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La cinta Nine – no confundir con 9 u otras cintas con este número – libero los dos primeros posters de sala, que por lo visto le deben bastante al estilo de Broadway, lo cual no debe de extrañarnos. Esta película es la adaptación a la pantalla de un sonado éxito teatral, que a su vez se adaptó de la película 8 1/2, de Federico Fellini. La historia cuenta además con la presencia de Sophia Loren, una de las grandes divas del cine clásico. A pesar de ser el remake de un remake, es posible que nos llevemos una agradable sorpresa.

Otto e mezzo (Federico Fellini, 1963)

Hello all.

I am at a loss as to why I picked Otto e mezzo for this project. I am sure I had a great reason, most likely to do with the implications that it has for filmmaking in general combined with the fact that it is a fantastic film. I am confused because it is neither Fellini’s best film nor my favorite in his filmography (La dolce vita and Amarcord respectively) yet I picked Otto e mezzo. Federico Fellini is doubtlessly my favorite director (as noted in a previous post) but to be honest, I have seen only a handful of his films. I Vitelloni was my introduction to Fellini and I have since seen the following: Nights of Cabiria, La Dolce Vita, Otto e mezzo, and Amarcord. I am ashamed to say that that is only a meager twenty percent of his filmography. Guido, the main character, is right up there with Travis Bickle, Barry Egan, and Jake Gittes in my favorite, most interesting characters in cinema. It is impossible for the viewer not to notice and for me not to note that the music and the pacing are both exquisite. This film also belongs on my “Top Ten Films That I Wish to One Day See on the Big Screen.”

There is still not, in my opinion, a better opening sequence in the history of cinema. The viewer is given such a bizarre outlook for the rest of the film (I could see some dispute with this claim due to the sudden reveal of it being a dream but I am talking in terms of everything leading up to Guido waking up). I remember watching this for the first time and being confused on an entirely new level, and this was Fellini’s intention. Dreams end up being one of the most important facets of the films and also a useful tool in decoding the character of Guido so it is only fitting to open the film with a dream.

Fellini’s presentation of characters in the film, mainly women, is masterful. The audience is forced to pay attention to select characters at any given moment (thanks to close ups and effective camera angles). At times it seems as if the characters are engaged in some sort of brilliantly choreographed dance when they are, in the reality of the film, just moving about and talking. Fellini’s exceptional ability as a filmmaker shines in moments such as these. Brief side-note:  The young woman the viewer meets at the beginning, Gloria, is a student of philosophy and is writing a thesis. The topic of her thesis is an absolutely remarkable example of a comical yet poignant use of self-awareness within a film. The topic is “The Solitude of Modern Man as it is Presented in Modern Theater” and for those who have seen the film can most certainly understand the importance of “the solitude of modern man.”

On the topic of choosing this film, I think my thought-process was along the lines of, “how can I make a list of ten films that made me love film and not include Otto e mezzo?” It’s an astonishing film, one of maybe thirty that I think that everyone should see at least once. The ending is both beautiful and perfect, both of the last times I have watched it, I watch the last fifteen minutes at least twice. I curse myself every time I watch this film because the closing music will be stuck in my head for at least the next day or so.

Thank you for reading!

Titolo originale: Valentino- The Last Emperor

Regia: Matt Tyrnauer

Cast: Valentino Garavani, Giancarlo Giammetti

Distribuzione: Medusa, USA, 2008

Guarda il trailer

Le telecamere seguono il grande stilista Valentino tra il 2005 e il 2007,  nei due anni che precedono il suo addio alla moda, avvenuto nel gennaio del 2008, tra la preparazione degli abiti per le sfilate eventi glamour, interviste, viaggi, cambiamenti al vertice dell’azienda.

  Il regista Matt Tyrnauer, corrispondente speciale di Vanity Fair, realizza davvero un piccolo gioiello, mostrando il Valentino uomo, nelle sue debolezze e nei suoi capricci da star, ma anche nel suo grandissimo talento creativo. Il film racconta, o meglio fa raccontare alle immagini delle sue creazioni, alle interviste e alle parole dello stilista stesso e del suo braccio destro, amico, compagno, ombra silenziosa eppure indipensabile Giancarlo Giammetti, la storia del suo impero, dall’arrivo da Parigi e dal loro primo incontro sul quale i due continuano ad avere due versioni differenti, fino all’acquisizione dell’azienda da parte del Gruppo Marzotto, che a sua volta ha ceduto parte del controllo al fondo di private equity Permira.

Senza dubbio il pubblico femminile adorerà questo film perché è la celebrazione di ciò che è bello, poiché il bello è proprio ciò che il famosissimo couturier ama di più: quindi ci sono abiti da sogno, indossati da dive del passato e dei giorni nostri, di cui viene mostrata tutto il processo di realizzazione, dai suoi disegni, al lavoro certosino delle sarte, fino alla prova sulla modella; vediamo location fantastiche, le dimore dello stilista in Italia e in Francia, il suo jet, i suoi cagnolini trattati come principi; il tutto inframmezzato da scene molto divertenti come i battibecchi tra lui e Giammetti, o con le persone del suo staff, da vera prima donna, o da scene commoventi come l’apertura della Mostra a lui dedicata al Museo dell’Ara Pacis in occasione dei 45 anni di attività, o la sua ultima sfilata, o il conferimento della Legion D’onore.

