e na festa de sábado, claro.

c-heads magazine // issue #18

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Julie

Un breve excursus sulle Avanguardie: l’arte cinetica e programmata, il MID – Movimento Immagine Dimensione – raccontata in un video esclusivo da Marco Meneguzzo, curatore indipendente e docente all’Accademia di Belle Arti di Brera.




Oggi si parla sempre di più – complice lo sviluppo del web 2.0 che vede un crescente ruolo degli utenti-fruitori come autori capaci di generare contenuti – di interazione e multimedialità nell’arte, forse dimenticando che sull’argomento è già stato fatto e detto qualcosa in tempi non sospetti.
Negli anni cinquanta e sessanta l’arte cinetica e programmata introduce il movimento nell’opera artistica e il concetto di un rapporto attivo fra l’opera d’arte e lo spettatore.
Diverse sono le denominazione attribuite a questa corrente. Con Arte cinetica si intese sottolineare, fin dall’inizio, il tema del movimento dell’opera; con Arte visuale si pose invece l’accento sulla visualità strutturata in una dimensione sperimentale; con Arte gestaltica si rimanda alle modalità della fruizione dell’oggetto artistico da parte dell’osservatore, basandosi sopratutto sugli studi di Rudolph Arnheim. Infine con l’arte programmata si approfondisce l’aspetto etico complessivo dell’arte, del suo farsi e suo organizzarsi; in questo senso rappresenta un momento storico nodale, poichè l’operazione creativa viene definitivamente a perdere ogni componente spiritualistica che, nonostante tutto, aveva caratterizzato quasi tutte le avanguardie storiche e perciò conquistando una precisa configurazione laica, antiromantica ed antimetafisica. In Italia si formano così diversi Gruppi: a Padova nel 1959 il Gruppo N (Alberto Biasi, Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi, Manfredo Massironi), a Milano nel 1959 il Gruppo T (Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, Gabriele Devecchi, Grazia Varisco) e poi nel 1964 il Gruppo MID, tanto per citarne solo alcuni
Il Gruppo MID – Movimento Immagine Dimensione – composto da Antonio Barrese, Alfonso Grassi, Gianfranco Laminarca e Alberto Marangoni, si forma a Milano nel 1964, presentandosi al pubblico l’anno seguente, e si inserisce all’interno della storia dell’arte programmata. In questo video contributo, Marco Meneguzzo, curatore indipendente e docente all’Accademia di Belle Arti di Brera, offre una testimonianza sulla ricerca di Antonio Barrese, protagonista del MID e di una fase propulsiva e rivoluzionaria nella storia dell’arte, che ha certamente influito su molte tendenze di oggi.

di Norma Pacifico

Proseguono le conferenze all’Associazione  S. Susanna dedicate alla storia e alla cultura della città di Perugia. Il critico Massimo Duranti il 13 novembre ha rievocato la figura del pittore Gerardo  Dottori e del futurismo a cui ha aderito negli anni 20. Dottori , nato nel 1884  e morto nel 1977, ha studiato alle accademie di Firenze e di Roma per poi  tornare nella nostra città ad insegnare all’Accademia. Persona schiva e modesta,  ha lasciato bellissime interpretazioni pittoriche del paesaggio umbro conservate oggi a Palazzo Penna, in collezioni private, in chiese ed edifici dell’Umbria.

L’apporto dell’Associazione S. Susanna alla vita culturale della città si è consolidata negli anni ed è premiata da un pubblico di appassionati di ogni estrazione sociale uniti dall’amore della storia di Perugia.

L’ingresso è libero, l’atmosfera cordiale. Prossimo appuntamento il 27 novembre in cui il prof. Bozzi parlerà del XX giugno e del lavoro delle scuole superiori svolto su questo tema.

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Alcuni disegni progettuali per Albero di luce, eseguiti dal team di Eurostands: nella prima immagine è presentata una visione complessiva della struttura rotante che darà vita agli intrecci luminosi dell’opera, mentre nelle immagini successive è possibile osservare alcuni dettagli del sistema di rotazione.
Ecco un’altro tassello che arricchisce il racconto di questa esperienza, nata da un’idea, realizzata in un’opera e divenuta un progetto di comunicazione.

