Acabo de leer la biografía de Alfredo Landa escrita por Marcos Ordoñez. Se titula Alfredo el Grande, Vida de un cómico, y está en Aguilar. Recomiendo su compra. Después de toda una vida dedicada a la interpretación, el tipo sabe de lo que habla. Os dejo este trozo, que me ha gustado mucho. Dice Alfredo:

“(Nuestras películas) no llegaban a la suela de las grandes comedias italianas de los cincuenta y los sesenta, en eso estoy de acuerdo contigo, y me fastidia un poco (…) Es cierto: apenas hay películas en el cine español de la altura de La escapada, Una vida difícil o En nombre del pueblo italiano. Eran comedias populares pero con un componente crítico que aquí no hubo. Por la dictadura, obviamente. Hubo una película de Sordi, te acordarás, El médico de la Mutua, que no sólo fue un gran éxito sino que obligó a los políticos a reformar, en cierto modo, la seguridad social italiana, de la que era una sátira muy bien traída, muy certera. Les obligó a mirar de frente el problema. Por eso el cine italiano de entonces estaba siempre por delante del nuestro. Aquí hemos tenido actores extraordinarios, pero no ha habido una generación como la de Sordi, Gassman, Tognazzi y Manfredi. Y aquellos guionistas: Age y Scarpelli, Ennio Flaiano, Ettore Scola…De eso aquí siempre hemos andado flojos, con las excepciones de rigor. Lo que nunca me canso de repetir: la mayoría no reescribían, iban al bulto. La falta de pasión, el no entregarse para dar lo máximo, el cancaneo y la vagancia, eso es lo que siempre nos ha perdido. Nos pierde lo fácil, lo barato. ¿Por qué no nos tomamos más en serio las cosas? (…) Las mejores películas (…) eran inspiraciones del momento. Les seducía una idea, una trama, y se ponían manos a la obra, pero se cansaban enseguida. Se encogían de hombros y todo su talento lo dedicaban a la vida, que también tiene su mérito. No había un esfuerzo continuado, un deseo de mejorar. Quizás es que no somos un país de esfuerzos continuados sino de chispazos y abandonos.

Lo jodido es que mucha gente esforzada se quedó en el camino. Jardiel (Poncela) murió por eso. El mayor renovador del teatro cómico en España, por no decir en Europa o más allá, muere amargado, machacado por la crítica, rechazado por buena parte de su público. No pararon de meterle palos en las ruedas hasta que se amargó y reventó. Tuvo que enfrentarse con un público adocenado, con unos críticos cabestros…

Si hubiera nacido en otro país hoy estaría en todos los panteones. Cada obra de Jardiel era un intento de ir más allá, de innovar, de hacer algo distinto, y eso, amigo, es una lucha muy desgastadora. Y el mismo Mihura. Dime si no es para amargarse que escriba Tres sombreros de copa en 1933 y no estrene hasta 1953. ¡Más de veinte años en el cajón! Y luego, cuando tiene éxito, le salen los listos y le dicen que se ha traicionado, que se ha vendido a la burguesía. “No, es que usted era bueno entonces. Usted lo que tenía que haber hecho era joderse la vida y seguir por aquel camino. Hasta la inmolación”.

Chi mi ama mi preceda. Ormai non desidero che ciò che mi viene ripetutamente offerto.

Nessuno meglio di Ennio Flaiano ha saputo cogliere le melanconie della mezza età.

Come al solito, c’è molta verità in questa frase.

L’amore è una scelta.

Essendo una scelta, non può, come diceva Proust, essere altro che una pessima scelta.

Accade così che, o sfiduciati dalle esperienze precedenti o semplicemente per l’aver perso mordente nell’assumere decisioni importanti, arrivati ad una certa età, tendiamo a lasciare agli altri l’iniziativa.

Salvo eccezioni….

«Uno dei motivi, forse il principale, che faceva di Graziano uno scrittore inedito era la sua ripugnanza a scrivere. Il tavolo, la penna, la pagina bianca da riempire: ecco gli strumenti di una tortura che egli rinviava di giorno in giorno, affidando le sue fantasie alla memoria o, peggio, disseminandole in quadernetti, in uno stile conciso che non tardava, sfumata l’ispirazione, ad ammantarsi di mistero. Sfogliandoli nei momenti di disperato rimprovero, alla ricerca di un avvio utile, trovava appunti come questo: “Ragazza bellissima ascolta mus., odia amante”; e invano tentava di risuscitare l’episodio o l’idea che gli avevano suggerito di scrivere accanto: “Se ne potrebbe fare rac. abbinato a storia gatto”. Così, nello stesso quaderno trovava consigli rivolti a se stesso, che lo sorprendevano per un rigore altrettanto oscuro: “Non arrabbiarsi. Controllare a Natale”.»

[...]

«Di questa giornata mi rimarrà un ricordo sgradevole di freddo e di vento, e di una curiosità inutile: non è un impulso sentimentale che mi trattiene, né la curiosità del turista ma soltanto una noia irrequieta. Certo potrei andarmene, non ho niente da fare quaggiù, invece forse ci resterò fino alla fine, preso dal fastidio di lasciar scorrere il tempo in un luogo che non mi piace e tuttavia credendo di ingannarmi a osservare le cose che mi colpiscono. A che scopo, poi? Per concludere che non ne valeva la pena o che non c’è niente di peggio di voler guardare da naturalista una vita che ha le sue miserie ma anche un segreto che si apre solo a chi vi partecipa fino in fondo.»

[Ennio Flaiano, Una e una notte]

Ombra, la domenica del Riformista

Super Entomo, l’eroe di Napoli e le sue ronde (di Stefano Ciavatta)

I nuovi equilibri del Secondo Mondo (di Stefano Feltri)

Joe Petrosino, Serpico d’Italia ucciso dalla Mano Nera (di Alberto Tristano)

16 marzo 1959, la Dolce Vita batte il ciak (di Andrea Minuz)

U2 e IRA ( d Antonello Guerrera)

Fulvia La Riformata di Fulvio Abbate

La Zona Cieca di Chiara Gamberale

Le strisce di Stefano Disegni

Domani su Ombra del Riformista

Manchester, da Dickens a Ferguson (di Antonello Guerrera)

Oltre i politici e i partiti, la Casta è lo Stato canaglia (di Alberto Mingardi)

l’Unità, ragazzi con la pistola (di Piero Sansonetti)

Mapplethorpe, pornografo rinascimentale (di Francesco Bonami)

Addio a Pinelli, fabbro di capolavori con Fellini e Flaiano (di Michele Anselmi)

Fulvia La Riformata di Fulvio Abbate

La Zona Cieca di Chiara Gamberale

Le strisce di Stefano Disegni

Nel 1961 venne prodotto e distribuito in Italia un bel film (dopo ve ne faccio vedere un pezzo), che vantava alcuni tra i più bravi attori dell’epoca.

Li cito in ordine alfabetico: Lilla Brignone, Tino Buazzelli, Edoardo De Filippo, Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni.

Scusate se è poco.

Eppure ebbe pochissimo successo. Mentre piacque molto in Francia e Spagna: proverò a spiegare il perchè dopo averne riassunto la TRAMA.

Viveva in un palazzo cadente della vecchia Roma un principe (De Filippo), che rifiutava di vendere il palazzo (uno speculatore lo avrebbe trasformato in un supermercato): morto il principe, un gruppo di fantasmi (a cui si aggiunge lo stesso principe) riesce a salvare il palazzo in un modo molto originale.

La domanda è: perché una commedia così brillante (soggetto di Flaiano e Scola, mica còtica) e magnificamente recitata non è piaciuta al pubblico italiano?