 Valentino è un’icona, un divo, una persona lunatica, volubile, spesso capricciosa,  colui che  durante un’intervista, al giornalista che afferma che la gente dice che nessuno potrà mai prendere il suo posta, risponde sorridendo: “Après moi, le déluge” (Dopo di me, il diluvio), ma allo stesso tempo un professionista attento e quasi maniacale  nella cura di ogni singolo particolare, che si agita dietro le quinte durante le sfilate come un esordiente e segue le modelle fino al loro ingresso in passerella, curando in corda ogni minimo dettaglio, un uomo sensibile che si commuove quando durante il discorso tenuto dopo il conferimento della Legion d’Onore, ringrazia Giancarlo Giammetti per la sua presenza al suo fianco per quasi 50 anni.

Il film è stato presentato  alla  65. Mostra Internazionale d’arte  Cinematografica di Venezia nel 2008 e sta riscuotendo un tale successo ovunque, soprattutto negli States, che si stanno facendo sempre più insistenti le voci che lo vorrebbero candidato all’ Oscar.

In definitiva un ritratto divertente e raffinato, condito da una bellissima colonna sonora che va da Bette Davis eyes di Kim Carnes, a brani jazz, fino a musiche tratte dai film felliniani.

Conclusione: Da vedere.

Voto: 8

The cast of "Nine"; image courtesy of newsinfilm.com

I saw Precious today and want to talk about it length, but need to process what I saw. I’d also like to get to Push, Sapphire’s book on which the movie was based at some point before the end of the year. For now, I’ll say this. I didn’t love it but I did like it, thought Gabourey Sidibe and Mo’Nique were great, was heartened that my matinee screening had a good and diverse turnout, and think you should see it. But you may want to see it with someone and encourage your local theater to have a safe space where people can go if the movie becomes too intense or touches on frought emotions or horrible memories.

For the time being, I thought I’d mention the preview of a coming attraction. Nine, Rob Marshall’s screen adaptation of Arthur Kopit, Mario Fratti, and Maury Yeston’s musical (itself an adaptation of Federico Fellini’s 8 1/2), comes out next week. You can view the trailer here.

So, I know very little about this musical. I only recently discovered the origins of its source material, which I haven’t seen (though, based on my less-than-enthusiastic viewings of La Dolce Vita and I Vitelloni don’t hold high hopes for it, unless Fellini allowed for self-deprication in his autobiographical film the way that Bob Fosse did in All That Jazz, a movie of a similar mold that I love). Beyond that, I knew Raul Julia starred in its Broadway debut back in 1982, the original production won many Tonys, and once heard someone sing “Unusual Way” at a family friend’s wedding, which is a really cryptic song choice for such a ceremony.

As for the film adaptation, I know the players. Rob Marshall directed Chicago and is at the helm here. Daniel Day Lewis plays Guido Contini, a tortured director. The women who populate his life are considerable — Marion Cotillard plays his wife, Penélope Cruz his mistress, Nicole Kidman his muse, Stacey Ferguson (aka Duchess Fergie Ferg) a whore he once knew, and Kate Hudson a fashion writer whose character has a song that was written for the movie. Oh, and Judi Dench is Contini’s costume designer and confidant.

So, I totally suspect a two-hour version of Julio Iglesias’s “To All The Girls I’ve Loved Before” with generous dashes of love for the authorial presence of male film directors. Also, I think this trailer gives you virtually no insight into what this story is about.

That said, I totally want to see this movie because:

1) I’m always interested in film musicals, whether they are good, bad, screen adaptations of stage musicals, or screen adaptations of stage musicals of feature films. Yes, this means I saw Hairspray and didn’t hate it as much as many of my movie geek friends did. But those matters should be saved for another post. 

2) Unlike many people who hated Chicago (several of whom I suspect feel Marty or Roman got robbed out of a Best Picture Oscar for Gangs of New York or The Pianist), I actually enjoyed it. I felt the adaptation stayed true to the source material, deftly staged sequences that are actually going on in the protagonist’s mind, and felt like Catherine Zeta Jones, Queen Latifah, and John C. Reilly were great. I even enjoyed Renée Zellweger and Richard Gere, actors whom I otherwise would rather not watch in a movie. My only real complaint (which Jon Stewart shares), was that Bebe Neuwirth, who won a Tony for her portrayal of Velma Kelly was replaced by Zeta Jones. Otherwise, bring it.

3) Daniel Day Lewis can sing? The same guy who apparently prepared for There Will Be Blood by recording his character’s voice using early 20th century phonographic technology? I am there.

d) I’m fascinated by the presence of female pop stars in contemporary film musicals. As the golden age of film musicals has long since passed, it seems like the ones that do make it to the screen need a familiar face and voice, and they are almost always women with celebrated recording careers. Just as I wondered what Madonna brought to Evita, Queen Latifah brought to Chicago, and Beyoncé and Jennifer Hudson brought to Dreamgirls, so too am I curious what Fergie is going to bring to Nine. While detractors might snigger that it’s fitting for the woman who sang “My Humps” and “London Bridge” to play a whore, I’ll counter that she’s the only singer we hear in the trailer. Yes, that’s her singing “Be Italian.”

e) In the movie, I’m interested in seeing a whore play a teacher to our genius director protagonist man. In real life, I advocate the decriminalization of prostitution and would like sex workers to get worker rights and benefits.

f) While I worry that these women are going to be portrayed as long-suffering, one-dimensional objects of Condini’s affection, I want to see a movie that boasts so many actresses. I haven’t seen this many women in an ensemble since I saw Cruz in Pedro Almodóvar’s Volver (note: Cruz is also starring in Almodóvar’s Broken Embraces and I can’t wait for it to start playing in Austin). 