Os primeiros textos que versam sobre a cidade são carregados de impressões negativas e catastróficas, caracterizando-a como lugar infernal e grotesco, amontoado fadado à autodestruição.

Um exemplo bastante interessante é o conto “O Homem na multidão”, escrito por Edgar Allan Poe, no qual o autor descreve uma misteriosa experiência urbana. O medo e a repugnância pelo espaço urbano aparecia nos textos publicados no século XIX como uma prova da subjetividade ainda contaminada pelos valores e cultura rural.

Os futuristas foram os primeiros a fazerem uma apologia à cidade. O elogio à urbanidade e complexidade dos espaços eram elementos constantes no decorrer de sua obra.

Antonio Sant’Elia ao escrever o Manifesto da Arquitetura Futurista apresentou várias considerações e idéias revolucionárias que foram fundamentais para uma mudança radical nos modelos arquitetônicos das grandes cidades. Para Sant’Elia, era necessário transformar a cidade, em todos os seus aspectos, pois ela tinha sido construída a partir dos interesses de indivíduos que viveram há séculos.

Devo considerar aqui a cidade como uma máquina de sensações contraditórias. Nela, o medo e a possibilidade de felicidade andam juntos e apresentam-se simultaneamente.

A cidade é o império da justaposição.

Siamo stati insieme a Camillo Galetti di Eurostands alla carpenteria metallica dove si sta realizzando la struttura d’acciaio dell’Albero di luce; gli operai lavorano alla rifinitura del grande sostegno centrale e delle componenti della struttura rotante. Vedere la nostra idea diventare realtà è elettrizzante.

Chi ha stoppato 12 lumacone fucsia di 2 metri per 3 in pieno centro a Milano??? E soprattutto, che ci fanno?

Questa marcia è un’installazione di cracking art.
Per chi non ne avesse mai sentito parlare, si tratta del movimento creativo nato a Biella nel 1993 per il quale le opere d’arte sono realizzate in materiale riciclabile. Le si riconosce perchè sono spesso mastodontiche e, con le loro forme di animali, invadono strade, piazze, mostre… insomma:  l’arte che vive nell’habitat dell’uomo.

In realtà non dovremmo esserne stupiti di vederle: i 6 designer artefici delle lumacone sono gli artisti dei coccodrilli colorati che qualche tempo fa avevamo avvistato in giro per Milano.

Una volta appurato di cosa si tratta, però, mi rimane un dubbio: PERCHé???

L’ha spiegato l’Assessore Comunale alla Cultura Massimiliano Finazzer Flory:

«La velocità non sempre è una virtù e queste chiocciole per le strade sono un invito non solo alla lentezza, ma anche all’ascolto, visto che la loro forma ricorda quella dell’orecchio. La chiocciola poi è un animale che si muove con la sua casa sulle spalle e noi vogliamo far muovere Milano assieme all’ambiente».

Un modo per ribadire il detto: “chi va sano và piano e và lontano”?

Un po’ strano se pensiamo che la città dovrebbe correre, anzi,  affrettarsi, verso l’Expo 2015 e che quest’anno ha festeggiato il centenario del Futurismo, il movimento artistico per eccellenza milanese e votato alla velocità.

In ogni caso, questo allarme invasione lumacone non è solo un colpo di colore fucsia in un contesto di purissima pietra bianca (tipica dello stile delle due Piazze, del tutto neoclassico) ma soprattutto un duro colpo al ritmo frenetico e a quel camminare da maratoneti che noi milanesi assumiamo, quasi fisiologicamente, ogni volta che attraversiamo il centro città.

E dove andranno? “Partite” lemmi lemmi in fila indiana da Palazzo Marino, le 12 sorellone – per fortuna non bavose – si sono momentaneamente fermate in Piazza della Scala e Piazza San Fedele (quella dietro il panzerottaio Luini con la statua di Alessandro Manzoni).

Ma non ci rimarranno per molto: con il loro incedere teneramente impossibile in una metropoli come Milano – il traffico le avrebbe già spiaccicate tutte – a gennaio arriveranno in Stazione Centrale per poi migrare fuori dalla Milano contemporanea.

Le lumacone fucsia raggiungeranno alcune metropoli gemellate con Milano – Amman, Tel Aviv e Chicago –  e ci torneranno proprio nel 2015, nell’Expo.

