksmi), kas vērstas uz konkrētu pretējā dzimuma cilvēku un kas rosina indivīdu pilnveidot sevi, darboties šī cilvēka labā.

Mazliet paspriedelēsim par šo trīs maģisko vārdu nozīmi ikkatra ikdienas dzīvē. Ok, ja vēl erotikas skaidrojumam, tīri subjektīvi, varu piekrist, tad atklāts paliek jautājums – kas notiek ar pornogrāfiju? Pornogrāfija, ja atklāti, ir ārkārtīgi komplicēts fenomens. Šis termins radies 19. gadsimta vidū un ir atvasināts no pornographos – porne (prostitūta) un graphien (rakstīt). Pavisam burtiski tulkojot, pornogrāfijas ideja sakņojas sievietes seksuālajā verdzībā un pakļautībā. Interesanti, ka, šādi nostādot blakus visu šo terminu skaidrojumus, varam secināt – vienīgā un acīmredzamā atšķirība, kas tos šķir, ir mistiskā “mīlesība”.

Vēljoprojām nesaprotu kā tas manā pavisam parastajā dzīvē tika sagadījies, bet no visiem raksta sākumā minētajiem terminiem, kā pirmais un visspēcīgāk mani skārusi pornogrāfija. Septiņu gadu vecumā es pēkšņi konstatēju, ka labais vīriņš, tur augšā, man iedalījis kādu burvju instrumentu, kurš sevišķi īpatni uzvedās brīžos, kad manas mammas draudzenes “tējas vakaros” sāka apspriest pavisam sievišķīgas tēmas, kā arī uzskatāmi demonstrēt savus “kompleksus“. Interesanti, ka, neskatoties uz šī instrumenta necilo izmēru (toreiz, aptuveni 5 – 6 cm miera stājā), tajos ilgpilnajos brīžos mana bērna dvēsele ieguva pavisam vīrišķigu skanējumu un plašumu. Šķiet, ka tad es pirmoreiz aptvēru savu seksualitāti, jo diezin vai pat pats Napaleons būtu maršējis gar virtuves galdu tik staltu un nosvērtu stāju ieņēmis kā es toreiz. Pagāja gads vai divi, līdz kādu dienu pamodos savādu sajūtu pārņemts, vīrišķibas instruments, kura apslēpto funkcionalitāti tikai nesen tiku sācis apzināties, uzvedās pagalam dīvaini! Tas bija izslējies taisni un stingri kā kareivis ierindā un lai ko es darītu man neizdevās to nomierināt. Te manam apvārsnim atklājās erotiskā literatūra. Vai atceraties tos trakos skandināvu žurnālbukletus – Antila? Vai saprotat kādas emocijas jaunā vīrietī radīja šī kataloga sieviešu apakšveļas sadaļa laikā, kad visas tam zināmās sievietes valkāja svārkus līdz potītēm un aukstā laikā zem tiem vēl pavilka vilnas zeķbikses? Jā, todien es pirmoreiz kulminēju, atzīdams sevi par netradicionāli orientētu neesam (apziņā gan tas izgaismojās pēc vairākiem gadiem, noskatoties Kuprainā kalna treileri, pēc kura par filmas noskatīšanos prātā iezagušās domas atmetu pilnīgi un pavisam).

Ziniet, es varu atsaukt atmiņā gadījumu, kas lika man vilties visā 90to gadu pornogrāfijas un videonomu pasaulē. Bija kādus 12 – 13 gadus ”zaļš” un retajam tolaik mājās bija video magnetofons, kā arī video kasetes bija dabūjamas tikai specializētajās nomās. Tad nu ar savu toreizējo labāko draugu, kurš bija vien nedaudz vecāks par mani, devāmies uz izslavēto tā laika izvirtības templi – video nomu. Plaukti bija pilni dažādu filmu, lieki stāstīt, ka tur bija gan Brūsa Lī pirmie slavu nesošie gabali, gan atraugas no Stīvena Sīgala daiļrades (Čak, piedod, Teksasas Reindžers parādījās vēl nedaudz vēlāk!), kā arī, speciāli tām veltītā sadaļā, – pornofilmas. Mēs, kā jau pilnīgi iesācēji, šajā neapšaubāmi baudpilnajā pasaulē, izvēlējāmies visneveiksmīgākos variantus, kādos ieguldīt savu nedēļas kabatas naudu, jo tikai mājās, trīcošām rokām ievietojuši kaseti video magnetofonā un nospieduši “play”, secinājām – mūsu priekšā visā spožumā ir pārīts primitīvu šausmu filmu ar banālas erotikas un stipri pablāvas pornogrāfijas motīviem. Varam uzskatīt šo par manu pirmo vilšanos pusmūža sievietēs, kuras iznomā kasetes drūmajā centra video nomā.

Klaiņošana pa video nomām turpinājās līdz vecāku drēbju skapja augšējā plauktā es atradu savu lielāko dārgumu, ko ar aizrautību studēju turpmākos 3 gadus – godātā Zālīša kunga gara darbu ”Mīlestības vārdā”, taču tā jau ir tēma pavisam citam stāstam.

Turpinājums sekos.

</p

IETEIKT

-ben volt ismét részem… kölcsönösen elégítettük ki egymást, először én őt és aztán ő engem… megfigyeltem, szereti és felizgatja ha kicsit erőszakoskodom vele, kemény kézzel szorítom le a párnára miközben élvez s ilyenkor még nagyobb a boldogsága… (persze, biztosan minden nő szereti ha a pasija finom keretek közt erőszakosan nyomul) aztán én következtem, mélyen a torkába eresztette a farkam.. ezt nagyon tudom élvezni… aztán muszáj volt megharapdálnom, oly finom mindene, legszívesebben széjjel harapdálnám a gyönyörűségtől… imádom a reggeleket vele.a reggeleket is imádom vele… még akkor nyomulok rá, mikor még alszik s ilyenkor arra ébred, hogy már benne vagyok.s ez hatalmasan tetszik neki… szóval csodálatos volt a mai reggel is

Contratiempo (Bad timing)

Director: Nicolas Roeg

Año: 1980

País: Estados Unidos

122 min.

Fotografía: Anthony B. Richmond

Música: Richard Hartley

Guión: Yale Udoff

Reparto: Art Garfunkel, Theresa Russell, Harvey Keitel, Denholm Elliott

No pocos directores ven sepultada la gran mayoría de su filmografía bajo el peso de una sola obra, este es el caso del muy interesante, excéntrico y altamente pretencioso Nicolas Roeg, gran operador de fotografía (“Farenheit 451” y “Golfus de Roma”, ambas en 1966, por ejemplo) firmante de ese indiscutible clásico de culto que es  ”Amenaza en la sombra“(1973) pero que más allá de esta obra mayor su carrera se mece entre lo justamente olvidable (o evitable) como la inaugural “Performance”(1971) dirigida mano a mano con otro extravagante profesional como Donald Cammell (el hombre tras “Engendro mecánico”, 197) y convertida hoy en pieza de culto en virtud de su estragante caracter “bizarre”  y la presencia de Mick Jagger como trasunto de si mismo o la insufrible “The man who fell to Earth”(1976) a mayor gloria de Bowie y lo penosamente olvidado, como la extraña y pelín demasiado “arty” “Walkabout”(1971), la simpática adaptación de Roald Dahl, “La maldición de las brujas”(1989), “Dos muertes” un título casi invisible pero que cuenta con defensores y al parecer no carece de interés y por supuesto este “Contratiempo” que supone a la vez una película de increíbles posibilidades y un fracaso doloroso perdido en el ensimismamiento.

“Contratiempo” es una historia criminal y melodramática de “amour fou” y obsesión sexual contada/reconstruida a través de un ritmo sincopado, una narrativa elusiva y una estructura fragmentaria que es una auténtica exhibición de montaje puramente musical, al que no es ajeno su potente banda sonora que mece a los Who con Billie Holliday y Tom Waits ni, en especial, su trabajada asincronía que mezcla/altera el espacio físico/fílmico mediante la manipulación del sonido en relación a la imagen y viceversa.

La historia deja oír algunos ecos de “El último tango en Paris”, manierismos visuales y ramalazos de la histeria de Andrej Zulawski (del que también hereda su manera rompedora de tratar estilemas típicos del melodrama), de los trabajos previos del propio director (ese sentido de la narración “alterado” ya funcionaba a toda máquina en “Amenaza en la sombra”) e incluso inopinadas gotas de espionaje (ella procede del Este de Europa y arrastra un extraño matrimonio con un hombre mucho mayor que bien podría ser un espíay al que interpreta el siempre espléndido Denholm Elliott) que añaden delirio y extrañeza al invento, ennoblecido por una fotografía extraordinaria (con algún efecto sorprendente, como esos fondos desenfocados que parecen deshacerse como pintura húmeda) y sobre todo por esa facilidad asombrosa que tenía el mejor Roeg para volver inquietante y amenazante cualquier cosa solo con la planificación visual y la precisión en el movimiento de la cámara.

Theresa Russell fascina como desequilibrada belleza mezcla de frialdad, infantilismo y perversidad a partes iguales, que llevará a la perdición a un psiquiatra americano en una Viena extraña y peligrosamente hermosa a la que Roeg somete al mismo tratamiento que a la Venecia de, si otra vez, “Amenaza en la sombra” pero por desgracia el concurso del lechuguino Art Garfunkel como (incapaz) protagonista lastra toda la película al no poder transmitir la turbulencia y el progresivo desquiciamiento, la necesidad de poseer lo inaprensible de su personaje, con la excepción del cruel final en el que viola a una Theresa Russell agonizante (la única vez que ella se está quieta y el consigue mandar/controlar) y en el que la inexpresividad del actor se vuelve a favor del momento amplificando la parsimoniosa repugnancia y atrocidad minuciosa de un acto perfectamente milimetrado. Un clímax soberbio en el que el pulso de Roeg brilla con fuerza y su personal sentido de la progresión dramática y de la organización espacial, su en ocasiones despegado esteticismo y ese montaje ya referido funcionan a la perfección. Aún así resulta una lástima que el gran Harvey Keitel no se ocupase de este papel en lugar del de bien peculiar policía obsesionado con ese “bad timing” del título original que tiene a su cargo, en ese caso el resultado podría haber sido una obra maestra.

