Avis aux cinéphiles: “L’Enfer d’Henri-Georges Clouzot” de Serge Bromberg et Ruxandra Medrea vous emmènera au paradis. Plus qu’un documentaire, le récit de ce film mythique inachevé se laisse voir comme une expédition archéologique aux multiples rebondissements, avec au centre d’un mystère du passé, un grand réalisateur perdu dans les méandres de la créativité artistique: Henri-Georges Clouzot…

Henri-Georges Clouzot est en 1964, un réalisateur de talent confirmé, un des grands du 7ème art Français. “Le salaire de la peur”, “Le Corbeau” & surtout “Les Diaboliques”, c’est lui. Il est surnommé le Hitchcock français & malgré sa réputation de réalisateur difficile, les stars rêvent de travailler avec (pour!) lui. Lorsqu’il engage Romy Shneider, LA star incontournable de l’époque, tout le monde prédit un chef d’oeuvre. Mais au bout de quelques semaines de tournage houleux, des équipes & des acteurs qui déclarent forfait, Clouzot victime d’un infarctus, L’Enfer est abandonné…

Serge Bromberg & Ruxandra Medrea ont eu la chance d’avoir accès aux pellicules tournées en 1964 & gardées par la veuve de Clouzot: dans les 15 heures de bobines de film, est la clé du mystère de L’Enfer & de son infernal réalisateur.

Leur documentaire qui au début semble de facture assez classique, mêle très habilement la quête d’un Graal cinéphile à ce qu’aurait pu être le film de Clouzot. Les images sublimes qu’ils dévoilent, révèlent un réalisateur fou obsédé par la révolution cinématographique qu’il voulait créer. L’histoire, somme toute, assez banale d’une jalousie maladive d’un homme à l’égard de sa femme, est conçue comme une expérience visuelle, sonore, profondément organique. Clouzot n’hésite pas à commander à ses équipes des centaines d’expériences visuelles avec des caméras, des lentilles, des effets cinétiques, puisant dans l’art contemporain pour illustrer et ressentir au mieux sa conception de la folie. Le scénario de “L’Enfer” est filmé en noir et blanc mais dès que le mari interprété par Serge Reggianni se laisse aller à ses crises de jalousie, le monde bascule en couleurs saturées et éclatantes. Sa femme jouée par Romy Shneider, devient une femme caméléon, sensuelle, provocatrice, sublimée par des effets visuels inédits pour l’époque & toujours aussi impressionnants de beauté plastique aujourd’hui.

Suivre la construction du film à travers ses préparatifs, puis découvrir les images inédites montées chronologiquement comme s’il s’agissait d’un film, procure un plaisir indéniable. On suit une enquête “cinéphile-policière” qui retrace des événements depuis longtemps oubliés, entrecoupée par moments par les interventions de certains témoins de l’époque, de l’équipe du film “maudit”. On essaie de percer le mystère Clouzot qui est habité par son imaginaire débordant et torturé, son perfectionnisme troublant & mystérieux. S’est-il laissé aller à la dérive à cause de ses démons (il avait sombré dans une dépression suite au décès de sa 1ère épouse)? Ou voulait-il se réinventer face aux nouveaux talents émergents de l’époque (Fellini, Truffaut, Godard…)?

L’enquête se révèle à la fin infructueuse et le doute et la frustration se font sentir longtemps après la projection. Mais les 2 détectives-documentaristes auront offert au spectateur la vision d’une magnifique et vénéneuse descente aux enfers…

Por Clara Jiménez Cruz

Aunque desgraciadamente la película de Michael Haneke que ganó la Palma de Oro en Cannes no llegará a España hasta enero de 2010 yo he tenido la oportunidad de verla este fin de semana en la ciudad natal de Robin Hood en la que me encuentro, y de ella os voy a hablar.

La voz de un anciano nos cuenta, poco a poco, la historia de un pequeño pueblo del norte de Alemania en 1913. Un pueblo en el que, antes del estallido de la guerra, una serie de hechos extraños tienen lugar sin que se pueda encontrar un responsable para los mismos. El médico cae de su caballo y es gravemente herido al tropezar con un misterioso hilo de metal que más tarde la investigación policial es incapaz de encontrar; el hijo del barón es apaleado y colgado bocabajo en un pajar sin que se pueda encontrar responsable ni motivo; un niño con síndrome de Down es también apaleado y dejado prácticamente ciego en medio del bosque.

Esa voz que nos guía resulta ser la del profesor del pueblo, un joven interpretado por Christian Friedel que conforme se van desarrollando los hechos intenta buscarles un sentido y, al igual que el resto del pueblo, un culpable. Pero la violencia de estos hechos no encuentra explicación alguna, y, como en un momento dice la baronesa, la envidia y la malicia que corroen el lugar impiden que sea un buen sitio para ver crecer a sus hijos. Y quizás sea esa maldad, ya palpable en 1913, la que hace que un profesor que ha sobrevivido a dos guerras mundiales en su propio país nos hable de ella, y de la imposibilidad de paz en una Alemania en la que la violencia en casa es incluso más importante que aquella que se llevó a cabo después de la muerte del archiduque en Sarajevo.

A lo largo de toda la película, rodada magníficamente en blanco y negro, sentimos una tensión muchas veces inexplicable  que emana de lo que vemos, pero sobre todo de lo que no vemos, y que se masca entre los personajes y los hechos, y también entre el público, puesto que todos queremos acusar a los inacusables. Esto junto con la continua presencia de la muerte que nos sobrecoje a cada plano, porque está implícita en cada imagen, en cada personaje, en cada acción; es lo que nos hace removernos en el asiento, incómodos ante lo que estamos viendo, y, una vez más, lo que no vemos.

Es ese lazo blanco que el pastor pone a sus hijos cuando hacen algo mal para recordarles la importancia de la pureza el que nos recuerda la continua lucha de una sociedad entre lo que son y lo que aparentan ser, entre esa creencia religiosa de lo puro y las acciones que son luego llevadas a cabo por todos: los que predican, y los que no.

Assisti o filme Orfeu Negro do Marcel Camus ainda criança. Revi agora e chorei feito criança, de novo. Saudosismo sim. Saudade de como éramos crianças felizes naquela pobreza mansa dos anos 50/60, na otimista virada do pós guerra.

Só pelo jeito diferente, leve, livre e solto – quase a voar como passarinhos – como a gente sambava dá pra ver como éramos felizes e não sabíamos.

Se você não se emocionar é porque já embruteceu de vez, neste Brasil estúpido em que nos tornamos, deixando crianças morrerem pelas ruas como pardais doentes.