As an aside, the gossip enthusiast in me is also curious about Cruz and Kidman starring in a movie together. Ever since Tom Cruise split with Nicole Kidman and dated Cruz, I always wonder what their interactions are like every time they show up on a magazine cover together. It’s a catty curiosity, but a curiosity nonetheless. I wonder how they would be portrayed in a movie about Tom Cruise’s life, but want very much for this movie not to be made.

Vogue cover girls Nicole Kidman, Marion Cotillard, Penélope Cruz, and Kate Hudson; image courtesy of latimesblogs.latimes.com

Nicole Kidman and Penélope Cruz bookending Vanity Fair's 2001 Hollywood Issue cover; image courtesy of abc.net.au

Whether this movie is good or not remains to be seen. That said, I’ll see you at the multiplex.

Titolo originale:  Los Abrazos Rotos

Regia: Pedro Almodóvar

Cast: Penelope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Rubén Ochandiano,Tamar Novas, Marta Aledo, Agustin Almodóvar, Enrique Aparicio, Yuyi Beringola, Javier Coll, Juan Bautista Cucarella, Sabine Daigeler, Sergio Díaz, Lola Dueñas

Distribuzione: Warner Bros Italia, Spagna, 2009

Guarda il trailer

La notizia della morte dell’imprenditore Ernesto Martel (José Luis Gómez) riporta l’ex regista Mateo Blanco (Lluis Homar), ora sceneggiatore e scrittore non vedente con lo pseudonimo Harry Caine, al ricordo di quanto accaduto 14 anni prima sul set della sua prima commedia e nella sua vita…

Davvero bella e intensa questa pellicola firmata da Pedro Almodóvar e che vede come protagonista la sua “musa”  Penelope Cruz, autrice di una performance sfaccettata e complessa, nei panni di un personaggio dalla molteplice vita e personalità. Il regista spagnolo realizza un omaggio al cinema italiano di Roberto Rossellini e di Federico Fellini, con citazioni e scene da Viaggio in Italia e Otto e mezzo, e realizza un piacevolissimo esempio di metacinema a più livelli. I protagonisti della storia sono a loro volta attori di mestiere, come Lena, il personaggio della Cruz, ex segretaria diventata  compagna di Ernesto Martel e protagonista nella pellicola di Mateo Blanco, o attori inconsapevoli, come lo stesso Blanco, Lena e gli uomini del cast e della troupe, protagonisti del documentario che Ernesto Junior ( Rubén Ochandiano) realizza durante le riprese del film.

Tutta la storia viene ricostruita a partire da una notizia sul giornale che Mateo Blanco, che ora si fa chiamare Harry Caine, pseudonimo che utilizza per firmare le sue sceneggiature, si sta facendo leggere: Ernesto Martel è morto. Da qui fluiscono tutta una serie di ricordi di fatti che si sono svolti 14 anni prima e che vedono coinvolto, l’ex regista, allora alle prese con la sua prima commedia, Chicas y Maletas, Lene, protagonista della pellicola, Ernesto Martel, produttore del film per amore e per gelosia della sua donna, Ernesto Junior, spia al servizio del padre, Judit  (Blanca Portillo) la segretaria di produzione e il figlio di lei Diego (Tamar Novas), all’epoca bambino e ora giovane assistente dell’uomo al quale Mateo/ Harry finisce per raccontare tutta la storia. Il regista e l’attrice s’innamorano follemente  e fuggono insieme una volta ultimate le riprese. La vendetta di Martel non si farà attendere con tragiche conseguenze per tutti.

Mateo, una volta cieco sceglie lo pseudonimo di Harry Caine perché era il nome con il quale era registrato al residence nel quale si era rifugiato con Lene; uno pseudonimo scelto non a caso, a mio avviso, vista l’assonanza dello pseudonimo con il termine inglese hurricane, uragano, perché la passione tra i due è proprio come un uragano che travolge loro in primis e direttamente e indirettamente tutte le persone a loro vicine con conseguenze tragiche.  Gli attori sono chiamati ad una prova davvero ardua, in primis Penelope Cruz, davvero notevole nei panni di Lena e in tutte le sue variazioni, sfaccettature e personalità (non aggiungo altro per non rivelare troppo sulla trama), ma anche Lluís Homar, nei panni di un uomo enigmatico il cui passato emerge frammento dopo frammento rivelando passioni e segreti.

In definitiva una pellicola coinvolgente e davvero piacevole da vedere.

Conclusione: Consigliatissimo.

Voto: 9

Le Notti di Cabiria

Director: Federico Fellini.

Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli y Pier Paolo Pasolini, basado en la novela de Maria Molinari.

   Intérpretes: Giulietta Masina, François Périer, Franca Marzi, Aldo Silviani, Amedeo Nazzari.

Música: Nino Rota.

Fotografía: Aldo Tonti y Otello Martelli.

Montaje: Leo Catozzo

Italia. 1957. 116 minutos.

Federico y Giulietta

Al igual que sucedía con Julieta de los espíritus, lo primero que se conviene al referirnos a Le notti di Cabiria tiene que ver con la magistral interpretación de Giulietta Masina, la esposa del realizador, una interpretación que parece abrazar todos los espectros (avanza con una facilidad pasmosa en el alambre entre lo cómico y lo melodramático), y que logra emocionarnos merced de su buen hacer actoral pero también (no me atrevo a decir sobretodo) a lo vehicular que a esa interpretación tiene el argumento del filme, y al mimo con el que Fellini la captura en cada plano.

Del neorrealismo a la autoría

Realizada en 1957, y por tanto una de las primeras obras de su autor, Le notti di Cabiria aún se mueve en los terrenos del neorrealismo, si bien –como sucedió con todos los grandes cineastas italianos de aquel periodo, y en particular como ya sucediera desde la primera obra de Fellini, I vitelloni- está pasada por el tamiz de una visión muy personal, y tan poderosa como la ilimitada capacidad del director para la sugestión del espectador mediante elaborados planos ora descriptivos ora de una lírica inmarchitable.

