Hier noch ein paar Bilder vom Salon Bruit (einem Live-Auftritts-Projekt für experimentelle Musik).

Die Bilder von diesem Konzert  entstanden am 08. November 2009. Die Gäste waren penelopex und prd.

Der Gastgeber war wie immer Seamus.

Nun aber zum Konzert.

Endlich wieder was neues von den Zitronen! Und das zum goldenen 25 jährigem Jubiläum…

tütender Elektrosound trifft kritische Ironie…spätestens beim dritten Mal hören und ersten Mal Sehen (des Videos zu Positionen) ist diese Platte in einem drin. Die Texte sind wie immer grandios, die Musik ehrlich und wie sie selbst im Interview sagen, eine Art Spiegelbild ihrer jeweiligen Einstellung und des jeweiligen Lebenswandels: “an unserer Musik ist immer ablesbar, was wir treiben und was uns umtreibt (Schorsch).”

Auf ihrem nunmehr zehnten Studioalbum werfen Die Goldenen Zitronen nach dem kämpferischen “Lenin” 2006 wieder alles in einen schmackhaften Topf : noisig klingende Gitarren, Percussion, Flöten und viel Elektronik, was dabei ein komplexes Zusammenspiel hervor bringt, ohne jedoch disharmonisch oder ‘unrein’ zu klingend.

Das beste jedoch sind die Texte. Ich als Hobbywortfrickler habe Schorsch schon immer für seine Sprachspiele zu schätzen gewusst und wie er es dennoch schafft, kritisch gegen aktuelle Missstände in tha BRD vorzugehen, über die Krise (Börsen crashen) zu reimen, oder das Begräbnis Jörg Haiders in “des Landeshauptmanns letzter Weg” zu besingen. “Bloß weil ich friere”, ist ebenso ein Hochlicht des Albums.

Überzeugt euch selbst, hier das Video von “Positionen”, in dem Schorsch Kamerun himself Regie geführt hat

http://www.spex.de/2009/09/02/am-kamin-mit-yo-la-tengo-interview-teil-1/

http://www.spex.de/2009/09/03/am-kamin-mit-yo-la-tengo-interview-teil-2/

http://www.spex.de/2009/09/04/am-kamin-mit-yo-la-tengo-interview-teil-3/

und hier ein video des vor kurzen auf Matador erschienem neuen Album “Popular Songs”

und noch was schönes neues aus dem experimentellen Hause Project: Mooncircle: Lambent und sein Mitte September erscheinendes drittes Album “Smoothness Extract (Deep Night at Ishiaki)”. Während seine Vorgängerwerke, wie “these Days” eher in Ambient und elektronischer Musik wurzelten, steht hier das experimentelle “Ausprobieren” im Vordergrund und keine sehr beatorientierte Albumstruktur. Ishiaki bezeichnet dabei die Heimatinsel des Wahl-Berliners und das Inselmotiv zieht sich durch das komplette Album hindurch: “this record presents his sound in the context of Instrumental Hip Hop, with strong elements of Electronic music still present.”

hier ein kurzer Album Stream

“Two separate organism from the same body of concept.”
“To:am-free:am” von dem Londoner, frisch von Project: Mooncircle gesigneten Duo Obba Supa, ist ein Album das man hört, wenn man nach einer durchzechten Nacht auf der heimischen Couch den Abend nocheinmal Revue passieren lässt und  man sich danach in den wohlverdienten Schlummer verabschiedet. Ebenso eignet es sich hervorragend dazu, mal eben aus dem Alltagstrott zu fliehen und stattdessen in die mystische Klangwelt einzutauchen, die sich einem da bei dezenten, aber dennoch energischen Beats von Teknical Developments und den diabolisch anmutenden Reimen von Hey!Zeus auftut. Diese Klangwelt ist warm und verträumt und dennoch lässt sie Raum für Experimente und Abwechslung: “In jedem Fall eine schöne Variation, die weniger den Kopf und mehr das Herz anspricht” (HHV 3/2009)

Red Snapper sind wieder da. Nach der Auflösung 2002, haben sich die drei um Ali Friend anderen Projekten gewidmet. Seit letztem Jahr sind sie wieder zurück um jetzt mit “A Pale Blue Dot”, ein Brett von einem Minialbum abzuliefern. Bastardfunk vom Feinsten!