An object of desire you don’t desire to be, I bet the shop window dummies
give in just as easily
I try to top but have to make you drop down to the floor
Moaning in the darkness as we fake some more
Passion is no ordinary word
Not just another sound that you hear at night

El espanto surge de la tumba

Director: Carlos Aured

Año: 1973

País: España

95 min.

Fotografía: Manuel Merino

Música: Carmelo Bernaola

Guión: Paul Naschy

Reparto: Paul Naschy,  Emma Cohen, Helga Liné, Víctor Alcazar, Luis Ciges, Julio Peña, María José Cantudo

Mi relación con Naschy o más bien hacía Naschy, ya que no tengo el gusto de tratarlo, podría resumirse en un aserto popular que reza: “Amiguinos, amiguinos, pero la vaquina por lo que vale”. Es decir, aprecio y reconozco el esfuerzo titánico de Jacinto Molina en levantar una especie de industria alrededor del “fantaterror” español, su voluntad de personalizar un discurso y de alcanzar una especia de autoría, una manera intransferible y reconocible de tratar el género, me enternece la desmesura de su ego o el empeño en continuar mucho más allá de la defunción del género y lamento que la gran mayoría de sus ideas fueran pisoteadas por circunstancias ajenas, léase penurias presupuestarias, rodajes a matacaballo en una semana y con seis técnicos o directamente la atrabiliaria incompetencia de directores (¿?) como el propio Aured, Zabalza, Madrid, Iglesias o el Klimovsky más desganado. La verdadera reivindicación de Naschy (como la de tantos otros) no puede de esta manera venir desde el arrobo del fan o la condescendencia del enteradillo sino desde el justiprecio del rigor crítico que señale virtudes, contextualice maneras, haga comprensibles insuficiencias y sancione errores/horrores. De otra manera el rescate no tendrá valor alguno y perpetuará la permanencia del cine popular como artefacto “camp” pare ser mirado por encima del hombro cuando no para chotearse abiertamente.

De esta manera “El espanto surge de la tumba” resulta me un film particularmente difícil de valorar, ya que, si bien es estrictamente un bodrio carente de ritmo, pedestremente narrado, montado a hachazos y con un total desconocimiento de los rudimentos de la puesta en escena, también atesora una importancia histórica decisiva al ser el acta fundacional de esa “Hammer” del (muy) pobre que fue “Profilmes”, además de acarrear no poca mítica (y en ciertos aspectos casi justa) en su condición de “eurotrash” de culto internacional, en virtud de su sandunguero festival de picadillo “gore” y su perversidad erótica (amén de unos jugosos desnudos escamoteados en el metraje español, hay que recordar que la censura se ensañaba con el género y la dobles versiones estaban a al orden del día) que incluye tríos, lesbianismo, necrofilia (turbiamente sugerida en el asesinato, pasada por la hoz por un sobón Ciges, de una jovencita María José Cantudo “pre-parrús” y tétricamente empleada en la resurrección de una sofisticadísima Helga Liné, uno de los mejores momentos de la película) y demás familia.

Reconozco que no carece de aciertos, en especial su poderoso prólogo (casi “bergmaniano” en ese desfile en ascético travelling lateral), mezcla de barro, sangre y leyenda, que aporta el necesario tono ominoso a todo el invento y que está filmado del modo más primitivamente apropiado, rematado por la maldición de Alaric de Marnac (personaje recurrente en su filmografía y presentado aquí) previa pérdida de la cabeza y por el escalofriante plano de Helga Liné bocabajo y desorbitada, entre gritos y juramentos.

Desde luego la caracterización de Naschy como el demoníaco Alaric (el divo se reserva nada menos que tres papeles y en dos de ello triunfa por partida doble, apareciendo fugazmente desnudo además) resulta por completo inolvidable, una desaforada, expresionista (por histriónica) y maléfica revisión del vampiro (en lugar de crucifijo es repelido por el medallón de “los martillos de Thor”.sic, uno de esos objetos de leyenda coon los que Naschy daba una pátina medio erudita, medio “pulp” a sus trabajos) enfrentado a la inocencia carnal de una guapísima Emma Cohen, a lo que se une algún aisladísimo momento donde la cruda atmósfera y el torpe feísmo terminan por funcionar, pienso en el ataque de la consorte del villano al desprevenido ladrón o la brutalidad de las escenas al borde del lago en general, en especial el contundente hachazo que apiola inopinadamente al personaje de Naschy, en las que lo desabrido del entorno y el frió serrano que se respira traspasan la pantalla.

Pero la película mezcla sin mayor criterio ideas verdaderamente aprovechables (la cabeza parlante, bien ideada, mal resuelta), tiradas por tierra por un Aured inepto, con modas de la época ejemplificando bien el carácter carroñero y desvergonzadamente “exploit” de gran parte del terror ibérico, desde unos cuantos “zombies” (muy competentemente maquillados, eso si) hasta su gotita de sanguinolencia paleta, con “Perros de paja” todavía calentita.

Una pena que un autor genuino como Naschy, poseedor de un corpus conceptual intransferible en su relectura de la mitología del terror desde el prisma de un muy español romanticismo, siempre chocase con todo tipo de limitaciones a la hora de plasmarlo, personificando el problema principal del “fantaterror” español, la total falta de medios derrotando a la buena voluntad.

La “Hammer” dio lo mejor de si desde mediados de los 50 y durante la década de los 60 llevada de la mano de ese maestro del cine que fue Terence Fisher, en ese periodo instauró un estilo, un ideario y una iconografía. Un tratamiento completo y renovador de la mitología del terror al que además incorporó sus propios originales. Los 70 fuero la decadencia y como siempre en términos de decadencia lo mejor y lo peor van de la mano. Así refulgen algunas de sus mejores obras, títulos audaces en su descaro como “Drácula y las mellizas”(1971) de John Hough o “Capitán Kronos, cazador de vampiros”(1973) y obras maestras del calibre de “Doctor Jekyll y su hermana Hyde”(1971), estas dos bajo guión (y dirección en el caso de la primera) de el extraordinario Brian Clemens, materia gris tras esa serie fundamental que fue “The Avengers”, bailan con las infumables lecturas contemporáneas del Drácula en bodrios como “Drácula 73”(1972). Se incorpora el choque generacional, la estética coyuntural y el “look” setentero hace estragos, se extreman el erotismo y la sangre….se embrutece la fórmula pero el genio de algún modo permanece, solo que está más escondido y si en la casa del terror de la edad anterior cada casi título era una fiesta y un carrusel de sugerencia en esta década habrá que rebuscar y a mi me encanta rebuscar.

Así “Sangre en la tumba de la momia” será mejor acercamiento a la imaginería egipcia por parte de la “Hammer” (adaptando muy libremente “La joya de las siete estrellas” de Bram Stoker) a pesar de ser un film realizado en las peores circunstancias; Peter Cushing tuvo que ser sustituido por Andrew Keir (el último Quatermass de 1967 en la estupenda “¿Qué sucedió entonces?”) tras el fallecimiento de su mujer y Michael Carreras (principalmente productor pero también ocasional director que ya había trasteado con momias en 1964 con “Curse of the mummy’s tomb” y que entre mucha medianía dejó ese delirante festín de pura irrealidad que es “Mujeres prehistóricas”,1967) finalizó el rodaje debido a la muerte repentina del director Seth Holt, un prometedor realizador que había llamado y mucho la atención con “El sabor del miedo”(1961), obra sobresaliente que, bajo guiones de Jimmy Sangster, abrió la veta e instauró el estilo barroco y en claroscuro del terror/misterio psicológico-retorcido en la casa, que daría joyas como “El alucinante mundo de los Ashby”(1963) bajo la inspirada dirección del gran operador de fotografía Freddie Francis y la desatada “performance” de un Oliver Reed a sus anchas. Corriente continuada por el propio Holt en “A merced del odio”(1965) con Bette Davis de “nanny” sospechosa. Director de notable poderío escenográfico y gusto por la planificación rebuscada, lo que unido a su dominio sobre la mecánica del suspense llegó a valerle el apelativo de “el nuevo Hitchcock”, sin duda un ditirambo excesivo pero no muy desviado.Aún con todas estas trabas que con el tiempo han terminado por instaurar un aura de film maldito alrededor de esta producción, el resultado es una película realmente curiosa, que en sus mejores momentos desborda capacidad de sugerencia, misterio y encanto “pulp”, además de un arrebatado toque onírico y “fantastique” que mece esoterismo y ocultismo con el erotismo perverso que desprende su extraordinario personaje central.

Una archipoderosa sacerdotisa egipcia que tratará de reencarnarse en la hija del director de la expedición que encontró su sarcófago en el intento de que este la devuelva a la vida en el presente con la ayuda de una serie de objetos rituales. Memorable personificación de la bellísima y voluptuosa Valerie Leon en el doble papel protagonista, expresando/encarnando mejor que bien el balanceo entre la ingenua jovencita contemporánea y la malignidad seductora y el descaro sexual de su yo pasado. Como siempre en la “Hammer” la comodidad burguesa es corroída por la infiltración de lo inexplicable, sacando a la luz las pulsiones ocultas a través del encuentro frontal con la encarnación de aquello que realmente más se desea.