Se le incontrate, avvicinatevi con rispetto: sono un simbolo della Milano contemporanea nel mondo nonchè un monito a vivere un po’ più rilassati.

Permettetemi una piccola nota personale: a me piace un sacco l’idea che l’arte sconfini nella vita quotidiana, la interrompa, e per di più con moniti di relax.
Ecco un buon modo di percepire la propria città come un continuo luogo d’arte, non credete?

È partito il conto alla rovescia: finalmente la data di accensione dell’ Albero di luce è definitiva. Abbiamo stabilito il 18 dicembre 2009 come giorno d’inaugurazione di questo grandioso progetto, evento unico nell’arte contemporanea.
L’appuntamento per ammirare l’opera è dunque venerdì 18 dicembre alle ore 18:00 in via Beltrami, Largo Cairoli. Il 17 dicembre invece è fissata a Palazzo Marino la conferenza stampa ufficiale.

Carlo Carrà, nato a Quargnento (Alessandria) nel 1881 da famiglia artigiana, rivela un precoce interesse per il disegno e la pittura.
Nel 1895 è a Milano per le prime urgenti necessità di lavoro, ma vi incontra anche le suggestioni della pittura di Pieviati e Segantini.
Nel 1899 è a Parigi come aiuto decoratore all Esposizione Universale; nel 1900 a Londra. In queste città egli vive la vita chiusa degli emigranti, scopre il pensiero politico degli anarchici e dei grandi maestri del socialismo e ha modo di frequentare i musei francesi e inglesi, molto diversi dai musei italiani (racconterà ne “La mia vita” di essere rimasto incantato di fronte a un quadro di Millet).
Ritornando a Quargnento dipinge, nel 1900. la prima opera che ci è conservata, La strada di casa, un inchiostro e acquerello su cartone, di vaga intonazione romantica.
Prima di approdare all’Accademia di Brera, che frequenta negli anni 1906 – 1908, lavora come decoratore in Lombardia e nel Canton Ticino; nello stesso periodo segue i corsi della Scuola Superiore di Arte Applicata a Milano e vi consegue premi ed encomi.
Saranno proprio i riconoscimenti ottenuti in questa scuola a spingere uno zio paterno ad aiutare finanziariamente Carrà in modo che egli possa seguire i corsi regolari di Brera, allievo di Cesare Tallone, compagno di Aroldo Bonzagni e Romolo Romani.
Carrà raccontando gli anni di Brera ha potuto scrivere: “Quale rapporto avesse l’Accademia di Brera con l’arte è ciò che mi sono domandato spesso senza trovare una risposta. Dirò meglio con tutta franchezza che non vi vedevo alcun rapporto”.
Per quanto contrariato, o deluso, a Brera Carrà entra in contatto reale con l’ambiente dell’arte a Milano; vi incontra Boccioni, trova in Tallone un maestro non prevaricante, ha modo di poter osservare da vicino, seppure fugacemente, l’amato Pellizza da Volpedo già allievo dello stesso Tallone.
Il fatto di essere un “pittore di Brera” gli consente un rapporto amichevole con Grubicy, l’ingresso nel consiglio della Famiglia Artistica dove, esponendo nell’”Intima”, ottiene i primi successi….

fonte: L’arte all’ordine del giorno: figure e idee in Italia da Carrà a Birolli – di Vittorio Fagone – Feltrinelli Editore

Nell’anno del centenario del Futurismo, Milano, città in cui il movimento è nato,  continua a proporre eventi per festeggiare.

“La Milano del Futurismo” è un nuovo itinerario turistico

Leggi l’articolo:

Milano:passeggiate futuriste per famiglie – 100bimbi.

I saw the full 14 minutes of this film the other day and really liked it. It’s always nice to see the beat created by the pace of individual scene and the editing cuts. Life in Milan during that period must have been very interesting because there were different industries integrated into the daily life and it must have been very advanced in compare to the rest of the country.

La costruzione dell’Albero di luce procede ormai a pieno ritmo. Ieri, nel laboratorio di AEMi, abbiamo potuto vedere con i nostri occhi i 20.000 LED dell’Albero di luce, sotto forma di centinaia di cavi, connettori, componenti elettroniche. Ma soprattutto abbiamo visto una porzione finita e splendente di uno degli 8 cavi luminosi che costituiranno l’essenza dell’opera.