Link ( Myspace)

A weekly radio show presented by a small rag-tag group of friends,
friends with a common love of music with folk and country sensabilies.
We take it in turn to play records, air sessions, gig recordings, and generally share our latest obsessions

Between us all you can expect to hear from the flotsam and jetsam of scenes
such as anti-folk, blue-grass, alt-country, appellation, honky-tonk, country-rock, indie-twee, americana…along with outsider music, music that doesn’t really fit in to any scene, but we simply want to share with the world.

Die Sendung ist noch nicht allzu alt und wird über radio reverb übertragen. Neu im Archiv: Akron Family

Link ( Auf das Bild klicken)

Also ich schaffe es unmöglich, alle Neuerscheinungen und Neuentdeckungen, die mich interessieren auch noch hier zu besprechen. Lieber eine kurze Zusammenfassung der wichtigsten und ihr hört euch die Musike selbst an.

Exploding Star Orchestra – We Are All From Somewhere Else: Herrlich minimalistischer Jazz.

Volcano! – Paperwork: Bester Experimentalindie, seit langer Zeit.

Pit er Pat – High Time: Bester Experimentalindie, seit langer Zeit!

Take – The Dirty Decibels Of Thomas Two Thousand: Experimental Hip Hop

Stereolab – Chemical Chords: Nice Spacepop

Señor Coconut And His Orchestra – Around the world: Daft Punk meets Rumba

Margot & The Nuclear So And So’s – Animal: Go here for heartwarming indie…

B. Fleischmann - Angst is not a Weltanschauung: Electronica aus Wien

So! Und wem dieser Myspacebullshit genauso auf die Nerven geht wie mir, der verwende bitte Greasemonkey (Firefox) mit diesem Script! Das dürfte den Unsinn zu großen Teilen beheben.

Happy Listening

Update: Wow, Greasemonkey for Internet Explorer und Greasemonkey in Opera. Niemand muss mehr unnötig leiden.

“ECHOHCE is a project for a singer, musicians and a machine generating text. The singer speaks the title of the next song into the microphone to announce it to the audience. The song does not yet exist. The computer answers by generating a stream of associations related to the topic. The lyrics are printed on eight needle printers above the stage as they evolve. The singer selects text that seems meaningful to him and performs it together with the musicians.
The text generator Poetry Machine used in this project is based on semantic networks. The program only contains routines to process text, no hardcoded datasets. It digests documents of human authors and extracts their associative interconnections. Its main source of information are the masses of text in the internet. Poetry Machine is part of the permanent collection of the Centre for Art and Mediatechnology (ZKM), Karlsruhe.”

Schon etwas älter, aber auf jeden Fall einen Errinnerungspost wert. Echohce ist:

David Link: textgenerator,voiceboxen/ Jamie Lidell:voc./
Fm Einheit: perc-non perc., elektronisches/ Volker Kamp: bass/ Saskia von Klitzing:drums

Bis Jetzt: 2004 auf dem Deaf Festival in Rotterdam das erste und im Stadtgarten zu Köln das zweite Konzert. 2006 ist die CD erschienen und vielleicht kommt ja nochmal was. Ich würde mich jedenfalls freuen.

“disobey” im kölner Stadtgarten 2004. ( Saskia von Klitzing)

Ich habe mich ein bisschen umgeschaut und festgestellt, das es in der deutschen Blogosphäre, (fast) nichts über ihn gibt. Die große Frage ist nur: Warum?  Derart smarte und ironische Texte, sind extrem selten und was Arrangement, Sound und Instrumentierung betrifft. könnten sich einige noch eine Scheibe abschneiden.

Sehr intelligente Musik, die auch in Sachen Unterschwelligkeit und Dynamik ihresgleichen sucht. O’ Rourke ist Filmemacher, Sounddesigner, Noiseavantgardist, Producer und nicht zuletzt augenzwinkernder, folkiger Popmusikant.

Seit dem ersten Release, das um 1990 erschienen ist, wurden unzählige Alben und Ep’s veröffentlicht. Er ist oder war Mitglied in Bands wie Sonic Youth (2001 – 2005), Gastr del Sol, Loose Fur oder the Red Krayola, hat für Joanna Newsom, Wilco und David Grubbs produziert, Mice Parade, Labradford sowie Autechre geremixt und war für die verschiedensten Bands und Formationen, als musikalischer Berater tätig.