Desgraciadamente las inclemencias del rodaje hacen mella y el invento padece no pocas arritmias e incongruencias tonales/estéticas (y alguna interpretación muy mediocre) pero pervive la huella del intenso estilo visual de Holt, tanto en las estupendas ensoñaciones que corresponden a los recuerdos egipcios como en ese particular don que tenía Holt para convertir en amenazadores los objetos a través del encuadre o en la sofisticada planificación de alguna secuencia, el ataque en el callejón debe por fuerza ser suyo. La música y la fotografía son tan excelentes como era norma y toda la película está dotada de ese algo inmarcesible de “la casa del terror”, esa magia del cine que sublima, incluso desde la inconsciencia, sus propios puntos de partida.

Sangre en la tumba de la momia (Blood from the Mummy’s Tomb)

Director: Seth Holt, Michael Carreras

Año: 1971

País: Gran Bretaña

91 min.

Fotografía: Arthur Grant

Música: Tristram Cary

Guión: Christopher Wicking según la novella de Bram Stoker, “La joya de las siete estrellas”, 1904

Reparto: Valerie Leon, Andrew Keir, James Villiers, Hugh Burden, George Coulouris, Rosalie Crutchley

You were so sweet when we first met

A német könyvpiac valósággal felbolydult egy éve Charlotte Roche minden eddigi szexuális tabura fittyet hányó könyvétől, amely az őszinteség-nyíltság normáit új dimenziókba helyezte. (Nem mellőzhető adat: fél év alatt több mint 1.5 millió példányt adtak el belőle, és eddig 29 ország vette meg a könyvkiadás jogát!)
A regény a kritikusokat is megosztotta. Egyesek szerint a Nedves tájak nem más, mint színtiszta pornográfia, mások viszont állítják, hogy ez a sodró erejű könyv egy rémült és magányos, fiatal lány brutálisan nyers szókimondással megírt vallomása. A szépelgő köntörfalazást totálisan mellőzi az írás, és azt vágja az olvasó arcába, hogy a test a legfontosabb, a lélek nyavalygásai pedig csak gyötrelmet okoznak számunkra. Ahogyan persze a főszereplő számára is, aki úgy próbál védekezni ez ellen, hogy abszolutizálja a test szerepét, funkcióit – legyünk mi is nyersen szókimondók: a szexualitást, a polgári erkölcs szerint szégyellni való testnedvek hatalmát holmi érzelmek fölött. Mindez olyan szokatlan szövegekben ölt testet, amelyekre az átlagolvasó talán nem vevő, de akiben működik az “ami az emberben van, az emberi” elve, a megértésnek a mesterkélt szabályokat felülíró vágya, érteni fogja a ragyogó íráskészségű szerző törekvését.
Vitába szállni vele persze kinek-kinek szíve joga, ám elítélni azért, mert az élet jelenségeit saját tapasztalatai alapján rangsorolja, egyszerűen vétek lenne. Az a puszta tény, hogy a dolgok néven nevezése és az úgynevezett négybetűs szavak Charlotte Roche számára a mesélés legtermészetesebb részei, nem riaszthatja el a valódi olvasókat egy megrendítő, nem mindennapi élménytől, egy páratlan tehetség felbukkanásának örömétől.

Charlotte Roche könyve igazi beavatási szertartás. Sokkoló utazás a szexualitás és a testnedvek birodalmába.

Kimondottan csak 18 éven felülieknek!

Minden részletesen benne van, amit egy fiatal lány saját altestén kitapintani és megszagolni képes. Sokaknak segített már gátlásaiktól kicsit megszabadulni. Időnként fröcsög, néha illatozik. Bármennyire is szeretne, nem tud tárgyilagos maradni. Vágyik a szeretetre.

2.580 Ft helyett

Intenzivno razmišljamo o sexu sa susjedom, kolegom ili kolegicom s posla, maminom prijateljicom, poslovnim partnerom… Da! Tako funkcionira mozak današnjeg suvremenog čovjeka kojega pokreću samo dva nagona, a to su onaj sexualni i nagon za preživljavanjem. S naglaskom da je ovaj prvi puno dominantniji.

Međutim bez obzira na sve te napaljujuće scenarije koji se odvijaju u našoj glavi postoji i kralj svih sexualnih ludorija, a on se zove one night stand. Što je tako mistično, a istovremeno privlačno u ispoljavanju praiskonskih životinjskih nagona uz sex na jednu noć vjerovatno nećemo saznati u bliskoj nam budućnosti. Ipak mozak je jedina „stvar“ na svijetu koja proučava samu sebe, a znanstvenici ga nazivaju čudom što znači da ćemo mu se još dugo čuditi. Možda sam sarkastičan ali objasniti kemiju koja se dogodi između dvoje ljudi za mene je nemoguća misija. Usporedio bi tu fatalnu fizičku privlačnost sa koktelom Trostruki užitak. Konzumiraš ga bez obaveza, na vlastitu odgovornost i sa puno leda. Sex na jednu noć obično je kratak, eksplozivan i strastven, a poslje njega se hladno poput šprice vratiš u zagrljaj voljene osobe.

Sa distance osoba u vezi one night stand nije samo avantura i izlet u nepoznato, to je prevara koju rijetki pojedinci mogu tolerirati. Ja osobno ljubavne prevarante smatram emotivnim invalidima bez osjećaja samokontrole koji su u ranom djestinjstvu bili zakinuti za ljubav i pažnju. Njihove su kočnice po pitanju sexualnog apetita otkazale do kraja, a ako ste u vezi sa takvom osobom, i tolerirate takvo ponašanje iz sebi neobjašnjivih razloga, vi ste slabić i kukavica. Dozvoljavati nekome da se igra sa vašim osjećajima, ako niste slijepo zaljubljeni, ravno je eutanaziji jednog dijela vašeg bića. Takva osoba vas nesvjesno robotizira, sakati i polako ali sigurno pretvara u još jednog emotivnog invalida i samo je pitanje vremena kada ćete i vi usvojiti šablonu promiskuitetnog ponašanja. Ljubavne eskapade dio su naše svakodnevice, a dali ćete vi biti glavni protagonist jedne takve ovisi isključivo o vama samima.  Upamtite jedno: parovi žele intimnost, a stranci strast.

One night stand prevara ima puno veću težinu od one koja traje godinama. Zašto? Prevara koja traje godinama jasan je znak da vas je ta osoba davnih dana prestala voljeti i da je sa vama iz ineresa ili navike, a prevara na jednu noć znači da su između vas dvoje trajno zgubljeni osjećaji pripadanja i požude, a takvo što vodi gore spomenutom scenariju.

Puno je parametara koji utječu na to da li će se dvoje ljudi kliknuti ili ne, ali bez obzira na parametere postoje okolnosti koje idu u prilog jednonoćnom sexualnom zadovoljstvu. Ako ste slobodni, volite eksperimentirati, a nalazite se u nekom klubu, restoranu, liftu, kafiću i vidite da je između vas dvoje proradila neka obostrana divlja kemija, nemojte glumiti sveca i sveticu, nemojte oklijevati jer je sex na ex uvijek nezaboravno i nevjerojatno iskustvo. Iako i tada treba biti oprezan jer su danas spolne bolesti porilično raširene, takav sex mora biti prvenstveno siguran ukoliko se ne želite vratiti kući sa mukte „suvenirom“ i zato toplo preporučam: uvijek imajte prezervativ pri ruci! Ukoliko se odlučite za varijantu svetice i sveca zbog vašeg vjerskog i kućnog odgoja onda vas moram suočiti sa činjenicom da će vas vjerovatno neko vrijeme proganjati osjećaj grižnje savjesti jer ste propustili svoj trenutak za pamćenje. Vi ste gospodari svoje sudbine baš kao i moja prijateljica Maja. Zanimljivo je da je Maja upravo one night stand avanturom započela svoju, sada već, trogodišnju vezu. Neki dan sam bili na kavi i baš smo se prisjetili njenog i Marijeva početka. Kaže ona meni kako joj ni na kraj pameti nije bilo da će upoznati nekoga u 22:00h, a već u 2:00h s njim se saxati ali eto, dogodilo se! Upoznali su se jedna svibanjske večeri u jednom zagrebačkom noćnom klubu. Ona je bila vani sa svojim curama, a on u društvu prijatelja iz sportskog kluba. Društva su se spontano spojila. E sada ću vam nastojati ispričati priču kako kako ju je meni Maja ispričala. Koja je to žena! S njom ti nikada nije dosadno.  Citiram: „Pogledavali smo se i smješkali jedno drugom ali nisam imala hrabrosti prva prići. Zato se on nakon treće čaše vina okuražio, prišao i požalio na muziku. Sada se više ni ne sjećam što je točno rekao ali znam da me uspio nagovoriti da izađemo iz diska. Pitao me hoćemo li sjesti u auto i provozati se, a ja si mislim u sebi mmmm… mali moj kako bi ja tebe provozala, ali naravno da mu to nisam dala do znanja. Sjedamo u auto, pravac Jarun. Parkira on auto, a vani mrkli mrak, tišina. Pušta neku pjesmu govoreći: „E ovo je prava muzika, a ne onaj tamo shit“ , a kad tamo moja najdraža house stvar. Ja već luda, totalno! Gledam ga, gleda me. U glavi mi je bila smo jedna misao. Kako bi ga… Nikada ali baš nikada do sada mi se nije dogodio taj osjećaj. Ono! Kada ne vjeruješ da ti se to događa. I dalje se gledamo i u jednom trenutku kaže on meni kako sam mu napeta i da bi me najrađe rastavio na proste faktore ali da ne želi ispasti neki ugroženi lik.  Joooooooj kako je imao perverzan pogled dok je to govorio. Ja sam mu u mislima već bila na… Ne možeš vjerovat! Nešto neopisivo. Nikada nisam osjetila takvu kemiju! Uglavnom; priča on meni kako mu se sviđam, a meni pun kufer priče, pričamo od 22:00h. Najrađe bi da mi uvali jezičinu, a on me mazi po kosi i govori kako sam lijepa na mjesečini. Više nisam znala šta ću pa sam ga dlučila prekinuti u priči, usnama. Auuuuuu… Kako se mali ljubi! Čim sam ga poljubila znala sam da je to to! To sam čekala!!! To je ono što već dugo želim. Ljubili smo se. Divlje, strastveno i žestoko. Ugrizla sam ga, pa mi je vratio ugriz. Počeo me skidati, nisam se suprotstavljala, rastrgala sam sve sa njega, a ostalo je povijest. Vjeruj mi Ivan da mi se to nikada u životu nije dogodilo, takva eksplozija osjećaja i strasti. Nešto što nikada neću zaboraviti.“ rekla je Maja i zapalila cigaretu.