[Ho pubblicato il seguente articolo su Vivilcinema Numero 3 (maggio-giugno 2009) col titolo 'Ombre di nero' all'interno dello Speciale Festival di Cannes 2009 (Vivilcinema è il Bimestrale d'informazione cinematografica edito dalla FICE, Federazione Italiana Cinema d'Essai). Lo pubblico su Blaluca in occasione dell'imminente usicta italiana, questo venerdì 13 novembre, del nuovo film di Pedro Almodóvar 'Gli abbracci spezzati' ('Los abrazos rotos'). Ai tempi dell'articolo - pubblicato mentre l'ultima edizione del Festival di Cannes era in pieno svoglimento -, come leggerete, l'uscita del film era prevista per i primi di Ottobre. Su Blaluca avevo già parlato de 'Gli abbracci spezzati', qui]

Da mesi in Spagna si dibatte sulla crisi del cinema nazionale. Nel pieno di questa discussione una coppia di registi di media fama, Alfonso Albacete e David Menkes, con Mentiras y gordas è riuscita nell’impresa che il nuovo film di Pedro Almodóvar, Los abrazos rotos, ha mancato: riportare il cinema spagnolo in vetta alle classifiche, sopra i colossi americani, incassando oltre 1,7 milioni di euro solo nel primo week-end di programmazione. Uscito lo scorso 18 marzo nelle sale iberiche e in arrivo in Italia ai primi di ottobre con distribuzione Warner Bros, il dramma dalle tinte noir e pop del regista di Donne sull’orlo di una crisi di nervi e Parla con lei, nel suo primo fine settimana in patria si è fermato al secondo posto nella classifica degli incassi; questo nonostante abbia speso una somma quattro volte superiore a quella impiegata da Albacete e Menkes. Ma la formula “vincente” di Mentiras y gordas non è rassicurante: i due registi hanno assoldato un gruppo di attori giovani, belli e già di successo grazie a varie serie tv (tra cui ‘Los Serrano’, che ha ispirato ‘I Cesaroni’) e li hanno portati sul grande schermo con una storia di sesso, droga e musica house; un film furbo, che ammicca in varie direzioni, mal recitato, raffazzonato e soprattutto modesto. Almodóvar, nonostante una massiccia campagna promozionale spinta dalla presenza nel film della prima attrice spagnola a vincere un Oscar, Penelope Cruz (alla sua prima uscita ufficiale dopo lo storico riconoscimento), ha subìto il tradimento di parte del pubblico spagnolo. Ma il suo pubblico per lo più non coincide con quello di Mentiras y gordas. Cosa è accaduto quindi?

Il motore narrativo de Los abrazos rotos, film marcato dalla presenza a più livelli del cinema nel cinema, è una storia d’amore osteggiata e passionale. Il personaggio messo in scena da Penelope Cruz, Lena, è uno dei due amanti in questione e incarna la tanto annunciata tinta noir del film: l’evoluzione del suo rapporto di riconoscenza e convenienza con un uomo facoltoso e molto più attempato di lei (Ernesto Martel, ben interpretato da José Luis Gómez) riprende alcune situazioni tipiche del filone noir, su tutte quella in cui la figura femminile vuole sottomettere il proprio compagno per liberarsi e appianare il corso della relazione con un altro uomo, il vero amore (ma questa ripresa in chiave moderna della dark lady avviene in maniera timida). Lena e il suo tragico destino muovono l’intera vicenda e a piccoli passi rivelano il passato del protagonista, Mateo Blanco, il suo amante, un regista cinematografico disilluso e non vedente interpretato da Lluís Homar. Lena è una protagonista in disparte: la sua sfuggente presenza ha creato, anche indirettamente, delle ombre nella vita degli altri personaggi, e queste delimitano il territorio noir del film. Il confine con questo noir, che non si affranca dalla condizione di ospite in casa di un altro film, è per lo più occupato da una sgargiante estetica pop tipica di Almodóvar, che si rende omaggio e fa autoironia mettendo in scena Chicas y maletas, film nel film (in cui la presenza in scena del rosso, già degna di nota nella storia “reale”, diventa ossessiva) e causa dell’incontro tra i due amanti. Così l’accostamento di noir e pop in più frangenti stride ma non dà mai vita a un vero e proprio conflitto stimolante, anzi produce una stonatura che sa di una scelta a metà, per cui alla fine si può parlare tout court di un film drammatico – Almodóvar ha curiosamente insistito parlando di noir. Per sbancare, Los abrazos rotos aveva bisogno di una dose di furbizia spudorata come quella di Mentiras y gordas; per esempio il regista manchego è perspicace nell’individuare le figure dei due personaggi giovani nel film, ma poi la loro descrizione sembra ancora una volta figlia di una scelta moderata. Pedro Almodóvar quindi in tempo di crisi non ha ceduto alla mercificazione del cinema come i registi di Mentiras y gordas, ma il suo pubblico si è sentito tradito quando non ha trovato in questo film tracce significative del suo radicalismo, della sua capacità e forza di provocare e spiazzare.
In questi giorni la presenza de Los abrazos rotos nel concorso del Festival di Cannes (affiancato, fuori concorso, dall’ambiziosa nuova produzione di Alejandro Amenábar, Ágora) rappresenta la speranza più concreta per il lancio internazionale del film e, magari, per un rilancio in patria. A priori però, e preventivamente proprio lo scorso 18 marzo, il Nostro ha fatto sapere che il suo prossimo film sarà una commedia aggiungendo, solo due giorni dopo, che non era sua intenzione assumersi la responsabilità di risollevare il cinema spagnolo.

Morreu na madrugada deste sábado (7) o ator e diretor de cinema Anselmo Duarte, de 89 anos. Duarte estava internado no hospital desde o último dia 28, após ter tido um acidente vascular cerebral, e morreu à 1h30.

Anselmo Duarte foi um dos mais prestigiados cineastas brasileiros. Com o filme “O Pagador de Promessas” (1962), ele foi premiado no Festival de Cinema de Cannes com a Palma de Ouro – a única concedida a um filme brasileiro.

Duarte será enterrado no domingo (8) em Salto, a 105 km de São Paulo, onde ele nasceu. O sepultamento deve ocorrer amanhã.

