Gosto muito de fazer lista. Isso parece evidente quando navega pelo blog. Talvez tenha aprendido isso após assistir “Alta Fidelidade”, com John Cusack; poder citar os 10 melhores, por exemplo, não é forma de mostrar-se conhecedor de um tema, nada disso, é apenas dar uma possibilidade de alguém poder usufruir dessa informação, quiçá compartilhar também de suas preferências. E fazendo TopListas como “10 Filmes sobre medicina” e ”10 Filmes para Freud explicar”, percebi um nome que repetia várias vezes, e por grata supresa percebi que também que situava em filmes Top10 do meu coração. E esse grande ator é o engraçadissimo e talentoso:

 ”Robin Williams”

Posso dizer que ele é um típico ator completo, versátil, que consegue passar desde um drama denso, como “Retratos de Uma Obsessão”, “Amor Além da Vida” e “Insônia”, ao melhor de sua característica, que a comédia-comédia, como “Uma Babá Quase Perfeita”, “Uma Noite no Museu”, “Gaiola das Loucas”, “Um Dia, Dois Pais” e “Jack”. O que me diz quando consegue trazer pitadas humor a histórias dramáticas?… como “Bom Dia, Vietnã”, “Sociedade dos Poetas Mortos” e “Patch Adams -  O Amor é Contagioso”.

Porém, toda essa versatilidade é posto a prova quando decide encarar trabalhos que exigem mais dele como ator, e é aí que ele se torna excepcional. Filmes como “Genio Indomavel”, “Tempo de Despertar” e “Pescador de Ilusões” fazem meus olhos brilharem diante de tamanho preparo e dedicação ao que se propôs fazer em sua profissão, além, é claro, dos já citados “Sociedade dos Poetas Mortos”, e ” Patch Adams – O Amor é Contagioso”. Todos dignos de Premiações.

E por fim, não podemos esquecer que sua ecleticidade artística permeia ainda por aventuras, tais como “Popeye”, “Hook – A Volta do Capitão Gancho”, “Flubber – Uma Invenção Desmiolada”, e “Jumanji”. Além disso, não podemos esquecer que contribuiu para filmes de ficção científica, como “AI – Inteligência Artificial” e “O Homem Bicentenário”. E a lista continua!

Estava me atrevendo a criar os Top10 de Robin Williams, mas penso melhor e coloco a sua filmografia. Nada mais justo a esse grande ator do que abrir aos que leem esse post no momento a lista de suas obras. Fiquem a vontade! E bons filmes!!!

FILMOGRAFIA:

Curta muito legal que mostra o diálogo entre Selton Melo e Seu Jorge. Selton mostra que todos os principais filmes de Quentin Tarantino são na verdade um só. Muito bom e realmente tudo faz sentido.

Depoimento do realizador e excerto de Brandos costumes, de Alberto Seixas Santos, prod. CPC – Centro Português de Cinema, 1975.

Excerto do documentário Novo Cinema Cinema Novo, da série História do Cinema Português, 1998, prod. Acetato Filmes.

Anna Torv (Melbourne, 1978) es una actriz australiana. Es conocida por interpretar el papel de la agente Olivia Dunham en la serie emitida por Fox Fringe. En 2007 sirvió de imagen y puso voz, en su versión original, al personaje de Nariko en el videojuego de PS3 Heavenly Sword.

Su Filmografía:

• 2002 : Young Lions (TV) : Irena Nedov
• 2003 : Travelling Light : Debra Fowler
• 2004 : The Secret Life of Us (TV) : Nikki Martel
• 2006 : The Book of Revelation : Gertrude
• 2007 : Frankenstein (TV) : ITU Nurse
• 2008 : Mistresses (TV) : Alex
• 2008 : Fringe (TV) : Olivia Dunham

Vía; Wikipedia.

Rob Marshall (nacido el 17 de octubre de 1960) es un director de teatro y cine y coreógrafo. Estuvo seis veces nominado al premio Tony, un premio de la Academia, Golden Globe y Emmy.

Debutó en la industria del cine con la televisión la adaptación de la famosa Annie musical de Charles Strouse y Martin Charnin. Después de que pasó a dirigir la muy anticipada adaptación del musical de Kander y Ebb en Chicago en 2002 por la que recibió su primer premio de la Academia de la dirección de nombramiento. Más reciente de su trabajo incluyen el drama geisha Memorias de una geisha basado en el libro best-seller del mismo nombre de Arthur Golden. La película ganó tres premios de la Academia de seis nominaciones, incluyendo una nominación para la famosa partitura de John Williams. La próxima película de Marshall, por diciembre de 2009, es la adaptación de los Nueve de producción de Broadway con el mismo nombre, entre otros, protagonizada por Nicole Kidman, Judi Dench y Daniel Day-Lewis. Marshall entró en negociaciones para dirigir el cuarto capítulo de Disney Piratas del Caribe película protagonizada por Johnny Depp.

La Filmografía;

