Oyez, oyez. La Maison de l’Image, à Aubenas en Ardèche (voilà pour le rappel géographique) organise depuis 1999 les Rencontres des Cinémas d’Europe. Durant une semaine en novembre, une cinquantaine de films sont programmés dans les 6 salles des cinémas Navire et Palace d’Aubenas. Cette manifestation (sans compétition) a pour vocation de porter un éclairage particulier sur les films réalisés et produits dans les différents pays du Vieux Continent (qui ne manque pas de talents neufs en revanche), en diffusant une cinématographie peu connue et peu médiatisée.
De nombreuses figures du 7e Art européen ont déjà fréquenté l’événement, de plus en plus prisé (près de 15 000 visiteurs l’an dernier !) : Jacques Audiard, John Boorman… Ils seront encore nombreux pour cette onzième édition, où sera entre autres célébré Ingmar Bergman.

La programmation suit les axes suivants :
- Hommages ;
- Panorama de films européens de l’année ;
- Rétrospective (cette année, donc : Ingmar Bergman) ;
- Films jeune public ;
- Débats quotidiens ;
- Activités en relation avec le travail à l’année de la Maison de l’Image : documentation, librairie, stage de réalisation audio-visuelle, accueil et encadrement de scolaires et d’étudiants.

VERSUS est partenaire de la 11ème édition des Rencontres des Cinémas d’Europe du 15 au 22 novembre prochain.
Rendez-vous très bientôt au cœur de ce carrefour culturel incontournable !

Depuis qu’elle s’est séparée de Nigel, Léna traverse la vie comme elle peut avec ses deux enfants. Elle triomphe avec vaillance des obstacles semés sur leur route. Mais il lui reste à affronter le pire : l’implacable bonté de sa famille qui a décidé de faire son bonheur.

Voilà, typiquement les scénarios de film d’auteur français. Une petite aventure égocentrique à la recherche de soi-même. Alors que dire du scénario ? Il doit certainement parler à quelqu’un mais ce n’est pas mon cas. J’en conclurais donc que ce film ne s’adressait peut-être pas à moi mais à un public plus âgé, plus averti ? Soit. Mais le script pêche vraiment par deux points : son inconsistance et sa futilité.

1h45 à tourner en rond, ça peut paraître long. Mais ces quasi-deux heures passent vite grâce notamment aux qualités évidentes de Christophe Honoré en tant que metteur en scène. Même si on a la sensation parfois qu’il prend le spectateur pour un couillon et par la main comme avec cette scène où la pauvre Léna rame sur le fleuve et n’arrive pas à s’en sortir non plus comme une métaphore de sa vie de merde. Mais on lui pardonne pour la virtuosité dont il fait preuve. Je suis resté aussi dubitatif devant la séquence “danse bretonne” qui coupe le film en deux en étant atrocement longue. Quel était le but ? Faire bien comprendre aux gens la relation entre le titre du film et la fin du susdit ? Encore une fois, un exercice de style visuellement beau mais incohérent dans l’ensemble. Alors j’avoue avoir passé plus de temps à déchiffrer les plans qu’à m’émouvoir des déboires de Chiara.

Et parlons-en des déboires : elle alterne entre le bon et le pitoyable et l’on finit par se demander si ce n’est pas ça jouer un rôle avant de se rendre compte que non, elle en fait quand même un peu trop. A ses côtés, Marina Foïs est impeccable et prouve qu’elle peut jouer à peu près tout notamment grâce à sa voix cinglante et sa répartie facile. Quant à Louis Garrel, je suppose qu’il doit faire grincer des dents mais j’aime sa façon de survoler les films avec sa voix aérienne, ses manières de théâtreux et son débit soigné. Les personnages secondaires sont anecdotiques, rien de concret ne se dégage d’eux.

La bande-sonore est à l’image du film. Lente, pesante et inquiétante. Le tout est à l’image de l’ambiance dans la salle lorsqu’apparaît le générique de fin. Le silence que personne n’ose rompre en se levant et la question éternelle : “Tout ça pour ça ?”

En conclusion, “Non ma fille, tu n’iras pas danser” et j’irais pas danser avec elle non plus.

Le film français est un film d’auteur. Il est souvent à sujet assez personnel. Il propose très peu de mouvement et souvent beaucoup beaucoup de dialogues. Il se caractérise par sa lenteur que certains qualifieraient de “chiante”, d’autres de “poétique”, c’est selon. Le film français a ses grands admirateurs ainsi que ses détracteurs de toujours.