Há muito tempo gostaria de ter postado esse vídeo.  Ele é apenas um vários outros filmes que compõem  uma grande campanha contra o racismo. Até aí tudo bem, nada de novo né? Só que esse realmente foi feito com pouquíssimos recursos, pra não dizer que foi de graça. O vídeo me encantou pelo conceito impactante e direto e é tão bom que se nós pensarmos um pouco, poderíamos criar também vários vídeos adotando o mesmo conceito para as mais diversas realidades.  O ator é tão bom, mas tão bom, que não sei nem se é ator de verdade (hehehe). A interpretação perfeita e a forte mensagem no final te remonta aos tempos de infância, quando nada mais importava e, esse tal de racismo era apenas uma palavra sem sentido. Sem mais delongas, deixo vocês com Tan Hong Ming:

Ps: Ouro no Festival de Cannes 2008

Versão sem legenda:

Versão com legenda:

Réalisé par Michael Haneke
Avec Christian Friedel, Ulrich Tukur, Michael Kranz
Film autrichien, allemand. Genre : Drame
Durée : 2h24 min. Année de production : 2009

On ne présente plus Michael Haneke, réalisateur multi-récompensé (il est un habitué de Cannes!) à l’oeuvre controversée, parfois violente, souvent dérangeante…mais toujours fascinante.  Il se dégage de la plupart de ses films une élégante cruauté, à l’égard de ses personnages (La Pianiste) ou de ses spectateurs (Funny Games). Voir un film de Haneke équivaut aussi quelque part, à voir un chirurgien effectuer une dissection minutieuse & précise; sa mise en scène, à l’image d’un scalpel tranchant, n’est que rigueur et précision implacable.

“Le Ruban Blanc”, son dernier film auréolé de la palme d’or au dernier festival de Cannes, ne déroge pas à la règle. A l’aube de la 1ère guerre mondiale, un  petit village en Allemagne  vit d’étranges accidents & méfaits qui ne cesseront d’augmenter en violence, plongeant une petite communauté rigoureusement pieuse dans un grand désarroi. La chute de cheval du médecin, puis la mort accidentelle d’une paysanne précipitent violemment les habitants dans une spirale, de suspiscion, de peur et de violence. 

Telle une ombre furtive, Haneke promène insidieusementt sa caméra dans le village & observe calmement l’hypocrisie, les névroses et les perversions cachées sous le vernis de la piété de ce petit microcosme. A travers des silences pesants, des regards coupables & furtifs, il met à nu une communauté qui se croit protégée du mal grâce à son rigorisme religieux. Le film se révèle d’autant plus inquiétant & oppressant qu’il n’épargne pas le dernier symbole possible de l’innocence: les enfants du village ne sont pas étrangers à tous les évènements qui terrorisent leurs aînés.

On pense un peu à “Dogville” de Lars Von Trier, devant ce même pessimisme affiché face à la (supposée vraie ) nature humaine; Par contre, là ou Von Trier choisit la théâtralité & la provocation dans son propos, Haneke préfère l’observation naturaliste distanciée & objective. Une manière de rendre son propos plus pertinent et plus palpable… On pense aussi un peu au “Village des Damnés” (et ses nombreux remakes) qui mettait en scène d’étranges enfants meurtriers, symboles de la transmission d’un “mal” implacable et inéluctable dans nos sociétés modernes.

Le récit s’arrête juste au début de la 1ère guerre mondiale, après l’assassinat de l’archiduc François-Ferdinand, comme une sorte de prémonition lugubre des atrocités à venir… Si la somptueuse photographie en noir et blanc du “Ruban Blanc” sert à ancrer le récit dans cette époque charnière de l’histoire, elle finit étrangement par conférer au film un voile d’intemporalité, voire presque d’actualité, qui, longtemps après la projection, glace le sang…

Sinopse: Durante a Segunda Guerra, na França ocupada pelo exército alemão, a jovem Shosanna Dreyfus (Mélaine Laurent) testemunha a execução da família pelo coronel nazista Hans Landa (Christoph Waltz). Porém, ela consegue escapar e passa a viver sob a identidade de uma proprietária de cinema em Paris, enquanto aguarda o momento certo para se vingar. Ainda na Europa, o tenente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza um grupo de soldados judeus para lutar contra os nazistas. Conhecido pelo inimigo como Os Bastardos , o grupo de Aldo recebe uma nova integrante, a atriz alemã e espiã disfarçada Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), que tem a perigosa missão de chegar até os líderes do Terceiro Reich. (Yahoo! Cinema)

Lendo a sinopse, vendo o pôster ‘manchado’ em vermelho ao fundo e sabendo que o filme é uma obra concebida por Quentin Tarantino, já dá para imaginar mais ou menos alguns artifícios que ele vai usar: muito sangue, violência, diálogos quase indigestos, sarcasmo… É o jeito Tarantino de fazer cinema.

O filme é excelente e deliciosamente vingativo. Bastardos Inglórios é a coroação de Tarantino como gênio. Mesmo se tratando de uma obra totalmente ficcional, depois desse filme, não tem mais sentido ser feito outro filme sobre nazismo/Segunda Guerra. Meus amigos do Salada Cultural (Twitter: @saladacultural) me disseram que o diretor planeja um “Bastardos Inglórios 2″, o que eu acho totalmente descabido. Fiquei extremamente satisfeito com o que eu vi e Bastardos Inglórios deveria ser obra única, sem continuações. Mas como o cinema é uma indústria e os investidores do filme devem ter ficado bem contentes com o retorno financeiro que Bastardos deu… Entretanto, ele não supera Pulp Fiction. Se colocássemos as obras de Tarantino sobre uma régua, os bastardos ficariam milímetros atrás da produção vencedora em Cannes de 1994.

O longa é apresentado em capítulos (outra marca pessoal do diretor), o que torna o filme bem didático. E de onde, pelo amor de Deus, ele tira aquelas músicas? Contundentes e marcantes. Tão boas quanto a trilha da saga de Kill Bill. A inspiração para elas sabemos que tem a ver com o faroeste de Sergio Leone…

A trama, muito inteligente e super bem amarrada e definida, aposta muito nos atores. Deve ter sido por isso que o diretor escolheu a dedo cada um com quem trabalharia. Eli Roth, que é parceiro de Tarantino já há algum tempo, interpreta um militar sádico (todos são, diga-se de passagem, mas ele merece um destaque especial) que gosta de esmagar a cabeças dos soldados alemães com um bastão de beisebol! Totalmente perturbado! Muito interessante a vivência dada ao personagem. Mas, outros dois que merecem que as luzes dos holofotes caiam sobre eles, são mesmo Brad Pitt, que interpreta o tenente Aldo Rayne, comandante do grupo dos bastardos, e Christoph Waltz (no papel de Hans Landa, oficial da SS, que “caçava” judeus) . Pitt brilhou com seu personagem caricato, bem americano, do interiorzão mesmo… Destaque para uma cena em que ele tem que falar em italiano com Landa, obviamente disfarçado, num cinema onde aconteceria a première de um filme nazista. Já Waltz merece uma resenha à parte por sua interpretação e merece também ser indicado ao Oscar de melhor coadjuvante. E ganhar, claro.