• 1999 Annie
• 2002 Chicago
• 2005 Memorias de una geisha
• 2009 Nine

1960
Nagisa Oshima – Conto cruel da juventude / Juventude desenfreada (Seishun zankoku monogatari)
Nagisa Oshima – O túmulo do Sul (Taiyo no hakaba)
Nagisa Oshima – Noite e névoa no Japão (Nihon no yoru to kiri)
Masahiro Shinoda – Passagem única para o amor (Koi no katamichi kippu)
Masahiro Shinoda – Lago seco (Kawaita mizuumi)
Yoshishige Yoshida – O imprestável (Rokudenashi)
Susumu Hani – Garotos maus (Furyo shonen)
1961
Shohei Imamura – Todos porcos (Buta to gunkan)
Masahiro Shinoda – O meu rosto vermelho ao pôr-do-sol (Yuhi ni akai ore no kao)
1962
Yoshishige Yoshida – As termas de Akitsu / Um affair de Akitsu (Akitsu onsen)
Hiroshi Teshigahara – A Cilada (Otoshiana)
Masahiro Shinoda – Lágrimas sobre a juba do leão (Namida o shishi no tategami ni)
1963
Shohei Imamura – A mulher inseto (Nippon konchuki)
Seijun Suzuki – A juventude da besta (Yaju no seishun)
Susumi Hani – Ela e ele (Kanojo to kare)
1964
Shohei Imamura – Desejo assassino / Segredo de uma esposa (Akai satsui)
Hiroshi Teshigahara – A mulher das dunas / Mulher de areia (Suna no onna)
Masahiro Shinoda – A flor seca (Kawaita hana)
Masahiro Shinoda – O assassinato (Ansatsu)
1965
Seijun Suzuki – História de uma prostituta (Shunpu den)
Seijun Suzuki – A vida de um tatuado (Irezumi ichidai)
Masahiro Shinoda – Com beleza e pesar (Utsukushisa to kanashimi to)
1966
Seijun Suzuki – Tóquio violenta / O vadio de Tóquio (Tokyo nagaremono)
Seijun Suzuki – A elegia da luta (Kenka erejii)
Shohei Imamura – Os Pornógrafos (Erogotoshi-tachi yori: Jinruigaku nyûmon)
Hiroshi Teshigahara – O rosto de um outro / A visão do outro (Tanin no kao)
1967
Seijun Suzuki – A marca do assassino (Koroshi no rakiun)
Nagisa Oshima – Um trato em canção japonesa pornô (Nihon shunka-kô)
1968
Shohei Imamura – O profundo desejo dos deuses (Kamigami no Fukaki Yokubo)
Nagisa Oshima – Morte por enforcamento (Koshikei)
Nagisa Oshima – Diário de um ladrão shinjuku (Shinjuku dorobo nikki)
Susumi Hani – Nanani – O inferno do primeiro amor (Hatsukoi – jigoku hen)
1969
Nagisa Oshima – O Menino (Shonen)
Yoshishige Yoshida – Eros plus Massacre (Erosu purasu Gyakusatsu)
Masahiro Shinoda – Duplo suicídio em Amijima (Shinjû: Ten no amijima)

In http://cine-f.blogspot.com/2009/10/filmografia-selecionada-nuberu-bagu.html

1963
Vojtěch Jasný – Až přijde kocour (Cassandra Cat / Um dia, um gato)
Věra Chytilová – O něčem jiném (Something different / Alguma coisa de outro)
Jaromil Jireš – Krik (The Cry / O Choro)
1964
Miloš Forman – Černý Petr (Black Peter / Pedro, o negro)
Jan Němec – Démanty noci (Diamonds of the night / Diamantes da noite)
Evald Schorm – Kazdy den odvahu (Courage for every day / Coragem de todo dia)
1965
Miloš Forman – Lásky jedné plavovlásky (Loves of a blonde / Os amores de uma loira)
Ivan Passer – Intimní osvětleni (Intimate lightning / Iluminação íntima)
Ján Kadár & Elmar Klos – Obchod na korze (A shop on the high street / A pequena loja da rua principal)
1966
Věra Chytilová – Sedmikrásky (Daisies / As pequenas margaridas)
Evald Schorm – Návrat ztraceného syna (Return of the prodigal son / O retorno do filho pródigo)
Chytilová, Schorm, Menzel, Jireš & Němec – Perličky na dně (Pearls of the deep / Pérolas das profundezas)
Jan Němec – O slavnosti a hostech (The party and the guests / A festa e os convidados)
Jiří Menzel – Ostre sledované vlaky (Closely observed trains / Trens estreitamente vigiados)
1967
Jan Němec – Mučedníci lásky (Martyrs of love / Mártires do amor)
Miloš Forman – Hoří, má panenko (The firemen’s ball / O baile dos bombeiros)
František Vláčil – Marketa Lazarová
1968
Jiří Menzel – Rozmarné léto (Capricious summer / Um verão caprichado)
1969
Jiří Menzel – Skrivánci na niti (Skylarks on a string / Andorinhas por um fio)
Jaromil Jireš – Žert (The Joke / A Piada)
Věra Chytilová – Ovoce stromů rajských jíme (Fruits of Paradise / Fruto do Paraíso)
Vojtěch Jasný – Všichni dobří rodáci (All my good countrymen / Todos bons cidadãos)
Juraj Herz – Spalovač mrtvol (The Cremator / O Cremador)
1970
Jaromil Jireš – Valerie a týden divů (Valerie and her week of wonders / Valerie e sua semana de deslumbramentos)
Karel Kachiňa – Ucho (The Ear / A Orelha)

In http://cine-f.blogspot.com/2009/10/filmografia-selecionada-czech-new-wave.html

1955
Karel Reisz & Tony Richardson – Momma don’t allow
Lindsay Anderson – Every day except Christmas
1957
Claude Goretta & Alain Tanner – Nice Time
1958
Karel Reisz – We are the Lambeth boys
1959
Tony Richardson – Look back in anger
Jack Clayton – Room at the top
Lindsay Anderson & Karel Reisz – March to Aldermaston
1960
Karel Reisz – Saturday night and Sunday morning
Tony Richardson – The Entertainer
1961
Tony Richardson – Sanctuary
Tony Richardson – A Taste of honey
1962
Tony Richardson – The loneliness of the long distance runner
John Schlesinger – A Kind of loving
1963
Lindsay Anderson – This Sporting life
Tony Richardson – Tom Jones (As aventuras de Tom Jones)
John Schlesinger – Billy Liar
1964
Karel Reisz – Night must fall
Richard Lester – A Hard Day’s Night
1965
Richard Lester – The knack …and how to get it
Richard Lester – Help!
1966
Karel Reisz – Morgan: A suitable case for treatment
1967
Richard Lester – How I won the War
1968
Lindsay Anderson – If….
Karel Reisz – Isadora
1969
Ken Russel – Women in love
1970
Nicolas Roeg & Donald Cammell – Performance