Secondo me agli Italiani proprio non piace l’idea della morte. Nonostante la retorica del “siam pronti alla morte!” dell’Inno di Mameli, qui da noi ogni accenno (anche indiretto) all’argomento suscita solo imbarazzo e toccamenti vari.

Eppure è un tema che riguarda tutti. Come l’amore. La morte (con o senza l’amore) riempie la letteratura, l’arte e la musica di tutte le epoche, da Omero a Mozart, dall’Amleto a Garcia Lorca, dal Giudizio di Michelangelo a Saint-Saens.

Insomma, in Italia il film non è piaciuto. Vi consiglio di cercare il DVD (non è facilissimo trovarlo): io ho trovato la versione spagnola, che però è bilingue (volendo, puoi sentire Gassman e Mastroianni doppiati) e comunque, per avere un’idea,  beccàtevi questo video.

Grazie alla rete la mia frequentazione de “Il Giornale“, così come per un certo numero di testate al di fuori di quella che continuo a comprare e leggere più per inspiegabili ragioni affettive che per condivisione della linea editoriale e stima dei singoli giornalisti che vi collaborano, è quotidiana. Tuttavia non avevo letto mai niente di Steno Solinas il quale, in questo pezzo “Il Bel Paese imbruttito, passato dalla vita dolce a quella (troppo) bassa“, mi ha riportato all’Arbasino dei tempi d’oro su “La Repubblica”.

Ve lo ripropongo come lettura di un qualche interesse, con le mie sottolineature in neretto:

“La vita bassa, il tanga, l’infradito, le sneakers, il leopardato, il loft, il cool, il web, il mansardato, il Democrat, la Governance, l’Enforcement, il Welfare, la Privacy, il Red, Competition is Competition, oh yes, we can…

Da dove cominciamo, dove siamo andati a finire? L’Italia è questa cosa qui, di cui fatichiamo a definire i contorni, da cui fatichiamo a mantenere le distanze, un concentrato di stereotipi e di parole d’ordine a braccetto con le mises più improbabili. Politici che vestono come gangster, gangster che vestono come collegiali, collegiali che vestono come mignotte… Aveva intuito tutto Longanesi mezzo secolo fa: «Una società, la nostra, in cui ogni cosa assomiglia a un’altra diversa. Palazzi che sembrano navi; negozi che sembrano cliniche; chiese che sembrano garages; scuole che sembrano prigioni. Il revolver soltanto sembra un revolver. Ci deve essere una ragione». Allora era l’alba di una mutazione architettonica, la babele degli stili avendo perso una coerenza stilistica, oggi è la grande mutazione antropologica e linguistica. Guardiamo i nostri figli e non li riconosciamo. Parliamo e non ci rendiamo nemmeno conto di cosa stiamo dicendo.

Va di moda il linguaggio prêt-à porter. «Benigni ha avvicinato i giovani alla Divina Commedia» diciamo ispirati. Ovvero, «Pavarotti ha avvicinato i giovani alla lirica». Ma anche: «Con la caduta del Muro di Berlino si è chiusa un’epoca», «Con l’11 settembre si è chiusa un’epoca», «Con l’elezione di Barak Obama si è chiusa un’epoca…». Resta solo qualche perplessità. «Mas cchessomài sti zingari rummeni? Sso bullgari?».

Va di moda l’abbigliamento prêt-à-porter, di cui Alberto Arbasino dà conto, fra l’altro, in un libretto non a caso intitolato La vita bassa (Adelphi editore). «I giovani in magliette luride e jeans cenciosi oppure in completini neri da ufficio con camicie bianche e scarpette cacchina, innumerevoli vecchi più o meno canuti e tinti, ma generalmente furibondi, ragazze con fuori tutte le cicce, ragazzi con fuori altre cicce sopra la vita bassa».
Va di moda l’alimentazione prêt-à-porter. Il brunch, il lunch, il light-lunch, l’after hour, l’happy hour, il fusion nei lounge-bar, a braccetto con «gli antichi sapori» e lo slow food: l’aceto balsamico, la trattoria della Sora Lella, la coratella, la stracciatella, la panzanella… È come un diluvio che tutto lava e sommerge, servito su piatti triangolari, rettangolari, ottagonali. Tanto poi c’è il fitness, il pilati, lo spinning, il body contact, il body language, il body massage…

«La vita bassa» di Arbasino è un po’ la metafora di ciò che siamo, un Paese che si è messo i pantaloni sotto le chiappe e se li tira su ogni volta che fa un passo. Dalla vita in su è la fiera dello stracafonal made Roberto D’Agostino, il compendio di tic, desideri, ossessioni di un popolo che ha fatto della bruttezza la propria bellezza, un esercito di tronisti e di veline, postini dell’amore e del dolore, teorici dell’effimero e sacerdoti del rito presenzialista: «Appaio, dunque sono». Persi in un modello di sviluppo di cui ci sfuggono i contorni e non sono più così certi i fini ultimi, gravati da una crisi del Politico che sotto una contrapposizione fittizia destra-sinistra nasconde la medesima difficoltà a dar risposte adeguate, preoccupati da un orizzonte economico sempre più fosco, siamo un Paese che ha rinunciato a essere e si accontenta di esistere. Come tarantolati, affidiamo le nostre chances di riuscita individuale al nostro non saper fare nulla, motivo d’orgoglio e non di vergogna, visto che anche se si sapesse far qualcosa, sarebbe comunque inutile. La Casa, l’Isola, il Condominio, la Talpa, la Biscia, la Zoccola (nomi veri e nomi falsi, è lo stesso) raccontano l’invasione della mediocrità che vuole diventare famosa proprio perché mediocre, che reclama il successo come le fosse dovuto. «Anche noi» dicono i suoi rappresentanti, «perché noi no?» protestano.

«È la stampa, bruttezza» dice Arbasino. Come definire altrimenti le rockettate del Primo maggio 2008 sui teleschermi dove le celebrazioni delle morti bianche sul lavoro torinese sono affidate a «smandrappati e sgallettate punk funk, afrocult, tribal fuck, stereopissed, videoshit»?.. «È la stampa, bruttezza», diciamo noi con lui di fronte al trend antipopulista che oppone alla volgarità, berlusconiana, of course, «il proprio status di miliardari esemplari, sempre benpensanti nel senso giusto e mai populisti nell’accezione pecoreccia, con dietro tutto un salottismo illuminato, e fior di pranzi placés col fior fiore degli ex capi del Pci d’antan e delle Rifondazioni di nicchie anche se tardive e depennate nel mix effimero del “verismo” clientelare e carrieristico».

Magari è «il Nuovo che avanza» sotto il profilo estetico-sociologico e bisogna farsene una ragione. Ma non vi suona strano che per offendere qualcuno da noi gli si dia del «signore»? «Il signor Berlusconi non sa», «Il signor Veltroni ignora»… Così, con sprezzo, così, con disprezzo… Non vi suona strano ritrovarsi come dandies manager dalle babbucce rosse firmate, giornalisti cataloghi ambulanti dell’ovvio di lusso, politici che sono il re dell’accessorio, i cantori del rigatino di velluto e delle clarks anche d’estate? Gente che per confermare la propria eleganza fa il nome del cravattaio alla moda da cui si serve, del sarto di grido presso cui si veste, della spa dove, gratis, va in vacanza per ritemprarsi? Ma, una volta, non li si sarebbe definiti parvenus?