In queste foto i tecnici di AEMi lavorano allo sviluppo del programma di colori e intrecci luminosi dell’Albero, testandolo sulla porzione finita del cavo. Il laboratorio è in piena attività, mentre tutto intorno ci sono i componenti elettrici ed elettronici dell’opera. In fine abbiamo fatto una prova molto semplice dell’effetto definitivo dei cavi luminosi in movimento: un risultato entusiasmante anche se ottenuto semplicemente scuotendone una porzione…

L’Albero di luce (Phoenix barresii) svetta come un cerniera fra la terra e il cielo.

C’è un signore che di mestiere fa il muratore e abita in piazza XXIV maggio, a Milano. È una persona mite, sorride e parla poco, si chiama Franco Di Benedetto. Dopo l’ora dell’aperitivo è facile vederlo alticcio. È assurto agli onori delle cronache cittadine perché nel maggio 2004 si è arrampicato sul grande albero accanto alla Porta Ticinese per staccare i tre manichini di bambini appesi da Maurizio Cattelan (fra l’altro cadde pure, lussandosi una spalla). Fu denunciato, ma ebbe la solidarietà di molte persone, e in quartiere si commentava divertiti che da tanto tempo non succedeva qualcosa. L’episodio ebbe anche il merito di risvegliare l’attenzione per uno degli alberi monumentali della nostra città, la grande quercia rossa (Quercus robur) piantata alla fine della Grande Guerra per commemorare i caduti. Un vero gigante, alto e voluminoso, del tutto indifferente alla movida nottura dei Navigli. A Milano ci sono 180.000 alberi, e circa 200 essenze arboree: le specie antiche della pianura padana, come platani, aceri, tigli, querce, frassini e carpini; ma anche specie di importazione come la palma, il gingko biloba e altre cultivar dall’Estremo Oriente e dall’Asia. I buoni milanesi, se si indaga, non sono affatto indifferenti ai grandi alberi della città. Così, ti parlano del maestoso Noce del Caucaso di via Manin (Pterocarya fraxinifolia), o dei 24 Platani di Spagna (Platanus x acerifolia) alti fino a 45 metri in piazzale Libia, o della Metasequoia (Metasequoia glyptostroboides) che d’autunno si veste di colori accesi ai Giardini di Porta Venezia, dove c’è anche –verso Palazzo Dugnani – un Cedro dell’Himalaya (Cedrus deodora); o del Pino di Corsica (Pinus poiretiana) nel Parco delle Basiliche, un albero-scultura senza rami con una chioma spanata in orizzontale sulla sommità che fa pensare a un grande lampione vegetale… Nel linguaggio corrente, c’è una retorica che oppone il dato dimensionale e quantitativo al dato qualitativo: la natura di un oggetto non risentirebbe troppo della dimensioni, quello che conta è la missione, la natura intrinseca. Ma un grattacielo non è una villetta, e una sequoia non è una betulla. Il tema della monumentalità investe di petto l’Albero di luce di Antonio Barrese. L’albero si compone di otto cavi rotanti in acciaio lunghi 30 metri, rivestiti ciascuno per tutta la lunghezza di 60 moduli luminosi di 50 cm, ciascuno dei quali contiene 27 LED RGB. In tutto, a bordo dell’albero, ci sono 12.960 ‘foglie’ luminose, che generano una cascata di luce con infinite pulsazioni. È un inno alle risorse tecnologiche e progettuali, è stato detto, ma anche una scala di Munchausen per salire verso l’alto, e un manifesto positivo rivolto alla città. Insomma, un’esortazione a fare bene. In questo, l’Albero di luce condivide la natura monumentale con i suoi fratelli minori che ci hanno messo anni, cerchio dopo cerchio, a svettare sopra il traffico. Gli alberi monumentali sono un fatto a sé. Sono testimoni di storie antiche, la loro altezza conferisce una saggezza ineffabile, la forza tranquilla di chi sa. Fermarsi vicino a loro è un po’ beneficiare della loro ala protettiva. Non nascondiamocelo, è anche un fatto di dimensioni. Una cattedrale gotica ti inchioda contro il cielo, una chiesetta romanica ti spinge verso un sentimento intimista. L’Albero di luce (Phoenix barresii) svetta come un cerniera fra la terra e il cielo. E sta lì a significare, dall’alto dei suoi 31 metri, che una piattaforma visiva sopraelevata aguzza la visione del mondo.