In http://cine-f.blogspot.com/2009/10/filmografia-selecionada-free.html

1955
Nelson Pereira dos Santos – Rio 40 graus
1957
Nelson Pereira dos Santos – Rio Zona Norte
1960
Paulo César Saraceni e Mário Carneiro – Arraial do Cabo
Linduarte Noronha e Rucker Vieira – Aruanda
1962
Cinco vezes Favela (1962) – Couro de gato (de Joaquim Pedro de Andrade), Escola de Samba Alegria de Viver (de Carlos Diegues), Pedreira de São Diogo (de Leon Hirszman), Um favelado (de Marcos Farias) e Zé da Cachorra (de Miguel Borges).
Joaquim Pedro de Andrade – Garrincha, alegria do povo
Glauber Rocha – Barravento
Paulo César Saraceni – Porto das Caixas
Ruy Guerra – Os cafajestes
1963
Carlos Diegues – Ganga Zumba, rei de Palmares
Nelson Pereira dos Santos – Vidas secas
1964
Glauber Rocha – Deus e o diabo na terra do sol
Ruy Guerra – Os fuzis
1965
Joaquim Pedro de Andrade – O padre e a moça
Paulo César Saraceni – O desafio
Leon Hirszman – A falecida
Walter Lima Jr. – Menino de engenho
1966
Carlos Diegues – A grande cidade
Arnaldo Jabor – A opinião pública
1967
Glauber Rocha – Terra em transe
Leon Hirszman – Garota de Ipanema
1968
Nelson Pereira dos Santos – Fome de amor
Walter Lima Jr. – Brasil ano 2000
1969
Glauber Rocha – O dragão da maldade contra o santo guerreiro
Joaquim Pedro de Andrade – Macunaíma
1970
Carlos Diegues – Os herdeiros
1971
Leon Hirszman – São Bernardo

In http://cine-f.blogspot.com/2009/09/filmografia-selecionada-cinema-novo.html

1954
Agnès Varda – La pointe-courte
1958
Claude Chabrol – Nas garras do vício (Le beau Serge)
1959
François Truffaut – Os incompreendidos (Les quatre cents coups)
Alain Resnais – Hiroshima meu amor (Hiroshima mon amour)
Éric Rohmer – O signo do Leão (Le signe du lion)
Claude Chabrol – Os primos (Les cousins)
Claude Chabrol – Quem matou Leda? (À double tour)
1960
Jean-Luc Godard – Acossado (À bout de souffle)
Jacques Rivette – Paris nos pertence (Paris nous appartient)
Claude Chabrol – Mulheres fáceis/Entre amigas (Les bonnes femmes)
François Truffaut – Atirem no pianista (Tirez sur le pianiste)
1961
Alain Resnais – O ano passado em Marienbad (L’année dernière à Marienbad)
Jacques Demy – Lola
Jean-Luc Godard – Uma mulher é uma mulher (Une femme est une femme)
1962
Agnès Varda – Cleo das 5 às 7 (Cléo de 5 à 7)
Jean-Luc Godard – Viver a vida (Vivre sa vie: Film en douze tableaux)
François Truffaut – Jules e Jim – Uma mulher para dois (Jules et Jim)
1963
Jean-Luc Godard – O desprezo (Le mépris)
Éric Rohmer – A carreira de Suzanne (La carrière de Suzanne)
Alain Resnais – Muriel (Muriel ou Le temps d’un retour)
1964
Jacques Demy – Os guarda-chuvas do amor (Les parapluies de Cherbourg)
Jean-Luc Godard – Uma mulher casada (Une femme mariée: Suite de fragments d’un film tourné en 1964)

In http://cine-f.blogspot.com/2009/08/filmografia-selecionada-nouvelle-vague.html

Excerto de O pão, de Manoel de Oliveira, 1959.

Sequência inicial de O pintor e a cidade, de Manoel de Oliveira, 1956.

Excerto da curta As pedras e o tempo, de Fernando Lopes, prod. SNI-Secretariado Nacional de Informação, 1961.

Incluído na edição em DVD do filme Uma abelha na chuva.

Ana, de António Reis e Margarida Cordeiro, 1982.

Trás-os-Montes, de António Reis e Margarida Cordeiro, prod. Centro Português de Cinema, 1976.

Nico D’Alessandria. Un delirante insuccesso, di Claudio Di Mambro e Marco Venditti (Super 8 e minidv – 25 ’- 2001)

Regista dell’underground romano, Nico racconta la sua visione del cinema, il rapporto con il delirio e la follia. Il ritratto di Nico D’Alessandria prende forma anche attraverso l’attore Victor Cavallo che il regista ha diretto ne L’amico immaginario, il suo film più autobiografico.

• Menzione Speciale ad Arcipelago, 2001;
• Menzione Speciale all’Alternative Film Festival di Pescara, 2001;
• Primo Premio al Maremma Doc Festival, 2001;
• Premio Shortvillage al Genova Film Festival, 2001.

I Malestanti trent’anni dopo, di Claudio Di Mambro, Luca Mandrile e Marco Venditti

(Super 8 e minidv -  50 ’- 2003)

A trent’anni dall’uscita del film Diario di un maestro di Vittorio De Seta, gli autori tornano sui luoghi delle riprese per scoprire le storie dei protagonisti di allora. Attraverso le loro testimonianze si ricostruisce l’esperienza di Diario di un maestro, sia in termini personali che storico-sociali. Infatti, le storie dei “malestanti” (così si definirono all’epoca i ragazzi del film) raccontano anche i fenomeni e i mutamenti sociali che hanno contraddistinto i quartieri popolari romani negli ultimi trent’anni.

• Premio Cineforum alla Rassegna del documentario Premio Libero Bizzarri, 2004;
• TorinoFilmFestival, sez. documentari fuori concorso, 2003;
• Primo Premio al festival CortoVisioni di Lecce, 2005;
• Distribuito dal circuito Documè di Torino.

InsideOut, di Claudio Di Mambro, Luca Mandrile e Marco Venditti

(minidv – 45 ’- 2004)

Il documentario è il risultato finale di un laboratorio cinematografico tenutosi da febbraio a maggio 2004 in orario extrascolastico presso l’Istituto Statale d’Arte Roma 2, la stessa scuola nella quale trent’anni prima Vittorio De Seta aveva girato il film Diario di un maestro.

Oggi un gruppo di ragazzi e ragazze tra i 14 e i 19 anni raccontano in prima persona, attraverso un utilizzo consapevole degli strumenti audiovisivi, diversi aspetti della loro vita al di fuori del tempo scolastico: creatività, rapporti familiari, droghe, incontri con coetanei stranieri e in particolare Rom sono alcune delle tematiche che compongono il quadro delle esperienze in continuo divenire proprio di ragazze e ragazzi di questa fascia d’età.