Parias sociales

Le notti di Cabiria empieza con una secuencia en la que Cabiria es asaltada por su protector (un tal Jorge, al que sólo veremos robarle el bolso a Cabiria y tirarla al río) y es rescatada del agua y de la muerte, con cierta demora, por diversos aldeanos de la condición más humilde, que viven pr la rivera. En esa presentación parece concitarse la tragedia con una inopinada descripción achispada, casi cómica, de los marginados que salvan a Cabiria y a los que ella rehuye. A pesar de su oficio, Cabiria participa de una fuerte moralidad, de una integridad que no proviene de su inteligencia sino de la nobleza de su alma, y que, tras su apariencia de chica jovial y pizpireta, esconde la crasa vulnerabilidad frente a los tiempos y circunstancias que le toca vivir. En ese sentido, hay constante el metraje un especial hincapié en la reivindicación de los parias sociales, que Cabiria encabeza pero que se secunda con una retahíla de personajes de exposición gráfica (Vanda y las demás prostitutas, los aldeanos marginales que aparecen al principio del filme o que habitan en el arrabal, la aglomeración de gentes sencillas que acude al  templo a la celebración religiosa, en especial aquel abuelo aquejado de una cojera al que sus sobrinos le arrebatan las muletas en la creencia de que la obra inmediata del Espíritu Santo le permitirá caminar…), y que se contraponen con la carga textual y visual explosiva referida a los refinatti, los acaudalados señores de la Via Venetto, a uno de cuyos más superlativos exponentes, el actor neurótico y desencantado, Cabiria conocerá por casualidad en uno de los pasajes del filme, con quien acudirá a una sala de fiestas (lleno de bellezas tan imposibles como soberbias, que suponen un llamativo ensayode la visión propuesta al respecto en la posterior La Dolce Vita), hasta terminar frustrándose su encuentro, improbablemente amoroso, cuando la novia despechada del actor regrese y obligue al mismo a confinar a Cabiria en el lavabo, donde tendrá que pasar la noche en compañía de un perrito (dando así lugar a un punzante símil que equipara a Cabiria con esa mascota de usar y tirar). En otro pasaje de la película, el ya citado de la celebración religiosa, Fellini no elude una gráfica representación de los perniciosos hábitos folclóricos de una sociedad miserable, el agobiante mercadeo en el que se convierte la celebración, la ridícula aglomeración en el interior de la iglesia, la no menos patética evocación doliente que efectúan los peregrinos (en otra secuencia del filme, complementaria a ésta, Cabiria visita a un fraile franciscano, al que solicita que le confiese porque cree que, al casarse e iniciar una nueva vida, finalmente podrá “vivir en gracia de Dios”: con apenas algunos primeros planos de una Cabiria desolada en aquella celebración o en el momento de conocer al fraile, cuando alcanzamos esta secuencia entendemos el dolor que habita en el alma de Cabiria por contravenir, con su oficio y vida de necesidad, los postulados católicos: Fellini está efectuando una dramática, decisiva diatriba sobre la presión castrante de aquella institución sobre el lumpen). La diferencia entre la mirada desacomplejada de Fellini y otras miradas al lumpen –v.gr. la amabilidad capriana-, reside en que el realizador de Amarcord no rehuye lo inevitable y trágico: la traición a la que unos miembros de ese lumpen someten a otros en aras del vil metal; en Fellini no hay complicidad ni esa fuerza grupal que, por ejemplo, ayudaba a George Bailey a sortear la ruina y la cárcel. En las imágenes fellinianas no se trata sólo de que el rico sea el avaro y el enemigo común, sino que el compañerismo entre iguales se pone en entredicho, y el retrato de la miseria es, por tanto, más horrible. O lo que es lo mismo, más realista.

El Arte como fuga

Fellini es uno de los mayores visionarios de la historia del cine, y en las estampas vivas de esta película hay un sinfín de detalles escénicos que, más allá del hálito descriptivo o radiográfico que impregna las imágenes, trascienden hacia las temáticas que obsesionaron a la inteligencia y sublime desmesura de su creador, la importancia de las máscaras y los espejos, la ilusión y el sueño, la efímera trascendencia… Sobre el particular, me quedo con la antológica secuencia del espectáculo del mago hipnotizador, cuando Cabiria se queda a solas, porque la cámara ya no muestra al público, y la voz del mago está en off, reproduciendo una aspiración del mayor voltaje romántico, que se va impresionando en el rostro de Giulietta Masina mientras la cámara juega a un delicado contraste de luces y sombras para alcanzar un auténtico remanso de belleza e intimidad. Cuando el mago chasquea los dedos, es la realidad la que abofetea a Cabiria, al igual que los espectadores que se ríen (incluso uno de ellos grita: “esto es una engañifa”), la que la hunde en la desolación, igual que Jorge al principio del filme y Oscar al final. Esa circularidad argumental, ese principio y final que dejan a Cabiria en la estacada, en la ruina material y emocional, es la triste coda de la que habla Fellini. La única posibilidad de redención para un paria se halla en la evocación, en el sueño, en la huida de la realidad, que se logra mediante el arte, mediante las luces mágicas del cinematógrafo y los sonidos mágicos de la música (la de Nino Rota es esplendorosa), como los acordeones y guitarras de aquellos sonrientes miembros de la farándula que, inopinadamente, logran sortear la lágrima llena de rimel que dominaba el rostro de Cabiria para iluminar, en plena penumbra, una sonrisa.