I zato svi koji se upuštaju u sex na jednu noć moraju biti svjesni toga što mogu očekivati, dobiti ili izgubiti. Budite spontani, ali i oprezni i recite da sexu na jednu noć!

Una desmelenada dupla que además de la inherente diversión que encierra en su colorista y vertiginoso metraje, resulta una muy buena muestra del “pinku eiga“, en sus variantes  ”pinky violence” o “roman-porno” según la productora que esté detrás del invento la “Toei” o la “Nikkatsu” y averándose incluso a los terreno del “ero-guro” (literalmente erotismo grotesco) que tanto cultivara Teruo Ishii, no en vano director de la segunda entre. A saber, un combinado de violencia hiperbólica, estilización escenográfica, extravagancia sexy y fetichismo calenturiento, que encima supone el papel más mítico de la gran actriz y ocasional cantante de voz profunda y portadas desnudistas, Reiko Ike. Ruda, resabiada y curiosamente masculina que desafía constantemente tanto a los hombre chulescos incapaces de dominarla (y por ello tendrán que poseerla a la fuerza) como a las villanas que mangonean desde la sombra y no parecen soportar la insobornable independencia de nuestra heroína. Cine feminista con cojones, bajo su propia responsabilidad.

Primera entrega de las hazañas de Inoshika Ochô, tahúr, espadachina vengadora y “lone raider” vocacional, en un film que puede verse como una variación sobre el estupendo “Lady Snowblood” que en el mismo 1973 dirigiera Tishiya Fujita sobre el manga homónimo de Kazuo Koike y Kazuo Kamimura. Partiendo de la misma anécdota argumental, una afrenta sufrida en la niñez que marca el destino de las protagonistas como emisarias de la venganza, pero cambiando el tono lóbrego y casi elegiaco del film de Fujita por un estilo mucho más ligero y decididamente escandaloso, con toneladas de sentido del humor y erotismo retorcidillo que no hace ascos a clásicos nipones como las violaciones, las sesiones de “bondage” e el sadismo a gogó.

Contando como ariete con el turbador momento en el que la fantabulosa belleza Christina Lindberg (que vigila este blog tras un carismático parche en icónica imagen de ese ultraclásico de lo oscuro que es “Thriller- en grym film” o “They call her one eye”, a gusto del consumidor) en un papel de mala/buena, espía y asesina internacional que trabaja de tapadillo y se ve obligada entre otras lindezas (sesión sáfica incluida) ha azotar impávida a la inmovilizada protagonista que aguanta el castigo como una fiera.

Del mismo modo y en coherencia a esa reformulación (aún) más popular de “Lady Snowblood”, Reiko Ike propone una heroína bien distinta, frente al hieratismo torturado y la poética mortuoria de la gélida Meiko Kaji y su belleza que no es de este mundo (pronto por aquí en su más mítica creación, la mortal “Sasori”), Ike ofrece ironía, gramática parda y un constante tono mundano un punto picaresco. A todo esto se añade un componente de reafirmación nacional (bastante típica del cine de género en Japón, por cierto) y una trama político-melodramática en la que Ocho se verá metida en el cumplimiento del deber.

Dirigida por Norifumi Suzuki (el hombre tras la apoteósica saga de las chicas pandilleras “Girl Boss”) con inventiva y buen pulso, dejando momentos para el recuerdo, especialmente esa pelea sobre la nieva con Ochô completamente desnuda tras ser asaltada en la bañera, que se ha convertido por derecho propio en imagen de marca.

Sex & Fury (Furyô anego den: Inoshika Ochô)

Director: Norifumi Suzuki

Año: 1973

País: Japón

88 min.

Fotografía: Motoya Washyo

Música: Ichirô Araki

Guión: Tarô Bonten, Masahiro Kakefuda, Norifumi Suzuki

Reparto: Reiko Ike, Akemi Negishi, Ryôko Ema, Christina Lindberg, Yôko Hori

I wanna be with a rock ‘n roll girl

Secuela inmediata de la éxitosa operación que resultó ser “Sex & Fury” y un filma que se despega de los referentes de su precedente para conformar una alternativa con personalidad propia y no solo un derivado desmelenado.

Vuelve por tanto la tatuada Inoshika Ocho, jugadora profesional, justiciera vocacional e infalible espadachina que sigue ahondando en la creación y asentamiento de la imagen arquetípica de la carismática Reiko Ike como endurecida heroína, esa “cowgirl” solitaria a imagen de los pistoleros del western o los héroes masculinos del “chambara”.Se extreman los componentes delirantes y bufos que ya existían en el original en un conglomerado definitivamente pop y abiertamente tebeístico que además cita paródicamente otros títulos coetáneos como la mentada saga de “Sasori” (en ese misterioso personaje estilizadamente vestido de negro que ayuda a la protagonista)  y que brilla en un gran uso del color, una puesta en escena dinámica y un punto atropellada que deriva sin complejos hacia lo caricaturesco y el “sexploit” más desvergonzado con el desopilante detalle de las drogas de contrabando en eróticas cavidades. Un complot de la mafia local que obliga a las  pobres pilinguis a servir como correos, hasta que Inoshika se entera claro y decide enfrentarse a ellos rematándo el invento en una indescriptible batalla final entre proyecciones lisérgicas, absurdidad y chicas despelotadas en una de las más apoteósicas reivindicaciones del poder femenino que se hayan visto jamás.

Sirve además como comprobación y exhibición del talento de Teruo Ishii, artesano de primera (suya es la saga carcelaria “Abashiri Prison” a mayor gloria de Ken Takakura)  y uno de los más contumaces cultivadores del “pop art” cinematográfico (y de las derivaciones más pulposas del cine popular japonés con esos títulos fetichista de tatuadotes y sofisticadas torturas eróticas como “The Joy of Torture”,1968 “Hell’s Tattooers”,1969 u “Orgies of Edo”,1969), disfrazándose de Seijun Suzuki del pobre con muchas menos pretensiones, no tanta reflexión y cantidades ingentes de diversión, insensatez y sentido del humor, para convertirse en uno de los fundamentales del cine de género, alineándose junto a otro par de creadores tan reivindicables como el fino estilista Shunya Ito o el simpaticote Yasuharu Hasebe, hombre tras la saga “Stray Cat Rock” y figura clave en la creación del “sukeban”, ese sub-género de chicas pandilleras altamente adictivo .

Como en la primera, otra secuencia inolvidable en este caso sobre los créditos, con Reiko Ike luchando desnuda bajo la lluvia en fondo rojo, de una abstracción hipnótica y que vale (casi) por toda la película.

Female yakuza tale: Inquisition and torture (Yasagure anego den: sôkatsu rinch)

Director: Teruo Ishii

Año: 1973

País: Japón

86 min.

Fotografía:

Música:

Guión: Teruo Ishii, Masahiro Kakefuda

Reparto: Reiko Ike, Ryohei Uchida, Makoto Ashikawa, Arumi Kuri

Tras su experiencia pop en las filas de la “escuela de Barcelona”  y previo a su encumbramiento crítico vía escabrosidad (y más cosa, si y más cosas) Aranda entregó una muy reivindicable, pese a sus defectos e isuficiencias, dupla más o menos horrorífica: esta “La novia ensangrentada” y “Clara es el precio” con incrustaciones en el absurdo y el delirio paranoide-fetichista,  que colocaban a un personaje femenino aparentemente desvalido en medio de historias retorcidamente sexuales, títulos realizados desde ciertos moldes genéricos pero que se las arreglan para presentar no pocos de los temas, y la insistencia en el bajo vientre es uno otros sería la servidumbre o la degradación por ejemplo, que se desarrollarán a lo largo de la filmografía de un autor de interé pero que pocas veces a validado su desmesurado prestigio.

Aranda construye un cuento de horror y paranoia psicosexual (con subtexto de liberación femenina frente al macho dominante y todo) que desaprovecha gran parte de las posibilidades perversas del relato, una (otra) adaptación libre de la “Carmilla” de Le Fanu  y unos escenarios naturales de raíz inequívocamente romántica, esa iglesia medio derruida o el bosque hermosamente otoñal que acoge una de las más turbadoramente irreales imágenes del film, la de la magnética Alexandra Bastedo (actriz inglesa activa en el “fantaterror” ibérico, el apreciable delirio “Sci-Fi” “Odio mi cuerpo” de Klimovski y una de los superagentes protagonistas de la ya mítica serie “sixties” “Los invencibles de NEMESIS”) atrapada por un cepo vestida con un vaporoso caftán en medio de las hojas caídas. En realidad no supone ningún logro mayor sino más bien un film feote y plomizo pero que aún así compone un pequeño clásico del “fantaterror” español y una pieza de culto internacional que tampoco carece de virtudes.