Der Soundtrack zu “Love Liza”, stammt zu großen Teilen von O’ Rourke und auch zwei eigene Kurzfilme: “Door” und “Not Yet”, stammen von dem chicagoer Allroundtalent.

Zum Glück hat sich jemand die Mühe gemacht und sehr ausführlich “Buch” geführt, denn ein vollständiger und lückenloser post, ist für Jim o’ Rourke nahezu unmöglich oder würde ewig dauern. Ich wollte eher eine eigene Seite für ihn erstellen, so wie das Marc Mattucci getan hat.

Seine neuste Arbeit ist ein Remastering von The Red Krayola’s: “Fingerpointing“, das kürzlich auf Drag City erschienen ist. Im Player: Alle Folk- und Popsongs, die ich auf Imeem finden konnte, weil ich vor allem diese Stücke besonders gut finde.

Wie fängt man einen Beitrag über eine Band an, die geradezu abenteuerliche Musik macht? Schwer zu sagen. Also zunächst mal: Go grab it! Komplett legaler Download von der Labelseite! Jetzt, erstes Lied starten und staunen. Wie es auf der Seite heisst: jazz, klezmer, post hc and noise. All in one!! Die Wechsel sind trotz total irrwitziger Melodien und Musik, die kein normaler Mensch in einen Topf schmeissen würde, absolut gelungen und irgendwie stimmig. Ganz ehrlich, mir ist ja schon viel untergekommen, aber das ist definitiv neu für mich. Nie zu hart, weil abgeschwächt durch Kletzmer und auch nicht zu weich, durch voluminöse Gitarren. Auf jeden Fall einlegen, wenn die selbsternannte Musikelite vorbeikommt und man will für ein paar Überraschungen sorgen. Auch anmachen, wenn mal wieder Temp Overload im Ohr herrscht und erst recht reinziehen, weil’s Spass macht. Highly Recommended!

Markku Peltola dürfte einigen aus dem Film: “Der Mann ohne Vergangenheit“, bekannt sein. Was viele aber nicht wissen ist, das er auch ein hervorragender Musiker war. “War”, ist in dem Fall auch der richtige Ausdruck, weil er Sylvester 2007 gestorben ist. Seine Musik ist sehr schwer zu beschreiben und hat ihren ganz eigenen Charme. Ich würde sagen, es ist “finnischer Sessionfolk”, wenn man mich in die Ecke drängen würde. Ich habe lange gebraucht um zu verstehen, was wirklich auf diesem Album los ist. Es wirkt alles, als wäre es gerade entstanden und trotzdem vollkommen in sich geschlossen. Die Melodien sind großartig! In einem Interview habe ich gelesen, das die Band zu den Ideen Peltolas improvisiert hat und es die besten Ergebnisse auf das Album geschafft haben. Es ist eben eine ganz eigene Welt, in die man erstmal eintauchen muss. Ein sich einlassen und zuhören. Nur ein einziger Song oder vielleicht zwei, reichen auch absolut nicht, um einen Eindruck davon zu bekommen, auf was für Ideen dieser Mensch tatsächlich gekommen ist. Man braucht die ganze Platte, Punkt und aus.

Link ( Youtube)

Das wiener Gemüseorchester, schnitzt Instrumente aus den verschiedensten Gemüsesorten. Bei den Videos die ich gesehen habe, fand ich vor allem die Vielschichtigkeit der Töne, die erzeugt werden können spannend.

Die unterschiedlichen Ansichten des Publikums, das je nach Alter und Hörgewohnheiten einen Bezug zu Ihren individuellen, musikalischen Interessen herstellt, zeugt von einer gewissen Offenheit der Musik, wobei Klassik, Freejazz und Elektronik in einigen Bereichen nicht weit voneinander entfernt sind.

Gurken sind feuchter als Karotten und so manches Gemüse, gibt es nicht das ganze Jahr. Neben den “Standardinstrumenten”, wie dem Gurkophon oder der Melanzaniklappe, wird hauptsächlich Gemüse der Saison verwendet.

Gut, wenn man sich überlegt, das die Reste, die bei der Herstellung entstehen, nach dem Konzert als Suppe an das Publikum verteilt werden.

