A partir du 29 novembre 2009 et pendant 2 semaines.

Plus d’infos ici: http://transit-systeme.com/

Artspace Galleries
Village Suisse, 54, rue la Motte-Picquet Grenelle, Galerie 66, Paris 7
Métro La Motte-Picquet Grenelle (lignes 6, 8, et 10)
Tél. 09 60 50 38 62 • www.artspace-galleries.com
Exposition ouvert du jeudi au lundi, du 11h à 19h

Les amateurs d’art sont venus nombreux vendredi pour le vernissage de l’exposition l’Art d’Offrir, l’occasion de rencontrer les artistes et de découvrir leurs oeuvres.

L’exposition est visible jusqu’au 24 décembre, une multitude d’idées cadeaux originales vous attend !

Rendez-vous chaque dimanche après-midi de décembre pour les ateliers artistiques encadrés par les artistes, ouverts à tous et gratuits :

• 06/12, à 15h : Jean-Claude SAVI, “peintécriteur”, vous propose une initiation au dessin caligraphie à l’encre avec fabrication de ses propres outils
• 13/12, à 15h : Geneviève DARRIET vous aidera à créer votre propre bijou avec ses perles en verre soufflé 
• 20/12, à 15h : Teizo OGAKI vous fera découvrir le dessin au crayon à la cire 

N’hésitez pas à vous inscrire dès maintenant pour découvrir leur univers artistique.

Marcello Mastroianni et Anita Ekberg ne s’embrassent pas dans “La Dolce Vita”. Leurs lèvres ne se touchent même pas, Federico Fellini crée cette merveilleuse illusion à travers, tout simplement, un angle de caméra judicieusement placé.

Cette anecdote est une des nombreuses petites surprises que l’on peut trouver à l’exposition au musée du Jeu de Paume et qui retrace l’oeuvre immense de l’immense “illusionniste” qu’était Federico Fellini. Né à Rimini en 1920, Fellini a débuté comme caricaturiste avant de se lancer dans le cinéma. Ce goût pour le dessin, et plus particulèrement pour la bande dessinée, sera le fil rouge d’une très longue carrière.

L’exposition, très pluridisciplinaire, retrace la filmographie de Fellini à travers des photographies, des affiches, des magazines & des articles d’époque, d’extraits de films ainsi que des dessins de Fellini lui-même. Bien loin de la structure traditionnelle d’une exposition artistique, “Fellini, La Grande Parade”, se veut une promenade ludique et espiègle à travers les rêves, les cauchemars, les obsessions et les lubies d’un artiste à l’exubérance inimitable. Au cours d’un parcours, ni chronologique, ni thématique, le visiteur est plongé dans un monde coloré et joyeux qui revient aux sources de la créativité Fellinienne: Le réel. Et c’est peut-être cela, la grande surprise de cette exposition: l’univers de Fellini, tellement baroque et unique qu’il fut baptisé “Fellinien” puise son inspiration dans la vie, la rue, les gens ordinaires, et moins ordinaires. On découvre ainsi comment certaines scènes de ses films les plus connus ont une origine ancrée dans l’actualité, des reportages les plus anodins aux les articles les plus “people” de l’époque.

On découvre aussi un Fellini n’hésitant pas à puiser dans sa vie personnelle, matière à tourner , allant même à mettre en scène ses angoisses ou ses fantasmes comme dans 8 & 1/2, oeuvre qui tourne autour d’un… réalisateur en pleine crise de créativité. Les “livres de rêves” qui sont exposés, cahiers de dessins regroupant ses rêves intimes pendant plus de 30 ans, dévoilent un homme à l’imagination foisonnante, pour qui le dessin n’a jamais cessé d’être le moteur d’une oeuvre débordante de vitalité.

La réussite de cette exposition est d’offrir un regard neuf et amusant sur un réalisateur dont on croyait, presque, tout connaître. Mais surtout, elle offre l’occasion de découvrir un grand artiste de manière simple et ludique: Etre détenteur d’une thèse universitaire sur Fellini ou le cinéma Italien n’est pas une condition à remplir pour apprécier ce réjouissant spectacle… Fellini lui-même aurait trouvé le contraire assez “scocciante” (chiant)!

Recently on MathOverflow the following question was asked: “.   What is x and how do you find x?”  This question was soon closed as being inappropriate for MO.  In fact it is a very interesting question.