Les notes de chaque catégorie ne se valent pas entre elles. Il est inutile de crier au scandale lorsqu’une petite merde a une meilleure note qu’un film plus sérieux. Chaque catégorie possède ses propres critères et un 2/10 dans l’une peut ne pas valoir un 8/10 dans l’autre. Merci de votre compréhension.

Voici une comédie française de grand succès.

Voici le trailer d’un film à ne pas manquer.

A l’occasion de la sortie de “Vengeance” de Johnnie To et de “Jusqu’en enfer” de Sam Raimi, les thèmes de la vengeance et de la rédemption sont à l’honneur. De Charles Bronson à Kurosawa, de Tarantino à Ridley Scott, le cinéma s’est intéressé à plusieurs reprises à des histoires de ce type. L’occasion pour nous de revenir sur certaines d’entre elles.

Kill Bill

Réalisation : Quentin Tarantino.
Scénario : Quentin Tarantino & Uma Thurman.
Distribution : Uma Thurman, David Carradine, Michael Madsen, Daryl Hannah, Lucy Liu…
Synopsis : Une ancienne tueuse à gages avait décidé de se ranger pour mener une vie paisible, loin de la violence qui l’accaparait dans le passé. Sauf que son ancienne organisation ne l’entendait pas de cette oreille là. Lors d’une répétition de mariage, elle voit ses anciens collègues débarquer sauvagement et tirer sur tout ce qui bouge. Laissée pour morte, elle se réveillera de son coma plusieurs mois plus tard. A partir de ce moment, elle n’a qu’une seule obsession : retrouver Bill, chef de son ancienne organisation, et le faire payer.

Au-delà du côté diablement fun du film et des scènes de combat ultra-esthétiques, Tarantino questionne véritablement la légitimité de la vengeance. Notamment lors d’une des premières scènes du premier volume lorsque Uma Thurman retrouve Vivica Fox. D’un côté, Uma, femme brisée assoiffée de vengeance à qui on a pris son mari, le bébé qu’elle attendait et la nouvelle vie qu’elle s’était minutieusement préparée. De l’autre, Vivica qui a elle aussi quitté son boulot de tueuse à gages et est désormais une mère de famille respectable. Justement, sa toute jeune fille rentrant de l’école viendra surprendre les deux femmes au beau milieu d’un combat ahurissant. Quand, un peu plus tard, elle trouvera sa mère morte, la réplique d’Uma Thurman témoignera du parti pris de Tarantino : on a le droit de se venger. “It was not my intention to do this in front of you. For that, I’m sorry. But you can take my word for it, your mother had it comin’. When you grow up, if you still feel raw about it, I’ll be waiting.” Ainsi, la vengeance est complètement acceptée, mieux elle est encouragée. Plus tard, Michael Madsen ira aussi de sa réplique : “That woman deserves her revenge and we deserve to die.”

Man on fire

Réalisation : Tony Scott.
Distribution : Denzel Washington, Dakota Fanning, Christopher Walken…
Scénario : Brian Helgeland d’après l’oeuvre de A.J Quinnell
Synopsis : Un ancient agent de la CIA, exilé au Mexique, se reconvertit en tant que garde du corps de la petite Pita Ramos, fille d’un riche industriel. Au fur et à mesure, il va se nouer des liens assez forts avec elle. Forcément, quand elle va être kidnappée, il va se lancer à la poursuite des ravisseurs armé d’une rage sans pareille.

“Man on fire” est intéressant dans le sens où il renoue avec la tradition des héros mauvais garçons. John Creasy, le personnage interprété par Denzel Washington, est sans peur, sans reproches et, surtout, sans aucune morale. Pour récupérer la petite, il est prêt à détruire absolument tout ce qui se trouvera sur son passage. S’il avait été incarné par un autre acteur, on l’aurait facilement imaginé raciste sur les bords, sorte de Harry Callahan 2.0. Dans le film, le chemin vers la vengeance est vue comme une longue quête vers la rédemption. Coupable d’erreurs dans le passé, alcoolique notoire, John Creasy voit dans cette histoire une chance de sauver son âme. Jusqu’à se sacrifier volontairement lors d’une scène de fin bouleversante.

Permis de tuer

Réalisation : John Glen.
Distribution : Timothy Dalton, Robert Davi, Anthony Zerbe, Carey Lowell…
Scénario : Michael G. Wilson & Richard Maibaum d’aprrès l’œuvre de Ian Fleming.
Synopsis : Le légendaire 007 va utiliser son permis de tuer contre l’avis de ses supérieurs dans le but de venger des amis à lui sauvagement assassinés.