De uma maneira geral, Bastardos Inglórios segue a sina do diretor: violência e sangue. Mas, para ilustrar de uma maneira bem simples o que é o cinema de Tarantino, veja o que aconteceu comigo na sala de projeção: quando escalpos dos soldados alemães eram retirados, um cara sentado ao meu lado disse que iria embora e que não se conformava em ter pago pra ver aquilo (mas ele acabou ficando). Durante a mesma cena, uma moça, do meu outro lado, rui e disse “Gente, não acredito nisso!”, como se estive extasiada pelo o que estava vendo. Muitos criticaram duramente Tarantino por achar que o cinema é o “quarto de brinquedos” dele e que já está na hora dele tomar um outro rumo. Desculpe-me, mas são tolos os que pensam assim. Ele tem público alvo e cativo, e que cada vez aumenta mais. Que ele continue assim pra sempre por um bom tempo…

Bastardos Inglórios (Inglorious Basterds), distribuído por Universal Pictures, um filme de Quentin Tarantino, roteiro de Quentin Tarantino, com Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Jacky Ido, B.J. Novak, Omar Doom, August Diehl, Denis Menochet, Guerra, 153 min, inadequado para menores de 18 anos.

Por Francesca Aldrich

Señores y señoras, qué decepción más grande. Después de ver a Max Minghella caracterizado como un vengativo esclavo llamado Davo, cuyo única religión real era su amor por Hipatia, verle en persona tan poquita cosa y hablando con tan poco léxico pues me ha puesto triste. Qué decir de Oscar Isaac, representado en la carisíiiisima película de Amenábar como Orestes, cuyo papel representa el otro vértice de la ciudadanía privilegiada de aquella época de Alejandría, la del poder político, también a su vez locamente enamorado de Hipatia, pero más de su inmenso cerebro, y no tanto su físico como Davo. También, este chico de mezcla de sangre tan exótica y tan mediterráneo, decepciona en el cara a cara. Debían estar cansados, o hartos, o algo. Les saludé como tengo costumbre, y también me han enseñado mis padres, con una apretón leve de manos. Y yo, que sufro de nervios y a veces, pues sí, me transpiran un poco las manos (cosa de gente de pueblo, según se dice en Andalucía), en esta ocasión a los chicos eran aún peor. La cuestión es que no hacia calor en la habitación del Villamagna donde me recibieron, pero estaban, por alguna razón, inquietos y sudorosos. Nada excitante.

Y, dicho sea de paso, también me ha dejado fría la película de nuestro genio cinematográfico de origen español (¡Viva España!, ya que hoy es 12 de Octubre). Tanto se está hablando de lo que ha costado (la película, digo), 50 millones de euros, la cinta más cara del cine español (hasta ahora era Alatriste con 20 millones, que tengo que decir que parece que le faltaron, a Amenábar y amigos, tal vez un millón más para rematar la película. Ya se quejaron los espectadores en Cannes, donde se estrenó, de que era muy larga. Y, tomando la crítica constructivamente, Amenábar acortó 15 minutos el metraje, dejándola en 141. Bueno, algo es algo. Esta vez sí que escuchó, e incluso no compuso la música, dejándosela a Dario Marianelli, con gran acierto.

Pero aun así, hay algo que no funciona y no sabría decirles qué es exactamente. La temática es interesante, Rachel Weisz está imponente, pero el resto de la troupe no acompaña y no convence. Y creo que, después de mucho analizarlo, lo que no funciona es que el director intenta constantemente demostrarnos que, lo mismo que la Tierra es redonda, también lo es la historia, y que si ahora los talibanes son los monstruos del siglo XXI, los cristianos lo eran en el siglo IV en Egipto bajo el Imperio Romano. Pues sí, puede ser, pero ¿y? No sé muy bien adónde me lleva este pensamiento, en todo caso no me tranquiliza que, además, el director que se confiesa ateo me intente explicar que todos somos iguales. La bondad tiene que tener su presencia en la historia, ¿no? Sí tengo que reconocer que la parte donde nos relata la desesperación de Hipatia por enfrentarse a la ignorancia tiene su encanto. Y sí, es verdad que, filosóficamente hablando, nunca entendí por qué Dios hizo tan difícil el construir y tan fácil el destruir. Dice Carl Sagan que si la Biblioteca de Alejandría hubiera sobrevivido ya tendríamos colonia en Marte. Pues estoy de acuerdo, porque son una fan de la ciencia. Pero no estoy de acuerdo con Amenábar, que me llega a razonar que si la biblioteca aún estuviese en pie no tendríamos talibanes y terroristas con bolas de metralla en su recto.

A todo el que se digna a preguntarme sobre la película, lo único que le puedo decir es que la historia merece ser vista y en estos tiempos, donde afortunadamente ya se ha pasado la fobia de la feminitis, Hipatia se alza como un personaje auténtico y su sexo, en este caso, destaca como una de sus virtudes, y no sólo por su belleza. Trabajó intensamente con la aritmética de Diofanto y con la geometría de las cónicas (qué belleza la imagen de la película cuando desmorona un aparente sombrero de mago en diferentes formas geométricas perfectas, que luego sirvieron para poder explicar por qué las órbitas de los planetas giran alrededor del Sol). Mejoró instrumentos como el astrolabio, muy utilizado por marineros para encontrar su posición en el bravo mar. Trabajó en el hidrómetro, aparato que sirve para medir la densidad especifica de líquidos, o un planisferio usado para reconocer los astros en el firmamento, y seguramente muchas más cosas que se destruyeron en su época por considerarla atea, bruja y mujer.

Bellísima Hipatia de larga melena y maravillosas curvas, tuvo la decencia de entregar su órgano mas importante, el cerebro, al estudio de asuntos poco prácticos para los menesteres de ama de casa que le correspondían, y por ello tal vez decidió no probar hombre para así no saber de esta condición y no desviar su interés por su pasión, el conocimiento. Tuvo un padre bondadoso que le dejó hacer y unos amigos que hasta el final puede, y esto ya es invención de Amenábar, que la salvaran de males mayores. Hipatia de Alejandría, que no de Amenábar, me hubiese encantado entrevistarte…. Pero Fox no me dio la oportunidad. Otra vez será.