Link (Website) (via)

Link (imeem)

Psychedelic Warfare hab ich es letztes mal genannt. Den Namen verdient Larry Carlson mit seiner psychedelischen Videokunst allemal. Einzig hätte ich COH für die Musik herangezogen. (Juchuh! Endlich kommt das beste Firefoxplugin zum Einsatz!) Das wäre sicher noch eine Spur geiler gewesen.

Link (Larrycarlson.com) Link (Videosoundtrack)

Talk Talk haben sich 1981 gegründet und Spirit of Eden erschien 1988. Für diese Platte haben sie zahllose Sessions aufgenommen und sie im nachhinein zusammengeführt. Sie gelten im allgemeinen als die Wegbereiter des Postrock und das vollkommen zurecht. Als ich die Platte das erste mal gehört habe dachte ich das sie noch nicht allzu alt sein kann, als ich dann rausgefunden habe, das das Material schon 20 Jahre alt ist war ich überrascht um nicht zu sagen irgendwie vom Hocker. Vor allem “Eden” ist ein unglaublich intensiver Track der mich vollkommen in seinen Bann gezogen hat. Die Auflösung ist derart stark und emotional das es einen förmlich wegbläst.(Mich jedenfalls!) Heutzutage würde ich sie unter Avantgarde im Plattenladen vermuten ( sollte der Saturn um die Ecke sowas haben) und es wäre interessant wie die wohl heute klingen würden. Leider hat sich die Band 1991 getrennt. Mich hat das natürlich damals recht wenig interessiert weil ich mit Förmchen und Schäufelchen beschäftigt war, heutzutage könnte es aber ruhig wieder mehr Bands geben die sich um neue, innovative Musik kümmern.

Zugegeben, es wird eng bei den neuen Sounds in den letzten Jahren. Dubstep, 2Step und Grime waren meiner Ansicht nach nicht besonders innovativ und das neue Discofieber a la Hercules and Love Affair wird sich wohl auch nicht lange halten. Die Suche nach immer neuen Bands und Styles werde ich aber deswegen sicher nicht einstellen.

Link (LastFm Full Album Stream) Link (Wikipedia)

Bei Deli hab ich gerade den Link zu einem echt geilen Post auf createdigitalmusic abgegriffen der neue Konzepte im Djing vorstellt. Ich finde den Touchscreen zwar ganz witzig aber als alter Vinylliebhaber würde ich doch bevorzugen nicht auf Wellenformen rumzudrücken.

Grundsätzlich habe ich nichts gegen neue Arten mit Musik umzugehen. Ganz im Gegenteil, aber Touchscreen ist auch einfach so langweilig. Der Junge in dem Video ist zwar schnell aber die Bewegungen wirken doch irgendwie hölzern. Wenn man sich mal überlegt wo das Djing hergekommen ist…

Früher haben alle noch 360 Powergrinds auffem Mixer gemacht und heute sollen sie wie die Steine anner Welle stehen und Hüllkurven editieren? Ich hoffe einfach das es da noch mehr gibt.

Was ich vor allem Geil fand war der Dj. DjSniff hat einen lagerspaltenden Ansatz den Plattenspieler als Instrument zu gebrauchen. Nicht das es das nicht schon gab aber eben auch noch nicht genau so. Und einen Spannungsbogen zu bauen wie es die Experimentalmusik meiner Meinung nach verlangt ist mit einem Plattenspieler nicht die leichteste Aufgabe.

Okay der Apple der da noch rumsteht. Der macht ja nicht viel. Gutes Video und Musik auf jeden Fall.

Link (createdigitalmusic) Link (Derdeliblog) Link (djsniff)

„Die letzte Perversität des Stils ist universale Nekrophilie“ – so dereinst das vernichtende Urteil Adornos insbesondere eines ironisch geprägten Eklektizismus, der aus der Not der künstlerischen Sprachlosigkeit eine Tugend machen will. Eklektizismus heißt, so Lyotard, „Nullpunkt der Bildung“, denn hier herrscht Willkür und Beliebigkeit des Schaffenden, herrscht ein im pejorativen Sinne verstandener subjektivistischer Historizismus, der zum alles bestimmenden künstlerischen Prinzip erhoben wird. Wie nun aber steht es mit einem Eklektizismus, der in erster Linie nicht im Auseinanderstreben stilistischer Einflüsse, sondern vielmehr in einer divergierenden Klanglichkeit besteht, in dem obendrein eben diese heterogene Klanglichkeit sich nicht aus einer affirmativ zitierenden Haltung, sondern aus der radikalen Destruktion und Dekonstruktion eigener wie fremder musikalischer Produktion ergibt? So geschehen auf der Platte „Soft Punk“ von John Wiese.