The general question is:  Solve (a, b, x, m all integers).  This is the discrete logarithm problem.  All known general algorithms for solving it run in exponential time.  It is used in cryptography, for example in the RSA algorithm and the Diffie-Hellman algorithm.

For example, the RSA algorithm is implement in this way:  Find two very large primes p and q.  This can be done in polynomial time.  Let .  Find integers d and e relatively prime to such that ; this can also be done efficiently.  Note that for any integer a, .  You make m and e public but keep d, p and q private.  Then someone else can encode a message as an integer a and transmit (which can be calculated pretty fast)  to you.  Since you know the logarithm d you can decode it by calculating .   (What if the message is too long?  Details, details…)

The fact that you can find large primes fast but you can’t find discrete logarithms fast means that this method is safe.  The fact that no one can prove you can’t find discrete logarithms fast means cryptographers worry about this a lot.

expos [galerie]

l’archéologie de l’évier

Hervé Hemme

photographies et vidéo…

[Nota Bene]

Savez-vous…?

Jean-François Grégoire

La musique est poésie. La peinture est poésie. La littérature est poésie. La sculpture est poésie… L’art est poésie. Des poésies il en est de moins bonnes qualités que d’autres. Il en est de meilleures que d’autres. Il en est comme de tout sur terre. Savez vous planter des choux, des carottes ou des navets ? Savez vous tondre une pelouse ? Savez vous planter un clou ? Savez vous faire la vaisselle ? … Savez vous que la vie devrait être entière ? Des vies il en est de moins bonnes qualités que d’autres. Il en est de meilleures que d’autres. Il en est comme de tout sur terre. Du dessin c’est pareil.

Ce que j’aime dans certains musées comme le musée d’Art moderne de la ville de Paris, c’est la quiétude que l’on peut y trouver. Ils s’affolent parfois lors de certaines expositions temporaires, telle Raoul Dufy l’an dernier, mais la plupart du temps, on peut y profiter pleinement des œuvres sans la foule. Surtout en nocturne. Et encore plus lorsque le thème peut sembler rébarbatif au premier abord !

En ce moment et jusqu’en janvier, l’exposition « Deadline » cherche à comprendre en quoi l’approche de la mort peut influencer la création artistique, à travers les dernières œuvres de douze artistes morts entre 1985 et 2000. Certains montrent un apaisement, parfois rendu nécessaire par le déclin de leurs facultés physiques : c’est surtout le cas de ceux qui sont morts vieux, tels Willem de Kooning (auteur de la peinture ci-dessus) ou Gilles Aillaud (auteur de la peinture ci-dessous). D’autres ont carrément mis en scène leur future mort, causée par la maladie : c’est le cas de James Lee Byard ou de Hannah Villiger.

Je l’avoue, cette exposition n’était pas joyeuse, mais heureusement, j’ai bénéficié d’un contexte particulièrement propice à ce genre de thème introspectif : dans chaque salle, il n’y avait que l’artiste, moi… et un gardien endormi.

À propos de l’exposition, De l’Itinérance, un parcours éditorial et photographique 1982 – 2008.
Les Douches la galerie, 5 rue Legouvé 75010 Paris.
Du 3 décembre 2009 au 6 février 2010 (vernissage le 2 décembre).

Est-ce lié à mon attirance originelle pour la littérature et le cinéma ? Est-ce lié à ma découverte de la photographie d’abord comme chose imprimée dans des livres de pure photographie (Robert Frank, Alain Resnais*, Tony Ray-Jones, Paul Strand, Walker Evans, Bill Brandt, Josef Koudelka, Lee Friedlander…), avant de m’intéresser à la photographie comme œuvre accrochée sur un mur au même titre qu’un tableau ?  Est-ce parce que le désir de l’en-allée m’est profondément chevillé à l’âme et au corps, non pas sous le couvert du baroudeur, de l’aventurier, du globe-trotter ou du reporter en mission, mais tel le voyageur silencieux qui cherche simplement à rejoindre le monde ? Sans doute un peu de tout cela, et d’autres choses encore dont l’intrication me reste mystérieuse, pour expliquer ma propension non seulement à faire des livres, mais à imaginer mes différents projets, les uns après les autres, avant tout comme des ensembles destinés à l’édition, et donc réfléchis et développés en ce sens. Au point même qu’il m’est arrivé, à l’aube d’un travail, d’avoir déjà en tête la maquette d’un livre dont les images n’étaient pas faites.