De ritmo apagado y visualmente tirando a ramplona, le falta sentido de la atmosfera y no valora correctamente los elementos que maneja, dejando escapar una maravillosa historia de fascinación de ultratumba, locura progresiva  y maldiciones inevitables que solo asoma en contados momentos pero por el contrario adelanta muchos elementos brutalmente sexualizadores (con similitudes a lo que Larraz hará en “Vampyres” aunque no tan frontal) que centran la historia en los terrores de una jovencita virginal, nada más empezar tiene la alucinación/fantasía de ser crudamente violada por un desconocido que la acecha en el armario en metáfora tirando a obvia de sus ideas sobre las “relaciones”, que está atenazada ante el amor violento del macho de turno (atención a la escena en la que la levanta de la melena o la bien poco sutilmente sugerida mamada) y su rebelión simbolizada tanto en el erotismo lánguido de piel suave que supone el conocimiento de otras formas de amor/sexo, como de la gráfica escena del “ensangrentamiento” (que Carlos Aguilar, por ejemplo relaciona con el mito de Judit) con el cuerpo yaciente e indefenso de Simón Andreu en desvirgamiento inverso entre borbotones sanguinolentos y culminado con nada menos que una castración.

Pese a estos momentos lo que resulta es un film incluso vulgar pero redimido con fogonazos de verdadera insanía que justifican en parte su fama; la protagonista Maribel Martín y su aire oscuramente desvalido, la escena en la que se encierra en el palomar, Carmilla encontrada por Andréu enterrada en la arena de la playa completamente desnuda y con solo el rostro y los pechos asomando (imagen esta, por cierto antecedida por Russ Meyer en 1970 en su “Cherry, Harry & Raquel!”) en un idea que remite además a Lilith a orillas del mar, belleza mortal ya empleada por Jesús Franco en “Venus in furs”, apura el salvajismo y guarda otro momento inolvidable con Carmilla y Susan durmiendo desnudas en el ataúd de la vampira para espanto e indignación del cornúpeta marido. Falta clase y sutileza y sobra brocha gorda con toda la película insiste groseramente en ese elemento sexual con la matraca tozuda del marido que termina por dar ese tono cazurro de varón burlado al que otra mujer le ha levantado la novia que se respira al final.

La novia ensangrentada

Director: Vicente Aranda

Año: 1972

País: España

100 min.

Fotografía: Fernando Arribas

Música: Antonio Pérez Olea

Guión: Vicente Aranda y Matthew Lewis según la novela de Sheridan Le Fanu, “Carmilla”, 1872

Reparto: Maribel Martín, Alexandra Bastedo, Simón Andreu, Dean Selmier, Rosa Rodríguez

A fétis eredete:

Ha egy átlagember meghallja a fétis szót, bizarr és beteges képek ugranak csak elő a fejekben, és a modern idők elfajzásának képzelik, pedig fetisizmus bizony közel egyidős az emberiséggel.

A fétis kifejezés a portugál feticio (csinált, mesterséges) szóból ered, és olyan talált vagy készített tárgyat jelent, melyben a természeti népek hiedelme szerint, titokzatos, emberfeletti erő rejtezik.

Régen az emberek addig nem fogtak semmiféle fontos vállalkozásba, míg nem találtak maguknak fétist. Ha megfelelőre akadtak, hazavitték, etették, itatták, tisztelték, beszéltek hozzá, közölték vele titkos terveiket. A fétist otthon őrizték, vagy álladóan maguknál tartották. Fontos volt megnyerniük a fétisben rejlő titkos erőt, hogy szerencsét hozzon számukra. Ha ez nem sikerült, másikat választottak, a régi fétist pedig undorodva eldobták.
Nemcsak az egyes embernek, hanem közösségeknek, népeknek is lehet ugyanaz a fétise, ilyen például a delphoi jósda “világ köldökének” nevezett szent köve, a római vallás szent pajzsa és lándzsája, a mekkai mecset fekete köve, a hadzsar, mely a muszlimoknál ugyancsak a fétis imádat tárgya.
A fétisek mágikus tiszteletben részesített varázseszközök, ezért viseltek a föníciai nők a homlokukon, a férfiak a nyakukban napot és holdat ábrázoló kis arany- és ezüstgombokat, karikákat. A fétisek divatban voltak már az őskorban, és ez a helyzet ma is. A ma embere ugyancsak visel vagy tart lakásában ilyen természetfölötti erővel bíró, kultikus tárgyakat. Ilyenek például az oroszlánfejes bot, a kosfejes pálca, Istár nyolcágú csillaga. Az égitest fétisek viselőit a nap-hold-csillag totem védelmezi. Az ékszernek látszó vagina- és koitusz jelek termékenységi fétisek. Új-Guineában a bennszülöttek fétise, a pénisztok. A középkorban néha a hölgy elejtett zsebkendője töltötte be ezt a szerepet.

A fetisizmus fogalmát Alfred Binet nevéhez köthetjük, aki 1887-ben mutatta meg a világnak, hogy élettelen tárgyakat is lehet szexuális vonzerővel felruházni. Ekkor a kifejezést még csak a pszichológiában használták, majd 1912-ben Richard von Krafft-Ebing kiterjesztette a fétis fogalmát arra is, amikor egy-egy testrész a tulajdonosától függetlenül szexuális csodálatot vált ki az emberből. Ebben az időszakban minden ilyesmi elmebajnak számított egészen Kinsey kutatásáig, aki a szexuális forradalommal a fetisizmust mint alternatív szexuális viselkedést fogadtatta el, miután elkészítette a valaha volt legátfogóbb felmérést a szexuális szokásokról, s kiderült, nem is olyan beteg dolog ez. Ez körülbelül akkoriban történt, mikor kiderült, hogy a nőknek is van orgazmusuk, és ez sem elmebaj. Persze, ekkortájt a szex hátulról is bestiális dolognak számított, szóval a világ, amiben most élünk, valóban a létező világok legjobbika.

A fetisizmusról pár szóban…

Latexbe cuppantott nők, összekötözött combok, cipősarkak nyaldosása – ezek ugranak be, ha azt mondjuk fetisizmus, és nem állunk messze a valóságtól. Vannak azonban fétis nélküli fetisiszták és fetisisztának nevezett perverzek is. Tisztázzuk a dolgokat…

A szexuális fetisizmus hivatalosan

a parafília egy fajtája, nevezetesen egy tárgy vagy testrész irányába táplált vonzalom, ami az illető életében a szexuális örömszerzés meghatározó forrását jelenti. A fétissel rendelkező személy szexualitását nem a partnerrel átélt közös élmény határozza meg, hanem egy adott tárgy, szokás, testrész iránt érzett vonzalma. Maga a fetisizmus mint kifejezés azonban mást takar az orvosi-pszichológiai irodalomban és mást a köznyelvben.

Abban az esetben minősül betegségnek

a tárgyra való fixáció, ha az illetőnél huzamosabb időn át tart a kizárólagos vonzalom, ha a személy viselkedése kényszeres formát ölt, az állapotot szenvedésként éli meg, képtelen a normál életvitelre, esetleg egy másik személynek kára származik belőle, és egészségére is kihat szenvedélye. Ekkor már valóban parafíliának tekinthető az állapot, hisz a függő személy segítségre szorul.

Ez azonban igen ritka
az esetek túlnyomó százalékában a fetisizmus a szexuális szabadság megélésnek egy különleges – egyesek szemében visszatetszést keltő – formája. A köznyelv fetisizmusként említ sok olyan szexuális szokást, amit az orvosi szaknyelv nem sorol e témakörbe, a vonzódást megélő vagy környezete mégis fétisről beszél. Ilyenkor kerül elő a csipkefűző, a neccruha, a bőrszerkó, a szájpecek vagy a lakkcsizma.

A tárgyakra irányuló vonzalom
elsőként a természeti népeknél és a sámánisztikus kultúrákra volt jellemző, és elsősorban természetfeletti (gyógyító) erőket tulajdonítottak az imádott, tisztelt tárgyaknak. Szexuális vonatkozásban először Binet, francia pszichológus említi, de maga a fogalom Freud hatására vált közismertté. A fétis jelensége, jelentése csak a szexuális forradalommal, a nemiség szigorú határainak feloldódásával hatolt be a köztudatba.

A szokatlan szexuális viselkedést
immáron nem minősítették elmebajnak, a szakirodalom a szexuális zavarokra határozott definíciókat alkotott – többek között a fetisizmusra és a parafíliákra, valamint a köztük húzódó határra is – és igyekeztek elkülöníteni az egészséges szexuális viselkedést és a kezelendő zavart.
Az öröm forrása

A valóságban a szenvedély kiváltója
bármilyen tárgy lehet, de a szexuális segédeszközök (dildó, vibrátor), vagyis eleve a nemi örömszerzés céljából készített tárgyak jellemzően nem válnak a fétis tárgyává. Sokak számára izgató egy selyemlepedőn tekergő nő, de aki már a selyemlepedőt az áruházban megérintve is pulzusemkedést tapasztal, valószínűsítheti magában, hogy megtalálta fétisét.

A tárgy tehát önmagában
egyéb szexuális impulzusok (férfi/női test jelenléte) is képes kiváltani az izgalmi állapotot vagy legalábbis annak lehetőségét. Haladó fetisisztáknál, azaz nem divatfetisisztáknál ez a jelenség hatványozottan tapasztalható, és a tárgy jelenléte elengedhetetlen az aktus valamely szakaszában.

Kutatók különbséget tesznek
formára és anyagra irámyuló fétis között, vagyis amikor egy tárgy e két lényegi tulajdonsága miatt váltja ki az érzéki hatást.