O trânsito do Rio é infernal mesmo. O filme estava marcado para começar às 16:30. Cheguei 15 minutos atrasado. Sorte que, quando abri a porta da sala de projeção e olhei pra tela, o título do filme acabara de aparecer e não perdi nada! Sorte cinéfila…

“A Fita Branca”, título em português do filme vencedor do mais tradicional festival de cinema da Europa, o Festival de Cannes, narra a vida de um pequeno vilarejo alemão às vésperas de eclodir a Primeira Guerra Mundial. Os fatos são contados sob a perspectiva do professor da cidadezinha, embora ele mesmo diga que nem sabe se todos aqueles fatos são mesmo reais. Vários acontecimentos estranhos surgem no tal vilarejo, mas ninguém consegue achar o culpado (ou os culpados) dos atos antissociais, o que deixa a população do lugarejo empolvorosa.

Analisando friamente o filme (como faço sempre), não consegui encontrar aquela excepcionalidade toda que tanto ouvi falar desde Cannes, a ponto de a própria escolha dele como filme vencedor da Palma de Ouro ter sido meio conturbada. Entretanto, a fotografia em preto e branco deixou o filme elegante, bem requintado. Como falei no twitter, assim que cheguei em casa, foi muita coragem do diretor Michael Hanek, nos dias de hoje, onde todo mundo não sabe mais o que inventar para atrair gente para as salas de projeção, rodar um filme em preto e branco. É confiar muito em si mesmo!

Dá pra notar que Hanek mantém seu estilo interessante e bem peculiar, presentes também em “Caché” (2005) e em “A Professora de Piano” (2001). Alguns movimentos de câmera (ou a ausência deles) deixam isso bem claro. Porém, alguns equívocos técnicos me deixaram meio estressado. Sem explicação nenhuma o som ficava alto demais ou ele exagerava um pouco no preto, deixando o filme um pouco escuro.

São dois os pontos altos do filme, e os dois tem a ver com o elenco, que, de um modo geral, desempenhou seu papel muito bem. Um é o diálogo entre o pequeno Rudi, um menino de mais ou menos 5 anos, e sua irmã, na cozinha, sobre a morte. O menininho era Sócrates com todos os seus exercícios de maiêutica em pessoa! É inenarrável o alto grau filosófico encontrado naquele diálogo. O outro ponto que merece destaque no filme é também um outro diálogo, extremamente bem trabalhado, entre o médico do vilarejo e a mulher que deu a impressão de ser a babá de seu filho, que acabou se tornando uma espécie de amante dele, depois que sua esposa faleceu. Em determinado momento, ele, usando de uma frieza e desumanidade tamanha, a menospreza e a critica, dizendo que ela é uma velha, feia, flácida e que ele, durante todos esses anos de relacionamento com ela, sempre teve nojo dela. Tá… Não entendi o porquê dele ter feito isso, mas é uma cena bastante pesada e que foi muito bem realizada pelos atores.

Num clima meio light do que seria um ensaio para um terrorismo psicológico, a trama se desenvolve, para alguns até tediosamente, já que são quase duas horas e meia de filme e os fatos se arrastam um pouco e não nos é deixado claro quem comete as barbáries contra alguns moradores do vilarejo, principalmente contra as crianças. O filme joga com a rigidez e o autoritarismo da criação que os pais davam a seus filhos naquela época e a fita branca entra em cena, deixando para alguns de nós algumas reflexões.

A Fita Branca (Das Weisse Band), distribuído por Imovision, ALE/ÁUS/FRA/ITA 2009, um filme de Michael Hanek, com roteiro de Michael Hanek, com Christian Friedel, Ernst Jacobi, Leonie Benesch, Ulrich Tukur, Ursina Lardi, Burghart Klaußner, Steffi Kühnert e Josef Bierbichler, Drama, 144 min. Classificação indicativa não disponível. Sem previsão de estreia no Brasil.

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Segnalo sul sito del settimanale francese Télérama l’intervista a uno dei migliori cineasti in circolazione, il newyorkese James Gray (1969). L’intervista, realizzata da Laurent Rigoulet, è tanto lunga quanto interessante. Gray si apre completamente: parla della sua famiglia e delle sue origini (russe), di politica, del suo intenso rapporto con la cultura europea (cita vari cineasti italiani), della sua carriera non proprio lineare e, chiaramente, di cinema e del suo cinema (tra le sue fonti di ispirazione non cita Sidney Lumet – avrei creduto il contrario – ma sì il verismo). Una menzione speciale per il tema più coinvolgente dell’intervista va alla sua città, New York, protagonista di tutti i suoi film e che a ogni occasione Gray dimostra di conoscere a fondo. A fine lettura però mi sono rimaste impresse soprattutto due affermazioni: la prima su uno dei punti di riferimento di Gray, Martin Scorsese: “[...] mi piacerebbe vederlo di nuovo fare un film più modesto, ad altezza d’uomo”; la seconda su un film che il suo The Yards (2000) ha incrociato nel 2000 nel concorso del festival di Cannes, film firmato da un cineasta che personalmente non mi ha mai coinvolto/convinto, Dancer in The Dark di Lars Von Trier: “Al momento della cerimonia di chiusura i miei attori sono stati invitati per assegnare dei premi. Ero mortificato. Quasi diecimila chilometri per sentirmi disapprovato e vedere gli interpreti del mio film esposti in una cerimonia dominata da un film superficiale dove Björk saltellava canticchiando”. Parole che si può permettere chi sa di aver raggiunto la piena maturità; o quanto meno chi ha trovato nel suo lavoro una sicurezza invidiabile visto che si tratta della stessa persona che per I padroni della notte ha dovuto decidere di rimandare a casa Christopher Walken (“una decisione difficile, che non ti fa dormire la notte”) dopo che Robert Duvall, con cui aveva scritto il ruolo in ballo (quello del padre), si era liberato da un impegno tornando disponibile. Raccomando la lettura integrale dell’intervista; per chi legge il francese.

De cara, já falo: VÃO VER ESSE FILME! Nunca fui tão incisivo em todos esses anos de comentários de filmes quanto agora. “UP” é fantástico…

O filme começa há bastante tempo, na infância de Carl Fredricksen (o vovô aí do cartaz, dublado maravilhosamente bem pelo mestre Chico Anysio), um vendedor de balões. Quando ele chega a essa idade, 78 anos, finalmente consegue realizar o sonho de sua vida ao amarrar milhares de balões em sua casa, que voa pelo céu até as florestas da América do Sul. Entretanto, ele descobre que não está sozinho nessa jornada: Russell, um escoteiro de oito anos de idade que só queria ajudar a um idoso para poder ganhar a última medalha que faltava, acaba embarcando na viajem com ele, meio que “sem querer”…

Desde o lançamento do filme eu queria porque queria assisti-lo. Sou superhipermegafã de animações. Finalmente nessa semana, com cinco reais que sobraram de uma conta que paguei, passei em frente ao cinema e a próxima sessão do filme estava para começar. Não resisti e entrei. Olha… Foi uma das melhores escolhas nessa vida de cinéfilo que já fiz em toda a minha vida.