En quelque sorte, mes livres sont moins le catalogue d’une exposition que la matrice de celle-ci. J’ai conçu pendant longtemps l’exposition comme un simple “éclaté“ du livre, ou comme la proposition d’un livre à venir ou espéré —tout en accordant de l’importance à la qualité des tirages en noir et blanc puis en couleur—, avant d’y réfléchir comme un objet en soi faisant pleinement partie de mon propos artistique. Aujourd’hui, je tends à dissocier de plus en plus l’objet livre de l’objet exposition : le livre ne peut être le simple catalogue d’une exposition, ni celle-ci réduite à une sorte de best-off du livre.

La plupart de mes projets s’articulent autour d’une problématique du déplacement, qu’il s’agisse de mettre en œuvre différentes formes d’exploration d’un territoire ou, plus souvent encore, de suivre le fil d’un itinéraire dont l’argument ou la raison relève de considérations diverses. Dès 1984, avec le projet intitulé Frontières, j’ai établi une méthode et un principe de travail auxquels je me suis à peu près tenu depuis lors : à savoir, respecter le plus possible dans l’élaboration du travail, mais surtout dans sa restitution, un principe de continuité géographique et chronologique, privilégiant ainsi la progression, la confrontation des images, leur tension dialectique, et privilégiant de fait le récit à la série. Le récit étant entendu non pas comme une “histoire“ —si ce n’est celle de mon rapport au monde—, mais comme le développement d’arguments conceptuels et de problématiques esthétiques à travers la récurrence d’un certain nombre de thèmes que la traversée du paysage ou les rencontres diverses viennent nourrir.

Il m’est apparu cependant que si mon travail était en partie connu et reconnu par la régularité de ma production éditoriale, la spécificité de celle-ci et son étendue —notamment tous les livres en noir et blanc qui précèdent La Route du Tôkaidô— étaient loin d’être comprises et sues de tous. D’où la proposition de cette exposition qui permet de retracer la cohérence d’un parcours éditorial et photographique par-delà la diversité des expériences et des projets. Cette sélection d’une douzaine de livres (sur les vingt publiés à ce jour, hors livres collectifs, catalogues d’exposition ou portfolios plus modestes), couvre environ 25 années de travail de 1982 à 2008. Elle est associée à l’exposition de tirages vintage, certains étant, non pas des tirages d’exposition, mais les épreuves (belles) ayant permis de procéder à l’impression de tel ou tel livre.

Du coup, il m’est venu l’envie de reprendre dans une série de billets chacun des livres présentés, afin de resituer leur contexte historique et d’en montrer quelques bonnes pages. En commençant évidemment par le tout premier :

Far Westhoek, éditions Ferme-Nord de Zuydcoote, 1982.

Novembre 1981. J’avais décidé depuis l’année précédente de me consacrer complètement, “professionnellement“, à la photographie. Je venais de rater de peu, d’un cheveu —ou plutôt d’un manque de lobbying— la Villa Médicis. Nous étions deux finalistes et mon concurrent, qui avait de l’entregent et surtout de l’entregent —il a depuis disparu des tablettes de la renommée—, avait su faire quelques visites de courtoisie utiles. Nous avions chacun dans notre manche l’un des deux rapporteurs de la commission : il avait le soutien de Jean-Loup Sieff, et moi celui de Gisèle Freund. Mais d’autres personnes avaient pu exercer leur influence, et sans que je puisse le deviner, les dés étaient jetés avant même que je passe mon grand oral devant la commission présidée par Jean Leymarie, alors directeur de la Villa Médicis. Je ne le sus qu’après. Et puis, il se peut que malgré ma confiance affichée, je sois passé à côté de cet oral en donnant sans doute une importance excessive à une image de Rome qui était celle des photographies de William Klein et du cinéma néo-réaliste (Rosselini, De Sica, Pasolini et Fellini premières manières), et en négligeant quelque peu ce que représentait la Villa elle-même au cœur d’une Rome au lourd passé historique. J’avais été quelque peu meurtri de cet échec, et à défaut des lumières méditerranéennes, j’avais repris mes routes septentrionales vers le Nord de la France et Londres. Mais à part une commande en couleur du magazine Geo qui m’avait permis de sillonner tout le pays ch’ti, bien au-delà de ce que nécessitait ce reportage, je m’étais heurté jusqu’à présent à des fins de non-recevoir à chaque fois que j’avais essayé de solliciter quelque aide institutionnelle. L’argent, les structures, la volonté manquaient. Tout manquait, mais le paysage politique venait de changer et le paysage culturel et artistique était sur le point de changer —même si Michel Guy, le prédécesseur de Jack Lang, avait déjà fait un travail remarquable en posant les bases d’une réforme profonde de la politique de la création artistique, mais sans disposer toutefois des moyens que son ambition nécessitait. Bref, fin 1981, on sentait que les choses étaient sur le point de bouger et c’est ainsi que l’une de mes interlocutrices habituelles à Lille m’écrivit un jour un nom et un numéro de téléphone sur un bout de papier en me disant : « Essayez cette piste !».