Anyagfetisizmus esetén az eszköz anyaga a meghatározó, vagyis a fetisiszta nem ragaszkodik magához a tárgyhoz, csakis annak matériájához (ez lehet bőr, PVC, szőrme, selyem, gyapjú, farmer, nejlon, szatén, latex, gumi…), míg formafetisizmus esetén nem baj, ha a tárgy elvész, elkopik, tönkremegy, ha ugyanabból a formából a készlet pótolható. Előfordul, hogy idővel a tárgyhoz való ragaszkodás megszűnik, átalakul, vagy további fétisekkel egészül ki.

A valóságban a fetisizmus sokkal összetettebb
individuálisabb jelenség, semmint hogy egyszerű kategóriákkal megmagyarázható legyen. Van, hogy két fetisiszta hasonló tárgyakért rajong, de szinte elképzelhetetlen, hogy egyazon tárgy mindkettőjük számára lenyűgöző legyen. Példának okáért könnyen lehet, hogy egy rózsaszín lakkfűző ébreszt gerjedelemt valakiben (mondjuk, az anyaga miatt), egy másik fűzőrajongó azonban a fekete darabokra esküszik, de azt sem magán szereti, hanem partnere látványa hozza lázba.

Egyéne válogatja, hogy ki mire és miért izgul fel.
Vannak, akik azért vágyják az iskolai egyenruhákat, mert azok a fiatal kisiskolást jelképezik számukra, de az adott eszköz tucatnyi más jelentést hordozhat magában. Néha előfordul, hogy maga a vonzódás egy specifikus ruhadarab iránt korábbi viselője (használója) miatt alakul ki.

Forrás – Fokusz

Divat a fétis?

Két éve is van már annak, hogy a videoklipekben megszaporodtak a dominák, a divat egyre inkább a fekete felé fordult, majd a mind dögösebb, cicásabb ruhák kerültek a középpontba. A hatalmas sarkú csizmák, fekete cuccok, füstös szem smink mellé már csak a láncok és egy ostor hiányzik, hogy a pornóból ismert dominával találjuk magunkat szembe. Ismétlem, pornóból, mert ami a közszájon él mint fétis, az egészen más, mint a valódi fétisek. Hát akkor tisztázzuk.

A szubkultúra terjedése és felvállalása

Visszatérve a fétisekre, tudjuk, hogy Kínában a pici lábak imádata a lábfétis melegágyává vált, így feltehetően több más társadalomban sem volt újkeletű a fetisizmus. Pusztán a fehér, arisztokrata népnek volt mindez beteges, ám idővel azért ők is megtalálták a magukét. Ahogy a tömegkultúra fejlődött, úgy erotizálódott is, és egyre elfogadottabb lett az, hogy a misszionárius pózon túl még számtalan nemi örömforrás létezik. A ruházattal egyre jobban belementünk a fehérnemű fétisbe, a gumiruhás fétisbe, a lakk fétisbe, és a művészetek világában is helye lett a fetisizmusnak. Így került a szépirodalomba, a popzenébe, a rockzenébe, és a személyes viselkedésünkbe is a fétis. Minden korszakban léteztek a fétisről szóló könyvek, ám a fétis szubkultúra terjedésével a XX. században váltak ezek elérhetővé mindenki számára, és elértük azt, hogy mára a fétis cenzúra nélkül kerül a fejünkbe mind képekben, mind szavakban, mind tárgyakban és úgy kezeljük, mint egy igazán divatos és haladó szellemű, trendi irányzatot. Mára már fétis klubok és partyk alakultak ki a világ számos részén rengetegen várják, hogy úgy menjenek bulizni, ahogy nekik igazán jó.

Fétis kultúra itthon

Tapasztalatból szinte csak a meleg szubkulturát tudom említeni, ha a fétis szóra gondolok. Talán még a Depeche Mode klubok okozhatnak meglepetést a fétis kedvelők számára, ám az inkább a feketéről és bőrről szól, tehát minden olyan sztereotípiát erősít, amit nem kellene. Mindeddig még nem volt arra precendens, hogy mindenki számára -szexualitástól függetlenül – elérhetővé tegyék a fétis bulikat egy olyan igényes szinten, mint külföldön, s most a Room Service-ben pénteken rendezett partyn várhatóan fenekestül felforgatják mindazt, amit eddig a fétisről hittünk.

Ugyan úgy ahogy a szexi fehérnemük megjelentek otthon is ugyan úgy a merészebbek számára már a lakk, latex és a bőr is.
Minenkinenk vannak vágyai álami, ha jó a kapcsolatod a pároddal miért ne. Szerintem nagyon nőies és szexi tud lenni egy latex ruha egy nőn egy férfi számára.  Nagyok kevés férfi mondana nemet erre.

Ha még is megtetszett látogasd meg a következő oldalakat:
www.vivianna.hu
www.latex.hu

]]> http://tiptonbudapest.wordpress.com/2009/10/27/meg-egy-cikk-a-bemutatorol-a-bors-magazinban/ Mon, 26 Oct 2009 23:54:34 +0000 tiptoneyeworks http://tiptonbudapest.wordpress.com/2009/10/27/meg-egy-cikk-a-bemutatorol-a-bors-magazinban/

Az egyik múlt heti számban írtak rólunk – lehet, hogy ennek van valamennyi köze az új kollekció témájához is…

Alul Zoli külön erre az alkalomra készített frizuráját láthatjátok!

“Vampyres” supone el título más celebrado (y con justicia) de la interseante pero difícilmente visible etapa británica de José Ramón Larraz (de la española mejor no hablar, entre comedietas salaces tipo “Polvos mágicos”, “S” tabernario y terror guarrete como “Los ritos sexuales de diablo”) que articula con personalidad un discurso brutalizador del vampiro enfrentando su estética sucia y pringosa al tono de elegante sofisticación erótica que imponía la “Hammer”. Aquí no hay sitio para la sutileza, solo para la bestialidad primaria.

Larraz ataca directamente, su terror es pornografía pura y dura, no hay coartadas ni mayores explicaciones que la orgía de sangre y carne. Las vampiras de Larraz no son vaporosas presencias casi veladas por el sueño sino macizas carnales que canibalizan a sus amantes, súcubos recalentados que desgarran, muerden, beben y follan frenéticas, entre desnudos a mansalva y sanguinolencia espesa.

Incluso el origen del “vampirismo” está marcado así, las jóvenes son convertidas/malditas por un suceso traumático: son tiroteadas mientras retozan en el caserón por un asesino desconocido, la “troika” sangre/muerte/sexo planteada desde un principio, de modo que las vampiras no solo necesitará la ya clásica sangre para vivir sino también la actividad copulatoria, ya que en pleno acto murieron.

Un film gráfico en todos sus aspectos, con profusión de lengüetazos y generosidad en el magreo en el que la “pornificación” del estilo afecta especialmente al “crescendo” dramático del film (siempre en crecimiento exponencial, dos mujeres, hombre- mujer, tríos…) y a la planificación visual como ese ejemplar e impresionante momento en el que Marianne Morris bebe de la herida del brazo de Ted, encuadrada y ejecutada tal que si de una mamada se tratase, un momento rematado encima con el subsiguiente asalto a un segundo amante desprevenido al que literalmente devoran en pleno calentón uterino/sanguíneo.

Larraz  logra de esta manera tan poco sutil pero definitivamente contundente e innegablemente efectiva, la consecución de un clima de furor y pesadez ambiental, una densidad malsana y una turbiedad que supone el gran acierto de la película que se vuelve por momentos pegajosa y sofocante, incómoda y adictiva quedando el espectador a merced de las vampiras tal y como queda el personaje masculino interpretado por Murray Brown incapaz de escapar agotado, enfermizamente enganchado por la entrepierna casi queriendo comprobar hasta donde puede llegarse.

El film además deja imágenes de innegable potencia estética como la de las amantes caminando de espaldas por el bosque otoñal (otro acierto esa ambientación musgosa y decadente, mezcla de irrealidad feerica y naturalismo crudo espléndidamente lograda por la labor del excelente Harry Waxman, director de fotografía nada menos que de “The wicker man”) en una imagen de cuento en medio de la depravación (de hecho la equívocamente lánguida Anulka luce una nada gratuita capa con capucha de forro rojo) u otras como el brutalmente sexual intercambio de sangre boca a boca, etc…

Sabe volver a su favor los puntos de mayor flojera cogiendo a unos personajes secundarios meramente utilitarios y frustrando a través de ellos las expectativas del espectador en su tremenda conclusión final jugando con esa pavisosa pareja de excursionistas sobre los que pensamos recaerá la misión de salvaguardar un cierto orden moral ya que ellos representan la comodidad cotidiana frente al delirio de lo “fantastique”, pero no el breve asalto final corta sin miramientos cualquier esperanza y mientras el hombre, elemento escéptico encima, es ventilado sin más ni más en un asalto fulgurante ( un personaje este que propone otro detalle original ya que curiosamente en esta película hay un cambio de los roles tradicionales, siendo el hombre pasivo y la mujer activa ), su joven y curiosa esposa, que había descubierto la naturaleza mágica de las criaturas en una de sus incursiones en la casa tendrá el palcer de disfrutar de las atenciones de la dupla vampírica en una escena filmada tal que si fuera una violación, algo perfectamente coherente con el planteamiento original.

Las hijas de Drácula (Vampyres)

Director: José Ramón Larraz

Año: 1974

País: Gran Bretaña

103 min.

Fotografía: Harry Waxman

Música: James Kenelm Clarke

Guión: Diana Daubeney

Reparto: Marianne Morris, Anulka, Murray Brown, Brian Deacon, Sally Faulkner

Quem for ou estiver no Rio de Janeiro hoje à noite pode participar do warm-up para a exposição Melissa Eu!