Magari è «il Nuovo che avanza» nel campo della politica, e anche qui bisogna farsene una ragione. E certo, suona irreale il Luigi Einaudi (una bella mostra lo ricorda ora a Milano) del racconto di Ennio Flaiano. Un pranzo al Quirinale, lui, Gorresio, un altro collega e l’allora presidente della Repubblica, un vassoio di pere portato dal cameriere, Einaudi che ne prende una e dice ai suoi commensali: «C’è qualcuno che vuole spartirla con me?». «Era il tempo delle pere spartite» commenta Flaiano. «Poi venne quello della spartizione delle pere. E dell’Italia»… Eppure, e senza nostalgie, «ricordanze,… Rimembranze… Remember… September…» come dice Arbasino, cosa dobbiamo dire di questo diluvio di dichiarazioni, controdichiarazioni, smentite, soliloqui, turpiloqui, cachinni, sberleffi? Uno dice «la ricreazione è finita» e intanto dalle proteste vien giù il mondo della scuola, un altro difende con fierezza l’istruzione pubblica, ma intanto manda i figli negli istituti privati, c’è chi dà del terrorista al nuovo presidente degli Stati Uniti e si ritrova come un terrorista sui manifesti dell’opposizione, c’è chi si lamenta perché la politica gli ha impedito di vincere un Premio Nobel e non c’è nessuno che lo interni… Il tutto, naturalmente, in un’euforia di Governance, Politica del Territorio, Valori Identitari, Rappresentatività, Serietà, nel contesto, nel digesto, nel regesto, nella misura in cui…
No, non è questione di guardarsi indietro, il «torniamo al passato, sarà una novità» del povero Giuseppe Verdi (a proposito, chi era? Un cantante rock, un regista pulp, un attore hard, boh.. Urge una Giornata della Memoria, Per Non Dimenticare, Per Ricordare…). Però, se intanto ci tirassimo su la vita dei pantaloni? Non per altro, per non inciampare proprio sul traguardo…”

da Il Giornale grazie a Dagospia

A – Questi sono ragionamenti da cretino.
B – Cretino a me? Come ti permetti di dirmi cretino?!
A – Non ho detto cretino. Ho detto pretino – Ragionamenti da ecclesiastico, volevo dire, un po’ tortuosi, ma non per questo sciocchi.

(un minuto dopo)
A – Stai ragionando come uno stronzo.
B – Stronzo a me? Come ti permetti? Io ti spacco il muso.
A – Che hai capito? Ho detto: sbronzo. Ragioni come uno che ha un po’ bevuto, estrosamente. Non è un’offesa.

(un minuto dopo)
A – Ragioni come un pederasta frocio.
B – Ragiono come posso.

(Ennio Flaiano – Taccuino ottobre 1959, da “Frasario essenziale per passare inosservati in società”, Bompiani 1986)

Flaiano conosceva già il nostro capo (che tutto dì¹ e tutto può) fin da allora?

[Via]

¹ Dì=dice. Sennò non faceva rima

Flaiano: Tra 30 anni l’Italia non sarà come l’hanno fatta i governi ma come l’ha fatta la televisione. (Anni ‘70)

Pasolini: Per mezzo della tv il Centro ha assimilato a sè l’intero paese, che era così storicamente differenziato e ricco di culture originali. Ha cominciato un’opera di omologazione distruttrice di ogni autenticità e concretezza. Ha imposto i suoi modelli: che sono i modelli imposti dalla nuova industrializzazione, la quale non si accontenta più di un uomo che consuma, ma pretende che non siano concepibili altre ideologie che quelle del consumo.

Ed é così che l’ex parlamentare del PRC Wladimiro Guadagno (alias Vladimir Luxuria) sbarca sull’Isola dei famosi accettando le indiscrete telecamere, le facili e insulse battutacce, condite da una malsana sessuofobia.
In contemporanea il Presidente del Consiglio, ospite del mitico one-man-show Vespa (scambiato per Emilio Fede, dal Cavaliere), si perde tra le gambe di Miss Italia e i baci appassionati della campionessa Vezzali. La stessa Vezzali confida che si farebbe “toccare” (malizioso io, sta usando il gergo della scherma, ovvio) volentieri da Berlusconi.

Disgustorama.

Il calabrone entra nella stanza illuminata, va a battere velocemente contro la lampada, le pareti, i mobili. Rumore secco delle sue zuccate. Dopo un po’ si acquatta per riprendere le forze. Ricomincia contro la lampada, le pareti, i vetri, e daccapo contro la lampada. Infine cade sul tavolo, zampe all’aria, la mattina dopo è secco, leggero, morto. Non ha capito niente, ma non si puo’ dire che non abbia tentato.

Ennio Flaiano – un appunto, 1957

Il 6 luglio cerimonia di consegna del Premio intitolato allo scrittore.  Pescara, Teatro D’Annunzio.  Il Premio è stato vinto da Alice Munro, con “La vista da Castle Rock” (Einaudi).

“Immancabilmente in abito completo blu ben stirato, camicia bianca e cravatte deplorevoli acquistate ( forse da lui solo) in un sonnolento magazzino giù per via della Mercede, e un fazzolettino candido ad angolo retto nel taschino. Scarpe ovviamente nere e lucidatissime”

Così ci viene descritto Carlo Emilio Gadda nel bellissimo libro che Alberto Arbasino gli ha dedicato, “L’ingegnere in blu”

Sono gli anni ‘50, Roma è ancora la città più bella del mondo e Gadda ha finalmente trovato lì il suo habitat naturale.

Assunto dalla Rai per i servizi di cultura del Terzo programma radiofonico, entra in contatto con tutti i personaggi dell’ambiente letterario della capitale.

Non ha ancora pubblicato Quer Pasticciaccio brutto de via Merulana, il libro formidabile con il quale, lui così compassato e timido, irromperà nella letteratura della seconda metà del Novecento diventandone assoluto protagonista.

Nei circoli letterari gli preferiscono Moravia, Landolfi, Brancati, Commisso e Soldati. Il Corriere della Sera non pubblica i suoi elzeviri.

Consapevole del suo valore, Gadda non può che dispiacersi di questa evidente sottovalutazione del suo talento.

Ma all’improvviso, senza che egli abbia in alcun modo cercato o fors’anche pensato di “autopromuoversi” ( come si direbbe oggi e certo non si usava dire allora) un gruppo di giovani letterati prende a considerarlo come un maestro.

Così scrive Arbasino:

“Carlo Emilio Gadda aveva più di sessant’anni, scriveva da più di trenta, e non aveva ancora pubblicato in volume il Pasticciaccio[...] quando i ventenni degli anni Cinquanta scoprirono la sua posizione ‘centrale’ nella nostra letteratura contemporanea.

E sull’entusiasmo per la stupenda Adalgisa, per le mirabili Novelle del Ducato in fiamme, lo dichiararono massimo autore italiano del mezzo secolo, con immenso dispetto di tutti gli altri”.

Gadda non lo dà a vedere, ma è felice di questa considerazione.

Per moltissimi anni è stato considerato semplicemente un outsider, un eccentrico arrivato tardi alla letteratura.

A questa fama di dilettante ha contribuito non tanto la sporadicità delle sue pubblicazioni, quanto il suo titolo di ingegnere : laurea presa non per vocazione , ma per necessità di sostentamento della famiglia d’origine (media borghesia travolta dalla crisi economica del primo dopoguerra) ed esercitata solo per pochi anni.

Arbasino commenta: “Come se il caso Svevo non insegnasse mai nulla”.

E in effetti è singolare, ma i due narratori più dotati del nostro Novecento, Svevo e Gadda, sono due outsider: il primo fa l’industriale ( e ancora oggi se entrate da un ferramenta trovate le vernici “Veneziani” prodotte dalla fabbrica del suocero di cui Svevo era uno dei dirigenti) il secondo è ingegnere.