La piste s’appelait José Jacquemart. Il était conseiller technique auprès de la ministre de la Santé d’alors, et après s’être occupé d’une association de chantiers de jeunesse, il venait de s’installer dans un hôpital maritime désaffecté au nord de Dunkerque, la Ferme-Nord de Zuydcoote ; et là, au milieu de nulle part et des dunes balayées par les vents de la mer,  il avait décidé de recueillir des adolescents en difficulté et d’inviter également des artistes en résidence (tout commentaire ironique est superflu…). Je pris rendez-vous avec lui dans son bureau parisien, sans avoir d’autre projet précis que le seul désir de pouvoir continuer à photographier “là-haut“ avec un peu de soutien. J’ouvre ma petite boîte pleine de tirages en noir et blanc, mon interlocuteur regarde les images avec attention, referme la boîte et me demande : « Vous avez besoin de combien ? ». Je m’attendais à quelque propos dilatoire, as usual, ou à toutes sortes de questions, mais pas à celle-ci. Cinq secondes de réflexion, un rapide calcul improvisé dans ma tête en me disant qu’il fallait que je tienne six mois (je vivais alors de peu), et je lâche : «  35 000 F (5 400 euros) ».
« Très bien, c’est d’accord, me dit-il, vous appelez demain Pascale Debrock, la responsable des activités culturelles, et vous organisez avec elle votre séjour et votre travail ».

Et c’est ainsi que je me retrouvai quelques semaines plus tard à arpenter le Westhoek, soit la pointe ouest de la Flandre française, tout ce territoire compris entre Grand-Fort-Philippe au sud de Dunkerque et Bray-Dunes à la frontière belge. J’y passai, entre février et juin 1982, la moitié de mon temps. J’essayai de photographier un peu chaque jour, mais l’hiver me sembla interminable et je fus pris d’une sorte de langueur mélancolique générée par l’austérité du paysage, la rudesse de la vie pour nombre de gens que je rencontrais et une certaine solitude, à peine distraite par quelques émois sentimentaux et quelques amitiés dont certaines ont duré. J’avais aussi, encore, quelques timidités (mais les ai-je toutes vaincues ?) et je me sentais plus à l’aise pour photographier dans des situations collectives, même lorsqu’il s’agissait de fêtes privées, que dans un rapport direct ou plus intime avec une seule personne. Mais, ce que l’on a manqué ou pas su faire n’existe pas. Les regrets ne valent que pour soi. Et ce qui reste, ce que j’ai su saisir, c’est cette poignée d’images que je ne peux renier. Comme l’écrit Béatrice Andrieux dans le texte de présentation de l’exposition De l’itinérance : « Les thèmes chers à Thierry Girard et la mise en place des atmosphères de ses explorations sont posés ». Mais ce qui me touche surtout c’est que, découvrant ce livre qui lui était inconnu, elle puisse parler « d’un livre sombre et magnifique ».

Les photographies de ce travail appartiennent à leur époque. Il y a certes l’autorité tutélaire de Cartier-Bresson qui règne en maître sur la scène photographique française**, mais l’époque est surtout marquée par la considération soudaine accordée à l’œuvre de Frank qui devient en quelque sorte le photographe-culte*** de notre génération. L’œuvre de Frank, tout en étant restreinte à un cercle étroit de connaisseurs —rien à voir avec sa diffusion actuelle— est ressuscitée après une parenthèse, un oubli qui a duré une bonne quinzaine d’années, lorsque R.F. eut décidé d’abandonner la photographie pour se consacrer au cinéma. Certes Les Américains ont été publiés en 1958 en France par Robert Delpire, puis en 1959 chez Grove Press aux États-Unis, mais alors que  l’influence de Frank reste vive outre-atlantique (sur les travaux de Winogrand par exemple ou du « jeune » Friedlander, celui de Self-portrait) avec plusieurs rééditions de The Americans, elle ne s’exerce vraiment en Europe qu’au compte-gouttes, grâce notamment à la fidélité d’Allan Porter et de la revue Camera en Suisse qui publie deux ou trois portfolios, puis de Creative Camera en Grande-Bretagne. La publication de The Lines of my hand en 1972 reste confidentielle, même s’il est toujours tentant de réécrire l’histoire après, de manière plus emphatique. En 1975, le Creative camera international year book publie un splendide portfolio consacré aux photos de Londres et du Pays de Galles. Ce portfolio sera pour moi la révélation décisive qui m’amènera à considérer la photographie as a true possibility. Il n’est pas anodin d’ailleurs de retrouver dans ce même numéro un portfolio consacré à Cartier-Bresson et deux autres consacrés à la photographie documentaire britannique à travers les œuvres naissantes de Chris Killip et d’Homer Sykes. Cette tradition photographique, héritée entre autres de Bill Brandt et de l’œuvre malheureusement interrompue de Tony Ray-Jone, constitue alors notre troisième sphère d’influence.