• Primo Premio TekFestival, 2005;
• Rassegna Videopolis, Padova, 2005;
• Rassegna del documentario Premio Libero Bizzarri, 2005;
• Rassegna SocialFilm, documentari indipendenti, Trento, 2006.
• Premio sez.scuola al Fuori Raccordo Film Festival, Roma, 2006

La morte mi fa ridere. La vita no, di Claudio Di Mambro, Luca Mandrile e Umberto       Migliaccio (Super 8 e minidv -  60 ’- 2005)

“Io sono il più grande, perché mi posso permettere di prendere 300.000 lire a sera e mandare un altro a cantare al mio posto. Tanto chi conosce Piero Ciampi?”

Questo film racconta chi era Piero Ciampi, cantautore incazzato perché anarchico, comunista e livornese, attraverso le testimonianze di chi ha condiviso con lui la poesia, la musica e le serate alcoliche.

• Secondo Premio al Bellaria Film Festival, 2005;
• Filmaker Film Festival, Milano, 2005;
• Festival dei Popoli, Firenze, 2005;
• Rassegna del documentario Premio Libero Bizzarri, 2005;
• Distribuito dal circuito AVANTI! dei circoli F.I.C.

Ma l’amor mio non muore, di Claudio Di Mambro, Luca Mandrile e Umberto Migliaccio (minidv -  60 ’- 2007)

Attraverso le storie di vita di alcuni partigiani e partigiane che parteciparono alla Resistenza nella zona del Cuneese, si racconta quell’esperienza di ribellione e di lotta vissuta da una generazione cresciuta interamente durante il ventennio della dittatura fascista. Chi sono e come vivono oggi i protagonisti di allora, come leggono gli avvenimenti di quegli anni anche alla luce dei continui tentativi revisionistici e più in generale di fronte al crescente rischio dell’oblio?

• TekFestival, 2007;
• Distribuito dal circuito Documè di Torino.

PONTOS

3 storie di emigrazione-immigrazione con al centro L’Isola di Ponza.

• Festa del Cinema di Roma 2008

Korinna Moon Bloodgood nació el 20 de septiembre de 1975. Es una actriz estadounidense y también modelo. Ella ha participado en las películas Eight Below y Pathfinder. Bloodgood también apareció junto a Taye Diggs en Day Break. Ella retrató Rita Shelton, la novia de un detective que está condenado por asesinato, pero continuamente tiene que revivir ese mismo día.

Bloodgood nació en Anaheim, California, de padre americano-neerlandés de ascendencia irlandesa y de madre coreana; Bloodgood es una ex animadora de Los Angeles Lakers. Ella esta prometida con el actor y cantante Eric Balfour. Ella se clasificó en el puesto 99º en la revista Maxim, Las 100 Hot de la lista de 2005, 53º en 2006 y el 40º en 2007.

A partir de 2007, Bloodgood participó en la serie de televisión de ciencia ficción Oficial en la NBC. La serie sufrió bajas, y tras la huelga de guionistas,Oficial fue cancelada por NBC en diciembre de 2007, cuando se optó por no hacer la segunda mitad de la primera temporada.

Actualmente interpretará a Maya en la película Street Fighter: La Leyenda de Chun-Li, que será estrenada en 2009, y también a Blair Williams en Terminator Salvation, la cuarta película de la franquicia Terminator.

Esta es toda su fimografía:

Vía; Wikipedia.

Vía; Pic.

Uno de los genios de la animación soviética. Dueño de un estilo inconfundible, y una gran influencia para la nueva ola de animadores de Europa del Este. Realizó trabajos para público infantil y adulto por igual. Fue más allá del rol de comunicador a través de su arte, para involucrarse en el sistema educativo y la organización de festivales artísticos en su región.

Este es un extracto de una carta que envió al presidente Vladimir Putin, explicando los motivos por los cuales quería realizar una serie de cortometrajes basados en historias del folklore ruso y países vecinos; planteando la decadencia en la que la televisión rusa se estaba sumergiendo y la situación actual de aquel país:

“Though the project . . . is certainly a work of art, it also has a clear political standpoint . . . What is happening in Russia is coming close to a state of ethnic war – and I don’t want to live in such a country. The inspiration was to show that one race doesn’t think itself better than another. I want to live in a country where tolerance reigns – otherwise there’s every risk that we will move towards Fascism.”

In memoriam de su fallecimiento en 2007, y a modo de humilde homenaje, les recomiendo y les propongo disfrutar de su filmografía completa.

Más información:

http://www.animator.ru/db/?ver=eng&p=show_person&pid=91&sp=0

http://www.independent.co.uk/news/obituaries/alexander-tatarsky-460161.html

Films:

1981 – A Plasticine Crow
1981 – Good Night, Kids
1982 – A Case in the Museum
1982 – Keep the Bread
1982 – TV Eye
1982 – The Return From Stars
1983 – A New Year Song of Old Nick
1983 – The Last Year’s Snow Fell
1984 – An Alarm Clock
1984 – The Back Side of the Moon
1985 – Brick, Clownery
1985 – The Marks
1986 – How not to Anger the Neighbours
1986 – How to Warm the Tent
1986 – The Wings, The Legs and the Tails
1986 – There and Back
1986-1987 – The Investigation is Held by Koloboks
1989 – Lift 1
1989 – Lift 2
1991 – The Putch
1992 – Lift 5
1996 – Pilot Brothers Cook Macaroni for Breakfast
1999 – Gone with the Wind
2002 – The Red Gate Rasemon
2004 – How Pan was a Horse
2004 – The Interpreting of Dreams

Link

Pass: Qrosawa

Excerto de Malteses, burgueses e às vezes, de Artur Semedo, 1974.

Excerto do documentário Novo Cinema Cinema Novo, da série História do Cinema Português, 1998, prod. Acetato Filmes.

Excerto de Sofia e a educação sexual, de Eduardo Geada, 1974.
Narração de Ana Zanatti.

Excerto do documentário Novo Cinema Cinema Novo, da série História do Cinema Português, 1998, prod. Acetato Filmes.

Excerto de Cartas na mesa, de Rogério Ceitil, prod. Centro Português de Cinema, 1973.
Narração de Ana Zanatti.