Wiese zitiert neben seiner eigenen Formation Sissy Spacek ebenso die Band Grand Ulena sowie den bei beiden Projekten agierenden Schlagzeuger Danny McClain, außerdem Die Monitor Bats, darüber hinaus scheinen an mancher Stelle auch nicht vermerkte Zitate das Fundament für die eigentliche Komposition zu bilden. Die Mediatisierung solch performativer Ereignishaftigkeit erfolgt allerdings nie in ungebrochener Vorgefundenheit, vielmehr scheint Wiese mit seinen hart kontrastierenden, präzise arrangierten, teils an Ryoji Ikeda erinnernden Schnitttechniken an der Entgrenzung dysfunktionaler Klanglichkeit in den Bereich musikalischer Organisation interessiert zu sein. Ganz ausdrücklich widersetzt sich die Musik der Illusion kontinuierlicher Bewegung, der Kohärenz und immanenten Logik des Ursprungsmaterials und zerlegt, verkürzt stattdessen dieses, um aus dessen Auslassungs- und Leerzeichen etwas hervortreten zu lassen, was mit Amedialität, bzw. eben Dysfunktionalität umschrieben werden kann. Sei es, dass in „Sad Physics“ eine Gitarrenimprovisation so zerlegt wird, dass sie nur noch in einer degenerierten, mehrfach gebrochenen Form erscheint, sei es, dass in „No Party“ das Schlagzeugspiel Danny McClains so kleinteilig geschnitten wird, dass sich dieses in seiner Körperlichkeit ständig selbst behindert, sei es, dass in „Snow Pit“ ein Konzert der Die Monitor Bats in seiner zeitlichen Abfolge dergestalt subvertiert wird, dass vor dem Anfang des Konzerts, dem Einsetzen der Band, dessen Ende, nämlich der frenetische Jubel erscheint. An diesen und weiteren Beispielen lässt sich zeigen, dass es der Musik nicht um einen affirmativen Zugang zur Wirksamkeit medialer Konstruktion, sondern vielmehr um deren fundierenden Bedingungen geht. Durch die Logik des Cut-Ups vermag Wiese eben diese Bedingungen medialer Hervorbringung hervortreten zu lassen und sie zum thematisch-reflexiven Gegenstand künstlerischer Aktivität zu machen, um daraus erst die spezifisch dysfunktionale und dekonstruktive Klanglichkeit hervortreten lassen zu können. Den künstlerischen Focus auf die Bedingungen medialer Konstruktion zu legen ist freilich nicht völlig neu – erinnert sei nur an den Umgang Kurt Krens mit den Materialaktionen Otto Mühls im Wien der 1960er Jahre. Hier allerdings findet die Haltung einer dekonstruktiven Strukturation nicht durch serielle Permutationen, sondern unter der Vorherrschaft eines impulsiven, prinzipiell eklektisch agierenden künstlerischen Subjekts statt, weiterhin jedoch unter dem Vorzeichen einer Neuerschaffung der Wirklichkeit des ursprünglich vorhandenen Materials zugunsten einer artifiziellen Metaform von Unmittelbarkeit und Präsenz.

Gleichwohl liegt bei Wiese ein besonderes Augenmerk auf das Problem des Scheiterns solch einer auf die Bedingungen medialer Produktion gerichteten Musik über Musik: immer wieder wird angezählt, ohne dass die Erwartungshaltung eines nun eigentlich folgen müssenden konstruktiven Ergebnisses erfüllt würde. Stattdessen schließt sich auf solches Anzählen die Negation eines produktiven Ergebnisses an – entweder als Quasi-Stille oder aber als brachiale Harsh Noise Attacke, zumeist von raschen klanglichen Wechseln aufgebrochen. Durch ultraschnelle Schnitte verleibt sich das generativ-konstruktive Moment stetst seine eigene Negation ein. Das Zitat, verstanden als Gabe, bei der der Gebende als Gebender zugunsten der Gabe zurücktritt, wird so zum Akt des Scheiterns und Ausdruck des Unmöglichen. Nochmals genauer: aus dem Zitat als der Möglichkeit eines selektiven Umgangs mit einem frei verfügbaren Materialzusammenhang entbirgt Wiese die Unmöglichkeit solch einer affirmativen Verwendbarkeit von Klanglichkeit hin zu einer in der medialen Konstruktion selbst stetig vorherrschenden Negation der eigenen generativen Mechanismen. Das Zitat wird durch solch eine konstruktive Selbstnegation zur Reflexion seiner eigenen Legitimation.