 http://www.imdb.com/title/tt0050783/

http://rogerebert.suntimes.com/apps/pbcs.dll/article?AID=/19980816/REVIEWS08/401010343/1023

http://www.salon.com/entertainment/movies/reviews/1998/08/06reviewa.html?CP=SAL&DN=110

http://www.sfgate.com/cgi-bin/article.cgi?f=/c/a/1998/07/31/DD69016.DTL

http://criterioncollection.blogspot.com/2006/01/49-nights-of-cabiria.html

http://oldschoolreviews.com/rev_50/nights_cabiria.htm

http://www.rottentomatoes.com/m/nights_of_cabiria/

Todas las imágenes pertenecen a sus autores

“There is no end. There is no beginning. There is only the infinite passion of life.”

Filmmaker Federico Fellini is quoted as saying that, words that really capture how I feel about life & the world, & all verdens ting;
the pun was not lost on my own little corner of the universe as a teenager, which I referred to as my “green room”, & was painted a dark shade of green the summer I was 16,
now I’m in the middle of being 21 & taking film classes in Santa Fe, New Mexico, U.S.A.

“Talking about dreams is like talking about movies, since the cinema uses the language of dreams; years can pass in a second and you can hop from one place to another. It’s a language made of image. And in the real cinema, every object and every light means something, as in a dream.” (Federico Fellini)

Brilliant. Time to talk about our Ten lists once more, so settle in for the long haul and try and keep up. Much discussion ensues as Sam tries to extol the virtues of Ingmar Bergman, praise the magical realism of Billy Liar and attempt to make sense of All About Lily Chou-Chou. John continues the theme, causing slight, though understandable, consternation with his uncensored views on Raging Bull and confessions of multiple tears during Schindler’s List. Tom rounds the night off in business-like fashion with praise for The 400 Blows, controversial dislike for the second half of Stalker and man-crushed love for Le Samourai.

Download The Movie Overdose Episode 40.5

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“La Dolce Vita,” Federico Fellini’s film that came to define the liberated era that inspired it, began with an impromptu striptease in a Roman trattoria fifty-one years ago. In November 1958, Peter Howard Vanderbilt threw the 24th birthday party for his friend, Venetian countess Olghina di Robilant at Rugantino.

The party was an uneventful until an Armenian dancer (and assumedly uninvited) Aïché Nana ran to the dance floor, started dancing by herself, pulling down her suspenders and stripping. The police commissar attending the party ordered his men to throw her out and made the photographers hand over their film. However, one of the photographers, Tazio Secchiaroli, held onto his photos of the striptease, and next morning Rome woke to the headlines about “Roman orgy at Rugantino’s”.

Thus was born the famous “orgy” sequence of La dolce vita, where Nadia Grey celebrated her divorce with a striptease scene. The role of paparazzo in the movie was inspired by Tazio. Although Fellini was not present at Rugantino, his star Anita Ekberg was. Today, Rugantino’s trattoria is transformed into a McDonald’s.

]]> http://kalzone.wordpress.com/2009/11/09/proprio-come-se-nulla-fosse-avvenuto/ Mon, 09 Nov 2009 09:58:13 +0000 kalzonepress http://kalzone.wordpress.com/2009/11/09/proprio-come-se-nulla-fosse-avvenuto/ http://movieoverdose.wordpress.com/2009/11/06/the-movie-overdose-40-5-the-top-ten-the-requel-the-results-show/ Fri, 06 Nov 2009 18:16:57 +0000 Sam Unsted http://movieoverdose.wordpress.com/2009/11/06/the-movie-overdose-40-5-the-top-ten-the-requel-the-results-show/

Brilliant. Time to talk about our Ten lists once more, so settle in for the long haul and try and keep up. Much discussion ensues as Sam tries to extol the virtues of Ingmar Bergman, praise the magical realism of Billy Liar and attempt to make sense of All About Lily Chou-Chou. John continues the theme, causing slight, though understandable, consternation with his uncensored views on Raging Bull and confessions of multiple tears during Schindler’s List. Tom rounds the night off in business-like fashion with praise for The 400 Blows, controversial dislike for the second half of Stalker and man-crushed love for Le Samourai.

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Aparecen ahora en MI SIGLO – encabezando el apartado Enlaces a mi obra – las cuatro entrevistas que Onda Cero ha tenido la amabilidad de proponerme hace pocas semanas preguntándome sobre mi trabajo periodístico y sobre mis tareas de corresponsal. La Radio ha querido titularlas respectivamente  ”Azorín”, “Fellini”, “París”y “Roma” y condensan algunas de las experiencias que he tenido la suerte de vivir como profesional. Escribo expresamente la suerte porque no siempre se encuentra uno en países y en épocas tan vibrantes de noticias. Yo he tenido esa suerte en Italia y en Francia, y cuando la suerte no ha venido hacia mí he ido yo hacia ella buscando aquello que más me interesaba, sin dejar de realizar, naturalmente, mi quehacer cotidiano de corresponsal.