Excerto do documentário Novo Cinema Cinema Novo, da série História do Cinema Português, 1998, prod. Acetato Filmes.

Cuando hace tiempo anuncié aquí la muerte de Michael Jackson, el rey del pop y, en su momento, la persona más famosa del mundo, comentamos que quizá no tenía mucho que ver con el mundo del cine, aunque sí, claro, sus videoclips eran piezas fuera de serie, había aparecido en Men in Black 2 y algo más. Su influencia es más que notable en el mundo cinematográfico, pero su presencia física más bien discutible. El caso es que Michael Jackson afirmaba que el cine era el “arte definitivo”, porque tenía música, imágenes… Se consideraba un enamorado de Spielberg, Star Wars, Tiburón, y decía que le encantaría hacer películas. Curiosamente a finales de este mes se estrena una de ellas, ‘This is it’, presumiblemente un megahit taquillero que amasará una fortuna a la velocidad de la luz, quizá por el morbo de una inminente muerte y el desconocimiento del tipo que la va a sufrir. Te la venden como “La” película de Michael Jackson, pero lo cierto es que este hombre tiene varias piezas en su filmografía.

Vamos a conocerla un poco mejor, con la esperanza no sólo de quitarnos ese peso de encima que supone haber pasado de él hasta que un paro cardíaco se lo ha llevado a un carísimo cementerio, sino también para conocerle mejor que con todos los documentales posibles y recordar una época que desgraciadamente ha pasado a la historia en la que confluyeron algunos de los más grandes profesionales del mundo.

“Me encantan las películas, me han gustado desde que era niño. Durante dos horas puedes ser transportado a otro lugar. Las películas pueden llevarte a cualquier sitio. Eso es lo que a mí me gusta. Puedo sentarme y decir: “Muy bien, a partir de ahora no existe nada más, llévame a un lugar maravilloso y hazme olvidar mis angustias, preocupaciones y mi programa de trabajo.” Michael Jackson.

Hasta la llegada de Thriller, un videoclip era un tipo cantando una canción. Ni más ni menos. Su famosa coreografía rodeado de Zombies, dirigida por John Landis, director de películas como ‘Un hombre lobo americano en Londres’ consiguieron que su disco fuera el más vendido de todos los tiempos (y tal como están las cosas, nadie lo baja de ahí ni a tiros). Luego llegó Bad, dirigida por Martin Scorsese, que relataba una historia basada en un hecho real: la de un chico de los bajos fondos que logra hacer una carrera universitaria y que al regresar a casa es obligado por sus amigos a demostrar su valentía atacando a un transeúnte. La gracia de ambos videoclips consistía en un despliegue visual diferente a lo habitual. Antes sólo podías cantar o bailar, o tratar de compaginar ligeramente ambas disciplinas (que se lo digan a Fred Astaire, que le costó lo suyo), mientras que Michael demostró que era capaz de hacerlo todo, y bien.

Con Thriller (que se iba a haber llamado Starligth Love) alcanzó la cúspide mundial. Y fue a partir de ahí cuando dejó la apariencia de una persona normal para vivir en la opulencia y excesos propios de la década de los ochenta, como podemos ver en su ropa en el videoclip de Bad. Se dice que Freddy Mercury, tras grabar varias canciones con Jackson, aseguró que éste “había perdido todo contacto con la realidad” tras Thriller. Quedándonos con ese pequeño detalle, sigamos adelante y analicemos ‘Captain Eo’.

CAPTAIN EO

“Captain Eo se hizo porque los estudios Disney querían que yo montara un número nuevo para los parques. Dijeron que no les importaba lo que hiciera mientras fuera algo creativo”. Michael Jackson.

En 1986 George Lucas seguía siendo el tipo que iba a revolucionar el cine, era relativamente joven y el mundo brillaba con purpurina, ilusión, hombreras y la explosión del Challenger a pocos segundos después de abandonar la plataforma de lanzamiento. Bajo aquel panorama mundial y con la recurrente moda del 3D en auge, George Lucas y Michael Jackson se juntaron para dar forma a un cortometraje de 17 minutos. En un principio se intentó contar con Steven Spielberg para dirigirlo, pero como estaba ocupado, el elegido fue Francis Ford Coppola.

A grandes rasgos el cortometraje trata acerca de una nave espacial llena de perdedores, a punto de ser expulsados de la legión, que tienen la misión de entregar a una maléfica reina un regalo. Son claros su aire infantil, los guiños y homenajes a Star Wars y un cierto tufillo a Dune. Por ejemplo, Michael (El capitán Eo) es el único humano de su nave espacial, mientras que los demás son marionetas de peluche, robots y seres alienígenas bastante incompetentes que no pueden impedir que los ataquen en pleno vuelo. Mientras la nave entera arde y saltan chispas, un holograma del comandante de la flota le pregunta a Michael qué está pasando, y el responde: Nada, señor, un pequeño malfuncionamiento en las armas. Exactamente el mismo chiste con el que Han Solo trataba de justificar un tiroteo en el Episodio IV. Luego viene una larga persecución por algo muy parecido a la trinchera de la estrella de la muerte, que culmina en un accidente y con que todos son capturados.

Ante la reina, Michael le dice que el regalo es propio para alguien de su belleza interior, pero que no tiene una llave que la pueda mostrar al mundo. Por supuesto, el regalo consiste en que los miembros de la tripulación cogen instrumentos (y un robot que se transforma en tal) y empiezan una canción, mientras Michael recluta a todos los esbirros de la reina y con rayos los transforma en los bailarines que habrá detrás. Están los momentos graciosos con el tripulante más tonto de la nave, un elefante que toca el piano y que recuerda sospechosamente a uno similar que aparecía en “el retorno del Jedi” tocando en la guarida de Jabba el Hutt, y el consiguiente cambio físico de la reina malvada por una mujer más normal, los aplausos y los vítores para empezar a tocar una canción mucho más alegre mientras el Capitan Eo y los demás regresan a la nave y emprenden el viaje de regreso.

‘Captain eo’ tuvo su guiño en la serie Padre de Familia, que podeis ver aquí.