Ce n’est donc pas tout à fait un hasard si, au terme de ce travail, lorsque mon commanditaire, apparemment satisfait de ma prestation photographique, remit un peu (pas beaucoup) d’argent sur la table pour faire un livre, je proposai à mon ami Philippe Bissières, que j’avais chargé de faire la maquette et de suivre la fabrication du livre, de reprendre le format intérieur des Américains version Delpire (nous n’avions pas les moyens d’avoir une couverture en dur) avec une reproduction des photographies à la même taille que celles de Frank. J’imaginais ainsi un geste symbolique et affectif, une sorte d’hommage, une manière de dire ma dette et ma filiation. Philippe m’en dissuada, sans doute à raison, mais l’objet qu’il conçu, légèrement plus grand que « l’original » et avec un principe de mise en page différent, n’est pas non plus si éloigné que ça de la référence évoquée. Ne serait-ce que sur le plan de l’impression avec cette bichromie un peu sourde et son pantone brun sur un papier mat qui n’est pas sans rappeler l’héliogravure d’autrefois et les premières versions du livre de Frank. Il a d’ailleurs été imprimé à Bellegarde dans une imprimerie qui était alors spécialisée dans l’héliogravure sur feuille. Le livre a les défauts de son budget modeste, mais c’est ce qui en fait aussi son charme, et ce qui le rend aujourd’hui paradoxalement moins obsolète que bien d’autres livres publiés à cette époque avec une mauvaise offset sur du papier glossy.

Je ne me souviens plus du tirage, peut-être 1000 exemplaires, et comme Philippe me l’a écrit récemment dans un e-mail : «  Hélas, l’informatique n’existait pas, avec sa capacité infinie de garder toutes traces à portée de main. Cette archive papier – pour autant qu’elle garde trace de l’étape de fabrication – est à 700 km, dans une chemise, elle même dans un classeur suspendu dans un tiroir qui ne doit plus s’ouvrir très bien, sinon en couinant affreusement, appartenant à une armoire qu’il s’agirait d’identifier comme étant la promise… Alors, ma réponse est comme le dossier: suspendue ! ».
L’essentiel du tirage a été remis au commanditaire qui, n’étant pas éditeur et n’ayant pas de diffuseur, n’a pas su ni pu en faire grand chose. Une poignée de livres vendus en librairie, les autres donnés par moi ou les gens de la Ferme-Nord, et sans doute le stock détruit ou abandonné dans l’humidité des lieux au bout de quelques années. Il doit m’en rester à peine une centaine d’exemplaires, peut-être moins. Combien d’autres exemplaires, “vivants“, de par le monde ? Difficile à dire, mais vraisemblablement moins de la moitié du tirage.

[ Mai 1982 : Je n'ai pas su photographier sur la plage cette femme déformée, boursouflée, sans âge, qui traînait deux petits enfants. Cela m'a rappelé cette jeune femme vue l'autre jour à la ducasse de la basse-ville de Dunkerque. À peine vingt ans. Une bouche édentée. Des chevilles malingres. Et un bébé tout petit dans ses bras, tout petit.

La misère est terrible sur les corps. La misère est grande parfois ici. J'ai l'impression de ne voir qu'elle en ce moment. De ne pouvoir y échapper où que j'aille.

Extrait du journal de travail de Far-Westhoek ]

Far-Westhoek a été édité en octobre 1982.

Impression en bichromie sur papier semi-mat.

Couverture souple. Format 248 x 222.

16 pages de textes sur un papier teinté et 48 pages de photographies.