Timothy Dalton fut un grand James Bond. Moins british que Roger Moore, moins charismatique que Sean Connery, moins séducteur que Pierce Brosnan, il restera dans l’histoire des 007 quasiment aussi anecdotiques que Georges Lazenby. Pourtant, il est, en quelque sorte, le père de Daniel Craig. Comme lui, il est outrancièrement violent, se moque complètement de la hiérarchie et a davantage une tête de Russe, traditionnel ennemi de James Bond, que de britannique. Sincèrement, le petit sourire en coin fouinard de Thimothy Dalton ou son expression froide et rigide quand il regarde un ennemi se faire dévorer par un requin le rapproche davantage des bad guy traditionnellement portés à l’écran que des super-héros. Dans ce contexte là, il était simplement parfait dans ce rôle d’un 007 meurtri (tiens, comme Daniel Craig à la fin de “Casino Royale”) et cherchant à tout prix à venger ceux qu’il a perdus (tiens, comme Daniel Craig dans “Quantum of Solace”).

36 quai des orfèvres

Réalisation : Olivier Marchal.
Distribution : Daniel Auteuil, Gérard Depardieu, André Dussolier…
Scénario : Olivier Marchal, Julien Rappeneau, Franck Mancuso, Dominique Loiseau.
Synopsis : Alors qu’un gang de braqueurs sévit violemment, une terrible rivalité s’installe entre Léo Vrinks, patron de la BRI, et Denis Klein, patron de la BRB. En effet, celui qui réussira à faire tomber le gang est assuré de prendre le poste de directeur de la PJ.

“36 quai des Orfèvres” n’est pas directement un film sur la vengeance. En revanche, il est sûrement celui qui la légitime le plus. Composé en deux parties, il montre d’abord la guerre intestine que vont se mener Vrinks et Klein pour faire tomber le gang avant de montrer un Daniel Auteuil déchu, emprisonné et complètement seul. Olivier Marchal réalise un grand polar même s’il propose une vision finalement assez manichéenne : d’un côté un Depardieu prêt à tout pour réussir, de l’autre un Auteuil intègre et plein de principes. Dans ce contexte, le spectateur tombe forcément dans l’empathie et ne souhaite que la réhabilitation d’Auteuil. Peu importe si ça doit passer par la veangeance.

Jusqu’en enfer

Réalisation : Sam Raimi.
Distribution : Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver…
Scénario : Sam Raimi & Ivan Raimi.
Synopsis : Une jeune banquière zélée désireuse de grimper les échelons va refuser la prolongation d’un prêt à une vieille dame peu fortunée. Pour se venger, cette dernière va jeter un terrible sort sur la jeune femme…

Sam Raimi a fait sa trilogie “Spiderman”, tranquillement, sans trop se mettre en danger. Trois énormes blockbusters plutôt réussis et ponctués par un troisième volume à l’efficacité redoutable. De quoi révéler au grand public le talent de Tobey Maguire, le charme énigmatique de Kirsten Dunst, de confirmer la prédisposition physique de Willem Dafoe pour les rôles de psychopathes et, tout de même, de remplir considérablement son portefeuille. Et puis, comme s’il était fatigué de ces énormes machines qui le contraignent à n’insuffler sa patte que par moments, Sam a eu envie de revenir à ses premières amours. Honnêtement, voir ce quinquagénaire rondelet envoyer valser le temps d’un film les codes hollywoodiens a quelque chose de terriblement rafraichissant.
Kitschissime à souhait, “Jusqu’en enfer” reprend la recette qui avait fait de la saga “Evil Dead” une trilogie historique. Ici, la vengeance de la vieille dame n’est qu’un prétexte pour permettre à l’imagination débordante de Sam Raimi de s’exprimer : rébellion des esprits, meubles qui prennent vie (et référence évidente à la scène culte issue d’ “Evil dead 2″), exorcisme maladroit et transformation progressive des personnages principaux. En effet, comme dans le premier volet de sa célèbre trilogie, Sam Raimi a pris de jeunes acteurs encore peu connus dont la situation va évoluer au cours du film.
Justement, le choix d’Alison Lohman dans le rôle titre s’avère on ne peut plus judicieux. Avec sa tête de collégienne innocente, elle semble complètement perdue au milieu de ce déluge de violence. Dépassée par les événements, elle ne sait plus qui croire, son medium, son petit ami ou ces voix qui ne quittent plus son esprit. Et puis, elle va gagner en confiance au fur et à mesure jusqu’à combattre sa peur lors d’une magnifique scène de pré-fin dans le cimetière. Scène qui fera définitivement passer la miss de jeune femme à peu près charmante au visage trop rond à celui de futur sex symbol. Regardez la scène et on reparle après.