Il libro di Arbasino ci porta in un mondo favoloso che non esiste più, anche se resistono i suoi templi: il mondo dei circoli letterari romani degli anni Cinquanta, quello che gravitava intorno al Caffè Rosati e al ristorante il Bolognese di Piazza del Popolo, che frequentava i tè domenicali di Emilio Cecchi e di sua moglie Leonetta Pieraccini, che si attavolava in Trastevere nelle sere d’estate.

Un mondo di cui fanno parte una serie di personaggi mitici come Alberto Moravia, Elsa Morante ( che l’ingegnere chiama ‘ Elsina’), Attilio Bertolucci, Guttuso, Piovene, Bassani ( “il primo paltò di cammello della letteratura del dopoguerra”) Pasolini ( “che doveva scappare prima del dolce perchè sennò i ragazzini non lo aspettavano”), Parise.

Un mondo in cui ai letterati famosi si affiancano presto i cinematografari (Antognoni, Fellini, Visconti) ed uno dei principi della scrittura cinematografica, quell’Ennio Flaiano implacabile nell’appioppare soprannomi a destra e a manca: l’ Incantatore di Sergenti, Pancia Competente, l’Antico Tastamento, il Dandy Cariato, il Latrin Lover, il Giardino dei Finti- Pompini.

Ma più che nella rievocazione dei piccoli aneddoti e delle folgoranti battute, il libro è godibile nel riferire i giudizi precisi e a volte taglienti di Gadda sui colleghi, soprattutto sui grandi della letteratura italiana.

Tra i più ammirati dall’Ingegnere Don Lisander ( come era solito chiamare Alessandro Manzoni), ma quello de “I promessi sposi”, non quello enfatico del 5 maggio o degli Inni sacri.

“Se un Dio estetico mi domandasse in quale personaggio de I promesssi sposi vorrei identificarmi, risponderei subito: Don Abbondio!… per la sua povertà disarmata, la sua paura fisica, la sua ragione stessa d’aver paura, per la confessione che fa a se stesso della sua reale condizione umana. E’ quello che vede più chiara la sua posizione…vera mancanza di spirito esibitivo, narcisistico, gratuito, il più vicino alla mia mancanza di teatralità, di messa in scena”.

Ugo Foscolo? “Uno dei personaggi meno accattivanti della Letteratura Italiana” Gadda si diverte a chiamarlo il Basetta, a dargi dello scimpanzè, del roditore, gli attribuisce scaltrezza, teatralità, opportunismo, ne deride l’enfasi, ne bolla gli errori marchiani, lo definisce, insieme con il Carducci, “il più grande strafalcionista del lirismo italiano ottocentesco”

Giovanni Pascoli? Apprezzabile dal punto di vista estetico il suo sforzo per rinnovare il linguaggio della poesia, encomiabile, sul piano etico,  il suo avvicinarsi alle sofferenze degli umili. Ma quanto infantilismo c’è in questo vecchio signore che passa la vita tra cupi giochi bambineschi con le ormai avvizzite sorelle, tra ridicoli vezzeggiativi e assurde gelosie! Quanta infantile scioccaggine nel suo tentativo di tradurre in poetiche onomatopee il verso degli uccelli!

D’Annunzio? Esibizionista, narciso, retorico e falso quando evoca il suo Abruzzo. Dubbi anche sul suo profilo eroico. Scherno sulla sua fama di iettatore ” I soldati non lo nominavano mai nelle loro canzoni e al sentirlo nominare si toccavano le stellette. Del resto amava circondarsi di decori funebri, di sarcofaghi, di lampade votive…”

Un libro imperdibile.

Ennio Flaiano è stato uno scrittore attento, oltre che intelligente ed arguto.

E’ morto nel 1972, quando ancora non esistevano le tv commerciali.

A quell’epoca Berlusconi era uno sconosciuto palazzinaro con molte idee per fare i dane’ e nessun grillo politico per la testa.

Flaiano non lo conosceva e probabilmente nemmeno ne ha mai sentito parlare.

Ma ha scritto questa piccola profetica frase:

“Fra 30 anni l’Italia

non sarà come

l’avranno fatta i governi,

ma come l’avrà fatta la tv.”

Quello che non immaginava, perchè perfino la sua lungimiranza non poteva arrivare ad una simile illuminazione, era che si sarebbe arrivati anche ad un’epoca in cui la tv avrebbe fatto oltre che l’Italia, i governi.

8 1/2

• Director: Federico Fellini
• Producer: Angelo Rizzoli
• Screenwriter: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli, Brunello Rondi
• Stars: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu,
• MPAA Rating: NR

I would like to start this review by quoting Federico Fellini himself “ As I see, your questions have started to become grave and inquisitional. Is this the beginning of my Trial?” ( “Intervista Sul Cinema”- Giovanni Grazzini )

Some might not comprehend the connection; collusion with Franz Kafka’s “Trial”, Fellini’s “Otto E Mezzo” maintains the assumtion, the erudition, mono-menia of self profound study or disorder of the main character. Like Josef K, Guido Anselmi is pressed hard by the brand of people and church, both getting themselves winded by human nature.

The titles of Kafka’s book and Fellini’s movie assert the lack of synchronicity; “Otto E Mezzo” has no hidden meaning as most articles state. As astonishing as it may seem it is only the “manouevre” of the director: until 1963, Fellini had directed 8 movies and only half of his latest, called “Eight… and a half”. This can’t be looked at as lack of inspiration, but as the story of a movie director unable to separate himself on the pretense that he has lost his imagination and ideas.

Obviously, this movie can be seen like another part of Federico Fellini’s biography, Pace (the director in the movie) can be compared to Rizolli, Luisa Anselmi with Julliette and the rest of the actors to the crowd that made the movie.

It begins with a dream in which Guido seems to choke within his own car; people surrounding him do nothing to save him, they seem to carry on their own problems. This scene is inserted counterclockwise compared to the rest of the movie, giving the audience the chance to catch the filmmaker’s head-idea. For those who have seen “Sniffer” it is easy to grasp the meaning.

Fellini’s head-idea (as I said before) was drawing the portrait of a man seen through different realities ( an oilfield like a collapsed palace that left behind all its stairs, corridors, rooflets, doors and all the intimate objects ). Conocchia, Agostini, Pace and the rest of the crowd thought he was preparing for a science fiction script, or, as Roger Erbert says “a science-fiction epic he has lost all interest in”.

As far as I know, the film took place in a forest near Rome, in which Fellini and the crew built the thermal baths hotel and in Scalera film-studios ( grandmother’s house and the hotel rooms ).

The contrast between Guido’s inside world and the reality shown through the gestures of the troupe. The most shocking part of the movie is Guido’s day-dream harem: all the women in the script appear as wives, lovers or humble servants, living somewhere under the floor; women over 60 get the ultimate punishment: “UPSTAIRS”.

My favorite scene ( and best performing ) is the one with the “prostitute” Saraghina (Edra Gale) ; the punishment for regularly visiting that huge woman was established by a Catholic priest; specific to young Guido he went back to her the next day.

Guido’s dream world is based on Jung’s writings ( as Fellini says ), through the depths of every person, some can find a pretty fascinating universe. This world I am talking about seems worse than reality; in the final scene, Guido’s confession brings nothing but disillusionment, pain and anger; now “sanity leaves the building” in Guido’s mind so he gets himself comprised in his dreamworld again: the writer says there is a gun in his left pocket, so he shoots himself. Bang! Well… he’s alive. Though this scene only took place in Guido’s mind, the words are left said: “It’s better to destroy than create what’s unnecessary.”