A Buati é uma festa que rola na Erótika com o DJ Gustavo Tatá e os convidados Antônio Frajado, Léo Neves e Lara Gerin.

Melisseiras de plantão: quem for de Melissa nos pés ganha outro par. Tá bom assim ou quer mais?

BUATI @ ERÓTIKA
ONDE: r. Prado Júnior, 63, Copacabana, tel. 0/XX/21/2541-2748/2275-4899
QUANDO: Sexta (23.10) a partir das 23h
QUANTO: R$50, R$20 (Nome na lista chegando até a 1h) e R$40 (Nome na lista chegando depois da 1h). Descontos até as 18h de quinta no email festabuati@gmail.com

Via

Descomunal éxito taquillero en su momento, rayando el fenómeno socio-cultural, que no solo sacó al simpar Russ Meyer del subsuelo “underground” sino que significó el advenimiento de un arquetipo femenino (ensayado ya en pequeñas perlas como “Lorna” o “Mudhoney”) que presidiría la mayor parte de su filmografía a través de variaciones sobre este original: la “vixen”, una real hembra sin desbravar, de sexualidad arrolladora y personalidad sin tapujos, especie de diosa primitiva y adalid de la libertad de elección, a la vez fantasía y terror masculino. Una Erica Gavin que deja sin palabras y crea un personaje para la historia, un icono ante el que arrodillarse al entrar en Mundo Meyer, un universo paralelo de diversión a gogó y distorsión “cartoonesca” entre la “biblia de Tijuana” y la versión femenina y calentorra de Bugs Bunny.

The Russ Meyer Story 1, The Russ Meyer Story 2, The Russ Meyer Story 3, The Russ Meyer Story 5, The Russ Meyer Story 6, The Russ Meyer Story 7

La historia (o así) se reduce a las peripecias de la aburrida y perpetuamente salida Vixen dando suelta a su furor uterino y a su mal leche con todo el que se le cruza por delante. Un pareja con problemas se alojará en el coqueto hotelito que regentan en medio del bosque, Vixen aprovechará la coyuntura para ayudarlos a su manera, esto es, seduciendo a ambos y enseñándoles unas cuantas técnicas (y algo de libertad) que devolverán la aguas amorosas a su cauce con la promesa de volver de visita, por supuesto). Además escarceos con un guardia de la Policía Montada de Canadá que le sirve de refrigerio, peleas de alto voltaje y cuestionamientos de virilidad con su hermano y el amigo negro de este, mucha ropa insinuante, bailes sicalípticos, cuidad fotografía, imaginativos encuadres (legendaria la toma desde debajo del somier) y un extraordinario sentido del montaje sin duda uno de los puntos fuertes del director, que podía ser grosero en muchas cosas pero era como un metrónomo en esto. Para rematar  una descolocante coda final con los protagonistas rumbo a Cuba con avioneta secuestrada y todo merced a un irlandés comunista (con la involuntaria colaboración del joven negro al postre el único personaje normal del “show”) que introduce un componente de muy “meyeriana” sátira política inversa, tan gruesa y obvia que evidencia su carácter de latigazo anti-contracultural.

Pero en cualquier caso la narración o lo que se cuenta no es más que la excusa lo interesante es la manera tan decidida en la que establece toda una serie de claves estético-conceptuales (de hecho el único motivo que falta, y que será llevado al paroxismo en “Megavixens Up“, es la parafernalia nazi y las canciones militares ridiculizadas a conciencia ¿un reminiscencia de sus años como documentalista en la 2ªGM?) que conformarán este universo “vixen”, diferente pero reconocible, un lugar con regla propias, inimitable, articulado y asombrosamente coherente. De tal manera se establece la metafórica y hermosa convivencia entre sexo desenfrenado, rotundidad física y exuberancia paisajística (superiores los numeritos espasmódicos de Kitten Natividad como unipersonal coro griego en “Megavixens Up”, la más floja por burda y fofa aunque con hallazgos  notables), ese gusto del director por las teatrales “performance” lúbricas y los despampanantes desnudos en un entorno natural salvaje y puro, además también de otros detalle visuales que será explotados con singular gracejo, como los contrapicados, tanto para subrayar el carácter dominante de las odaliscas “meyerianas” como para resaltar sus ya de por si exuberantes encantos naturales o la “falificación” de los objetos, duchas, pomos, mangueras de gasolina o hasta peces, siempre agarrados por manos femeninas o en audaces paralelismos/insertos casi subliminales.

Aparece la doble tipología masculina: el héroe buenazo que acepta a Vixen como es y el frustrado que quiere domeñarla al sentirse superado y amenazado (sexualmente, claro) por ella. Mientras la primera ya está dibujada al completo en este original la segunda, la del cabestro forzador, no será perfeccionada hasta la entrada apoteósica del impagable Charles Napier en la siguiente y mejor entrega de la saga la apoteósica “Supervixens” un film indescriptible, por desbarrante, de una hieperkinesia digna de un Chuck Jones “on acid”, una sanguinolencia hiperbólica (la celebérrima escena de la ducha que se chotea a lo burro de “Psicosis” sin ningún miramiento adem´s de ofrecer una metáfora rotunda de la impotencia) y espíritu libérrimo admirable.

Se redondea con el habitual melodramatismo folletinesco-rural, un “american gothic” pasado de rosca, llevado al punto de la parodia bruta en el que la violencia será la espita de los incapaces (ejem:  la mítica secuencia de “Up!” con una desafiante Raven LaCroix provocando estrágos y peleas a hachazos con su imposible vestido negro) La “vixen” primigenia no es un personaje beatífico ni agradable (para esto habrá que esperar a la esdrújula Kitten Natividad de la festivalera y autoconsciente “Beneath teh valley of the Ultravixens” especie de recopilatorio de los motivos de la saga pero vistos desde una óptica tierna y cariñosa que no descarta ni la autoironía ni el guiño cómplice con la aparición del propio Meyer despidiendo la función) sino un bicha maliciosa que disfruta de su poder y en este caso además una racista de cuidado que insulta/desea fervientemente al amigo de su hermano (al que también tienta, el incesto no será más que otra barrera que reducir a fosfatina) un joven de color que terminará por forzarla (con consentimiento implícito) convirtiendo así en exactamente lo que Vixen desea: un depredador de blancas, un peligro público (de tal manera Meyer le lanza al a cara a América sus conflictos raciales convertidos en sátira hiperbólica y libidinosa) todo ello dentro de ese juego deformante que recorre toda la serie.

Vixen

Director: Russ Meyer

Año: 1968

País: Estados Unidos

70 min.

Fotografía: Russ Meyer

Música: Igo Kantor

Guión: Robert Rudelson, Russ Meyer y Anthony-James Ryan

Reparto: Erica Gavin, Garth Pillsbury, Harrison Page, John Evans, Vincene Wallace

Itt olvashatjátok:

A szemüvegekről és a múlt heti kollekcióbuliról már két cikk is készült; olvassátok el őket ti is!

Fashion Time – Tipton Eyeworks, az egyediség nevében

Dívány – Szoftpornó a szemüvegszáron

Először is szeretnénk mindenkinek megköszönni, aki eljött a pénteki bulira – nagyon jól sikerült, mi legalábbis nagyszerűen éreztük magunkat!

Azt, hogy milyen is volt a hangulat, jól mutatja, hogy körülbelül 150-en voltunk és pár óra leforgása alatt 65 liter bor fogyott el …

Fotósunk, Tom Lenard (www.tomlenard.hu) közel 500 stúdióképet készített a jelenlévőkről – természetesen Tipton szemüvegben –  a fotókat rögtön meg is lehetett nézni az utcai kivetítőn keresztül. Larion Oscar és társai pedig mintegy 20 lánynak készítettek különleges sminket.

Az este során 15 keretet adtunk el – a 20%-os árengedmény még egy hétig tart, úgyhogy használjátok ki a lehetőséget és gyertek el az Orange Optikába (Király u. 38.) körülnézni egy kicsit!

A bulinak végül a rendőrség vetett véget fél 11kor… Szandra és Gábor: köszönjük, hogy beszéltetek velük, míg mi a vendégeket tessékeltük kifelé! Utólag panaszt emelt ellenünk egy helyi vallásos csoport is, ami talán nem meglepő azok után, hogy az utcai kivetítőn ment az erotikus kisfilmünk…

A következőkben láthattok néhányat a bemutatón készült stúdiófotók közül:

A többi képet a Facebookra tettük fel; az alábbi linkekre kattintva megtaláljátok őket:

Kedvenc képek – Tipton Erotique Party

Tipton Erotique Party 2

Tipton Erotique Party 3

Tipton Erotique Party 4

Buli közben

]]> http://tiptonbudapest.wordpress.com/2009/09/29/nehany-kep-az-uj-kollekcio-darabjairol-amelyek-hires-rendezok-nevet-viselik/ Tue, 29 Sep 2009 11:25:26 +0000 tiptoneyeworks http://tiptonbudapest.wordpress.com/2009/09/29/nehany-kep-az-uj-kollekcio-darabjairol-amelyek-hires-rendezok-nevet-viselik/

A Wilder-modell havanna színben

A Ford-modell fekete színben

Daqui a 2 semanas (09, 10, 11 e 12 de Outubro), acontecerá em São Paulo a 15ª Erótika Fair. Um evento com muitos expositores de sex shops, apresentações eróticas, festas, seminários, cursos e novidades do mundo erótico. Estive na 14ª e me diverti muito, estarei lá na próxima.

O evento é divido em 2 partes. A Erotika Business é gratuita. A Erotika Hot é paga.