Alors ? : Sam Raimi signe son retour avec un film explosif, réellement terrifiant par moments, réellement hilarant à d’autres. Une dinguerie sans nom qui appâte le spectateur avec des gags improbables pour mieux le crucifier la minute suivante. Bizarrement, ça fait un bien fou.

Vengeance

Réalisation : Johnnie To.
Distribution : Johnny Halliday, Anthony Wong Chau-Sang, Simon Yam, Suet Lam, Sylvie Testud…
Scénario : Wai Ka-Fai.
Synopsis : Francis Costello, honnête tenancier d’un restaurant à Paris, vient en Chine pour venger sa fille et la famille de cette dernière attaquée dans leur maison. Costello va engager trois tueurs chargés de retrouver les coupables.

Le thème de la vengeance est a priori traité d’une manière terriblement classique ici. Un homme décide de venger sa fille et de livrer tous ses efforts dans une chasse aux assassins. Pour cela, il s’adjuge le services de tueurs professionnels. A priori, pour l’innovation, il faudra repasser. Sauf que “Vengeance” présente au moins trois bonnes raisons d’être vu :
- En premier lieu, Johnnie To retrouve la virtuosité derrière la caméra qui l’avait consacré il y a dix ans de cela pour “The mission”. A ce titre, la scène de gunfight dans la réserve de Macau est anthologique rappelant par sa chorégraphie et certains plans de vue les scènes de combat historiques visibles récemment dans “Les trois royaumes”. Les trouvailles visuelles sont nombreuses et permettent de dynamiser suffisamment un film qui aurait pu facilement s’essoufler.
- En faisant de Costello un revanchard qui perd petit à petit la mémoire, le film n’hésite pas à poser la question suivante : à quoi bon rime de se venger quand on ne se souvient même plus pourquoi on veut le faire ? C’est là où le scénariste a donné la complexité nécessaire au personnage de Costello pour hisser le film hors des sentiers battus. Loin d’être un vengeur sûr de lui, il est en réalité beaucoup plus fragile que sa grande carcasse le laisse présager et en vient même à se retrouver totalement perdu dans un pays qu’il ne connaît pas.
- Toujours dans la même veine, le film continue sa réflexion sur le sens de la vengeance lorsque Costello se retrouve nez à nez avec George Fung. Même lorsqu’il est sûr de d’avoir affaire au coupable, il semble épuisé, presque contraint d’appuyer sur la gachette en raison de la promesse faite à sa fille. La scène semble nous dire que même s’il obtient sa vengeance, il ne trouvera pas la paix intérieure pour autant…

Au-delà de ça, prendre Johnny Halliday pour le rôle principal était un véritable risque. Si Johnnie To comptait sur Alain Delon au départ, celui-ci s’est finalement rétracté après la lecture du scénario. Le rôle de Costello a donc échoué à Johnny qui apporte quelques confirmations quant à son éventuel potentiel de comédien. Autant être honnête, on sent que l’idole des jeunes routiers n’est pas initialement fait pour la comédie. En plus d’avoir a surmonté la difficulté de devoir parler en anglais, Johnny fait preuve d’un manque totale d’expression qui fait souvent passer son personnage pour un crétin fini qui donne la triste sensation de ne rien comprendre à ce qui se passe autour de lui. Pire, dans certaines scènes, on croit entendre Johnny dire à Johnnie “je t’avais prévenu, je suis fait pour remplir les stades, pas les salles de cinéma”. Sauf que, cette rigidité du faciès se transforme presque en qualité lorsque Costello fait part de ses problèmes de mémoire. Halliday gagne alors en crédibilité et insuffle toute la sensibilité nécessaire à ce baroudeur paumé à des milliers de kilomètres de chez lui.

En prime, une réplique qui restera : “This coat belongs to you….BANG”. Déjà classique.

Finalement ? : “Vengeance” est un bon film de gangsters mélangeant à la fois les codes du cinéma occidental et ceux du cinéma asiatique. Johnnie To revient en force après un “Breaking news” qui avait laissé bon nombre de fans sur leur faim.