Sin embargo poco hay de ironía o de mala baba en Captain Eo. Se trata de un cortometraje cargado de ilusión y buenas intenciones que seguramente hizo disfrutar a muchas personas cuando se estrenó y que se ha vuelto a emitir en Disneyland tras la muerte de Jackson. Por aquella época se suponía que los niños eran inocentes, cosa que hoy día no es así, y que Captain Eo iba dirigido a ellos. Si miráis la foto de abajo, y una vez visto el cortometraje, os daréis cuenta de que efectivamente hubo un niño que se lo pasó realmente bien con él.

Moonwalker.

“Me gusta estar con los niños, ellos lo observan todo, no pasan de nada, miran las cosas con ojos nuevos y mentes abiertas, esto es, entre otras cosas, lo que les hace tan creativos. No se preocupan por las reglas, el dibujo no tiene que estar en el centro de la hoja, el cielo no tiene que ser azul, y también aceptan a las personas. Lo único que exigen es que se les trate con justicia y que se les quiera. Me parece que eso es lo que pedimos todos.” Michael Jackson.

Lo siguiente es una rareza. Se sigue considerando la única película que hizo Jackson, y es digna de estudio. Digamos que no sigue un hilo argumental o la estructura propia de un filme, aunque se le llame así por su formato, duración y distribución. Al principio se nos hace un repaso por su vida y evolución desde que era un niño cantando con los Jackson Five hasta la canción rockera Dirty Diana. Sus premios, su accidente grabando el anuncio de Pepsi que le cambiaría la cara para siempre… Luego daremos paso a una versión de su video Bad realizada por niños que al final atraviesan una nube de humo para ver a Michael al fin, como si hubieran crecido, y que de pronto se ve asediado por un enjambre de marionetas de plastilina que le siguen como posesos. Alguno de ellos parece un ciempiés con decenas de cámaras de fotos, por lo que tiene que correr por todo un estudio de cine hasta esconderse en un armario y allí disfrazarse con lo primero que encuentra, es decir, con ropa y máscara de conejo. Aun así no logra despistar a sus fans, y se inicia una persecución que no es ni más ni menos que el videoclip de otra canción suya: Speed Demon.

Así que mientras los va dejando atrás podemos ver al susodicho conejo huyendo en moto…

O transformándose en alguien famoso para despistar, un gallifante a quien descubra quién es este obrero.

Finalmente llega a un desierto que parece sacado de un capítulo del coyote y el correcaminos, se quita el traje pero éste parece cobrar vida por sí mismo. Entonces ambos bailan hasta que un policía le multa por infringir la señal que podéis ver más abajo. Michael intenta excusarse diciendo que estaba allí con un amigo, pero éste ha desaparecido, así que coge la multa, va a montarse en la moto y, por un momento, se ven en las montañas la forma del conejo, que le guiña un ojo. Michael sonríe y pasamos a otra parte del film.

“Quizá lo mejor de Michael fuera antes de que sucumbiera a la presión de ser Michael” Jane Fonda.

El siguiente fragmento de Moonwalker es el videoclip de “Leave me Alone”, con el que trataba e enviar un claro mensaje: déjame solo. Cantaba a todos aquellos que le hacían la vida imposible, publicando en los periódicos noticias falsas o que contaban la mitad de la verdad. Que sí había montado un templo a Elizabeth Taylor en su casa, que si se había operado la nariz (él admitió que si, y qué importaba) que si intentaba parecer más blanco (aunque siempre alegó que fue una enfermedad, pocos le creyeron hasta que su autopsia le dio la razón) etc, etc…

Luego viene la que quizá sea la parte más famosa de Moonwalker, una edulcorada historia acerca de un gánster interpretado por Joe Pesci (el ladrón bajito y calvo de sólo en casa, si es que soy más útil que la wikipedia) que quiere incitar a los niños al consumo de drogas, pero Michael y una niña le descubren y por eso intentan matarlos. Lo más curioso no son los fragmentos a cámara lenta en la que los niños y Michael disfrutan jugando en el campo (fuente de incontables chistes sobre su supuesta pedofilia) sino que Michael resulta que es un mago que obtiene su energía de las estrellas fugaces y que es capaz de transformarse en un coche molón y en un robot gigante para acabar con todos los malos segundos antes de cambiar de forma y sobrevolar la zona como impresionante nave espacial. Además, con su magia es capaz de entrar en una discoteca que lleva abandonada desde los años 30 y encontrársela llena de gente, donde se realiza uno de los mejores y más famosos videoclips de la historia: Smooth Criminal.

La opinión general es que Moonwalker es una bizarrada de cuidado, con un par de buenos momentos. No es más esperpéntica que la película de Operación Triunfo o el almacén de cosméticos del cantante de Tokio Hotel, pero por no seguir un patrón más “clásico” se recomienda su visionado únicamente a los fans del artista. Sin embargo aún queda una más, ‘Ghost’, que nos muestra mejor que nadie las consecuencias de su extrema fama y sus rarezas.

GHOST

“Un día, en plena preproducción, Michael se quedó dormido. En otra ocasión llamó a Tabby (mi mujer) para preguntarle un teléfono donde yo fuera a estar ese día. A los cinco minutos Michael volvió a llamar llorando porque decía que al no tener bolígrafo había tratado de escribirlo en la alfombra. Tabby, con mucha paciencia, se lo volvió a dar… pero nunca me llamó.” Stephen King.

Ghost es una historia que pretende ser terrorífica y a la vez divertida. Como lo habitual en alguien como él era el videoclip, Ghost es el más largo del mundo, con una duración de 40 minutos plagados de efectos especiales y cuentos de fantasmas. Para ello Michael Jackson recurrió a dos reyes más, a Stephen King, el rey del Terror, y a Stan Winston, el rey de los efectos especiales. Este último, creador de prácticamente todo lo bueno de los últimos treinta años de FX, falleció el año pasado llevándose una forma de hacer y entender la magia en el cine. King y Jackson escribieron juntos una historia acerca de un hombre llamado “El Maestro” que vive encerrado en una mansión que se dice está encantada, y de un pueblo aparentemente normal, con un alcalde que quiere expulsarle de él.