Maiores informações: http://www.erotikafair.com.br/

Pequeña incursión en la selvática filmografía del legendario Jesús Franco, uno de los más personales, incomprendidos y peor conocidos directores españoles. Perpetuo emigrante de la cámara, marginado vocacional y “cinerreico” absoluto, mucho más que “caspa y ensayo” (término “chèz” Franco al igual que ese demoledor, lúcido y cabroncete: “cine de paleto lento”), autor genuino de no pocos logros reales sepultados por el infame grueso de la parte final de una carrera despeñada por el subproducto más impresentablemente “amateur”, pero poseedor de un buen puñado de títulos divertidísimos (su larga etapa “pulp” de los sesenta) o crudamente derivativos y desvergonzadamente “exploit” pero asaeteados de verdadera genialidad intermitente. Además de refulgentes gemas sinuosas, envenenadas de perversidad, radicales e imposibles en las que brilla el auténtico talento y el “corpus” autoral de Jess Franco, una serie de obsesiones eróticas, malsanas, culteranas y populares con libérrima sintaxis musical y la absoluta libertad creadora por bandera. Siendo las tres aquí reseñadas, más la anterior “Miss Muerte” (fundacional en muchos aspectos), la excepcional “Las Vampiras” (asombrosa mixtura de muerte, sangre, erotismo sáfico y desbarre musical repleto de ideas prodigiosas y presidido por la  inconsciente belleza de Soledad Miranda) o esa coda terminal que fue “El sádico de Notre – Dame” la más radical exposición de los fantasmas “franquianos”, destartalada y despiadadamente autoparódica. Desde luego no son para todos los públicos y se pueden atragantar, pero muestran a las claras el verdadero talento y el particularísimo sentido del cine de un director necesitado de una revisión que se aleje tanto del paternalismo chistoso que disfruta choteándose del infracine más zetoso que devora gran parte de su filmografía, como de la cegatona, alobada y “fanzinerosa” adoración acrítica que reivindica en bloque y alucina sin discernir el grano de la paja.

Girl, you’re on my mind

Necronomicon (Succubus, Geträumte Sünden)

Año: 1967

País: Alemania

Fotografía: Jorge Herrero

Música: Friederich Gulda, Jerry van Rooyen

Guión: Jesús Franco

Reparto: Janine Reynaud, Jack Taylor, Howard Vernon, Adrian Hoven

79 min.

En teoría la historia de una diablesa que no recuerda su verdadera naturaleza excepto cuando comete sus tropelías en pleno trance erótico, pero en realidad un film por completo onírico y desembozadamente surrealista, con más en común con las vanguardias artísticas que con cualquier tipo de cine narrativo. Alucinado y narcótico uso de un ritmo con raíces en los fraseos jazzísticos y en el lenguaje del cómic (especialmente influenciado por Guido Crepax mítico autor de “Valentina”, como ya señaló el fundamental Carlos Aguilar) y por completo ajeno a cualquier gramática ortodoxa, por momentos incluso, una especie de “cine automático”.

Rebosante de simbolismos, sexo “sadiano” (quizás la mayor influencia del director), fetichismo, ideas por riadas (tantas que muchas se pierden y otras superan el talento de Franco como director o los límites del presupuesto) y referencias mil (especialmente toques de Welles, para bien en esos obsesivos picados y contrapicados o en un barroquismo que vuelve extraño cualquier decorado y de Godard para mal,con esas cargantes palizas metalingüísticas y torrenciales citas cultistas que aturullan e irritan más que otra cosa), a la vez gratuita, chapucera y sofisticadísima, adornada además por una genial “performance” de la marmórea y altiva Janine Reynaud (una de las inolvidables “Labios Rojos” aquí en un “rol” bien distinto), bien secundada por el habitual del “fantaterror” patrio Jack Taylor y con la breve pero icónica presencia del gran Howard Vernon, dupla indisociable y casi fetiche del director.

Un deseo tan mortal

Brillantes, brillantes, brillantes botas de piel

Venus in furs (Paroxismus)

Año: 1969

País: Alemania/Italia

Fotografía: Angelo Lotti

Música: Manfred Mann & Mike Hugg

Reparto: Maria Römh, James Darren, Barbara McNair, Klaus Kinski, Dennis Price

81 min.

Un trompetista que perdió la gracia de la música encuentra el cuerpo de una mujer arrastrado por las olas, la vio morir un tiempo antes, la volverá a reencontrar dos años después.

hermosa como un incendio

Especie de “noir” mental que funde pasado y presente, alucinación y onirismo rampante, dentro de una trama de venganza de ultratumba y obsesión erótica, que desparrama fetichismo, lisergia y chapuza a partes iguales, un conglomerado barroco y subyugante, libérrimo y personalísimo, un prontuario del universo fílmico de Franco, en el que la sintaxis de la música sustituye a cualquier ortodoxia cinematográfica, que en sus mejores momentos logra un ritmo hipnótico, en el que el montaje fluye con precisión (antológica la escena del asesinato/seducción de Dennis Price usando los espejos para crear una sensación psicodélica y por completo soñada ) y la repetición de motivos e imágenes adquiere el valor de un estribillo o un fraseo al que se regresa y marca la pauta.Repleta de referencias a Sade (como casi siempre, esos burgueses perversos y aburridos que defenestran a la protagonista por el mero placer de hacerlo) y préstamos de su previa “Necronomicon”, en cambio el robo a Sacher-Masoch y su “La venus de las pieles” no va mucho más allá del fantástico título y una breve secuencia, en la que la anti-heroína tortura/excita a colgado de los brazos Kinski, vengandosé  así de su propio martirio. Adictiva banda sonora del grupo Manfred Mann (además se puede ver al propio Franco tocando en un par de momentos), presencia de la gran voz negra Barbara McNair y del también cantante James Darren (intérprete con algún éxito “sixties” como aquel muy “wall of sound”, ”Because you’re mine“) como el atribulado protagonista o de secundarios tan gratos como Margaret Lee o ese imprescindible Kinski, pero sobretodo una personificación alucinante de la excepcional Maria Röhm, una de las actrices fetiche de Franco que aquí ejecuta una exhibición fascinante, gélida, hierática, implacablemente seductora. Lástima que la pobreza de medios y las servidumbres del estilo improvisatorio del director (aficionado a saltarse el “raccord” y ferviente amante del montaje directo), amén de esas imágenes carnavaleras descaradamente mangadas de algún documental turístico de a perrona, impongan que el film sea lo que realmente es, la ensoñación de una obra maestra en la que Lilit vuelve a parecer sobre la arena y un hombre se contempla a si mismo muerto, pero no una obra maestra.

Combinación de rojo, blanco y negro. La perspectiva imposible, René Magritte meets Orson Welles

A las muchachas virtuosas

Maria Röhm como Madame de Saint-Ange. Maestra y guia

Eugenie ( Eugenie…The story of her journey into perversion, aka: La isla de la muerte)

Año: 1970

País: Alemania, Gran Bretaña

Fotografía: Manuel Merino, Juan Amoróa

Música: Bruno Nicolai

Guión: Harry Alan Towers según la novela del Marqué de Sade “La filosofía en el tocador“, 1795

85 min.

Un cuento cruel sobre la perversión y destrucción de la inocencia, dentro de un juego de superioridad moral y filosofía del mal como orden superior, ejercido sobre la candorosa figura de la joven Eugenie por un par de libertinos y una caterva de adoradores del dolor liderados por un alucinado Christopher Lee que aparece durante los ceremoniales leyendo al divino Marques con su imperial voz. Supone uno de los más logrados títulos de entre la ingobernable filmografía de Jesús Franco, siempre moviéndose entre la sofisticación conceptual y lo zarrapastroso, pero cristalizando aquí en una elegancia dadivosa y extrañamente pegajosa, envolvente y peligrosa a un tiempo, donde, al fin, cristaliza el impulso “sadiano” que obsesiona al autor, tras el patinazo que supuso la lujosa y equivocada adaptación de “Justine”.

do you remember your first time?

El resultado es una película de excepción, una escalada malsana de depravación, que comienza en el jugueteo inocente para culminar en la ritualización del crimen y la muerte, con una protagonista ambiguamente aquiescente, a la que interpreta maravillosamente Marie Liljedahl con una mezcla de falso pudor e inconsciente atractivo, por completo desarmante.  El papel de tentadores guías por el camino de la degradación recae en un dúo de habituales de Franco, los extraordinarios Maria Rohm y Jack Taylor, de viscoso atractivo serpentino, que realizan unas interpretaciones de altura, ayudando a transmitir el aire progresivamente denso e incómodo, imposible de ignorar y malignamente turbador.

Dolmancé nos acompañará desde aquí

Lástima de una banda sonora espantosamente hortera (excepto la canción central) con guiño sin gracia a la familia Telerín, y todo que rompe el encanto por momentos. Porque el resto resulta memorable, con un clímax final enloquecido que lleva al personaje femenino a la cumbre para luego despeñarlo, abandonarlo, corrupción y castigo, el triunfo de la “ley natural” como orden auténtico y la inutilidad de la bondad en cualquiera de sus términos.

Slike so sicer slabše kvalitete, ker so skompresirane slike od skompresiranih slik, ker nevem kam so zginl originali!

Video posnetke so mi žal na YouTube zablokirali, češ da niso izobraževalne vsebine! Čeprav smatram, da je zelo izobraževalno, če ne drugim vsaj mladim neizkušenim porno zvezdam, v slmislu “How to act, like real porn star”!

V pričakovanju sejma Erotika 69, ki bo potekal v celju od 11.do 13. decembra, pa si lahko krajšate čas z ogledom lanskoletne galerije z 69 slikcami iz tega dogodka:

Pa galerija s “69″ slikami(klikni za več):

Pa še en video za zaključek:

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