Nino Rota’s music seems specially made for Fellini’s likings: buffoons; characters’ moves appear like “will you dance with me?” lines and the presence of Maurice The Magician and Polidor (one of the clowns).

Well, the “fait accompli” is that Guido’s dreams merged with all his memories of the past.

Casini persevera diabolicamente nell’errore e proclama a gran voce che, dimettendosi, Cuffaro ha dimostrato responsabilità e senso delle istituzioni.

La realtà è un’altra: Cuffaro si è dimesso per evitare che andassero  a buon fine le iniziative avviate per rimuoverlo dalla carica.

Nel frattempo si disperano nell’ordine :

1) il pasticcere che ha fatto i cannoli, amico d’infanzia di Cuffaro: sapeva che erano un dolce impegnativo da digerire, soprattutto se mangaiato a metà mattina, ma non immaginava che quelli destinati all’amico Totò gli si sarebbero messi così di traverso sullo stomaco ;

2) Gli amici di Raffadali, paese natale di Totò, che hanno comprato i cannoli: mai avrebbero immaginato che ci fosse qualcosa di male a festeggiare i cinque anni di carcere; fiduciosi com’erano nel discernimento del loro compaesano e, avendolo visto raggiante per la condanna, avevano pensato di fargli cosa gradita…

3) I siciliani onesti ( quelli che i mass media capaci di resistere a tutto tranne che alla tentazione dei luoghi comuni amano definire “la stragrande maggioranza dei siciliani”): il fatto che abbia fatto il giro del mondo la foto del loro Governatore intento a “festeggiare” la condanna non li entusiasma per niente.

…………………………………………………………………………………………………………………………………….

P.S.

La spazzatura a Napoli, i cannoli a Palermo, la lottizzazione della Asl: tre simpatiche vicende emerse in questo primo scorcio di 2008 che dimostrano una volta di più che , come diceva Flaiano, in questo Paese, la situazione è grave, ma non è seria.

Lettera ad una studentessa che sta preparando una tesi su Kafka:

“Cara G.

             non puoi dire che Kafka è soltanto

“uno degli scrittori più

rappresentativi di inizio novecento”!!!.

Mi sembra un giudizio tiepido e ingeneroso.

Kafka non solo è il dominatore della letteratura del 900 , ma anche l’interprete più autentico delle inquietitudini di quel secolo( tra l’altro ancora in parte presenti in questo!).

Proust che pure, a mio avviso, lo sopravanza di poco e che ha scritto le sue opere più importanti esattamente nello stesso periodo ( La strada di Swann è del 1914) non è così moderno e attuale come lui riesce ad essere ancora adesso a 90 anni da quando ha scritto.

Più calore, cara G. , per il povero Kafka!

Era un impiastro totale come uomo e come fidanzato, lo so e questo forse ti condiziona nel giudizio ( lo vorresti più uomo).

Ma la sua grandezza sta proprio in questo. Se la sua capacità di scrittura ed il suo enorme talento visionario, avessero avuto alle spalle una visione serena dell’esistenza, sarebbe stato un piacevole giocoliere della parola, non un titano della letteratura.

Pensa piuttosto alla sfiga di quelli che sono scontenti e tormentati e non sono nemmeno in grado di raccontarlo decentemente !

Se la ricetta per diventare un grande scrittore fosse solo quella di avere un padre invadente, uno schiacciante senso di colpa, una fidanzata ansiosa di convolare a “ingiuste nozze”, una madre impicciona e una salute cagionevole, troppi ce ne sarebbero di grandi scrittori!

Da parte mia, non avendo il talento dello scrivere, almeno posso consolarmi della mia visione non catastrofica della vita, di aver risolto per tempo “il conflitto con il Padre” e di avere una discreta salute.

A presto.

F.

Vincenzo Izzo
a cura di Giulio Guberti
Galleria La Bottega

Dalla parte del salvaguardante ironico?

Giulio Guberti

Da dove cominciare? Come diceva Anassimandro, tutte le cose hanno un principio e una fine. Una citazione tira l’altra come le ciliegie? Comincio da me? Detto così, però, mi sembra banale. Chi lo disse? Maccari? Flaiano? Chi altro? Da buon postmoderno smemorato dirò quindi cosi: Come disse non so chi, comincio da me.

Tutte le volte che incontro qualcuno con un “io” diviso o frantumato mi ci trovo: forse, oggi come oggi, quasi tutti si trovano un io diviso o frantumato (escluso forse gli imbecilli-saccenti). La prima cosa che mi dice Vincenzo Izzo é: Se presento questi due lavori diranno che si tratta di due artisti diversi. Infatti se ne presentasse tre direbbero che si tratta di tre artisti diversi. E così via. Dunque mi ci trovo. Si tratta di una dichiarazione (detta così la frase è un po’ pomposa, tanto più che lui parla sottovoce) di poetica, un’affermazione contro lo “stile”, il rifiuto dell’artista di presentarsi con una griffe riconoscibile, un marchio di fabbrica depositato (l’ha detto anche uno dei Cannibali o dintorni facendo incacchiare un altro/a scrittore/a appartenente alla confraternita dei veci alpin me piase el vin, non ricordo però i due nomi). Non so se lui sappia (ma questi artisti giovani sono perspicaci) ma io so che questa pur non essendo come si dice una novità (un gruppo di artisti milanesi alla fine degli anni cinquanta firmò un “Manifesto contro lo stile”) é particolarmente una caratteristica di molti artisti fin dagli anni ottanta. Fu chiamata anche nomadismo. Prigogine in ambito epistemologico scrisse, prima di altri, di transdisciplinarietà (il trans di transito fu galeotto, diventò femminile). Ci sono connessioni con la fine dei “grandi racconti”? Con Lyotard? Come che sia mi ci trovo. Sempre Izzo mi dice che dovrebbe partecipare a una serie di mostre, più o meno in contemporanea, sparse in tutta la città, di otto artisti giovani, otto personali. Alcuni degli artisti in questione li conosco, altri no. Ci mancherebbe che conoscessi tutti gli artisti giovani di Ravenna: sono una galassia. Sfogliando la mia memoria intravedo quelli che conosco. Sono toni differenti, una situazione molteplice come suol dirsi. E’ anche la prima considerazione che ho fatto visitando la mostra recente dei “californiani” al Castello di Rivoli. Ravenna come Los Angeles? La Romagna come la California? Ricordo che volevo scrivere una lettera a Pier Vittorio Tondelli, i cui libri ho letto con grande ammirazione man mano che uscivano, per dirgli: mi piacciono i tuoi scritti, ma tu, caro mio, con ’sta storia della Nuova California mi sembri un po’ matto. Ora é morto. Vuoi vedere che aveva ragione lui? L’”io diviso” non contraddice l’”io globale”?

Mi chiedo qual é il mio ruolo in questa faccenda. Critico? Salvaguardante come diceva Heidegger? Compagno di viaggio degli artisti come dice il mio amico Vittorio Mascalchi? Izzo mi chiede uno scritto di presentazione, non dice un testo critico, dice solo uno scritto. E ha ragione, infatti come potrei scrivere un testo critico dal momento che devo scriverlo prima di vedere l’installazione, meglio l’ambientazione che lui farà dei diversi materiali che compongono i due lavori? Le ragioni sono le solite: il testo deve andare in catalogo e quindi deve essere finito almeno un mese prima del l’inaugurazione della mostra . Per un artista come Izzo l’ambientazione é importante, é un po’ l’ultimo tocco. Sarebbe, in certo qual modo, come se un pittore che realizza quadri mi mostrasse una sinopia sulla tela e mi chiedesse di scrivere del quadro finito. Risfoglio la memoria e mi sovviene quello che scriveva Rosenberg dei minimalisti relativamente alla sdefinizione dell’arte: si poteva anche non vedere l’opera (come del resto anche l’artista poteva non vederla compiuta, e limitarsi a mandare in officina un disegno di un Cubo su un foglio millimetrato con le misure e il tipo di metallo da usare) bastava che qualcuno gliela descrivesse l’opera a Rosenberg; ora la situazione si é capovolta. Infatti posso aver visto l’Opera-zione di Izzo ambientata in un luogo diverso, ma non so quale sarà l’esito della nuova ambientazione. Dunque escludiamo il critico e mettiamo un bel punto interrogativo dopo il salvaguardante.