Sant’Arpino (Ce) 15 novembre 2009 palazzo ducale Pinacoteca Comunale d’Arte Contemporanea  “Massimo Stanzione” A cent’anni dalla pubblicazione del celebre “Manifesto” anche la Pro Loco di Sant’Arpino celebrerà, con una mostra, il secolo del “Futurismo”. L’allestimento che sarà ospitato nelle stanze della “rinata” Pinacoteca d’Arte Contemporanea “Massimo Stanzione” sita all’ultimo piano del Palazzo Ducale “Sanchez de Luna” è il primo appuntamento di un ricco carnet d’eventi programmato dal sodalizio guidato dal Presidente Aldo Pezzella e dal direttore artistico della stessa pinacoteca, il professor Rosario Pinto. Nel presentare la mostra, che sarà inaugurata a metà del mese di novembre, il Presidente Pezzella sottolinea “come la celebrazione servirà soprattutto a creare momenti di analisi e riflessione su un movimento artistico che ha avuto un posto per nulla secondario nella storia dell’arte mondiale. È bello rilevare come per l’occasione confluiranno nella nostra millenaria comunità artisti e studiosi non solamente italiani ma anche stranieri. Nell’anno in cui la Pinacoteca ha predisposto un programma che ne rilanci la presenza e la funzione, dunque, l’evento sul Futurismo si pone come una tappa obbligata e soprattutto di particolare pregio culturale. Il tutto caratterizzato da un impegno costante e tenace come quello della Pro Loco che riesce ad essere particolarmente incisivo grazie alla convergenza di idee e di programmi raggiunta con l’amministrazione comunale, soprattutto nelle persone del sindaco Eugenio Di Santo e dell’assessore alla cultura Giuseppe Lettera. Magistrale, mi sia consentito definire, sono l’opera ed il rigore scientifico del critico Rosario Pinto che in questi eventi dimostra con quanta competenza e lungimiranza dirige la Pinacoteca”.

Roma fino al 5/12/2009 via Giulia, 175  (Inaugurazione Venerdi’, 6 novembre ore 19)  Galleria Andre’ Architetto e scenografo tra futurismo e classicismo Questa mostra, curata da Enrica Torelli Landini e realizzata grazie alla collaborazione degli eredi, presenta per la prima volta la figura di Virgilio Marchi (1895-1960) in tutta la varietà dei suoi interessi.  Architetto, fu uno dei protagonisti del Futurismo, pur con una sua posizione autonoma negli anni’20 progetto’ e realizzo’ la Casa d’Arte Bragaglia e il Teatro degli Indipendenti, ristrutturando antiche terme romane, in Via degli Avignonesi a Roma. Negli anni successivi partecipo’ a importanti concorsi per opere pubbliche, come il Ponte Littorio sul Tevere e il Palazzo Littorio (previsto ma non realizzato in Via dei Fori Imperiali, a Roma).  Progetto’ e realizzo’ infine a Livorno il Cinema Apollo. Scenografo teatrale e cinematografico, collaboro’ con Pirandello e i maggiori registi del primo dopoguerra, curando anche molte scenografie di opere liriche. (Immagine: Tisbea pescatrice, 1940)

Dal 15 dicembre passeggiando tra piazza del Duomo e il Castello Sforzesco all’altezza di via Beltrami, Largo Cairoli, (esplora la zona con google maps) avremo la possibilità di imbatterci nell’Albero di luce. Sarà impossibile non distogliere gli occhi dalle mille bancarelle natalizie per ammirare l’opera che con i suoi 30 metri e i suoi LED colorati saprà catturare anche lo sguardo più distratto.