Se você é emotivo, prepare uns lenços aí… Eu que não choro à toa, para um filme fazer isso o que fez comigo tem que ser muito, mas muito bom. Lágrimas vieram aos meus olhos em três (eu disse TRÊS!) momentos distintos do filme. No início, no meio e no fim.

A animação é simplesmente genial. Surreal, mas genial. Lembra daquela lista escolhida por mim com as que eu considero as dez melhores animações já feitas? Pois bem: “UP – Altas Aventuras” não entra nela. Aí você me pergunta: “Mas como, Fah?! Você tá dizendo que ela é fantástica, que é genial, que é isso, que é aquilo…! Como não entra na lista de melhores animações?” Com todo prazer, eu explico: “UP” fica acima de todas elas. Teria que criar uma categoria única, só para esse filme.

É impressionante como a Pixar tem esse poder de se superar a cada produção e, em meio à lançamentos de filmes com megagrandiosas cenas de ação, com robôs gigantes, perseguições, helicópteros explodindo, tiroteio, sangue e violência, “UP” aparece, com suas cenas estonteantemente coloridas, com narrativa sublime e toques emotivos para dar uma quebra nesse clima pesado e cheio de adrenalina. Não quer dizer que o longa seja aquela melação… Muito pelo contrário. A narrativa tem elementos bem característicos de filmes de aventura, ação e comédia, tudo aquilo que já se tornou clássico em filmes de animação da Pixar…

Não encontro palavras para poder fechar esse texto. Só me vem uma à cabeça: “obrigado”. Só tenho que agradecer a Pete Docter, Bob Peterson e Thomas McCarthy, trio de diretores e roteiristas, por terem pensado em algo tão genial quanto a “UP – Altas Aventuras”.

Trailer:

UP – Altas Aventuras (UP), distribuído por Buena Vista/Disney, EUA/2009, um filme de Pete Docter e Bob Peterson, com roteiro de Pete Docter, Bob Peterson e Thomas McCarthy, com vozes de Edward Asner , Chico Anysio (versão brasileira)  , Christopher Plummer , Jordan Nagai e  Bob Peterson, Animação/Aventura, 96 min, Livre.

PASSAGEIROS (Passengers, 2008) Aos poucos o colombiano Rodrigo García vai construindo uma sólida carreira cinematográfica com filmes de extrema sensibilidade por ele conduzidos da mesma forma. Depois do debut com Coisas que Você Pode Dizer Só de Olhar para Ela, que lhe rendeu o troféu da sessão Un Certain Regard no Festival de Cannes em 2000, o diretor fez dois outros longas antes de uma duradoura passagem pela tv americana, dirigindo episódios de séries como Big Love, Six Feet Under, In Treatment, até lançar Passageiros, no ano passado.  O filme é um drama com toques de suspense, que encaminha sua história em aberto até um ponto em que toda a trama é revelada – já bem perto do fim. Não vale aqui sequer tocar na questão, uma vez qualquer discussão pré-exibição estragaria por completo boa parte do efeito de assisti-lo. O que vale ressaltar, entretanto, é que se o material que o diretor tem em mãos – nenhuma novidade, talvez até um tanto quanto óbvio para um público de olhar mais apurado – é eficiente, os méritos são quase que exclusivos de Rodrigo, que transforma elenco (os sempre excelentes Anne Hathaway e Patrick Wilson) e roteiro em seqüências bastante interessantes, num claro sinal de que ele acredita naquilo que seu filme diz, e talvez isso faça toda a diferença. O sucesso do filme junto ao público, no entanto, vai depender de determinados padrões que o expectador possui. Trocando em miúdos: é provável que quase ninguém compre a idéia de Rodrigo em Passageiros, ainda que sua temática faça um sentido absurdo.

En el 2006, para celebrar el 60 aniversario del Festival de Cannes, se realizó un proyecto llamado Chacun son cinéma, en donde se reunieron cortos de 33 directores internacionales, posteriormente se presentó en Cannes y en otros festivales en el mundo. Pero al lanzarse la versión en DVD, quedó fuera World Cinema, corto realizado por los Hermanos Coen. Si bien no sabemos los motivos de su retiro, ahora  lo podemos ver en la  web. Es una pena que los otros 32 no sean tan fáciles de encontrar.

El Centro Cultural Universitario Tlatelolco presenta la programación de septiembre de la Sociedad del Cine Tlatelolco, que reúne lo más destacado de la ‘Quincena de Realizadores’ del Festival de Cannes.

La Sociedad del Cine Tlatelolco presenta este programa que consta de una amplia selección de filmes que han integrado la ‘Quincena de Realizadores’ desde 1969 , año en que fue implementado en el Festival de Cannes con la cinta ‘Dueto para caníbales’ de Susan Sontag.

Desde el mes de agosto hasta diciembre se proyectarán filmes de varias nacionalidades, entre los que se podrá apreciar el trabajo de directores como Werner Herzog, Bob Raffelson, Nagisa Oshima, Chantal Ackerman, Alan Clarke, Bigas Luna y Roy Andersson, entre otros.

Para conocer el programa puedes dar click en este enlace.

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CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO TLATELOLCO
Ricardo Flores Magón No. 1 col. Nonoalco-Tlatelolco.
Telefónos: 5586 0960 y 83
Entrada Sociedad del Cine Tlatelolco: $30. Estudiantes y maestros con credencial vigente:$15
Estacionamiento gratuito.

AFP

Par Rébecca FRASQUET

VENISE — La Mostra accueillait mardi “The white space” de l’Italienne Francesca Comencini sur un Lido mis en effervescence par la venue de l’acteur George Clooney, tandis qu’un film israélien sur la guerre du Liban, “Lebanon”, s’imposait comme le premier grand coup de coeur du festival.

Depuis le début du Festival de cinéma de Venise (2-12 septembre) si deux films politiques, signés par les Américains Michael Moore et Oliver Stone ont provoqué de vifs débats, aucun long métrage en compétition n’a semblé faire l’unanimité, hormis “Lebanon”.

Nourri des douloureux souvenirs de son réalisateur, Samuel Maoz, 47 ans, originaire de Tel Aviv, le film fait vivre intensément le début de la première guerre du Liban en 1982, à travers la meurtrière avancée d’un tank israélien.