Procederò così: descriverò i “materiali” che compongono i due lavori, farò libere associazioni di idee se capiterà. Poi immaginerò “io” l’ambientazione almeno per uno dei lavori. Perché? Non é stato detto davanti ai sette mari che lo spettatore ha sempre più importanza nella decostruzione (e quindi anche nella ricostruzione) dell’opera? Inoltre la documentazione e ciò che chiamo “i materiali” di Izzo mi mettono in moto l’immaginario (vorrà pur dire qualcosa?). Non é un po’ questo che dovrebbe fare il salva-guardante secondo Heidegger? Guardare l’opera d’arte ma anche salvarla. Salvarla dove e come? E’ “artisticamente e/o criticamente scorretto.. se dico: prima di tutto nella mia immaginazione?

IZZO UNO

TITOLO Senza titolo. ANNO 1997-1998.

MATERIALI Fotografie sfuocate a colori su acetato di scarpe e altri indumenti. Carreni a piccole ruote (posso chiamarli trabiccoli?) con sopra la fotografia di una buccia di banana

DIMENSIONI delle fotografie: possono essere diverse, dipende da dove devono essere ambientate: miracoli della riproducibilità fotografica di benjaminiana memoria. La principale operazione é quella della “velatura”, antico procedimento pittorico di copertura parziale dell’icona a partire dai colori più scuri per finire a quelli più chiari e, in fase finale, di copertura della superficie dell’opera con una vernice trasparente per rendere omogenei i colori. La figura retorica che si potrebbe invocare é quella della sineddoche, della parte per il tutto: la velatura provocata dall’acetato al posto di tutti i procedimenti pittorici. Dall’altra però l’operazione ricorda la “velina”, sotto forma di censura o di nascondimento. Heidegger sosteneva che l’opera d’arte nel mentre si apre tende anche a nascondersi: alétheia/lethe.

AMBIENTAZIONE L’accostamento tra la foto sfuocata della scarpa e il trabiccolo con la buccia di banana va, mi pare, al di là dell’ironia per arrivare alla satira, finanche allo sketch. Come suol dirsi: lasciateci divertire. Anche se, in un ambiente molto grande con molti trabiccoli nel pavimento, la satira diventa inquietante e forse si cambia in altro, magari in un incubo onirico.

AMBIENTAZIONE IMMAGINARIA Molte foto appese al muro fanno un’”esposizione”, per dirla all’antica. Una solo foto magari situata nel pavimento e appoggiata alla parete fa un ambiente. Si potrebbe infatti indicare come “la sala della scarpa sfuocata”. Intravedo quest’opera in un ambito spaesante, in grandi spazi di transito, stazioni ferroviarie, aeroporti, “non luoghi” come li chiama Marc Augé. L’associazione di idee é quella con l’ambient music o discreet music o mousique d’ameublement. Erik Satie che fu un precursore parlava di musica d’arredamento, “disegnata”; “la vedo, scrisse, come una musica che può mescolarsi coi rumori delle forchette e dei coltelli senza sommergerli”. John Cage che abbinava musica a colori, ne parla come di una musica “da non ascoltare col cervello tra le mani”, con la concentrazione che si dedica appositamente ad altra musica; una musica che si percepisce mentre si fanno altre cose, si mostrano i documenti per improbabili verifiche d’identità, si cammina con pacchi e valigie. Brian Eno ne fece un disco divenuto leggendario: Music for Airports, appunto. Ecco, quest’opera di Izzo deve essere non già vista ma intravista mentre “si vive”come si intravede l’ambiente. Se mai al passeggero frettoloso rimarrà un dubbio, una specie di rimorso, come a volte capita davanti a un oggetto ambiguo. “Perchè non mi sono fermato”, si dirà svegliandosi di notte, “forse ho perso qualcosa”, e si riaddormenterà pacificato. Non c’è niente che pacifichi i frettolosi come le non-spiegazioni.

IZZO DUE, FORSE TRE…

TITOLO Senza titolo. ANNO 1997-1998

MATERIALI Fotografie a colori e in bianco e nero che riprendono frammenti di cielo con nuvole o frammenti di paesaggi. Accrochage fotografico di pezzi di mucca disposti per contiguità. Foto di margherite, citazione di Manet, come hanno evidenziato i suoi esegeti. Le fotografie sono appese con chiodi al muro o appese incorniciate con leggere cornici di legno. Possono anche essere messe sul pavimento appoggiate al muro. Secchi di zinco con all’interno foto arrotondate di pesci rossi nuotanti nell’acqua.

DIMENSIONI Le fotografie sono di misure diverse tra loro e in rapporto alle dimensioni dell’ambiente. I secchi sono quelli comuni prima della plastica.

L’AMBIENTAZIONE consiste nel predisporre a varie altezze le foto incorniciate o meno in modo da creare tutt’attorno alle pareti un ambiente frammentato, un accrochage appunto o, se si vuole, una quadreria. Sul pavimento vengono situati in vario modo i secchi di alluminio con le fotografie dei pesci rossi all’interno. L’ambiente artistico ha una storia non proprio recentissima: penso alla fascia ininterrona che avvolge due stanze all’Orangérie di Parigi con le Ninfee di Monet, al Fregio Beethoven di Klimt che avvolgeva la scultura del grande musicista approntata da Klinger, agli ambienti di Fontana, a quelli mostrati da Germano Celant nella Biennale di Venezia del 1976 in una sezione chiamata appunto Ambiente/Arte, ecc. O a quelli chiamati da Francesca Alinovi Pittura/Ambiente: sempre nel 1976 con Giovanni Accame curai una mostra di pittori emiliano romagnoli di questa tendenza al Magazzeno del sale di Cervia. In quegli anni furono fatte sottili distinzioni, oggi, mi pare, si tende preferibilmente all’eclettismo. L’ambiente di Izzo questa volta si presta meno a voli immaginari dello spettatore: gioca da una parte con un paesaggio frantumato che può anche rimandare a problematiche ecologiche e dall’altra con l’ironia del trompe l’oeil dei pesci rossi che non inganna solamente l’occhio ma smuove anche la nostra coscienza sull’ambiente terrestre di cui l’artificio in galleria diventa simulacro, una simulazione come sottende l’etimologia. Ed è strano e paradossale che una doppia menzogna, il trompe l’oeil e il simulacro, predisponga a una verità per lo meno interpretativa. Rorty infatti sostiene che l’ironia è il contrario del senso comune. Si potrebbe aggiungere, anche del buon senso. Non è improbabile che si arrivi a un’epoca in cui gli unici pesci del pianeta saranno quelli conservati nei vasi di vetro sopra i tavoli delle case. L’ambientazione può essere sdoppiata: si possono separare le foto a parete dai secchi e sistemare questi ultimi in altro e diverso pavimento. L’ambiente (la sua forma, la sua grandezza la presenza o meno di colonne, ecc,) cambia l’opera, e anche la presenza dell’uomo (salvaguardante o meno) cambia l’ambiente e cambia l’opera. E non solo dal punto di vista ermeneutico, ma di fatto: sarebbe sufficiente a dimostrarlo il confronto tra una fotografia dell’opera in un ambiente privo di persone e una fotografia presa dalla stessa posizione ma con una o più persone all’interno dell’ambiente. Una constatazione che pone evidentemente problemi non solamente sociologici ma addirittura teoretici.