La calligraphie du titre est due au talent et au pinceau de Philippe Bissières

* Alain Resnais a publié en 1972 aux éditions du Chêne un livre intitulé Repérages, un ensemble de photographies noir et blanc, faites au Leica, sur des lieux de repérages de films ou de projets de films. Et notamment sur Londres.

* * Note sur l’influence de Cartier-Bresson : en fait la situation était plus complexe. Il y avait les pro et les anti-HCB, ces derniers reprochant au “Maître“ sa superbe et sa distance élitiste ; et préférant mettre en avant, tel Jean-François Chevrier, la simplicité et l’authenticité (!?) du populaire Doisneau. Naturellement, les arguments invoqués étaient d’ordre esthétique, mais ils révélaient aussi une forme de positionnement et de clivage idéologique à l’intérieur même du microcosme artistique et intellectuel.

*** Le numéro 11/12 des Cahiers de la Photographie, intitulé Robert Frank, la photographie, enfin., paraît à l’automne 1983. On y trouve des contributions de Gilles Mora, Arnaud Claass, Alain Bergala, Jean Arrouye, Denis Roche etc.

Les préparatifs pour l’exposition universelle de Shanghai 2010 avancent à grand pas. Les premiers essais de lumière sur les canopées géantes de la “Sun Valley”, dans l’axe central du site de l’expo, on eut lieu le 11 novembre dernier. Les six mégastructures métalliques rappellent celle dessiné par Fuksas pour le parc des expositions de Rho, prés de milan. Sauf qu’elles collectent la pluie et sont surtout bardées de LED. A suivre…

voici de quoi devrait avoir l’air le bâtiment une fois le chantier terminé

Source : Inhabitat

so there we were, three tourists from the philippines: one a seasoned traveler and the other two on their sophomoric venture outside the walls of las islas. 25 euros poorer, we did see what brussels had to offer in a couple of hours, one of them the amazing atomium–a 165-billion-times magnification of an elementary iron crystal.

built for brussels’ world fair in 1958 (expo ‘58), it was supposed to not last this long but it did. in 2006, it got a much-needed face lift.

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Plus d’infos: www.galerie-gm.com

C’est une expression.

Au sens figuré, elle signifie l’art de trouver une solution pour faire en sorte que chacun soit satisfait, ou, au sens propre, que chacun des deux éléments en présence se retrouve intact, à la fin de l’action.

“Ménager la chèvre et le chou“, c’est aussi le nom de l’énigme proposée avec notre exposition “Voyage autour du goût“.

Un homme, propriétaire d’un loup, d’une chèvre et d’un chou, se trouve devant l’obligation de leur faire traverser une rivière.

Le pont, qui est fragile, ne lui permet de transporter qu’un seul élément à la fois.

Comment va-t-il s’arranger pour faire traverser la rivière aux trois éléments, sachant que la chèvre risque de dévorer le chou, et le loup de dévorer la chèvre, s’ils se retrouvent seuls ?

Réfléchissez…. et venez nous voir pour savoir si vous avez trouvé LA solution !

Image provenant du site de Bibliothèque et Archives Canada

Bibliothèque et Archives Canada  souligne le centenaire de l’une de nos plus grandes écrivaines canadiennes-françaises du XXe siècle en présentant une exposition retraçant l’œuvre et la vie de Gabrielle Roy à travers une sélection de 140 pièces d’archives.

L’exposition [...] met à profit les archives de Gabrielle Roy ainsi que différents fonds d’archives conservés à BAC, d’où ont été extraits divers documents, manuscrits, documents iconographiques et pièces de correspondance qui illustrent comment l’écriture est entrée au cœur de sa vie. (Anne Michaud, Le Devoir, 25 novembre 2009)

“Grâce à cette exposition qui rend hommage à l’œuvre de Gabrielle Roy, les Canadiens auront le plaisir de découvrir une partie des archives de cette écrivaine remarquable” de déclarer Daniel J. Caron, Bibliothécaire et archiviste du Canada. (http://marketwire.com/mw/release.do?id=1081676&lang=F5)

Du 24 novembre 2009 au 9 mai 2010
De 9 h à 22 h, tous les jours
Bibliothèque et Archives Canada
395, rue Wellington, Ottawa
Salle d’exposition C
Entrée libre

Bibliothèque et Archives Canada
http://www.collectionscanada.gc.ca/a-la-rencontre-de-gabrielle-roy/027009-1000-f.html