A l’instar de “Valse avec Bachir” le superbe film d’animation présenté au Festival de Cannes 2008 par Ari Folman, auquel nombre de critiques comparaient “Lebanon” mardi, il approche la guerre avec une radicale nouveauté.

Enfermés dans un tank, quatre jeunes soldats israéliens ne voient du Liban que les massacres qu’ils y perpètrent : âne éventré agonisant, femme au bord de la démence après la mort de son enfant, vieillard au regard figé par la haine, assis dans la rue face à son ami foudroyé en pleine partie d’échecs…

L’horreur de ces scènes, ajoutées au confinement et à la cruelle absurdité des ordres reçus, fait monter la tension entre les hommes.

L’image, ramenée à celle du viseur du tank, transforme le réel tantôt en cibles potentielles, tantôt en source de menaces, instillant une grande tension dans le film, tout comme la bande-son, particulièrement soignée.

“Dénuée de tout héroïsme, la vie au combat est montrée comme elle ne l’avait jamais été”, estime le quotidien italien La Repubblica.

Sur le Lido, les paparazzi ont mitraillé l’Américain George Clooney en smoking noir et la jeune animatrice de TV Elisabetta Canalis désignée comme sa “fiancée italienne” par la presse, en robe verte très décolletée.

Mouvementée, la projection de gala de “The man who stares at goats” où joue Clooney, a été interrompue à deux reprises pour des problèmes techniques.

L’acteur s’est exclamé “Merveilleux!” et a chanté “O sole mio” pour distraire la salle lors de la première panne, avant de servir du vin blanc pétillant à toute une rangée d’invités, lors de la seconde.

Deuxième film italien entré en compétition – après celui de Giuseppe Tornatore mais avant ceux de Michele Placido et Giuseppe Capotondi – “The white space” est tiré du roman de Valeria Parrella “Lo spazio blanco” et tourné à Naples.

Réalisé par la fille du cinéaste Luigi Comencini, Francesca, née en 1961 – tandis que la cadette, Paola, signe les décors – c’est le portrait d’une femme indépendante proche de la quarantaine, qui se retrouve enceinte après un flirt.

Six mois plus tard Maria accouche d’un bébé prématuré, aussitôt placé en couveuse. Comme celle de sa fille qui peut s’arrêter à tout instant, la vie de Maria est alors en suspens pour 50 jours d’un “Espace blanc” émotionnel, soit le délai laissé au bébé avant de pouvoir respirer sans assistance artificielle.

Porté par Marguerita Buy dont le jeu tout en nuances sauve le film du mélodrame larmoyant, “The white space” comporte de beaux moments, grâce à des dialogues bien écrits et à la belle photographie de Luca Bigazzi.

Mais un récit artificiellement morcelé et l’envahissante bande originale, qui assène des airs à la mode aux paroles explicites, tuent un peu l’émotion.

Francesca Comencini a notamment signé “Le parole di mio padre”, qui a reçu le Prix Un Certain Regard à Cannes en 2001.

Julio MARTÍNEZ MOLINA  tomado de http://www.uneac.org.cu

Pese a sus no pocos detractores, de esos quienes ladran a todo cuanto cabalga, el serbio Emir Kusturica (Sarajevo, 1954) es un grande del cine contemporáneo; no solo en razón de su León de Oro en Venecia ´81 (¿Te acuerdas de Dolly Bell?); las dos Palmas de Oro agenciadas en Cannes ´84 y ´95 (Papá está en viaje de negocios y Underground, respectivamente); u otros títulos de relevancia. 

Fundo la aseveración, sobre todo, en que este señor, uno de los más grandes chivadores con numen de la pantalla contemporánea -a lo von Triers, Kitano y una pandilla no muy gruesa-, ha conseguido lo que pocos creadores fílmicos: configurar un mundo propio, repleto de marcas autorales, sellado con el orín identitario de ese su territorio mítico machihembrado de forma inexorable al grotesco, la coña, lo bufo, el barroquismo, el libre arbitrio narrativo; a metafóricas indagaciones étnico-culturales o la exposición del escarriado color de los Balcanes, a singular -por poético o destemplado- lenguaje henchido al viento de un realismo mágico a veces en fase de destonalización a causa de las propias circunstancias redargutivas del relato, bichos raros, gallinas, danzas, viejas tetonas…, instancias múltiples, sin embargo, de una obra parabólica sobre pathos, arcos de vida y fe de los pueblos de la ex Yugoslavia e incluso Europa toda. 

Pero Kusturica llegó, con el tiempo, las águilas y el mar, a un punto muerto o estación de no retorno (al parecer, ojalá me equivoque) en su obra, cuya desconflautación de objetivos más evidente vendría a ser Prométeme (2007), puro desmadre slapstick con el cual uno goza a mares -no engaño a nadie: reí bastante, y sus actores están de perlas casi todos: los personajes del abuelo y nieto son turrón de Alicante-, pero que acusa la autofagia más indecorosa de un artista para con su obra, más lastimosa a causa de la ausencia de sentido de dicha explosión referencial en clave naive. 

Emir, en su lado Hyde bobo, se baja de la manga una película convertida a voluntad en pueril “cadáver exquisito” de las zonas más rancias de su filmografía. Estereotipo, reiteración y más bulla que un animado del Pájaro Loco tirotean esta comedia que a lo mejor intentó ser algo así como un homenaje al cine cómico de los pioneros ligado con una suerte de metaescritura-paradigma del desparpajo de autor en la cúspide del “me tiene sin cuidado”, más quedó en mera caricatura, comic deformado hecho durante la sobrevivida del náufrago añorante de tablas perdidas en olas ya lejanas.

… Linda também era foda.

O casamento de Paul e Linda.

Seaside woman é do Wings, a banda de Paul e Linda McCartney. Foi gravada em 77 com Linda nos vocais principais. Virou esse curta de animação que ganhou o prêmio de melhor curta em Cannes em 1980.