“Chacun cherche son chat” avait son lot de jolis moments, “Un air de famille” était tristement hilarant, “Le péril jeune” avait le mérite de mettre sur le devant de la scène une impressionnante brochette d’acteurs voués à réaliser de belles carrières par la suite, “Peut-être” est trop sous estimé mais, sans aucun doute, “Les poupées russes” est le chef d’oeuvre de Klapish.

Cette scène est terrible.

La sortie de “Anges et démons” et de “Millenium”, deux adaptations de romans à succès, est l’occasion de s’intéresser plus précisément à l’exercice. Gros plan sur cinq films inspirés plus ou moins librement de best-sellers.

Da Vinci code
Réalisation : Ron Howard
Distribution : Tom Hanks, Audrey Tautou, Jean Réno,
Scénario : Akiva Goldsman d’après l’œuvre de Dan Brown
Synopsis : L’histoire, le monde entier la connaît. Un spécialiste, Robert Langdon, est appelé pour enquêter sur de mystérieux symboles laissés par le conservateur du Louvre avant de mourir. Bob va mener l’enquête et découvrir peu à peu que ces signes mènent à une organisation religieuse secrète…

Outre les remises en cause religieuses troublantes que présentait le roman, Dan Brown avait réussi à y insuffler un rythme haletant qui m’a tout de même permis de le boucler en l’espace de deux jours. Si le livre présentait quelques inexactitudes et tombait parfois dans la facilité, il remplissait largement son contrat de divertissement.
Le film, lui, n’était pas aussi bien ficelé. Confronté à l’éternelle question que se posent les adaptations d’œuvres littéraires (comment condenser plus de 500 pages en 2H30 ?), il faisait l’impasse sur bon nombre d’éléments décisifs du roman et se traînait médiocrement en longueurs. Ajoutez à cela un casting discutable (Multi-oscarisé peut-être mais lorsque Tom Hanks conduit une voiture à grande vitesse dans Paris, on n’y croit pas du tout) et vous obtenez la photocopie parfaite de la mauvaise adaptation. Le livre était un tel phénomène planétaire que le film a fait un carton au box-office. Non sans décevoir pour autant les lecteurs de la première heure.

Le parfum : histoire d’un meurtrier
Réalisation : Tom Tykwer
Disribution : Ben Whishaw, Dustin Hoffman, Alan Rickman…
Scénario : Tom Tykwer, Andrew Birkin & Bern Eichinger d’après l’œuvre de Patrick Süskind
Synopsis : Jean-Baptiste Grenouille est à part. Tout ce qu’il fait est guidé par une seule chose : son nez. Les rares choses qu’il dit, ce qu’il voit, ce qu’il touche… Tout est dicté par les odeurs qu’il va sentir et exploiter à sa guise. Embauché chez un parfumeur, il va rapidement se mettre en tête de composer le parfum idéal. Pour cela, il lui faudra s’intéresser aux jeunes filles et s’emparer de leurs odeurs…

Ceux qui ont lu le roman de Patrick Süskind connaissent l’ampleur de la tâche qui se présentait devant Tom Tykwer qui succéda d’ailleurs à Stanley Kurbrick, Milos Forman, Martin Scorsese ou encore Ridley Scott, tous pressentis à un moment pour se charger de l’adaptation avant de laisser tomber. Et on les comprend. Très peu de dialogues composent le roman dans lequel tout est olfactif. Comment allait-il être possible d’incarner un personnage aussi complexe que Jean-Baptiste Grenouille, tueur en série guidé par son odorat ? Contre toutes attentes, le réalisateur de “Cours, Lola, cours” plonge avec réussite dans un XVIIIème siècle aux contradictions permanentes. Ben Wishaw campe un magnifique Grenouille, distant et énigmatique, froid et génial. SPOILER : En prime, la scène d’orgie finale est splendide.