AMBENTAZIONE IMMAGINARIA A me i pesci rossi ricordano il titolo di un libro un tempo famoso di Emilio Cecchi: “Di profilo erano piccole triglie o sardelle purpuree. Di faccia erano vecchi mostri arcigni dell’epoca degli Han” (che c’entri o no col lavoro di Izzo non può fregarmene di meno: uno non é padrone delle proprie associazioni che, infatti, sono manifestazioni dell’inconscio come ha raccontato Freud. Del resto l’ho dichiarato fin dal titolo che mi sono messo dalla parte dello spettatore a cominciare da me stesso, e, in questo momento, dal mio Es). Un tempo, quello di Cecchi, nel quale un critico per una misteriosa facoltà e per condivisione generale decideva da solo con un articolo pubblicato in un brutto settimanale, per il resto dedito a matrimoni di principesse, l’entrata dalla porta principale di uno scrittore, come disse Calvino, nella Repubblica delle Lettere. E questo valeva anche per pochi critici d’arte (Cecchi del resto era un longhiano) e per la Repubblica dell’Arte di un tempo. Repubbliche oggi scomparse, sia ben chiaro. Questa testimonianza di mallevadoria (mano levata in segno di giuramento) si è estinta: sia per il critico che a questo punto non gli rimane altro… che diventare uno scrittore come sosteneva Borges, sia per la galleria d’arte, un tempo così borghesemente rassicurante. Che infatti non venderà l’opera di Izzo anzi le opere, come del resto altre opere di altri autori… Propongo di mettere un cartello fuori dalla galleria nel quale sia il critico che il gallerista dichiarano il loro fallimento per inadeguatezza ai tempi correnti. Chissà cosa inventerà il Dio Mercato del futuro al posto di questi due suoi residuati.

From the ironic custodian’s viewpoint?

Giulio Guberti

Where to start? As Anaximander would have said, all things have a beginning and an end. One quotation leads to another, just like cherries. Shall I start from myself? Although said like that, it sounds banal to me. Was it Maccari, Flaiano, or someone else who said it? As a good postmodernist amnesiac, allow me to put it this way: since I don’t know who said it, i’ll start from myself.

Whenever I meet someone with a divided or fractured self I feel a kind of companionship: perhaps these days practically everyone has a divided or fractured self (except know-it-all imbeciles). The first thing Vincenzo Izzo said to me was this: “If I present both these works they’ll say they are the work of two different artists.” Indeed, if he were to present three they would speak of three different artists. And so on and so on. So I feel companionship. It’s a declaration of poetics (put that way it sounds rather pompous, the more so since he speaks sotto voce), a proclamation against “style”, the refusal of the artist to present himself with a recognisable trademark (one of the Cannibali has also said it, thus getting up the nose of some writer or other – male or female – belonging to some old codgers club, but I don’t recall either name). I don’t know whether he knows (these young artists are perspicacious), but I know, that although not exactly a novelty (at the end of the Fifties a group of artists from Milan signed a “Manifesto against Style”), it has characterised many artists, particularly since the Eighties. It has also been called nomadism. On the subject of epistemology Prigogine wrote, before others, of trans-disciplinarianism. Maybe there are links with the demise of “Grand narratives” or with Lyotard. In any case, I feel a kind of companionship.

Anyway, Izzo told me that he would be taking part in a series of more or less simultaneous exhibitions, disseminated throughout the city, of eight young artists Ð eight personal exhibitions. I know some of the artists in question, though not all of them. How could I possibly know all the young artists in Ravenna: there are galaxies of them. Digging through my memory I glimpse the ones I know. Their voices are different, there’s a situation of multiplicity. It reminds me of my first impressions when visiting the recent “Californians” exhibition at the Castle of Rivoli. Ravenna like Los Angeles, Romagna like California? I remember wanting to write a letter to Pier Vittorio Tondelli, whose books I read with great admiration as they appeared, to tell him: I like your writing, but my dear fellow, this idea of a New California is a bit over the top. Now he is dead. But maybe he was right, maybe the “divided self” is not in contradiction with the “global self”.

I ask myself what my role in all this might be – critic, custodian as Heidegger said, or fellow traveller of artists, as my friend Vittorio Mascalchi says. Izzo asked me to write a presentation – he did not say a critique, just a presentation. And he is of course right, for how could I write a critique before seeing the installation (or ambient) that he will create with the different materials that compose the two works? The reasons are the usual ones: the text must appear in the catalogue and therefore must be finished at least a month before the exhibition opens. For an artist like Izzo the ambient is important, it’s the final touch. To some extent it’s as if a painter had showed me a sinopia on the canvas and asked me to write about the finished picture. Digging into my memory again I remember Rosenberg writing about the minimalists regarding the in-definition of art. Even if he couldn’t see the finished work (as indeed an artist may not see it completed, simply sending to the workshop a drawing of a Cube on graph paper outlining the dimensions and the type of metal to be used) it was sufficient for someone to describe a work to him. Here the situation is reversed. I might have seen Izzo’s Operazione installed in one place, but I can’t know the effect of the new installation. So I must set aside the critic and also write a big question mark after custodian.

I shall proceed as follows: I shall describe the “materials” that make up the two works and freely associate ideas, if any come. Then I shall imagine an ambient at least for one of the works. Why? Has not the ever-growing importance of the spectator in deconstructing (thus also reconstructing) the work of art been announced to the wide world? Moreover the documentation, and what I shall call Izzo’s “materials”, get my imagination going – that must mean something. This is after all more or less what a custodian ought to do according to Heidegger look at the work of art but also protect it. But protect it where and how? Would it be artistically and/or critically wrong for me to say, “First of all in my imagination?”

Izzo One

TITLE Untitled. YEAR 1997-1998.

MATERIALS Out-of-focus colour photographs on acetate, of shoes and other items of clothing. Little carts with small wheels (could I call them little crocks?) with on top the photograph of a banana skin.

DIMENSIONS of the photographs: these may vary, depending on where they are to be installed: the miracles of photographic reproducibility of Benjaminian memory. The main operation is velatura, an old painter’s technique consisting of partially covering the image starting from the darker hues and finishing with the lighter ones, and finally covering the surface of the work with a transparent varnish to make the colours homogeneous. The figure of rhetoric that might be invoked is that of the synecdoche, the part for the whole: the velatura being caused by the acetate instead of by complete application of the technique. At the same time however the operation hints at “veiling” the truth, as in censorship or concealment. Heidegger claimed that while opening itself up the work of art tends also to hide itself: alétheia/lethe.

AMBIENT Juxtaposition of the out-of-focus photograph of the shoe and the crock with the banana skin seems to me to go beyond irony and reach satire, even comedy. As they say, let’s have our bit of fun. Yet in a very large environment with lots of crocks on the floor, this satire might become disquieting and maybe turn into something else, maybe something nightmarish.