Lo curioso es que en este cortometraje los niños también tienen un papel protagonista. Son los que conocieron al Maestro y éste les asustó y encantó con sus trucos de magia (no voy a hacer chistes, porque bastantes hay ya) y en cierto modo son los únicos que no ven mal que haya un hombre como él viviendo en el pueblo. Sin embargo los padres, escandalizados por el comportamiento del Maestro, que “vive solo y no sale nunca” recurren al alcalde que le dice al maestro frases tan duras como “Vuelve al circo, porque eres un anormal, monstruo. Lárgate o tendremos que hacerte daño… eres raro…. Y no me gustas.” Entonces el Maestro, aficionado a los juegos de terror decide que el primero que se asuste, tendrá que irse del pueblo.

“¿A todos les gustan los juegos aquí? ¡Helloooou!!!! Hora de jugar!!!”

Así empieza el contraataque del Maestro. Empieza poniendo muecas estúpidas, diciendo: “¿Crees que esto da miedo? ¿No? Bien, ¿Y esto?” pero como el alcalde sigue insultándole opta por gritar: ¿Esto te asusta?

El maestro se quita toda la piel de su cabeza y deja al descubierto su cráneo, cierra las puertas y no deja salir a nadie diciendo: Es demasiado tarde, sois mis huéspedes. Por cierto… ¿Os dije que no estaba solo? Conoced a la familia.

Así que luego presenciamos varios minutos de coreografías en las que la ley de la gravedad, por ejemplo, no importa en absoluto. Algunos momentos maravillan al público y otros los aterran, hasta el extremo de que, cuando el alcalde mira con infinito odio al Maestro, éste se despoja de ropa y carne para mostrarnos su esqueleto.

Así se inicia la lucha entre estos dos hombres por ver quién tiene derecho a quedarse. Ghost es un portento de efectos especiales que incluso hoy, trece años más tarde, no han envejecido en absoluto. Quizá el que más impresione no es el esqueleto recreado con captura de movimientos, (una réplica perfecta, con todo lo truculento que eso conlleva, de la forma ósea de Michael) sino uno de los múltiples personajes que éste interpreta: Al propio alcalde del pueblo.

Y es que es sencillamente alucinante lo bien que queda en pantalla este hombre siendo nada más y nada menos que kilos de maquillaje y prótesis de látex. Una muestra de por qué el estudio de Stan Winston se merece todos los Óscars que se ha llevado y más, lo que reafirma mi opinión de que el abuso de ordenadores ha destruido una parte importantísima de la “gracia” de hacer cine. Un detalle a resaltar es que con ese maquillaje puesto Michael Jackson pudo por primera vez en toda su vida salir a la calle sin que la gente gritara y le persiguiera, y sentarse en un banco en mitad de Disneylandia sin cientos de personas a su alrededor buscando una parte de él.

Ghost se estrenó fuera de concurso en el festival de Cannes en 1997, donde obtuvo buenas críticas y fue lanzada en VHS junto con copias de una película de Stephen King, “Maleficio”. Es la última de las películas de Michael Jackson, en la que queda patente sus ganas de ser otra persona, de escapar de todo aquello que consiguió y poder tener un día tranquilo y normal, salir al supermercado y llenar el carro con comida, disfrazarse, transformarse, ser inocente como los niños y la tristeza de ser considerado un bicho raro. ¿Era verdad toda esa inocencia que destilaba fuera de los escenarios? ¿Realmente era un niño grande al que Internet, en sus comienzos, le jodió la vida porque era raro, callado, tímido y demasiado famoso como para no creerte cualquier cosa que le sucediera? Con tanta ironía como hay en el mundo, con tantas insinuaciones acerca de que su amor por los niños era algo más carnal que lo que él aseguraba llorando y hasta con rabia, ¿Era él de las últimas personas inocentes que he visto en este mundo?

‘This is it’ promete darnos una nueva visión de este hombre. Algo como “nunca se ha visto”, que “cambiará para siempre nuestra percepción sobre un genio como él”. Esto ya lo he escuchado antes, y siempre nos contarán lo mismo. Dentro de unos días os diré cómo ha sido ‘This is it’, y si es verdad todo lo que nos anuncian. De momento, si queréis sacar algo más de cómo era el verdadero Michael Jackson, os dejo con dos frases que espero que os hagan pensar.

“El precio de la fama puede ser muy alto. ¿Merece la pena? Piensa que, en realidad, no tienes vida privada. No puedes hacer nada sin tomar una serie de medidas especiales. Los periódicos imprimen todo lo que dices, informan de todo lo que haces. Saben lo que compras, qué películas ves, todo lo que puedas imaginar. Si voy a la Biblioteca Pública dan los títulos que pido. Una vez en Florida publicaron en el periódico mi programa completo: Todo lo que hice desde las diez de la mañana hasta las seis de la tarde. Recuerdo que pensé: ¿Y si hiciera algo que no deseara ver publicado? Ese es el precio de la fama. Mis amigos y colaboradores saben que hay “otro” Michael al que me resulta difícil exponer en las extravagantes situaciones públicas en las que a menudo me veo.

Mucha gente me pregunta cómo soy: Mi música favorita es una mezcla extraña, me gusta la música clásica, me encanta la comida mexicana, soy vegetariano así que mis platos favoritos son a base de furta y verdura fresca. Me encantan los juguetes y los artilugios. Si me gusta alguno, me lo compro. Para mí, nada hay más importante que hacer feliz a la gente, distraerles de sus problemas y preocupaciones, aliviar sus cargas. Que digan que mi espectáculo les ha gustado y quieren volver, para mí es lo único que cuenta”. Michael Jackson.

“Si lo miráis veréis la tristeza de Jackson y el deseo casi doloroso de agradar. Sí, soy extraño, dicen sus ojos, pero estoy haciénolo lo mejor que puedo, y quiero haceros felices. ¿Es eso tan malo? El jurado lo declaró inocente, sin embargo el mundo lo encontró culpable de ser raro en tercer grado, y lo condenaron a vivir recluido. De castillo encantado en Castillo encantado. Finalmente, murió en uno de ellos.” Stephen King.

ipanonima

L’UNESCO (e scusate se è poco), la stessa organizzazione che ha dichiarato il posto dove vivo Patrimonio Culturale dell’Umanità, ha proclamato per oggi la Giornata Mondiale dell’Eredità Audiovisiva, World Day of Audiovisual Heritage.