Ne le dis à personne
Réalisation : Guillaume Canet
Distribution : François Cluzet, André Dussolier, Marie-Josée Croze, Kristin Scott-Thomas, Nathalie Baye, François Berléand, Jean Rochefort, Gilles Lellouche…
Scénario : Guillaume Canet & Phillipe Lefebvre d’après l’œuvre de Harlan Coben
Synopsis : Veuf depuis 8 ans, Alex, médecin, commence tout juste à faire le deuil. Mais un jour, il reçoit un e-mail qui le redirige vers une image de foule filmée en temps réel. Au milieu de celle-ci, il reconnaît le visage de sa femme. Déconcerté par ce qu’il vient de voir, Alex va devoir mener sa propre enquête pour tirer les choses au clair…

Des thrillers, il n’y en a pas beaucoup dans le cinéma français. Des adaptations de best-sellers américains non plus. Quant aux jeunes réalisateurs ambitieux, force est de constater qu’ils n’envahissent pas les salles de cinéma. Dans ce contexte, l’entreprise de Guillaume Canet était loin d’être aisée. Si son passage derrière la caméra s’était opéré avec succès pour le brillant “Mon idole”, on pouvait raisonnablement douter de sa capacité à mener à bien ce projet. Je n’avais pas lu le roman d’Harlan Coben et ne suis donc pas en mesure de m’exprimer sur le respect (ou non) de l’œuvre originale. En tout cas, Canet tient merveilleusement bien le spectateur en haleine, ponctuant le film de quelques belles scènes d’action, de moments poignants et d’un brin d’humour nécessaire (Cluzet en survet’, c’est inattendu mais terriblement efficace). Qu’on se le dise, Guillaume Canet est un de ces metteurs en scène avec qui il faudra compter.

Les rivières pourpres
Réalisation : Matthieu Kassovitz
Distribution : Jean Réno, Vincent Cassel, Nadia Farès…
Scénario : Matthieu Kassovitz & Jean-Christophe Grangé d’après l’œuvre de Jean-Christophe Grangé.
Synopsis : Pierre Niémans, flic expérimenté, et Max Kerkérian, jeune recrue à la recherche de sensations fortes, sont amenés à faire équipe sur de sombres histoires de meurtre avec mutilation…

Le dernier film intéressant de Kassovitz avant qu’il réponde aux sirènes d’Hollywood et que son cinéma se dilue tristement. Rarement un réalisateur n’avait laissé entrevoir autant de promesses pour finalement livrer des longs-métrages aussi insipides et prévisibles que “Gothika” et “Babylon A.D” (tiens, encore une adaptation). Du prometteur “Métisse” qui décelait plein de jolis moments au destructeur “Assassin(s)”, en passant évidemment par l’incontournable “La haine”, Kassovitz avait vraiment tout de la prochaine bombe. “Les rivières pourpres” n’a pas la puissance de ses premières œuvres, loin de là, mais s’avère être la meilleure adaptation d’un roman de Grangé à ce jour (à quand celle du “Vol des cigognes” d’ailleurs ?). Le duo Réno/Cassel, s’il est classique dans le forme, fonctionne bien et Kassovitz se permettait encore quelques effets de style qui lui font cruellement défaut aujourd’hui. Dommage, cependant, que le film se conclue aussi rapidement.

Blade runner
Réalisation : Ridley Scott
Distribution : Harrison Ford, Sean Young, Rutger Hauer, Darryl Hannah…
Scénario : David Webb Peoples, Hampton Fancher d’après l’œuvre de Phlip K.Dick
Synopsis : En 2019, les hommes ont mis au point une nouvelle forme d’esclave : les réplicants. Une poignée d’entre eux issus de la dernière génération Nexus 6 ont réussi à s’évader et à s’établir à Los Angeles. Rick Deckard est un ancien blade-runner, un de ces agents chargé de neutraliser et d’éliminer les réplicants. Pour l’occasion, il est rappelé au service.

“Blade runner”, le film, est la preuve qu’on peut s’inspirer (très) librement d’un modeste roman de science-fiction et d’en faire un bijou de près de deux heures sur grand écran. En effet, le roman de Philip K.Dick n’a fourni que l’idée de base : des blade-runner chargés de traquer les réplicants. Pour le reste, David Webb Peoples et Hampton Fancher se sont fait plaisir. L’action prendra place à Los Angeles, exit les moutons (true story) que tous les humains gardent chez eux, place à un Rick Deckard solitaire et torturé, loin du mari docile du roman… Si les scénaristes ont fait le nécessaire pour rendre l’intrigue plus adaptée au grand écran, “Blade runner” est loin d’être une superproduction bourrée d’effets spéciaux à la Star Wars. La lenteur du film contraste avec l’excitation de Los Angeles, ville surpeuplée et anarchique, et Ridley Scott introduit un élément totalement absent du roman : la possibilité que Deckard soit lui-même un réplicant. J’avais dit ici pourquoi j’aimais tant ce film.

Et aujourd’hui ?