IMAGINARY AMBIENT A large number of photographs hung on a wall constitutes an exhibition in traditional terms. A single photograph, perhaps on the floor propped up against the wall, makes an installation. It might be called the room with the out-of-focus shoe. I could imagine this work in an environment of displacement, in large spaces designed for transit, railway stations, airports – non-places as Marc Augé calls them. My association of ideas is with ambient music or discreet music or mousique d’ameublement. Erik Satie, who was a forerunner, talked of music designed, like furniture; “I see it” he wrote, “as music than can blend with the tinkling of knives and forks without overwhelming it. John Cage, who combined music with colours, spoke of it as music “not to be listened to with your brain in your hands” or with the same kind of concentration devoted intentionally to other kinds of music, but rather music to be perceived while doing other things, while showing identity papers at improbable identity checks, or walking with parcels and suitcases. Brian Eno recorded an album of it which has become a legend: Music for Airports. Indeed, this work of Izzo’s should be not so much seen as taken in, while living, just as the environment is taken in. At the most, a hurried passenger will be left with a doubt, a kind of regret, as sometimes happens when we are confronted with something ambiguous. “Why didn’t I stop?” he will say to himself awaking in the night, “perhaps I missed something”, and he will go back asleep, serene once more. There is nothing like non-explanation for soothing the hasty.”

Izzo two, perhaps three…

TITLE Untitled. YEAR !997-1998

MATERIALS Colour and black and white photographs depicting fragments of sky with clouds or fragments of landscapes. Photographic accrochage of portions of cows set out side by side. Photographs of daisies, a hint of Manet as his exegetes have pointed out. The photographs are nailed to the wall or hung in light wooden frames. They could also be on the floor propped up against the wall. Zinc buckets and inside them, round photographs of goldfish swimming in water.

DIMENSIONS The photographs are all of different sizes in proportion to the dimensions of the environment. The buckets are of the kind current before plastic.

AMBIENT consists of placing at various heights the framed and unframed photographs so as to create a fragmented environment, an accrochage indeed, or if you like, a bunch of pictures. The aluminium buckets with photographs of goldfish inside are variously distributed on the floor. Installation art goes back quite a way: I’m thinking for example of the uninterrupted frieze which embraces two rooms at the Orangérie in Paris with Monet’s Water Lilies, of Klimt’s Beethoven Frieze which embraced Klinger’s sculpture of the great musician, of Fontana’s installations, of those exhibited by Germano Celant at the Venice Biennale in 1976 in a section called Ambient/Art and so on. Or of those called Painting/Ambient by Francesca Alinovi: yet again in 1976 in collaboration with Giovanni Accame I put together an exhibition of painters from Emilia-Romagna with this tendency at the Magazzeno del sale in Cervia. In those years subtle distinctions were made, today it seems to me, the tendency is preferably towards eclecticism. Izzo’s ambient this time is less supportive of a spectator’s imaginative flights: on one hand it plays with a fractured landscape, which might suggest ecological problems, on the other with the irony of trompe l’oeil, of goldfish which not only deceive the eye but also prod our conscience with regard to our terrestrial environment, of which the artefact in the gallery becomes a simulacrum, a simulation as etymology suggests. And it is strange and paradoxical that a double falsehood, trompe l’oeil and simulacrum, prepares us for a truth at least on an interpretative level. Rorty indeed claims that irony is the opposite of common sense. We might well add, of good sense. It is not at all improbable that there will come a time when the only fish on the planet will be those kept in bowls on tables in peopleÕs homes. The ambient could be split into two: the photographs on the wall could be separated from the buckets and the latter could be put on different kinds of floor surface. The ambient (form, size, the presence or lack of columns and so on) changes the work, as the presence of people (custodial or otherwise) also changes the ambient and the work. Not only hermeneutically, but in actual fact: to demonstrate this it would be sufficient to compare a photograph of the work in an ambient without people and a photograph taken from the same position but with one or two people inside the ambient. A realisation that obviously poses not only sociological but also theoretical problems.

IMAGINARY AMBIENT The goldfish remind me of the title of a once famous book by Emilio Cecchi: “In profile they were small mullet or purple pilchards. From the front they were haughty old monsters from the times of the Han” (whether this has anything to do with Izzo’s work is not my concern: you cannot control your associations, which, as Freud taught, are manifestations of the subconscious. In any case I declared in the heading that I was going to take the part of the spectator and start with myself, and at this moment, with my Es). In Cecchi’s times there was a critic who, thanks to some mysterious faculty, decided alone and to general acclaim, in an article published in a trashy weekly devoted in general to the weddings of princesses, whether a writer should enter the Republic of Letters, as Calvino put it, by the front door. This also applied for a few art critics and the Republic of Art of the time (Cecchi was in any case a Longhian). Such Republics are long gone, of course. Such recommendations are no longer extant, both for critics, who at this point have no alternative but to become writers, as Borges said, and for art galleries, once such reassuring places in a bourgeois way, and which will certainly not put up for sale Izzo’s work or indeed other works by other artists. I suggest a notice be hung outside galleries on which both critics and gallery owners admit their collapse, brought about by their not being in step with the times. Who knows what the God/Market of the future will invent to take the place of these two obsolete institutions.

CURRICULUM

Esposizioni personali

1998
Gellibits, a cura di Francesco Toscano, Bologna

1997
Spazio Aperto, G.A.M., a cura di Dede Auregli, Bologna (cat.)
S. Maria delle Croci, Ravenna (cat.) Werkgalerie Spohstrasse, Kassel

1996
Reservatorio Patriarcal, Lisboa
“Un saluto al cugino francese”, a cura di Danielle Londei, Bologna, (cat.)

1995
“Teatri di vita”, Bologna (cat.)
Galleria Medusa, a cura di Giancarlo Papi, Cesena 1994
Galerie Nikki Diana Marquardt, Paris
Galerie Nikki Diana Marquardt, Paris

1993
Galleria “Il Navile”, a cura di Claudio Marra, Bologna

1992
“Palazzo Rasponi delle Teste”, Ravenna

Esposizioni collettive

1998
Festa di Primavera, a cura di Fabio Cavallucci, S. Sofia

1997
“Ultima generazione 2″, a cura di Serena Simoni, Lugo, (cat.)
“S.P.A. solo per amore”, Ex magazzino dello zolfo, Ravenna
Romagna-Kassel, Galleria d’Arte Vero Stoppioni, a cura di Fabio Cavallucci e Giancarlo Papi, S. Sofia

1996
“Quotidiana, che cos’è la scultura”, a cura di Renato Petrucci e Federico Collesei, Galleria Civica Padova, (cat)

1995
Galleria Medusa, a cura di Giancarlo Papi, Cesena, (cat.)
Serre des Beaux-Arts, a cura di Jacques Bonnaval, S. Etienne, France
“EXIT-POLL”, a cura di Andrea Beolchi, Palazzo Albertini, Forlì (cat.)
Paysages, artistes en résidence, St. Genest-Malifaux, France
“L’uomo e la libertà”, Galleria Manica Lunga, Ravenna

1994
Biennale dei giovani creatori dell’Europa e del Mediterraneo, Lisboa, (cat)
Galleria Municipale d’Arte della città di Cesena

1993
“Museco Esule”, M.A.C., Rimini, (cat.)
“ForliArte”, a cura di Vittoria Coen e Gilberto Pellizzola, Palazzo Albertini, Forlì, (cat.)

Concorsi e premi

1996
Vince la 4 edizione del programma Pépinières, giovani artisti europei, sezione fotografia
“ICEBERG ‘96″, giovani artisti a Bologna: “menzione speciale della giuria”, opzione fotografia, “menzione speciale della giuria”, opzione arti plastiche

1995
“L’uomo e la libertà”, premio della giuria á
Vince la selezione nazionale del 4 programma Pépinières, giovani artisti italiani, opzione fotografia

1994
Vince la selezione “ICEBERG ‘94″, giovani artisti a Bologna, opzione fotografia

1993
“ForliArte”, menzione speciale della giuria
Borsa di studio ERASMUS per la cinematografia, Université PARIS 8, Paris