Cuando se me pregunta qué entrevista o qué encuentro me dejó más impresionado siempre veo el rostro de Georges Pompidou a mi lado el 16 de junio de 1969. Un minuto antes era el candidato a la Presidencia de la República Francesa; un minuto después no era un hombre: era una nación. “Je suis la France“, pronunció en tono solemne, con el semblante cambiado. Cuando se me insiste sobre qué momento recuerdo con más intensidad viene hasta mí aquel despachito de Roma, en 1964, cuando el académico francés Jean Guitton me leyó emocionado parte del discurso que al día siguiente, a las 9 de la mañana, pronunciaría ante todo el Concilio y ante el Papa. Pero los recuerdos vuelan: me veo también sentado en un banco, a primeras horas de la noche de un día de junio de 1963, en la inmensa nave desierta de la Basílica de San Pedro, frente por frente a Juan XXlll muerto, escoltado sólo por la guardia suiza . Allí, en aquel banco, ante el cadáver del Papa, con la Basílica vacía de gentes, escribí la crónica periodística. Vuelan de nuevo los recuerdos y me veo igualmente, sentado en Roma, en 1964, ante el dramaturgo Diego Fabbri, en su despacho de Director de ”La Fiera Letteraria“, hablando de Pirandello, de Ugo Betti y de cómo Fabbri escribió “Proceso de familia“.

Esa puerta del despacho de Fabbri se abre a otras muy numerosas puertas, y cuatro años después, ya en París, escucho atentamente tanto a Gabriel Marcel  como a Robert Bresson. La puerta de los Estudios de Boulogne-Billancourt donde ví a Bresson y la puerta del despacho de Marcel en la rue Tournon abren paso también a otros pasillos y  a otros butacones desde donde, ya en Madrid y años más tarde, observo la sortija en las manos de Mujica Láinez, la imponente altura de Cortázar, los ojos tras las gafas de Onetti, el acento de Luis Rosales. Muchos de estos encuentros están ya en los libros, otros en MI SIGLO, otros algún día aparecerán. Haber encontrado a tales rostros no tiene más mérito que el de la curiosidad intelectual. Uno ha ido desde niño detrás de los autores, subrayando sus obras, interesado por las labores del espíritu. Uno se ha colocado entre los bastidores de la creación – en el taller de Pablo Serrano, cruzando descampados con Juan Barjola - y allí ha notado qué bien se está entre esos bastidores, entre dos luces, contemplando de reojo el patio de butacas. Avanza ante las candilejas el pintor, el escritor, el sabio, esperando los aplausos, esperando las críticas, sin apenas darse cuenta de que está haciendo Historia.

(Imágenes.-1.-Roma.-por Richard Estes.-artnet/ 2.-París.-por Félix Hilaire Buhot.-Zygman voss Gallery.-artnet/ 3.-París.-por Jules Aarons.- flickr)

El martes 17 de noviembre en el Jeu de Paume, de 19h a 20h30, el cineasta Dominique Delouche, presenterá su libro Mes Felliniennes Années (P.A.S.).

Um Dia, Um Gato (Az Prijde Kocour, Vojtech Jasný)

Vidas Secas / Boca de Ouro (Nelson Pereira dos Santos)

Fugindo do Inferno (The Great Escape, John Sturges)

O Desprezo / Viver a Vida / O Pequeno Soldado (Le Mépris / Vivre Sa Vie / Le Petit Soldat, Jean-Luc Godard)

Charada (Charade, Stanley Donen)

Os Malditos / O Criado (The Damned / The Servant, Joseph Losey)

Paixões que Alucinam (Shock Corridor, Samuel Fuller)

O Chicote e o Corpo / As Três Máscaras do Terror / Olhos Diabólicos (La Frusta e il Corpo / I Tre Volti della Paura / La Ragazza che Sapeva Troppo, Mario Bava)

8½ (Federico Fellini)

A Casa é Escura (Khaneh Siah Ast, Forugh Farrokhzad)

Nota: Para manter viva esta série, agora não há mais anotações bobas, nem numeração, nem grau de importância pessoal, são só filmes que muito me apetecem por um motivo ou outro. Só não vale passar de 10.

Pais: Italia
Año: 1954
Género:  Drama
Duración: 94 min.
Dirección: Federico Fellini
Guion: Tullio Pinelli & Federico Fellini
Música: Nino Rota
Producción: Ponti de Laurentiis

Reparto:
Giulietta Masina, Anthony Quinn, Richard Basehart, Aldo Silvani.

Descripción:
Cuando muere el padre de Gelsomina, su propia madre la vende a un artista ambulante, Zampanó. Pese al carácter violento y agresivo de éste, la muchacha se siente atraída por ese estilo de vida en la Strada (la calle, en italiano), sobre todo cuando su dueño la incluye como parte de su espectáculo. Pese a que varios de los pintorescos personajes que se encuentra por el camino le ofrecen que se una a ellos, Gelsomina demostrará su fidelidad a Zampanó hasta los límites de su voluntad.

Críticas:
1956: 1 Oscar mejor película extranjera

Ganó el Oscar a la mejor película extranjera y fue nominada al Oscar al mejor guión. Obtuvo el León de Plata de Venecia al mejor director y el Silver Ribbon (Nardo d’Argento) al mejor director y al mejor productor.

La acción tiene lugar en Italia en los primeros años de la Posguerra. Narra la historia de una muchacha, Gelsomina di Constanzo (Giulietta Masina), vendida por su madre a un forzudo actor de circo, Zampanó (Anthoy Quinn), que la trata con rudeza, agresiones verbales y abusos. Ella lo soporta todo con resignación, mientras huye de la realidad a través de sus sueños. En un circo coinciden con un funambulista (Richard Basehart), alegre, jovial, excéntrico, amable y respetuoso, que entabla amistad con Gelsomina y provoca los celos de Zampanó. La película se centra en la descripción de dos pesonajes contrapuestos, unidos por el azar, que viven en un carromato montado sobre una vieja motocicleta. Él se gana la vida haciendo un número circense de fuerza: es presuntuoso, agresivo, irascible y bravucón. Ella, mucho más joven, es sencilla, inocente, ingenua, generosa y pacífica, pese a que su vida está marcada por la violencia. Cuando nace en ellos un atisbo de amor, éste no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación, desarraigo y miseria, que se enmarca en la visualización de la pobreza de Italia tras la II GM. La tragedia de los protagonistas y de quienes les rodean, es narrada con un lirismo sorprendente y con toques de humor. La asociación de poesía y tragedia constituye el rasgo más sobresaliente del film. La playa es el lugar de encuentro, recreo, refugio y despedida, en el que los personajes buscan ayuda, reposo, trabajo y amor.