Millenium
Réalisation : Niels Arden Oplev
Distribution : Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Lena Endre
Scénario : Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg d’après l’œuvre de Stieg Larsson
Synopsis : Mikael Blomqvist, journaliste économique chez Millenium, est contacté par un riche industriel, Henrik Vanger. Celui-ci a perdu sa nièce il y a près de quarante ans et est persuadé que c’est un membre de sa famille qui serait l’assassin. Mikael est en charge de mener l’enquête, bientôt aidée par une hackeuse aussi intrigante que peu loquace…

La saga Millenium repose essentiellement sur deux choses : l’éclairage que proposent les romans sur les différentes violences faîtes aux femmes en Suède et le personnage étonnant de Lisbeth Salander. Pour l’adaptation du premier tome de la fameuse trilogie, le réalisateur a parfaitement retranscrit l’ambiance du roman. En prenant quelques libertés avec l’histoire certes (le passage de Mikael en prison qui est décalé dans le film) mais en s’attachant à délivrer la même sensation d’éloignement qui transparaissait de ce volume. Adapter les deux autres tomes s’avèrera sûrement plus compliqué mais c’est une autre histoire.
“Les hommes qui n’aimaient pas les femmes” était le roman le plus lent de la saga, celui qui devait mettre en place l’intrigue et les présenter les différents personnages. Le film s’inscrit dans cette lignée, pose les bases de l’intrigue générale et donne même des pistes précieuses sur la suite des aventures.
Le souci, finalement, c’est Mikael. Beaucoup plus faible que dans les romans de Stieg Larsson, sa vie de jouisseur impénitent est totalement passée sous silence. Pire, à la fin du film, -Attention SPOILER- c’est lui qui semble avoir le cœur brisé. Alors que, dans le roman, c’est Lisbeth qui le surprend avec Erika et prend donc la décision de quitter la Suède. A la fin du film, on voit bien Lisbeth s’envoler vers d’autres cieux sans comprendre pour autant que cette décision fut motivée par un chagrin d’amour.
Outre ce bémol et une réalisation parfois un tantinet trop classique, ce premier volume de “Millenium” est un très bon policier et offre à Noomi Rapace le rôle d’une vie, elle qui interprète avec une justesse qu’on n’osait à peine espérer le rôle de Lisbeth Salander. Très bonne mise en bouche donc avant les deux autres volumes, autrement plus rythmés.

Haine, incompréhension, admiration et fascination réciproque, les relations entre les Britanniques et les Français sont pour le moins complexes. Deux cultures radicalement différentes, deux modèles économiques presque antinomiques, une monarchie contre un idéal républicain, Adam Smith et Colbert, les Beatles et Johnny Halliday, Manchester et le PSG, “Trainspotting” et “La haine”, Beckham et Zidane… Bref, nos deux contrées sont proches mais semblent tellement loin l’une de l’autre.

L’actualité cinématographique nous donne, une nouvelle fois, l’occasion de le remarquer. Deux comédies sont actuellement en salles : “Good morning England” pour représenter l’autre côté de la Manche et “Incognito” pour porter les couleurs bleu-blanc-rouge. Deux comédies réussies et porteuses toutes les deux d’un véritable folklore. Petit comparatif.

La musique
Les deux films ont la musique en commun. “Good morning England” raconte l’histoire d’une de ces radios pirates en vogue en Grande Bretagne dans les années soixante qui défiaient l’autorité gouvernementale en diffusant du rock ‘n’ roll subversif et dérangeant à souhait. De l’autre côté, “Incognito” narre les péripéties d’un contrôleur SNCF qui, après avoir mis ses rêves de gloire de côté, retombe sur un cahier de composition qui appartenait à un des membres de son ancien groupe. Il va l’exploiter, rencontrer les bonnes personnes et devenir, un an plus tard, une véritable star nationale.

Avantage incontestable à “Good morning england” qui, au delà des rouflaquettes qu’arborent majestueusement les acteurs (Nick Frost est un génie), nous transporte littéralement 50 ans en arrière par le biais d’une B.O parfaite. Voir cette équipe de DJ’s vivre, dormir, respirer et même coucher pour la musique a quelque chose de diablement attirant. Quant à “Incognito”, si le sujet et la présence au casting de Benabar s’y prêtaient, la musique n’est pas franchement envahissante. On serait tenté de dire tant mieux tant les rares chansons fredonnées par Luka, le personnage qu’interprète Benabar, font davantage penser aux sonorités qui firent il y a déjà une éternité le succès de Kyo qu’aux envolées déjantées de Jimi Hendrix.