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Chiamiamo Factory il gruppo che lavora affinché l’Albero di luce diventi realtà.
Pensiamo alla Factory in quanto luogo in cui si manifesta la coralità del lavoro: un fare che nasce dalla sinergia di tante sapienze individuali finalizzate a uno scopo.
Beninteso, non abbiamo alcuna nostalgia per la Factory di Warhol, ma neppure per la Bottega rinascimentale, o per l’Atelier ottocentesco e neppure per i tanti Lab, Laboratori – Fabbriche e Fabriche – Officine e Industrie… espressione di tante attività non individuali.
Nel caso dell’Albero di luce – e di qualsiasi opera d’arte di una complessità non banale – la coralità è polifonica, infatti comprende: capacità ideative, espressive e linguistiche; capacità di produrre l’economia che renda possibile la realizzazione dell’opera; tecnologie illuminotecniche ed elettroniche; ingegneria meccanica ed elettromeccanica, statica, scienza dei materiali; comunicazione, grafica, copywriting e gestione dei media; logistica, eccetera.
Uso il plurale majestatis non perché colpito dal diffuso virus della megalomania, ma solo perché sto scrivendo di un collettivo di lavoro.
Negli ultimi due secoli, nell’arte, raramente si è pensato al collettivo e alla coralità. Prima della rivoluzione industriale, prima che l’arte scendesse dagli altari per acquattarsi nei salotti della borghesia, non v’era altro modo di produrre arte se non la bottega.
Per fortuna l’arte che ci interessa non è quella dell’isolamento e della marginalità: noi ci identifichiamo nell’arte come téchne [tékʰnɛː].
Non crediamo in un’arte di contenuti separati dalla forma o dai mezzi che ne rendono possibile l’elaborazione. Secondo noi i contenuti non siano degli a priori, ma derivino dall’uso consapevole e innovativo dei mezzi tecnici e scientifici ci cui si dispone.
Arte, Tecnica, Scienza, sono la stessa cosa e una nasce dall’intersezione con le altre, nonché dalle relazioni col corpo sociale e con il divenire di esso.
Questa è ciò che intendiamo per téchne: un modo di essere artisti che rifugge la transitorietà delle poetiche e che invece aspira a diventare paradigma di qualità, elaborare la cultura e valorizzare il Lavoro (quello con la “L” maiuscola, quello in cui ci si identifica). Vogliamo che diventi vera l’affermazione: “L’arte è il Lavoro che determina il proprio valore”.
Secondo noi, quindi, la qualità dell’arte corrisponde alla qualità del lavoro.
Ci rendiamo conto che occuparsi di qualità del lavoro, in questi tempi, potrebbe sembrare anacronistico. Però la téchne impone un fare non individualistico in quanto nessuno può governare la totalità delle conoscenze richieste alla produzione artistica e tanto meno potrebbe possedere i mezzi di produzione necessari.

http://www.swif.uniba.it/lei/personali/pievatolo/platone/techne.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Techne

“we declare that the splendour of the world has been enriched by a new beauty: the beauty of speed…” Marinetti, Manifesto Futurista

Como parte do manifesto futurista, um movimento artistico que se expressa pela sua ideologia de ruptura com o passado, que enaltece a violência a mecanização e a velocidade podemos compreender nesta curta série de palavras que se encontram interligadas como um conjunto de valores, que a declaração acima pretende introduzir uma visão do futuro em que o termo “belo” se encontra defenido por ideais divergentes¹ do sentido clássico.

A velocidade tem sido sobretudo o elemento definidor da era informática, desde a forma como “encurtamos” distâncias na comunicação e distribuímos informação, passando pelas nossas máquinas contemporâneas que são avaliadas segundo a sua velocidade², e como Marshall McLuhan³ expõe, o media como veiculo de transmissão que carrega uma mensagem finda ele próprio por se imbuir na nesta criando uma relação simbiótica e influenciando a forma como esta é apreendida. Os novos media e a forma como a nossa necessidade de interacção com os mesmos instituiu um conjunto de padrões comportamentais deu/dá origem a que se possa defenir ainda que não completamente uma cultura digital. Para melhor compreender o que cultura digital significa devemos procurar definir cultura por necessidade,.

No sentido etimológico a palavra cultura provém do latim “cultura” que deriva de “colere” ou cultivar; apesar de esta definição não ser a mais elucidativa para a questão que se coloca é-nos essencial para apreender os vários significados que cultura pode assumir. Cultura pode entender-se como um conjunto de valores partilhados por um grupo ou organização, um apreço educado pelas artes e humanidades e ainda ou de forma inclusiva como um conjunto de padrões integrados do conhecimento humano, sistema de crenças e comportamento dependentes da capacidade de racionalização simbólica e aprendizagem social.