Noch bevor bei Jean-Francoise Lyotard die Frage des Legitimationsanspruches wissenschaftlichen Denkens im Sinne einer Kritik meta-narrativer Wissensformen als zentrale Herausforderung der Wissenschaften des ausgehenden 20. Jahrhunderts formuliert wird, zeigt sich in der Musik eben diese Problematik des Meta-Narrativen bereits in den 1950er Jahren. Der Traum vom Mythos des Künstlers als genialisch begabtem Wesen, wie er seit Schelling kontinuierlich aufrecht erhalten und weiterentwickelt wurde, ist hier fürs erste ausgeträumt. In Europa sind es die seriellen Komponisten, die einen radikalen Schlussstrich unter das spekulativ-expressive Denken insbesondere der romantischen Kompositionstheorie ziehen wollen und stattdessen eine bereits von Mallarmé vorbereitete Autonomie des Kunstwerks anstreben. In Amerika dagegen ist es die alle Bereiche der Kunst umfassende Bewegung der Minimalisten, die, freilich unter völlig anderen Vorzeichen, eine streng konzeptuelle Kunst schaffen will, in der die Person des Künstlers zugunsten der eigentlichen ästhetischen Erfahrung zurücktreten soll. Während allerdings die serielle und post-serielle Komposition weiterhin nur bei an der akademischen Musiktradition orientierten Komponisten präsent ist, hat dagegen das minimalistische und post-minimalistische Gedankengut es bis in die Gegenwart hinein geschafft, auch in die Grenzbereiche musikalischen Denkens vorzudringen.

So werden im amerikanischen Noise-Underground künstlerische Resultate erzielt, die musiktheoretisch mit dem Begriff „Drone“ oder eher noch mit dem Ausdruck „Wall Noise“ gefasst, für die aber in ihrer ästhetischen Konzeption ebenso Ansätze minimalistischen Denkens fruchtbar gemacht werden können. Für etwa das Harsh Noise Projekt The Rita des Kanadiers Sam McKinlay ist der Einfluss minimalistischer Künstler nicht nur in der Musik, sondern auch biographisch feststellbar: “Practically all through my four years in University I was heavily interested in minimalist hard edge painting eventually spreading into floor works, landscape pieces, and eventually concept based textual and photographic interpretations of areas and space.” Interessanter aber als dieser persönliche Hintergrund ist die über Sam McKinlays Stücke selbst erfahrbare Wirksamkeit minimalistischen Gedankenguts. CDs wie „Thousand of dead gods“ [PACrec / Troniks], „Bodies bear traces of carnal violence“ [PACrec / Troniks] oder auch die mit Toby Dammit und Fecalove entstandene Kollaborationsarbeit [Turgid Animal] erinnern stark an die Konzeption von Zeitlichkeit wie sie in den Kompositionen La Monte Youngs oder Terry Rileys, ebenso in den Videoarbeiten etwa Bruce Naumans vorzufinden ist: Bei den Stücken Sam McKinlays sieht sich der Hörer mit höchst monochromen, ohne Unterbrechungen auskommenden, nahezu statischen Harsh-Noise Blöcken konfrontiert, die in ihrer formalen Einfachheit an archaische Monolithen erinnern, die aller Zeitlichkeit trotzen. Bei den Stücken McKinlays scheint es sich somit in ihrer formalen Anlage ebenso wie bei den minimalistischen Kompositionen um die Hörbarmachung eines gleichsam ewigen Klangs zu handeln, der ohne Anfang und Ende einen Raum besetzt, bei dem es dem Zuhörer überlassen ist, zu entscheiden, wann er diesen Raum betritt und wann er ihn wieder verlässt, d.h. welchen Ausschnitt er als faktisches Rezeptionserlebnis wählt. Diesem seit Marcel Duchamp relevanten Selektionsmoment künstlerischer Produktion wie Rezeption korrespondiert der Anspruch des Künstlers, dem Rezipienten, unabhängig davon, wie lange er das Stück hört, dieses in seinem konkreten Ereignen stets als Ganzes in einem Modus der Augenblicklichkeit und Repetition zu vermitteln, d.h. so erlebbar zu machen, dass der Hörer nichts von der ästhetischen Intention und Wirksamkeit der Musik verliert. Durch die statische, gleichbleibend monochrome Klanglichkeit erhält McKinlay so die Möglichkeit, dem Hörer bei einem willkürlich zu wählenden Rezeptionsausschnitt die je prinzipiell gleichen Klanginformationen zu vermitteln.