Ah et puis, lors de la dernière scène, “Good morning england” a le bon goût, pour prouver que le rock n’est pas mort, de présenter une compilation d’albums présentant un lien plus ou moins développé avec le genre musical concerné. Parmi eux, “The eminem show”, “The blueprint” et “Fear of a black planet”. Forcément, ils m’ont eu.

L’humour

“Good morning england” a l’avantage d’avoir un réalisateur/scénariste diablement talentueux en la personne de Richard Curtis (“Love actually”, “Quatre mariages et un enterrement”, “Le journal de Bridget Jones”) capable de rendre une scène anodine terriblement drôle. Une phrase, un bon mot, une référence placée au bon moment et le tour est joué. Entre déclarations d’amour au rock, tentative de dépucelage et déclarations de guerre lancées aux animateurs radio rebelles (savoureux Kenneth Branagh), les dialogues font presque tout le temps mouche.

De l’autre côté, l’humour est différent. Point de raffinement british. Les personnages ne s’appellent pas le Comte et ne postulent pas au titre de mec le plus cool de la planète. Dans “Incognito”, le principal ressort comique s’appelle Francis (Franck Dubosc). On le voit jouer à la Wii cul nul, soupçonné d’adultère, manger aux toilettes et enchaîner gaffe sur gaffe… Du Dubosc lourdingue en somme ? Etonnamment… Non. En utilisant Dubosc et son image de séducteur dans un véritable contre-emploi d’artiste loser tapeur d’incruste depuis dix ans, le réalisateur a trouvé l’équilibre parfait. Dubosc surjoue à peine et quand il le fait, ça ne paraît jamais inapproprié. Parallèlement à ça, les scènes que partagent Benabar avec Jocelyn Quivrin ou Isabelle Nanty fonctionnent également à merveille.

Avantage “Incognito”. “Good morning england” fait souvent sourire, parfois rire. “Incognito”, c’est l’inverse.

Les acteurs

On l’a dit Dubosc est parfait. Benabar surprend agréablement dans ce rôle de star dépassée par les événements. Jocelyn Quivrin, comme d’habitude, fait très bien le boulot. Les seconds rôles, avec Isabelle Nanty en tête, sont excellents. Soit.

Mais rien de comparable avec la prestation des acteurs de “Good Morning england”. Parmi eux, impossible de ne pas citer Bill Nighy qui, pour le coup, devrait sérieusement penser à clasher T.I. Déjà imposant de nonchalance (si si c’est possible) dans “Love actually”, il remet magistralement les couverts ici dans le rôle du boss de la radio. S’il fallait représenter l’idée que l’on se fait du flegme britannique, il suffirait simplement de montrer sa photo. A côté de lui, on retrouve une pléiade d’acteurs plus (Kenneth Branagh, Philip Seymour Hoffman, Emma Thompson le temps d’une apparition) ou moins connus (Nick Frost, le binôme de Simon Pegg ou Rhys Ifans, le fou furieux de “Human nature”) qui campent tous avec un naturel épatant leurs rôles.

Avantage “Good morning england” donc.

Les personnages

Sur ce point, la comparaison est presque déloyale. “Incognito” est tenu par trois personnages alors que c’est toute une équipe de football qui s’exprime dans “Good morning england” avec chacun leurs propres personnalités. Il n’empêche que “Good morning england” mérite son point car Richard Curtis réussit à faire coexister ces différentes identités et à les rendre toutes attachantes.

Avantage “Good morning England”.

Le truc qui fait la différence

Critère éminemment subjectif mais il en faut bien un.

“Incognito” est seulement une très bonne comédie qui remplit sa mission de divertissement. “Good morning england”, malgré quelques grosses ficelles, développe des thèmes universels : le passage à l’âge adulte à travers l’histoire de Carl, cette musique dont on a tous plus ou moins besoin, cette vie de bohème et de passionné dont tout le monde rêve à un moment… Et surtout, surtout, cette phrase terrible prononcée par Philip Seymour Hoffman :
“On vit nos meilleures heures. C’est triste mais je le sais.” Boum, punchline.

Avantage “Good morning england”.

Tout ça pour dire que : Même si le comparatif donne une nette victoire à “Good Morning England”, il n’en demeure pas moins qu’“Incognito” est une excellente comédie et constitue une des vraies bonnes surprises de ce premier semestre 2009.