Esta última é sem dúvida a defenição mais interessante (mas não exclusivamente) aquela que melhor nos porpociona uma “framework” na qual podemos erigir os contornos do que representa a cultura digital. Na sua essência cultura digital encontra-se ligada á “era” ou revolução informática e caracteriza-se sobretudo pelos padrões e condicionantes que gera no comportamento humano através das actividades e conhecimento que engloba enquanto uma parte de um todo que é a cultura. Estes padrões e condicionantes são reconhecidos porque para serem considerados como tal precisam de ser ou envolver um meio digital/binário e estes por sua vez são de dificil equivoco. De uma forma concisa cultura digital é um conjunto de valores, de comportamentos e de conhecimentos partilhados, que se caracterizam por envolverem e ou interagirem com e através de meios digitais. Se enterdermos a cultura digital sob esta defenição então dificilmente encontraremos alguem que de alguma forma não se consiga identificar com esta, sendo o exemplo mais banal o telémovel que admiravelmete revolucionou o nosso comportamento e formas de interagir. A cultura digital faz parte da evolução humana e tem um carácter quasi essencial para que possamos continuar a desenvolver a nossa actividade enquanto especie.

Os novos media em conjunto com as novas formas de comunicar, sobretudo tendo a Word Wide Web como veiculo establecem por sua vez novos campos de cultura como as culturas de rede, que podem ser entedidas como relações sociais no sentido tradicional excepto que digitais processadas a uma escala e sobretudo a uma velocidade estonteantes. Em parte esta mimica dos processos tradicionais pelo digital, que pela sua adopção em diversas situações possamos admitir que dele adveem vantagens sem que no entanto não consiga preencher a lacuna deixada pela falta de interacção humana que nos é esencial, converge num paradoxo que contrapõe a homenagem que o digital presta através da imitação, “remediation” e o facto desta digitalização acentuar uma das principais reevidicações pelo futurismo, o triunfo da tecnologia sobre a natureza.

Os novos media sofreram um desenvolvimento dramático num muito curto espaço de tempo, tal deveu-se ao efeito de crescimento exponencial ao qual o conhecimento está exposto, sendo que podemos defenir este evento através de uma carcteristica essencial á cultura digital, velocidade.

Podemos encontrar no manifesto futurista e concretamente na afirmação exposta a idubitavel semelhança que partilha com o célebre preambulo do manifesto comunista, este movimento que na sua fase inicial era reconhecido mas temido o que despertou nos seus principais ideologos a necessidade de realizar um manifesto que tornasse claros os seus objectivos. È nesta semelhança de situações que desprovido de objectivos politicos se apresenta a velocidade como elemento essencial do futuro, como valor que assola todos os continetes que seja ainda veradiramente compreendido.

TUTTO SCORRE…PANTA REI…

Per Eraclito, ogni esperienza l’uomo può coglierla per una volta sola, poiché l’interezza di ogni essere o cosa è sottoposta all’inevitabile divenire. È la legge del Tempo, che passa mutando tutto. D’altro canto, la fotografia rischia di essere, almeno nella concezione che molti ne hanno, l’esatto contrario di questo pensiero eracliteo. Cogliere l’istante e renderlo eterno nella sua immobilità. Ma la fotografia è così solo in apparenza, poiché in quella azione dell’afferrare e del fermare l’attimo c’è tutta l’umana, inevitabile necessità di tendere verso l’infinito, in una perpetua, inarrestabile mutazione dell’animo e del pensiero, oltre che della corporeità di ogni essere. Nick Pilla racchiude nei suoi scatti tutta questa tensione al mutamento. Ogni traccia di essere, cosa e luogo è al contempo immobile e velocissima, ferma nell’istante in cui è stata bloccata dalla sua macchina fotografica e in corsa veloce verso l’attimo successivo. C’è un fluire d’acqua che come pennellate rende tutto movimento, affinché ogni sensazione, o pensiero di chi guarda i suoi scatti, possa andare oltre la visione dell’immediata realtà impressionata nella fotografia per tendere verso sentimenti ed emozioni più universali e come tali perennemente mutabili nella loro immutabilità.

Simone Durante