La música es de Nino Rota, colaborador habitual de Fellini y de Coppola en “El Padrino” (I y II). La melodía central presenta una progresión sorprendente: Gelsomina la balbucea fragmentariamente al principio, la completa gracias al funambulista (que la interpreta con un violín de miniatura), la repite con la trompeta de Zampanó y al final suena en formato orquestal, de recuerdo y homenaje. La fotografía extrae del rostro de Masina expresiones antológicas, en tomas tan expresivas como fugaces. Presenta numerosos travellings que subrayan el sentimiento de estar siempre en camino hacia un destino incierto y sin fin. La interpretación de los protagonistas es soberbia. Masina tenia 32 años cuando hizo el papel de Gelsomina, de menos de 20. El guión define los personajes principales y permite penetrar en su interior. La dirección crea una obra sólida, equilibrada, desgarradora y tierna, que cautiva y eleva el espíritu.

Una de las mejores obras de Fellini. En la lista del crítico John Kobal ocupa la posición 83 entre las 100 mejores películas.
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Toda la belleza del mundo
Un poeta checo definió con esta expresión la evocación de la Juventud. Cuando se pierde para siempre es cuando confluye en ella, en su recuerdo, toda la belleza que existe. Desde que lo leí ansié apropiarme de este título para escribir un texto.

La capa de Mefistófeles le mostró a Fausto todos los prodigios del mundo. Fue un gran viaje y Goethe llegó hasta la misma frontera del ingenio humano para hacer su crónica. Son palabras torrenciales y graves, pensadas para espíritus astrales, más que para simples humanos. Si una palabra escrita es un árbol inmortal, “Fausto” es un gigantesco bosque de secuoyas.

Pero yo creo que toda la belleza del mundo también puede concentrarse en algo más pequeño. Tan minúsculo que puede pasar toda una vida sin que lo veamos; mucho más pequeño que un poema épico o que un bosque de árboles gigantes; por ejemplo, una canción; por ejemplo, un verso de una canción; por ejemplo, una sola palabra de ese verso.

¿Es posible? ¿Es posible, además, que esté a nuestro lado sin advertirlo? ¿Y es posible, en ese caso, que alguna vez nos demos cuenta?

Desde que hace muchos años vi “La Strada”, creo que lo es.

¿Hay alguna forma de ver, de comprender que la cosa más insignificante del mundo contiene toda su belleza? ¿Cuál es la fórmula secreta, el conjuro mágico que nos haga abrir los ojos? La respuesta no la doy yo, sino Zampanó, Perderla para siempre.
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GIULETTA MASINA SERÁ SIEMPRE GELSOMINA
Sé que me será dificil volver a ver a Giuletta Masina sin recordar a Gelsomina. Hay papeles e interpretaciones que marcan, Charlton Heston siempre será Ben-Hur, Kirk Douglas siempre Espartaco e innumerables más. Y ¿Porqué no? Anthony Quinn tiene todos los números para ser un eterno Zorba el Griego.
Dicho esto y reiterando que La Strada es por encima de todo Gelsomina, quiero romper una lanza en favor de ese binomio absolutamente creíble Quinn – Zampanó. Anthony Quinn le da vida al personaje. No le da una vida maravillosa, no es una vida culta, no es una vida fácil… No. Nada de eso. Le da la vida que exige el guión. La existencia de quien no sabe hacer otra cosa, la existencia que sobrevive, que lucha, que no se acompleja ni amilana, que responde a la provocación con violencia.
En algunas críticas que leí lo califican de tirano. Pero un tirano sabe que lo es. Y Zampanó solo sabe que ha vivido así siempre y que no hay otra forma de vivir. Únicamente, en un final tan previsible como inevitable, la nostalgia y los recuerdos “humanizan” (desde mi punto de vista) al personaje.
En cierta medida me recuerda al Padre Padrone de los Taviani condenado a ser como es.
Por último, citar a Fellini, un Fellini que como siempre pone en celuloide su universo. Pero quizás este universo felliniano sea aquí el mismo universo de una Italia que trata de encontrar un futuro al mismo tiempo que sobrevive.
¡Ah! Y siempre, siempre, siempre… la música de Nino Rota, esa música eterna que nos transporta y nos hace sobrevolar esa Italia carnavalesca y felliniana con personajes absolutamente entrañables como éstos.