Dispiace per la contemporanea giornata delle librerie scolastiche, ma per un amante del cinema come me la scelta è obbligata.

Visto che il senso della festa è ricordare i capolavori del cinema passato, i film cult che hanno fatto la storia, come non ricordare un regista cult a sua volta oggetto della famosa battuta cult di Paolo Villaggio?   Non voglio però ricordare la cagata pazzesca di fantozziana memoria, la Corazzata Potemkim, ma un altro capolavoro di Sergei Eisenstein, il film sperimentale Ottobre, del 1927, di cui curiosamente su youtube trovate vari trailer moderni.  Io ho scelto questo (e spiegherò perché), ma anche gli altri meritano.

Ottobre è un film strano, quasi inguardabile, con un montaggio videoclipparo in anticipo di circa una sessantina d’anni su MTV, la prima volta che che l’ho visto è stata durante una proiezione all’Istituto Gramsci della mia città (quella di origine, non questa patrimonio mondiale dell’umanità), con le scritte in cirillico tradotte da un’interprete che pronunciava ogni parola in modo piatto e meccanico, con la stessa enfasi che potrebbe metterci un pezzo di marmo.

Il film tuttavia mi aveva colpito, poi l’ho rivisto in videocassetta, e in particolare per il cattivo del film, un personaggio dimenticato dalla Storia, ma che probabilmente aveva ragione lui.

Aleksandr Federovic Kerenskij era un socialdemocratico, voleva fare della neonata (e presto defunta) Repubblica Russa una democrazia parlamentare, è finito scappando su una limousine vestito da marinaretto prima a Parigi e poi negli Stati Uniti a insegnare Storia all’università.  La rivoluzione di Ottobre fu contro di lui, che in quel momento era a capo del governo provvisorio, rovesciato dalla rivoluzione, o potremmo dire anche dal colpo di stato dei bolscevichi di Lenin.

Benché nel film Kerenskij ricopra la parte del cattivo, è in fondo l’unico vero protagonista del film, perché è l’unico personaggio reale, l’avvocato di sinistra che si fa corrompere dai lussi del palazzo imperiale, che accetta le regole della democrazia e della diplomazia borghesi, che si perde tra i cristalli e le ceramiche del Cremlino.  In questo trailer (l’ho scelto apposta) compare spesso, è quello vestito da militare, con i guanti di cuoio in mano, che fraternizza con gli ex zaristi e ha quello sguardo torvo da perfetto cattivo cinematografico.

A me Kerenskij ha sempre affascinato anche come personaggio storico, così particolare, contraddittorio, un rivoluzionario controrivoluzionario, una persona che ha vissuto una vita eccezionale fino a 36 anni e poi nulla di particolare fino ai 90, un personaggio moderno, contemporaneo, lo vedrei bene in un libro di Kafka per la sua complessità mitteleuropea.

Insomma, Ottobre è un mio film cult, ma io tengo decisamente per Kerenskij.

Filmografía Asiática

Siguiendo con la idea de empaparme poco a poco con la cultura del sudeste asiático, otra vez vengo pidiendo vuestra colaboración, y con este tema estoy aun más verde que con el de la literatura, porque libros me he leído ya unos cuantos (y los que me quedan) pero en lo que se refiere a la filmografía no he visto apenas nada de cine relacionado con el viaje. Lo cual es bastante raro, pero no me han llegado títulos que me ayuden a adentrarme en los países que voy a visitar.

Por ahora sólo llevo vista una película, y es sobre India, si no la habéis visto la recomiendo muchísimo, se trata de “Agua” de Deepa Mehta. Una película que muestra como a mediados de siglo XX eran tratadas las viudas, muchas de ellas niñas que no habían ni siquiera llegado a conocer a sus maridos, pero que por el acuerdo entre los padres de los novios ya se consideraban casadas. La película muestra la vida y el día a día de una de “estas casas de viudas” donde iban a vivir una vez muerto el marido, y donde pasaban a valer menos que nada. La película es dura pero tiene también golpes de humor. Insisto, muy recomendable.

Siendo sincero también he de contar “Slumdog Millionaire” de Danny Boyle. Esta película todo el mundo la conocerá porque fue la ganadora del Oscar a mejor película en la pasada edición de los premios. Me gustó también mucho y la verdad es que aunque también tiene toques de humor muestra la India de las mafias y de la miseria de una manera muchas veces cruda. Esta basada en los suburbios de Mumbai, mi primer destino!

Esta semana he quedado para ver otra película india, esta vez un remake versión india de “Orgullo y prejuicio”, en inglés la película se llama “Bride and Prejudice” de Gurinder Chadha. Como digo, se trata de la versión india de la novela de Jane Austen. He visto las primeras escenas de esta película y es más del estilo Bollywood de los bailes los colores las canciones y el humor. Más desenfadada, vamos.

Esto es lo que tengo por ahora, poca cosa, pero de nuevo con vuestra ayuda y yo que me pondré a buscar a ver que encuentro intentaré ir ampliando la filmoteca sobre estos países. Como escribí en la entrada anterior:

Quien tenga más sugerencias sobre filmografía de estos países: India, Bangladesh, Nepal, Laos, Camboya, Vietnam, Myanmar, Filipinas, Malasia o  Indonesia, estaría tremendamente agradecido si lo pudiese compartir!

Gracias de nuevo, y a ver si sale algo!

Editado

• De Myanmar a propuesta de Ignacio: “Beyond Rangoon” de John Boorman.

• De India Ku nos ofrece lo que parece ser una obra maestra: “La Trilogía de Apu”, de Satyajit Ray

• De India de nuevo, el Pixel viajero, o “Pixelito” cariñosamente nos recomienda: “Wanted” de Prabhu Deva y “Hello” de Atul Agnihotri

Estou postando aqui a relação de todos, ou quase todos os filmes sobre Vampiros desde 1922…

Sempre que houver lançamentos eu colocarei a resenha dos filmes e minha opinião sobre o mesmo.

Todos os posts que são grandes eu estou colocando um resumo e um link para o artigo inteiro.

fonte: http://www.bibliotecadosvampiros.com

Escolha o período: 1922 – 1970 - 1971 – 1990 - 1991 – 2000 - 2001 – 2008