Allerdings stellt sich bei einem längeren Hörerlebnis freilich ein anderer psychologischer Effekt ein als bei einem bloß kurzen Ausschnitt: so wie etwa Morton Feldman in seinem Zweiten Streichquartett durch extreme zeitliche Ausdehnung einen bis hin zur Erschöpfung reichenden dissoziierten Konzentrationszustand erzielt, arbeitet auch McKinlay mit der Ermüdung des Rezipienten – jedoch weniger durch eine extreme zeitliche Ausdehnung, sondern durch extreme Lautstärke und eine besonders drastischen und brutalen Klangsprache. Mit den Begriffen Drastik und Brutalität lässt sich ein weiterer für das musikalische Denken McKinlays wichtiger Einfluss verbinden, seiner Vorliebe nämlich für das von Mario Bava in den 1960er Jahren begründete Genre des Giallo Films. So wie es auch den damaligen Regisseuren vor allem um eine psychologisierte Darstellung von Gewalt ging, scheint auch für McKinlay diese Komponente als Einfluss im Vordergrund zu stehen – mit dem Unterschied allerdings, dass er sich dieser Komponente nicht als formal-strukturierendes Moment bedient, sondern indem er einen narrativen und meta-narrativen Gestus gänzlich vermeidet und eine Psychologie der Gewalt nicht auf inhaltlicher, sondern vielmehr auf konzeptueller Ebene einbindet. Als Beispiel sei hier zunächst die bereits oben erwähnte CD „Thousand of dead gods“ genannt. Hier handelt es sich bei dem Ursprungsmaterial, das mittels Schichtung und radikaler Effektanwendung schließlich zu einem infernalischen, monochromen Wall Noise transformiert wird, um Feldaufnahmen eines Weißen Hais, eines Raubtiers also, das spätestens seit Steven Spielbergs „Jaws“ von 1975 negativ konnotiert ist. Semiologisch lässt sich „Thousand of dead gods“ als klangliche Interpretation der mit dem Begriff des Weißen Hais einhergehenden Konnotationen von Bestialität und Grausamkeit lesen, bei der sich die Konnotationen des Ausgangsmaterials mit der aus dieser hervorgehenden, dementsprechend transformierten Klanglichkeit für den Rezipienten, der um die Herkunft des Ausgangsmaterials weiß, zu einem infiniten und unhintergehbaren, sich durch die Geschlossenheit in seiner Semantik ständig potenzierenden Zirkel zusammenschließen. Dieses Hochschaukeln von Konnotationen und Klanglichkeit lässt sich so als Metapher auf die politische wie auch mediale Hysterie verstehen, die gerne aufkommt, wenn es um Gewalt und Brutalität geht. Ein weiteres Beispiel für dieses Prinzip des gegenseitigen Verweises von Konnotationen und Klang ist die CD „Bodies bear traces of carnal violence“, bei der McKinlay mit Ausschnitten rarer Gialli aus den 1970er Jahren arbeitet – statt mit einer Interpretation der konnotativen Ebene haben wir es hier aber nun eher mit einer zweifachen Verdopplung derselben zu tun: einerseits durch die bereits vorhandeneArtifizialität, andererseits durch die bereits implizite, negative Konnotierung des Ursprungsmaterials.

Die Stücke von „The Rita“ entpuppen sich so bei all ihrer Drastik als sublimes Spiel mit gesellschaftlich negativ besetzten Thematiken, die in ihrer formalen Anlage minimalistisches Gedankengut in eine universale, physisch unmittelbar erlebbare Statik der Gewalt umwandeln.