Datos técnicos:

Tamaño:  1,64 Gb
Duracion: 01:43:10
Vídeo codec: Xvid (doble pasada)
Resolución: 640 x 480
Bitrate: 1822 Kbps.  Qf: 0.237
Audio codec: 0×2000(AC3, Dolby Laboratories, Inc) AC3
Bitrate Castellano/Italiano: 48000Hz  224 kb/s (1 chnl)
Subtítulos : [Castellano]

Capturas:

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P R O X I M A

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Dear B.G.:

Has Glenda Jackson returned to the screen? The last I heard she had retired to work full time as the Labour Member of Parliament  for the constituency of  Hampstead and Highgate in the London. But I recently caught a glimpse of her, or at least I think it was her, in a movie trailer with Daniel Day Lewis. What is the movie? And why haven’t I read about her comeback? -- Curious in Kelowna

Dear C.I.K.:

Ms Jackson is still lobbying for her British constituents and as far as I know has no immediate plans to return to the screen. The actress with the striking Touch

NINE: It's Judi, not Glenda

Of Class bob in that movie trailer is the inimitable Dame Judi Dench, who may be channeling Glenda, for all we know. And you’re right, it is Daniel Day Lewis. The movie is directort Rob (Chicago) Marshall’s screen version of the Broadway musical Nine, which of course was the stage version of Federico Fellini’s 8½. So Day Lewis is playing a role originated on screen by Marcello Mastroianni and on stage by Raul Julia (and most recently Antonio Banderas.) And in the movie the key women in his life are played by Sophia Loren, Nicole Kidman, Penelope Cruz, Marion Cotillard, Kate Hudson and Ms. Dench. Anticipated as a spectacular gift to fans of movie musicals, Nine is scheduled to open here on Christmas Day.

Dear B.G.:

Is it true that Michael Ondaatje’s latest novel Divisadero is being made into a movie? And if so when will it open? – Ondaatje disciple Benjamin K.

Dear B.K.:

I won’t be surprised if Divisadero eventually reaches the big screen.  In the meantime, the Necessary Angel theatre company, director Daniel Brooks and

BALABAN: next weekend

the author himself are rethinking his novel as a play, with a view to a 2010/2011 opening with subsequent touring. Title of the stage production is When My Name Was Anna, and you don’t have to wait to 2010 to sample it. Next weekend Liane Balaban, Maggie Huculak, Tom McCamus and Amy Rutherford are set to appear in three work-in-progress presentations of When My Name Was Anna, directed by Brooks, at Theatre Passe Muraille’s Mainspace. For more information, click here.

Dear B.G.:

I saw a Broadway musical a few years ago called 10 Million Miles. It didn’t last very long, and we didn’t keep the Playbill, but I’m sure

10 MILLION MILES: guess who?

the male lead was Justin Timberlake. My wife saw your blog about Glee and says the male lead was the guy who plays the teacher, Matthew Morrison. Can you settle this domestic dispute? -- Hoping I’m Right

Dear H.I.R.,

Sorry, you lose. 10 Million Miles is one of several Broadway shows, including Hairspray and South Pacific, in which Matthew Morrison appeared. But he did have a Timberlake look about him in that show, so don’t beat yourself up too badly. Morrison, who is also a rapper and a beat box hoofer, loves performing on stage for a live audience. But he’s equally passionate about Glee, and with good reason. “More people saw the pilot of Glee,” he notes, “than saw me in the entire ten years I was on Broadway.”

Dear B.G.:

Did I miss the Gemini Awards? I read somewhere that Geminis were handed out in Toronto this month, but I was sure that this year’s show was supposed to be in Calgary. What happened? – proud Canadian TV addict

Dear P.C.T.A.:

Yeah, it does get confusing at times. Fear not, you haven’t missed the boat – or the show, for that matter.  The 24th Annual Gemini Awards Broadcast Gala is just two weeks away, and will be broadcast live on Global and Showcase at 9pm

MONTEITH: Calgary-bound

ET/PT Saturday November 14 from the BMO Centre in Calgary. Presenters flying in to Alberta for the show include Hugh Dillon (Flashpoint,) Erin Karpluk (Being Erica,) Jessica Lucas (Melrose Place,) Amber Marshall & Graham Wardle (Heartland,) Mark McKinney (Less Than Kind,) Cory Monteith (Glee,) George Stroumboulopoulos and Rick Mercer. Host for the evening is Ron James, who BTW has two Gemini alumnus on his show tonight: Eric Peterson (Corner Gas) and Deb McGrath (Little House On The Prairie.) So don’t forget to set your PVR.

Have a great weekend!

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Kappler (Christopher Plummer): Che cos’è Roma? Tutta la sua grandezza è passata! Tutto ciò che resta è una cartolina, un cortile da ricreazione per cavalli e preti!

tratto dal film The scarlet and the black di Jerry London (1983)

Zenobia (Anita Ekberg): A Roma il clima è dolce come un’eterna primavera.
Marco Valerio (George Marchal): No a Roma no, dove regnano la corruzione e l’intrigo!
Nel segno di Roma di Guido Brignone (1959)

Il gerarca fascista (Eros Pagni): Nessuna cosa al mondo l’è maggiore di Roma: mollezze, tradimenti, sudiciumi, quanti ne nascondi, eh? Roma la capitale… Si, sette colli pieni di merda e di vipere!
Film d’amore e d’anarchia di Lina Wertmuller (1973)

Un cinematografaro: Ahò! Si vedi ‘a gente che lavora nun è RRoma!
Roma di Federico Fellini (1972)

Il Giudice (Fernando Rey): E poi io questa città la odio. Sono tutti falsi, cinici, traditori.
Corruzione al palazzo di giustizia di Marcello Alipandri (1975)

Il gigolo (Warren Beatty): Questa città ha tremila anni, e ognuno dei suoi conquistatori è ritornato nella polvere.
La primavera romana della signora Stone di Josè Quinterno (1961)

BiBi (Claudio Gora): Si può andare in ogni città e ognuno resta quello che è: il genovese un genovese, il fiorentino un fiorentino; a Roma, invece, dopo tre giorni si diventa tutti romani!
Il sorpasso di Dino Risi (1962)

Ognuno si guardi attorno e guardi se stesso, e vedrà la grandezza di Roma!
La caduta dell’impero romano di Anthony Mann (1964)