E o registro do mais improvável encontro. Hiroshima sky, com a voz de Yoko, Paul no baixo, Linda nos teclados + participação dos filhos de Paul & Linda e de Sean Lennon. Era 1995.
John, we’re here now together

Stanotte sulla RaiTv, all’interno di ‘Off Hollywood’, programma di RaiTre condotto da Pascal Vicedomini, Carlo Rossella, direttore di Medusa Film ma ancora prima giornalista-zelig e sempre più opinionista tuttologo, non si capisce sfruttando quale titolo ha dichiarato la netta superiorità del festival di Venezia su Cannes, parlando di un sorpasso senza mezzi termini avvenuto in questi ultimi anni grazie alla direzione di Marco Müller e all’alta qualità dei film. Considerando le dichiarazioni altrettanto nette di Silvio Berlusconi sul film prodotto e distribuito in Italia proprio da Medusa Film e che ha aperto la 66 Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, Baarìa di Giuseppe Tornatore – “è un capolavoro assoluto” -  pare che gli interessi in gioco della società del gruppo Mediaset a Venezia quest’anno siano proprio alti.
Fatto sta che, a mostra del cinema appena cominciata, sui giornali italiani si parla anche e ancora del Festival di Cannes. A tenere banco è un film molto atteso: Tetro di Francis Ford Coppola (in uscita in Italia il prossimo 20 Novembre col titolo Segreti di Famiglia; ne ho già parlato qui), proiettato in anteprima proprio a Cannes.
Su Rumore il critico cinematografico Giona A. Nazzaro pubblica la seconda parte del suo speciale su Cannes e definisce Tetro “un capolavoro”: “Non c’è una sola inquadratura del film di Coppola che non grondi futuro e speranza. Tetro è il cinema” (Rumore # 212 ¤ Settembre 2009 ¤ p.122). Un giudizio netto quanto quelli sopra citati ma autorevole, disinteressato e argomentato (si veda, sempre su Rumore, l’intera recensione). Su Traveller, mensile di Condé Nast, c’è invece uno speciale sull’Argentina (28 pagine) con un’intervista a Francis Ford Coppola, che ha ambientato Tetro proprio a Buenos Aires: “Questo film si è rivelato così importante per me […]” (Condé Nast Traveller N.19 / Settembre 2009, p.116). Durante l’intervista – dove l’inciso citato suona pudico -, la nettezza delle parole di Coppola va al fascino e alla bellezza di Buenos Aires (in particolare dei quartieri San Telmo e La Boca) e al fermento di un Paese in ricostruzione e ripresa; parole che suonano dunque come un ringraziamento sentito all’Argentina e alla sua capitale, senza proclami a scopo pubblicitario.
L’attesa per il nuovo film di Francis Ford Coppola insomma cresce. Nel frattempo si spera che sulla Rai facciano parlare di cinema persone competenti e meno sospette. Sulla qualità di Venezia se ne potrà parlare a fine festival, anche se finora la critica specializzata non ha riservato particolari elogi ai film presentati nelle varie sezioni; in ogni caso quella di Rossella è retorica nazionalista.

UNA NUEVA PRODUCCION CINEMATOGRAFIA ,DE TINTES EPICOS SE NOS VIENE PROXIMAMENTE, Y ALGUNOS DE  SUS PROTAGONISTAS SON RACHEL WEISZ Y RUPPERT EVANS.

Por Bruno Pongas

“Eu sou o maior cineasta do mundo” / “Anticristo foi feito com aproximadamente 50% da minha inteligência habitual”

Por mais carregadas de ironia que essas frases possam estar, o controverso diretor dinamarquês, Lars von Trier, mostra nelas uma dose exagerada de pedantismo. O mesmo pedantismo, que aliás, permeia o seu Anticristo – obra que vem dividindo críticos e espectadores pelo mundo. No meu conceito, obras-primas caminham lado-a-lado com fiascos pretensiosos… “nunca dê um passo maior do que a perna”, é o que diz o ditado popular. Von Trier, ao meu ver, quis ser maior do que pensa que é, usou artifícios simples e apelativos para chocar e construíu uma trama ideologicamente sem grande sentido. O resultado? Muito burburinho e um objetivo cumprido: divulgar seu novo longa.

Posso estar aqui errado, mas ninguém irá me convencer de que o diretor usou e abusou do apelo/violência sexual apenas porque estava deprimido. Vemos em Anticristo uma obra interessante, com potencial, que aborda temas pertinentes, só que muito, mas muito mal explorada. Ao observar os créditos subindo embalados por uma música pesada, o primeiro sentimento que me ocorreu foi: “que desnecessário!”. O bom público, que esperava ansioso pelo longa, saiu da sala aparentemente decepcionado. Durante os minutos finais (onde o bicho realmente pega) podia ouvir comentários breves a cada absurdo que surgia na tela.

Sou conservador? Se isso que estou dizendo pode ser chamado de conservadorismo, admito essa postura com muito orgulho. No meu ponto de vista, existem formas e formas de se fazer chocar, de causar impacto… sou fervorosamente contra a arte levada ao extremo, ainda mais quando se usam artifícios como esses para deixar o público em polvorosa. Lars von Trier tenta justificar de qualquer maneira e a todo custo sua mente deturpada e o estado insano pelo qual passava. O resultado disso é discutível. Pouco funciona como filme de terror, pois se utiliza de artimanhas manjadas para assustar (até diretores de quinta-cartegoria iriam melhor nesse quesito). Como drama, no entanto, admito que é mais eficiente, embora perca o rumo depois de um tempo.

Toda essa crítica, acredite, é de alguém que havia criado grande expectativa em torno desse filme. Me esforcei bastante para simpatizar com ele, e confesso que até gostei de algumas partes. O prólogo, composto pela bela música de Händel, é das coisas mais lindas do cinema contemporâneo. Toda aquela cena, retocada pela fotografia em preto e branco, goza de uma classe única, de um estilo elogiável e inconfundível (possivelmente faz parte dos 50% da inteligência do diretor). Gostei também dos personagens pecaminosos, especialmente da mulher – espetacularmente interpretada por Charlotte Gainsbourg. Sua profundidade é extrema, assim como sua maldade – é como se tudo o que há de ruim no mundo fosse canalizado em uma só pessoa. E era esse mesmo o objetivo: a mulher, o feminicídio, a maldade, o éden, a natureza, o caos… que potencial jogado no lixo!

Lars von Trier consegue com seu novo trabalho um exemplar único, só que infelizmente da maneira errada. O diretor que costumeiramente soca, espanca, incomoda, provoca – tudo isso de uma vez -  dessa vez atinge somente um de seus objetivos: chocar. Se era isso mesmo que ele queria, aqui há por merecimento uma nota louvável, um dez sem nem pensar duas vezes. Contudo, como o próprio se recusa a explicar sua obra, tenho que me pautar apenas pela minha linha de raciocínio (o que é muito pouco, eu sei). E nos meus humildes pensamentos, Anticristo nada mais é do que um retrato desnecessário vindo de uma mente, naquele momento, doentia.

• Confira, na íntegra, a entrevista do diretor e da atriz premiada, Charlotte Gainsbourg, para o jornal Folha de S.Paulo.

Minha Nota: 4.5

Direção: Lars von Trier
Gênero: Drama/Terror
Duração: 100 minutos
Elenco: Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg.